Lee Morgan Here's Expoobident

Lee Morgan ¬ Here's Lee Morgan, 1960

Recorded at Bell Sound Studio B, NYC, February 8, 1960.

Liner Notes – Barbara J. Gardner

Photography By – Chuck Stewart

Intérpretes

Bajo – Paul Chambers

Batería – Art Blakey

Piano – Wynton Kelly

Saxo Tenor – Cliff Jordan

Trompeta – Lee Morgan

Foto de arriba. Lee Morgan y Clifford Jordan durante un descanso durante las sessiones de grabación de un Lp de Clifford Jordan, 2 de Junio de 1957, en Van Gelder Studios

Debajo, Lee Morgan en un ensayo de la sesiones de Blue Train, de John Coltrane, en Nueva York, septiembre de 1957, con Paul Chambers y Curtis Fuller al fondo, ambas son fotos de Francis Wolff 

Listado de Temas:

Cara A

01 - Terrible T - 05:16 min.

Composición de Lee Morgan

02 - Mogie - 07:44 min.

Composición de Lee Morgan

03 - Im A Fool To Want You - 05:37 min.

Composición de Frank Sinatra, Jack Wolf, Joel Herron

Cara B

04 - Running Brook - 06:10 min.

Composición de Wayne Shorter

05 - Off Spring - 06:21 min.

Composición de Milt Jackson

06 - Bess - 06:32 min.

Composición de Lee Morgan

6 Temas. Tiempo Total 00:37:40

flac ¬ 880 ¬ 235,89 MB

RipPor ¬ Napi#21

El Cielo Y El Dedo

http://ElCieloYElDedo.blogspot.com

Reseñas

Sello: Vee Jay Records ‎– LP 3007

Formato: Vinyl, LP, Album, Promo, Mono

 País: US Publicado: 1960

Género: Jazz Estilo: Hard Bop

Sello: Vee Jay Records ‎– LP 3007 USA 1960

Formato: Vinyl, LP, Album, Promo, Mono                                                                  

Género: Jazz Estilo: Hard Bop

AllMusic Review

https://www.allmusic.com/album/heres-lee-morgan-mw0000188579

by Scott Yanow

      Esta reedición de Cd tiene sus seis canciones originales expandidas a 11 con la inclusión de cinco tomas alternativas. La música es un buen hard bop sólido que muestra a Lee Morgan (todo un veterano ya a sus 21 años) saliendo de la herencia de Clifford Brown para mostrar su propio estilo en rápido desarrollo. Combinado con Clifford Jordan en el tenor, el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Art Blakey, este álbum de Morgan podría pasar perfectamente por un set de los Jazz Messengers.

Lee Morgan, Expoobident. 1961

Vee Jay Records ‎– LP-3015, VJLP 3015

Chicago, 13 y 14 de Octubre de 1960

at Universal Recorders, Chicago, IL

Intérpretes

Bajo – Art Davis

Batería – Art Blakey

Piano – Eddie Higgins

Saxo Tenor – Cliff Jordan

Trompeta – Lee Morgan

Listado de Temas:

01 - Expoobident - 05:04 min.

Composición de Eddie Higgins

02 - Easy Living - 06:01 min.

Composición de Leo Robin, Ralph Rainger

03 - Triple Track - 05:05 min.

Composición de Lee Morgan

04 - Fire - 04:55 min.

Composición de Wayne Shorter

05 - Just In Time - 03:36 min.

Composición de F. Novak

06 - The Hearing - 03:40 min.

Composición de Clifford Jordan

07 - Lost And Found - 03:34 min.

Composición de Clifford Jordan

7 Temas. Tiempo Total 00:31:55

flac ¬ 953 ¬ 215,28 MB

RipPor ¬ Napi#21

El Cielo Y El Dedo

http://ElCieloYElDedo.blogspot.com

Reseñas

Formato: Vinyl, LP, Album, Mono

País: US Publicado: 1961

Género: Jazz Estilo: Hard Bop

Notas de contraportada – Nat Hentoff

Fotografías de Francis Wolff

Lee Morgan ¬ Expoobident 1961

Notas de contraportada, por Nat Hentoft

      Expoobident es otra contribución al argot del jazz de Babs Gonzales, "el vagabundo", historiador informal de la vida jazz y uno de los neólogos más quijotescos. Como es habitual en las frases del jazz, "expoobident" es de uso elástico y puede relacionarse con muchos tipos diferentes de situaciones y todo tipo de fenómenos: masculino, femenino o inanimado. Sin embargo, su connotación es increíblemente positiva si se gana el primer sorteo, por ejemplo, o si se refiere a enamorarse por "última vez". Un niño dice: "¡Papá, eso es expoobident!". Lexicograficamente y en sentido figurado, la interpretación de Lee Morgan comunica una positividad remanente y persistente. Es natural por temperamento y estilo, un introvertido inquietante. Si bien tampoco es un sentimentalista, Lee tiene un enfoque de liderar con alegría mental a pesar de que se encuentra en una de las vocaciones más competitivas y predecibles ¡es expoobident!

      La primera vez que me fijé en lo que se había convertido, fue cuando estaba con la big band de Dizzy Gillespie. Lee solo tenía diecinueve años entonces, pero se sentaba junto a sus mayores con una seguridad casi traviesa y cuando explotó en ese espectacular solo suyo en Night in Tunisia tocó con tal fuego y autoridad que no había duda de que iba a convertirse en uno de los "mayores", en uno de los principales trompetistas modernos.

      En los años posteriores, el estilo de Morgan ha madurado de manera impresionante. Debido a que se volvió tan fluido desde el punto de vista técnico tan joven y porque creció en un lenguaje musical que los músicos mayores tuvieron que reorganizar para aprender, Lee al principio se entregaba con asiduidad al puro placer de la facilidad de múltiples notas para su propio beneficio. A su tendencia a realizar acrobacias se sumaba su exuberancia natural y su agudo sentido del humor. Sus solos están más estrechamente editados ahora y, en consecuencia, son mucho más fuertes en su cohesión y poder concentrado. Afortunadamente, el ingenio permanece, y en un período durante el cual muchos de los músicos han pasado por alto la posibilidad de que el jazz sea simplemente diversión, la presencia de Lee es gratamente bienvenida sobre la base de su buen humor.

      Don DeMicheal en un Down Beat reciente describió con precisión al Lee Morgan actual: "... [su interpretación] avanza, no en pirotecnia ascendente y descendente, sino de una manera fácil, contundente, suave, cálida y lógica. Flota alrededor del ritmo, dejando caer acentos por medio". Y Lee contó a DeMicheal cómo sentía que había cambiado en los últimos años: "Tienes que aprender a usar el espacio. Si no hubiera sido por Miles, probablemente todavía estaría tratando de aportar tanto como pudiera. en un coro [...] en este álbum, hay una serie de ilustraciones particularmente apacibles de cómo toca Lee ahora, se ha seleccionado a un grupo vigoroso de acompañantes. En la batería está Art Blakey, erizado y estimulante, con cuyos Jazz Messengers, Lee ha estado desde septiembre de 1958 y el pianista Eddie Higgins, de 29 años, nació en Cambridge, Massachussetts, pero basado profesionalmente en Chicago en los últimos años. El estilo de Higgins es lúcido, melódicamente inventivo y, afortunadamente, no se puede clasificar fácilmente en ninguna "escuela".

Lee Morgan y Hank Mobley dentro del Slugs

         El bajista Art Davis, de 26 años, nacido en Harrisburg. Pensilvania, estudió en Nueva York en Juiliard y en la Manhattan School of Music. Ha impresionado a varios jazmen modernos destacados (particularmente a Max Roach en cuyo grupo ha tocado) con su maestría musical, tono y gusto. El saxofonista tenor Cliff Jordan, de 29 años, nacido en Chicago, donde adquirió su primera experiencia, ha trabajado con Max Roach, Horace Silver y J. J. Johnson, entre otros. Su forma de tocar es identificable por su tono vigoroso, ritmo fuertemente consistente y una capacidad admirable para desarrollar solos lógicos y económicos. Eddie Higgins escribió la apertura "Expoobident" y la línea tiene una sensación contagiosa de bienestar. Lee es característicamente picante y ataca cada nota con firme claridad. Jordan, siempre emocionalmente directo, ha profundizado su "grito" en los últimos dos años. Higgins es otro jazzista moderno que conoce el valor del espacio. También me sorprende la forma en que su ritmo ha ganado en facilidad y plenitud. 

       La urgencia connotada por la línea de "Fire" es característica de su compositor, Wayne Shorter, saxofonista tenor de los Messengers de Art Blakey. Jordan cava con fuerza mientras Lee aporta el solo crepitante y punzante. (Observe aquí, cómo en todo el álbum, Blakey aguijonea continuamente a los solistas con acentos agudos y al mismo tiempo mantiene una pulsación subyacente poderosa). La creciente capacidad de Lee para un lirismo cálido es clara en "Just in Time", donde su enfoque discreto y juicioso recuerda a Miles Davis en cierta medida, aunque superficial. "Me encantan los acordes", le dijo Lee a DeMicheal, "pero quiero tocar líneas y elegir notas bonitas. Me gusta escuchar el grito de una trompeta, y también me gusta escucharlo en el registro medio, como toca Miles. Creo que se debería tocar de manera diferente en cada canción". Este intérprete indica cuán efectivo puede ser Lee en el registro medio, y también cuán capaz es  para adaptar los requisitos particulares de cada melodía con gran estilo.

       "Triple Track", original de Lee, es un tema muy dinámico. El solo de Lee salta del conjunto y es mordazmente indicador de su tono viril y metálico y su deleite en hacer que la trompeta grite. El sonido oscuro y más anhelante de Jordan complementa el brillo de Lee y "la expoobidencia". Higgins mantiene el estado de ánimo de la pieza pero también agrega un toque personal, casi de sentimiento introspectivo. "Easy Livin' demuestra un crecimiento especialmente marcado en la capacidad de Lee para manejar baladas. Su tono abierto es individual, claro y pleno. Tiene una habilidad sensible con la dinámica y es capaz de ser completamente emotivo sin meterse en baños". Cuando el tiempo se acelera, Lee conserva su preocupación por el sombreado y el fraseo dramático (aunque no melodramático). El estado de ánimo permanece intacto cuando vuelve al tempo original y la expresividad general del solo de Morgan es uno de los más satisfactorios en los discos.

       "The Hearing", con su evocadora insistencia, como un comienzo de tren, es de Ciff Jordan, al igual que el "Lost and Found" final. Una vez más, Lee es sorprendentemente intenso mientras que mantiene un control completo de su bocina y proyecta una poderosa "fuerza vital" (para llevarlo a unas notas de folleto de GB Shaw, "Lost and Found" tiene una "especie de línea de empacado y termina apropiadamente la interpretación con un entusiasmo de celebración en  el  todo, con Lee gritando con placer ilimitado).

      En esa entrevista para Down Beat, Lee dijo con su franqueza habitual "Dizzy, Miles, Kenny Dorham, y tal vez Thad Jones, son los únicos modernistas con un estilo original. Me gustan muchos otros nombres de trompetistas ... hay buenos músicos, pero ellos - y me incluyo a mí mismo - tocamos más o menos parecido". Sin reconocer esto, ha ido evolucionando de manera constante con una rapidez particular. Me parece que una de las bases de lo que oigo en estas actuaciones, es que "Lee" está tocando mucho más que "Lee Morgan".

      Aparte de sus valores musicales inherentes, este es un álbum importante para enmascarar una etapa significativa en el ascenso de Lee Morgan.

Nat Hentoft

37168 – LEE MORGAN – Expoobident

https://www.jazzimagesrecords.com/

Lee Morgan tocando como miembro de los

Jazz Messengers de Art Blakey en un concierto en el

Teatro de Los Campos Elyseos de París, el 15 de Noviembre de 1959

Expoobident | Lee Morgan

30 May 2010 Reviewed by Paul Rigby

       Lanzado originalmente en 1960, este lanzamiento de hard bop comienza con una pista de título relajante, particularmente maravillosa, que hace clic con los dedos y que hará que los hombros se balanceen y las caderas se muevan. La madurez emocional de Morgan se ve aquí en la balada Easy Living, en la que sus tonos abiertos reflejan la naturaleza expresiva de su interpretación, sin volverse enfermizamente dulce. El solo de saxo de Clifford Jordan destaca en la composición de Wayne Shorter Fire, pero Morgan siempre está pisándole los talones con un complejo y penetrante solo. Just In Time, por otro lado, es particularmente íntimo, gracias a su estilo de grabación silencioso y cerrado, con Morgan explorando los registros medios como Miles. Al llegar con dos pistas extra, este es un punto culminante de la carrera temprana del trompetista. 

Here's Lee morgan

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Expoobiden

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Art Blakey.03 Meet You

Art Blakey & The J. Mssgrs, Meet You At The Jazz Corner Of The World. 1960

Sello: Blue Note ‎– 7243 5 35565 2 5

Serie: RVG Edition –

Formato: 2 × CD, Album, Reissue, Remastered, Compilation

País: Europe Publicado:

 Género: Jazz Estilo: Post Bop

Recorded live At Birdland (“the jazz corner of the world”)

New York, NY, on September 14, 1960, By Rudy Van Gelder

Mastered At Cohearent Audio, By Kevin Gray

Lacquer Cut At Cohearent Audio By KPG

Producer Alfred Lion

Intérpretes:

Bajo – Jymie Merritt

Batería – Art Blakey

Piano – Bobby Timmons

Saxo Tenor – Wayne Shorter

Trompeta – Lee Morgan

Listado de temas

Volumen 1

1-1 Announcement By Pee Wee Marquette 1:06

1-2 The Opener 8:29

Compuesto por Hank Mobley

1-3 What Know 10:26

Compuesto por Lee Morgan

1-4 The Theme 1:37

1-5 Announcement By Art Blakey   0:21

1-6 Round About Midnight   9:44

Compuesto por Thelonious Monk

1-7 The Breeze And I 1  0:38

Compuesto por Stillman, Lecuona, Camarata

Volumen 2

2-1 Announcement By Pee Wee Marquette & Art Blakey 1:01

2-2 High Modes 13:09

Compuesto por Hank Mobley

2-3 Night Watch 8:34

Compuesto por Hank Mobley

2-4 The Things I Love 8:26

Compuesto por H. Barlow, L. Harris

2-5 The Summit 9:26

Compuesto por Wayne Shorter

2-6 The Theme 1:35

Made By takt.eu – 2100001690144

Grabado, y remasterizado de 2001, por Rudy Van Gelder

Notas - Leonard Feather

Notas de la reedición de 2002 - Bob Blumenthal

Productor - Alfred Lion

Fotografía de - Francis Wolff

Productor de la reedición - Michael Cuscuna

Grabado en vivo en el Birdland de New York City,

el día 14 de septiembre de 1960.

Todas las transferencias de las cintas analógicas

a las digitales se realizaron con una resolución de 24 bits.

Disco Uno originalmente publicado como Blue Note BST 84054 (Volumen Uno).

Disco Dos  publicado originalmente como Blue Note BST 84055 (Volumen Dos).

(Nota: los casos ocasionales de pico de distorsión son los que se encuentran en la grabación original)

Volume 1

AllMusic Review

https://www.allmusic.com/album/meet-you-at-the-jazz-corner-of-the-world-vol-1-mw0000762649

by Lindsay Planer

      Este es el primero de dos volúmenes que presentan la encarnación, a menudo documentada, de los Jazz Messengers a finales de los 50 y principios de los 60, con Lee Morgan (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor), Bobby Timmons (piano) y Jymie Merritt (bajo). Como siempre, el combo está liderado por los agresivos repiqueteos de Art Blakey (batería). Aquí todos los oídos están sintonizados con la proverbial "piedra angular del  jazz mundial", más conocido como Birdland, donde el quinteto ofrece una sana muestra de su catálogo concurrente. Aunque la grabación en vivo sufre un poco de distorsión, que parece estar en la cinta master en lugar de ser un defecto de fabricación, la calidad general de la interpretación minimiza significativamente todas y cada una de las anomalías de audio. Después de una entusiasta introducción del maestro de ceremonias del Birdland, el muy afable Pee Wee Marquette, la banda presenta el fácil boppin de Hank Mobley y apropiadamente titulado "The Opener", que está marcado por una conmovedora interacción entre Shorter y Morgan. 

     Los cambios de blues sincopado que impulsan el propio "What Know" de Morgan reflejan sus habilidades como el compositor por excelencia de estos Jazz Messengers. Incorpora sus sólidas habilidades de improvisación de swing en un intercambio abierto y libre de ideas sonoras, no solo con Shorter, cuyos solos suenan comparativamente forzados a veces, sino también con la sección rítmica, sólida como una roca, que está dirigida por las señales sónicas de Morgan. La segunda mitad del disco contiene algunos de los cortes más inspirados que se encuentran en cualquiera de las entregas de Meet You at the Jazz Corner of the World. La interpretación melódica y sensible de "'Round About Midnight" se encuentra entre las mejores versiones del estándar Thelonious Monk. 

     Una vez más, Shorter y Morgan bromean sin problemas de un lado a otro, y este último ejecuta una fluidez que contrasta con las respuestas angulares de Shorter. Un animado "The Breeze and I" concluye esta edición, lo que le da a Timmons la oportunidad de estirar y motivar el intercambio de ideas musicales con solos que están bien colocados y que también se sientan cómodamente en el contexto de este combo de metales.

     El gran volumen de lanzamientos de Art Blakey & the Jazz Messengers ha oscurecido Meet You at the Jazz Corner of the World en el contexto de la plétora de discos en vivo igualmente clásicos. Dicho esto, ambos volúmenes son una adición bienvenida a la biblioteca de la mayoría de los amantes del jazz.

Volume 2

AllMusic Review 

https://www.allmusic.com/album/meet-you-at-the-jazz-corner-of-the-world-vol-2-mw0000526448

by Lindsay Planer

      Art Blakey y los Jazz Messengers están de vuelta en el Birdland en esta segunda entrega de Meet You At The Jazz Corner Of The World, 1961. Más de media década después de grabar la obra maestra del bop seminal A Night At Birdland, 1954, el combo, que luce a Lee Morgan (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor), Bobby Timmons (piano) y Jymie Merritt (bajo) regresó a sus antiguos terrenos pisoteando en los cinco cortes incluidos en este disco. La banda se tambalea bajo el ritmo autoritario de Blakey, quien fundamenta el liderazgo emergente de Morgan y Shorter. Si lados como los "High Modes" de Hank Mobley, que impulsan este esfuerzo, son una indicación, la pareja también parece estar aprendiendo de la experiencia de simplemente interactuar entre sí. Este tipo de "entrenamiento en el trabajo" se convirtió en un elemento esencial en los Mensajeros e impulsó a núsicos como Shorter a la órbita de Miles Davis.

     Durante su mandato con Blakey, el estilo de interpretación lírico característico de Wayne se puede escuchar emergiendo activamente durante estas grabaciones. Contrastan los solos e improvisaciones ágiles y melodiosos de Morgan, que se entrelazan a través de las pulsantes e hipnóticas líneas de bajo de Jymie Merritt en los "High Modes" antes mencionados. "Night Watch", otra composición de Mobley, es un lado sincopado e infecciosamente rítmico que destaca la creciente comprensión de Shorter de sus inmensas habilidades de improvisación. Una vez más, estas habilidades le permitirán al músico desarrollarse rápidamente como el instrumentista intrépido que ayudó a revolucionar el jazz moderno con Miles Davis a mediados de los sesenta.

     El Lp concluye con una entusiasta interpretación de "The Summit" de Shorter, que se convertiría en un estándard para esta encarnación particular de los Jazz Messengers. Una vez más, las líneas vuelan rápida y furiosas entre Shorter y Morgan con Timmons anclando de forma segura a los solistas a la sección rítmica igualmente involucrada. Tanto el primer como el segundo volumen de Meet You at the Jazz Corner of the World se recopilaron en una edición de dos CD de Rudy Van Gelder. Esta reedición de 2002 incluye un ensayo recién entintado del historiador del jazz Bob Bluementhal, así como reproducciones de las notas originales de Leonard Feather. Los entusiastas deben tener en cuenta que la distorsión sónica es inherente a las cintas maestras e inevitable en la reedición. Sin embargo, esto no debería desanimar a las partes interesadas ni a los coleccionistas.

Volumen 1 y 2

https://1fichier.com/?ly7usn54vd29dn42gso4

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Max Roach, We Insist! Freedom Now Suit

Max Roach, We Insist! Max Roach's  Freedom Now Suit. 1960

(Candid CJM 8002)

"Se está desarrollando una revolución, la revolución inacabada de Estados Unidos. Se está desarrollando en los mostradores del almuerzo, en los autobuses, bibliotecas y escuelas, donde se niega la dignidad y el potencial de los hombres. La juventud y el idealismo se despliegan. Multitudes de negros están marchando hacia el escenario de la historia exigiendo su libertad !ya!" 

-  Philip Randolph 

Lo que este álbum está diciendo es que el Día de la Libertad está llegando en muchos lugares y aquellos que trabajan para él quieren que se mantenga. En 1937, un negro que todavía recordaba la esclavitud habló de cómo era en 1865: "Estalló el aleluya ... Todos se volvieron locos. Todos nos sentimos como héroes y nadie nos había hecho de esa manera excepto nosotros mismos". Y ¡está ocurriendo otra vez!

 

Max Roach's Freedom Now Suite

Grabado en los Nola Penthouse Sound Studios, de

Nueva York, los días 31 de agosto y 6 de septiembre de 1960

Ingeniero Bob d'Orleans

Supervisado por Nat Hentoff

Fotografía de Hugh Bell, Paul Bacon

Arte de portada Frank Gauna

Notas A. Philip Randolph, Nat Hentoff

Intérpretes

Bajo James Schenck (pistas: A1, A2, B1, B2)

Congas Michael Olatunji (pistas: B1, B2)

Batería Max Roach

Percusión Raymond Mantillo (pistas: B1, B2), Tomas du Vall (pistas: B1, B2)

Saxofón tenor Coleman Hawkins (pistas: A1), Walter Benton (pistas: A1, A2, B1, B2)

Trombón Julian Priester (pistas: A1, A2, B1, B2)

Trompeta Booker Little (pistas: A1, A2, B1, B2)

Voz - Abbey Lincoln

Listado de pistas:

Cara A

01 - Driva' Man - 05:20 min.

Composición de Max Roach, Oscar Brown Jr.

Bajo - James Schenck

Saxo tenor - Coleman Hawkins, Walter Benton

Trombón - Julian Priester

Trompeta - Booker Little

Batería - Max Roach

Voz - Abbey Lincoln

02 - Freedom Day - 06:11 min.

Composición de Max Roach, Oscar Brown Jr.

Bajo - James Schenck

Saxofón tenor - Walter Benton

Trombón - Julian Priester

Trompeta - Booker Little

Batería - Max Roach

Voz - Abbey Lincoln

03 – Tryptich - 08:12 min.

 Grabado el 6 de Septiembre de 1960

3.a Prayer

3.b Protest

3.c Peace

Composición de Max Roach

Batería - Max Roach

Voz - Abbey Lincoln

Cara B

04 - All Africa - 08:04 min.

Composición de Max Roach, Oscar Brown Jr.

Bajo - James Schenck

Congas - Michael Olatunji

Percusión - Raymond Mantillo, Tomas du Vall

Saxofón tenor - Walter Benton

Trombón - Julian Priester

Trompeta - Booker Little

Batería - Max Roach

Voz - Abbey Lincoln

05 - Tears For Johannesburg - 09:45 min.

Composición de Max Roach

Bajo - James Schenck

Congas - Michael Olatunji

Percusión - Raymond Mantillo, Tomas du Vall

Saxo tenor - Walter Benton

Trombón - Julian Priester

Trompeta - Booker Little

Batería - Max Roach

Voz - Abbey Lincoln

5 Temas. Tiempo Total 00:37:32

flac ¬ 816 ¬ 222,31 MB

RipPor ¬ Napi#21

Reseñas

Sello: Candid ‎– CJM 8002, USA Jan 1961

Formato: Vinyl, LP, Album, Mono

Solid Records UVJZ-20006, Japan 09 Dec 2020

Serie: Solid Jazz Giants - Reissue, Remastered

Formato: CD, Album, Limited Edition

Género: Jazz Estilo: Afro-Cuban Jazz, Hard Bop, Free Jazz

AllMusic Review

https://www.allmusic.com/album/we-insist%21-max-roachs-freedom-now-suite-mw0000194826

by Michael G. Nastos

We Insist! Max Roach's Freedom Now Suite, co-escrito por Max Roach y Oscar Brown, Jr., fue un trabajo fundamental en el movimiento de protesta afroamericano de principios de los 60, y sigue siendo relevante en su mensaje y tenacidad. Representa una lección de vida sobre cómo los cientos de años anteriores fueron un ejemplo innecesario de la manera en que la opresión mantuvo a los esclavos, e inmigrantes en general, en su lugar. La vocalista Abbey Lincoln expresa esta opresión tan eficazmente como cualquiera podría con su voz sin palabras basada en el teatro y letras escritas por Oscar Brown que cuentan la triste historia de la lucha de los afroamericanos durante demasiado tiempo. Musicalmente, Roach reunió a una de las mejores bandas, desde su propio conjunto emergente que contaba con desde el trombonista Julian Priester y el sobresaliente trompetista Booker Little, hasta el legendario Coleman Hawkins y el saxofonista tenor menos conocido y subestimado Walter Benton. 

Los percusionistas Ray Mantilla y Michael Olatunji dieron a las piezas poéticas cantadas por Abbey suficiente sustancia y sabor para referirse también al prejuicio y la urgencia de cambios afrocubanos y sudamericanos. Hawkins es particularmente impresionante, ya que su rango emocional durante la profunda y severa canción esclava a 5/4 "Driva' Man" claramente se alimenta del blues de la Lincoln cantando sobre el momento de dejar de fumar. "Triptych; Prayer / Peace / Protest" es la obra maestra del set, presentada por los movimientos de batería característicos de Roach, una voz operística espeluznante o gritos de Lincoln de angustia oprimida, durante un compás 5/4 del percusionista contra un componente vocal más tranquilo, todo escrito para danza interpretativa. Del jazz moderno por el que Roach es famoso, los metal y madera saltan al furioso hard bop con solos de Little, Benton y Priester en "Freedom Day" después de que Lincoln te invite silenciosamente a "susurrar / escuchar", mientras el oscuro bajista James Schenck lidera en ostinato 6/8 y 5/4 sobre los tonos sostenidos de Lincoln en "Tears for Johannesburg", con las lengüetas en capas de armonías dentro y fuera bien trabajadas que dan paso a otra tríada de solos instrumentales. "All Africa" ​​tiene letras de deportes sobre estar en la playa, o tal vez la cabeza de playa en la batalla por la libertad, mientras los cánticos de nombres tribales hacen eco de ritmos de aldea similares. Este es un trabajo fundamental en la discografía de Roach y la música afroamericana en general, su importancia crece en relevancia y en producción emocional real, oportuna y postulada. Cada hombre, mujer y niño moderno podría aprender exponencialmente escuchando esta grabación, un sello distintivo para vivir la vida.

https://www.jazzdisco.org/max-roach/catalog/#riverside-rlp-12-280

https://en.wikipedia.org/wiki/We_Insist!

¡Insistimos! (subtitulado Max Roach's Freedom Now Suite) es un álbum de jazz lanzado en Candid Records en 1960. Contiene una suite que el compositor y baterista Max Roach y el letrista Oscar Brown habían comenzado a desarrollar en 1959 con miras a su interpretación en 1963 en el centenario de la Proclamación de Emancipación. La portada hace referencia al movimiento de sentadas del Movimiento de Derechos Civiles.

La música consta de cinco selecciones relacionadas con la Proclamación de Emancipación y los crecientes movimientos independentistas africanos de la década de 1950. Solo Roach y la vocalista Abbey Lincoln actúan en las cinco pistas, y una pista cuenta con una aparición especial del saxofonista Coleman Hawkins.

Éste es un disco de avant-garde jazz, además de suite vocal-instrumental sobre temas relacionados con el Movimiento por los Derechos Civiles. Incorpora aspectos de las tendencias de vanguardia durante la década de 1960, incluido el uso de un conjunto sin piano, voces gritando en "Protest" y momentos de improvisación colectiva, como al final de "Tears for Johannesburg". Max Roach colaboró ​​con el letrista Oscar Brown Jr. en el álbum y escribieron canciones que tocaron variaciones sobre el tema de la lucha de los afroamericanos para lograr la igualdad en los Estados Unidos. Abbey Lincoln, colaboradora frecuente y posterior esposa de Roach, interpretó la voz en el álbum. Mientras que las letras de Brown eran verbales, Lincoln cantó voces sin palabras en sus cortes.

Brown y Roach comenzaron a colaborar en 1959 en una pieza más larga que planeaban interpretar en el centenario de la Proclamación de Emancipación en 1963. Sin embargo, la urgencia de las cuestiones de derechos civiles los condujo hacia un nuevo proyecto en 1960, el álbum que se convertiría en la Suite ¡Libertad Ya!. Esta urgencia fue provocada por las sentadas de Greensboro, Carolina del Norte, y por el impulso del movimiento de derechos civiles que se estaba extendiendo rápidamente con la ayuda de la Conferencia de Liderazgo Cristiano del Sur (SCLC) y el Congreso de Igualdad Racial (CORE).

"Driva' Man"

Escrito por Max Roach y Oscar Brown, cuenta la historia explícita de la esclavitud a través de su letra y acompañamiento. Nat Hentoff, quien estuvo presente en las sesiones de grabación del álbum, escribió que <"Driva 'Man"es una personificación del supervisor blanco en tiempos de esclavitud que a menudo obligaba a las mujeres bajo su jurisdicción a tener relaciones sexuales". También en la letra hay "pater ollers">. En las notas de Hentoff, incluye una descripción de los patrulleros por parte de un antiguo esclavo que dice que son hombres "que te atraparían desde casa y te desgastarían y te enviarían de regreso a tu amo ... La mayoría de los patrulleros eran gente blanca pobre ... Los pobres blancos tenían que apresurarse para ganarse la vida, por lo que se alquilaron a propietarios de esclavos y recorrieron los caminos de noche y te azotaban si te atrapaban en su plantación sin un pase ".

Esta pista utiliza varias tácticas para evocar sus imágenes de esclavitud. Alisa White describe cómo el compás de 5/4 de la pista agrega un golpe de percusión intenso, tocado por una pandereta o como un rimshot, en el primer tiempo de cada compás. La pista no se desvía de este patrón, que White escribió, "evoca imágenes de trabajo forzado", específicamente un látigo roto. Además, la pista se reproduce en forma de blues que tiene solo seis compases de duración, sin embargo, esto se encuentra en pares, de modo que cada coro tiene en realidad doce compases de duración. Abbey Lincoln es la primera en entrar en la melodía, cantando la melodía a capella y acompañándose con pandereta. Coleman Hawkins luego entra con la melodía de saxo tenor, junto con los tres cuernos que lo apoyan. Después de un coro de melodía instrumental, Hawkins toma un solo de 4 coros. Mientras tanto, Roach mantiene la marca de tiempo inusual de 5/4 con el golpe en el primer tiempo de cada compás. Melódicamente, "Driva 'Man" es la melodía más simple del álbum, basada en una escala pentatónica de Do menor.

Coleman Hawkins hace acto de presencia aquí, e "interpreta a la contraparte masculina de Abbey Lincoln", como señala Hentoff en sus notas. Hawkins se quedaba muy lejos de su parte en la grabación, y se volvía hacia Max Roach asombrado y le preguntaba: "¿De verdad escribiste esto, Max?" En sus notas, Hentoff escribió sobre una interacción entre Hawkins y Abbey Lincoln después de un chirrido en el solo de apertura de Lincoln en "Driva 'Man": "No, no empalmes", dijo Hawkins. "Cuando todo está perfecto, especialmente en una pieza como esta, hay algo muy mal".

"Día de la Libertad"

La segunda pista del álbum, una pista que es una extensión del "Driva 'Man" impulsado por la esclavitud. Esta pista es una respuesta a Emancipation, que se convirtió en ley oficial en 1865. Esta pista también fue escrita y arreglada por Max Roach.

Aunque el tema se titula Freedom Day, Max Roach le confesó a Ingrid Monson que "nunca pudimos terminarlo", porque la libertad en sí era muy difícil de comprender: "realmente no entendemos lo que realmente es ser libre. El último sonido que escuchamos de lo que se hizo en 'Día de la Libertad', terminó con un signo de interrogación". Esta tensión entre expectación e incredulidad también se refleja en la técnica musical de la pista. Hentoff escribió, "'Freedom Day' logra capturar tanto la anticipación como la ansiedad del momento de la Emancipación al colocar sus solos menores de blues sobre una sección rítmica de ritmo febril". Las capas conflictivas de los instrumentos en la pista ayudan a expresar este conflicto de creencias en la pieza.

"Triptych: Prayer, Protest, Peace"

es la tercera, y la del medio del disco, pista del álbum. La pista se divide en tres secciones, "Oración", "Protesta" y "Paz". Según las notas de Hentoff, la pieza se compuso originalmente para formar parte de un ballet, en el que la mayor parte de la coreografía sería improvisación. Esta pista vincula las historias de la esclavitud en América con las luchas por la esclavitud y la libertad en Sudáfrica, en las que se centrarán las dos pistas que siguen a "Triptych", "All África" ​​y "Tears for Johannesburg". Esta pista culminante es un dúo dinámico entre Abbey Lincoln y Max Roach que se mueve a través de voces sin palabras y percusión en "Prayer", hasta la sección de gritos de Lincoln en "Protest", y finalmente de regreso a "Peace". En las notas de la edición, Nat Hentoff escribió que "Triptcyh" es un "desencadenamiento final e incontrolable de rabia e ira que se han comprimido en el miedo durante tanto tiempo que la única catarsis puede ser el desgarro extremadamente doloroso de toda la furia acumulada ..."

La primera sección, "Prayer", expone Abbey Lincoln en su momento más inquietante, mientras lentamente aumenta de bajo a alto en llamada y respuesta con los tambores de Roach, que están afinados para igualar la tonalidad de la voz de Lincoln". El gemido bajo de Lincoln significa "el grito del pueblo oprimido, de todos y cada uno de los pueblos oprimidos de cualquier color o combinación de colores". La segunda sección de la pista, "Protest", demuestra la más vanguardista de las tres secciones, la mayoría representada por un minuto y veinte segundos de gritos de Abbey Lincoln acompañada por Max Roach en la batería.

La sección "Protest" del álbum, sacó la mayor parte del calor de todo el álbum debido a su mensaje político explícito. Los críticos interpretaron esta sección como un rechazo explícito a la filosofía de protesta no violenta de Martin Luther King con un mensaje muy claro de Max Roach. La sección final de Triptych, "Peace", lleva el tono de la pista a un lugar diferente.

La "Paz", como Max le explicó a Abbey antes de la toma, "es la sensación de cansancio relajado después de haber hecho todo lo posible para reafirmarse. Ahora puedes descansar porque has trabajado para ser libre. Es una sensación realista de tranquilidad: sabes por lo que has pasado". "Peace" es la primera vez en la pista en la que Max Roach toca un ritmo constante detrás de Lincoln, cuya parte vocal pasa de scatting a un tono gutural y termina con una exhalación exhaustiva. "Si esto es Paz, es paz con matices góticos, como si los fantasmas del pasado pudieran apaciguarse por un momento pero nunca se exorcizarsen en su totalidad".

"Toda África"

La cuarta pista del álbum, lleva el álbum a los temas de los derechos civiles en África, comenzando con una celebración del nacionalismo africano. El baterista nigeriano Babatunde Olatunji, una fuerza principal en la popularización de la percusión africana en América, toca la batería en este corte. En la introducción, Olatunji acompaña a Abbey Lincoln con dirección polirrítmica.

Junto con el nuevo personal de esta pista, incluidos los músicos afrocubanos Mantillo y DuVal, se agrega un nuevo conjunto de percusión, ostinatos rítmicos y marcos modales abiertos para señalar al oyente más específicamente sus influencias africanas, cubanas y caribeñas. Además, comenta Monson, "una sensibilidad diaspórica africana se representa musicalmente en el solo de percusión extendido que sigue a la recitación, mediante el uso de un conocido patrón de siete campanas que se encuentra no solo en África Occidental sino también en la música sacra del Caribe y Brasil".

Abbey Lincoln se suma a esta influencia africana con su parte vocal, que comienza con la recitación de los nombres de varias tribus africanas. A lo largo de los tres coros de la pieza, Lincoln canta los nombres de las tribus africanas en medio de las respuestas de Olatunji con dichos de libertad de su tribu. La segunda mitad de All Africa está llena de un extenso solo de percusión que conduce a la pista final, Tears for Johannesburg.

"Lágrimas por Johannesburgo"

La quinta y última pista del álbum continúa el enfoque del álbum en cuestiones de derechos civiles en África. Tears for Johannesburg fue una respuesta a la masacre de Sharpeville en Sudáfrica en 1960, el mismo año en que se grabó Freedom Now Suite. El crítico del San Francisco Examiner, C. H. Garrigues lo llamó un "canto fúnebre hermoso y conmovedor".

Insistimos: ¡Libertad Ya!  Max Roach

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Eric Dolphy, Outward Bound. 2019

 Eric Dolphy, Outward Bound. Reeditado y remasterizado en 2019

Recopilatorio 4 Lps

Formato: 2 × CD Stereo

26 Temas. Tiempo Total 02:31:00

flac @ 1060 ¬ RipPor El Cielo Y El Dedo

# 1-1 to 1-6: grabado el 1 de abril de 1960 en Englewood Cliffs, Nueva Jersey. Lanzado originalmente como Eric Dolphy Quintet - Outward Bound en el disco New Jazz NJLP-8236.

# 1-7 to 1-12: grabado el 1 de marzo de 1961 en Englewood Cliffs, Nueva Jersey. Lanzado originalmente como Oliver Nelson With Eric Dolphy - Straight Ahead en el disco Prestige/New Jazz NJ 8255

# 2-1 to 2-7: grabado el 21 de diciembre de 1960 en Englewood Cliffs, Nueva Jersey. Lanzado originalmente como Eric Dolphy With Booker Little - Far Cry en el disco New Jazz NJ 8270

# 2-8 to 2-14: grabado el 15 de agosto de 1960 en Englewood Cliffs, Nueva Jersey. Lanzado originalmente como Eric Dolphy - Out There en el disco New Jazz 8252, NJLP 8252

Listado de Temas:

Eric Dolphy - Outward Bound

Comentario:

Grabado el día 1 de Abril de 1960

En Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey

Corte de acetato en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey

Intérpretes:

Saxofón alto, flauta, clarinete bajo - Eric Dolphy

Bajo - George Tucker

Batería - Roy Haynes

Piano - Jackie Byard

Trompeta - Freddie Hubbard

 101 - G. W., por Eric Dolphy ¬ 08:02 min.

Composición de Eric Dolphy, del álbum Outward Bound

 102 - On Green Dolphin Street, por Eric Dolphy ¬ 05:48 min.

Composición de Kaper, Washington, del álbum Outward Bound

 103 - Les, por Eric Dolphy ¬ 05:16 min.

Composición de Eric Dolphy, del álbum Outward Bound

 104 - ''245'', por Eric Dolphy ¬ 06:53 min.

Composición de Eric Dolphy, del álbum Outward Bound

 105 - Glad To Be Unhappy, por Eric Dolphy ¬ 05:31 min.

Composición de Rodgers-Hart, del álbum Outward Bound

 106 - Miss Toni, por Eric Dolphy ¬ 05:44 min.

Composición de Charles Greenlee, del álbum Outward Bound

Notas:

Outward Bound, grabado el 1 de abril de 1960, es la primera cita de Eric Dolphy como líder, y presenta seis títulos. Una séptima pieza de la misma sesión, "April Fool", se agregó en la serie RVG Remasters de 2006 (Prestige PRCD-30083-2). Los primeros números del disco en el sello New Jazz tienen una pintura de portada de un amigo de Dolphy, Richard Jennings, quien firmó su obra como "The Prophet" (Prophet). Las primeras reediciones (en Prestige) datan de 1964 y las de la actualidad tienen una fotografía de Dolphy en la portada.

AllMusic Review by Rovi Staff

El fallecido intérprete y compositor de múltiples lengüetas Eric Dolphy, una de las figuras más importantes del jazz, fue un músico ferozmente lírico e imaginativo al frente de los cambios que experimentó la música en la década de 1960. A diferencia de algunos de sus contemporáneos, nunca abandonó por completo el enfoque bebop de hacer solos sobre cambios de acordes si no que además llevó sus solos a alturas frescas y expresivas. Outward Bound, una sesión de quinteto de 1960, muestra al artista en una fase un tanto transicional, su música más cercana al hard bop de finales de los 50 que al free jazz de los 60. El tema "245" es un blues nocturno en el que Dolphy, en el alto, da testimonio de su sentimiento y lealtad a la forma. El estándar "Glad to Be Unhappy" tiene una lectura encantadora y animada en flauta, con la banda proporcionando acompañamiento comprensivo y adecuado. "Miss Ann" presenta a Dolphy swingueando al clarinete bajo con alegre abandono, y con la trompeta crepitante de Freddie Hubbard. Un punto culminante de esta sesión es la batería imaginativa y de buen gusto de Roy Haynes, quien ha tocado con todos, desde Charlie Parker hasta Pat Metheny.

Oliver Nelson With Eric Dolphy - Straight Ahead

Comentario:

Grabado el 1 de marzo de 1961, en Van Gelder Studio,

Englewood Cliffs, Nueva Jersey; Por Rudy Van Gelder

Corte de acetato por - RVG

Intérpretes:

Saxo alto, clarinete bajo, flauta - Eric Dolphy

Saxo alto, saxo tenor, clarinete - Oliver Nelson

Bajo - George Duvivier

Batería - Roy Haynes

Piano - Richard Wyands

 107 - Images, por Oliver Nelson With Eric Dolphy ¬ 05:50 min.

Composición de Oliver Nelson, del álbum Straight Ahead

 108 - Six And Four, por Oliver Nelson With Eric Dolphy ¬ 07:20 min.

Composición de Oliver Nelson, del álbum Straight Ahead

 109 - Mama Lou, por Oliver Nelson With Eric Dolphy ¬ 05:06 min.

Composición de Oliver Nelson, del álbum Straight Ahead

 110 - Ralphs New Blues, por Oliver Nelson With Eric Dolphy ¬ 09:59 min.

Composición de Milt Jackson, del álbum Straight Ahead

 111 - Straight Ahead, por Oliver Nelson With Eric Dolphy ¬ 05:38 min.

Composición de Oliver Nelson, del álbum Straight Ahead

 112 - ''111 44'', por Oliver Nelson With Eric Dolphy ¬ 03:29 min.

Composición de Oliver Nelson, del álbum Straight Ahead

AllMusic Review

by Scott Yanow

Con un quinteto muy interesante, el disco Straight Ahead combina a Oliver Nelson (en alto y tenor) y Eric Dolphy (triplicando en alto, flauta y clarinete bajo). Con la ayuda del pianista Richard Wyands, el bajista George Duvivier y el baterista Roy Haynes, los dos "vientos" se enfrentan en seis composiciones, cinco originales de Nelson, más "Ralph's New Blues" de Milt Jackson. Una cita bastante memorable. Ciertamente Oliver Nelson tuvo que tener mucho coraje para compartir la primera línea con el colorido Eric Dolphy, pero su propia fuerte personalidad musical se mantiene firme en esta fecha directa.

Eric Dolphy With Booker Little - Far Cry

Comentario:

Grabado el 1 de marzo de 1961, en  New York City

en los Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey

Ingeniero Rudy Van Gelder

Intérpretes:

Saxo alto, clarinete bajo, flauta - Eric Dolphy

Saxo alto y tenor, clarinete - Oliver Nelson

Bajo - George Duvivier

Batería - Roy Haynes

Piano - Richard Wyands

Trompeta -  Booker Little

Escrito por - Oliver Nelson (pistas: A1 a A3, B2, B3)

 201 - Mrs. Parker Of K. C., por Eric Dolphy With Booker Little ¬ 08:06 min.

Composición de Jaki Byard, del álbum Far Cry

 202 - Ode To Charlie Parker, por Eric Dolphy With Booker Little ¬ 08:47 min.

Composición de Jaki Byard, del álbum Far Cry

 203 - Far Cry, por Eric Dolphy With Booker Little ¬ 03:57 min.

Composición de Eric Dolphy, del álbum Far Cry

 204 - Miss Ann, por Eric Dolphy With Booker Little ¬ 04:20 min.

Composición de Eric Dolphy, del álbum Far Cry

 205 - Left Alone, por Eric Dolphy With Booker Little ¬ 06:44 min.

Composición de Mal Waldron, del álbum Far Cry

 206 - Tenderly, por Eric Dolphy With Booker Little ¬ 04:23 min.

Composición de Lawrence, Gross, del álbum Far Cry

 207 - Its Magic, por Eric Dolphy With Booker Little ¬ 05:43 min.

Composición de Cahn/Styne, del álbum Far Cry

AllMusic Review

by Al Campbell

La influencia de Charlie Parker impregna esta sesión de 1960. Más allá del reconocimiento obvio en los títulos de las canciones ("Mrs. Parker of K.C. ['Bird's Mother']" y "Ode to Charlie Parker"), su espíritu inquieto se utiliza como guía para romper los moldes del bebop. Far Cry encuentra al multi vientista Eric Dolphy en una fase de transición, renunciando al impacto universal gobernante de Parker y sumergiéndose en la siguiente fase controvertida que los críticos comenzaron a llamar "anti-jazz". En esta fecha, la trompeta lírica de Booker Little y la confiada comprensión de un Jackie Byard de múltiples estilos de piano (aunque siempre impregnados de hard bop) simpatizaron con el floreciente enfoque "vanguardista" que Dolphy muestra, aunque con moderación, en esta sesión. Far Cry contiene la interpretación inicial del futuro clásico de jazz de Dolphy "Miss Ann", junto con su primera interpretación solista de saxo alto en "Tenderly", en la que Dolphy cierra la brecha entre las interpretaciones de saxofón solista de Coleman Hawkins y Anthony Braxton.

Eric Dolphy - Out There

Comentario:

Grabado en New York City el día 15 de agosto de 1960.

Grabado y masterizado en los Van Gelder Studio,

 Englewood Cliffs, Nueva Jersey

Por Rudy Van Gelder

Intérpretes:

Eric Dolphy - saxo alto (n. ° 1, n. ° 7) clarinete bajo (n. ° 2, n. ° 3, n. ° 4) flauta (n. ° 5, n. ° 6)

Ron Carter - violonchelo

George Duvivier - bajo

Roy Haynes - batería

 208 - Out There, por Eric Dolphy ¬ 06:58 min.

Composición de Eric Dolphy, del álbum Out There

 209 - Serene, por Eric Dolphy ¬ 07:03 min.

Composición de Eric Dolphy, del álbum Out There

 210 - The Baron, por Eric Dolphy ¬ 02:59 min.

Composición de Eric Dolphy, del álbum Out There

 211 - Eclipse, por Eric Dolphy ¬ 02:48 min.

Composición de Charlie Mingus, del álbum Out There

 212 - ''17 West'', por Eric Dolphy ¬ 04:52 min.

Composición de Eric Dolphy, del álbum Out There

 213 - Sketch Of Melba, por Eric Dolphy ¬ 04:42 min.

Composición de Weston, del álbum Out There

 214 - Feathers, por Eric Dolphy ¬ 05:02 min.

Composición de Hale Smith, del álbum Out There

Notas

¡La grabación de A2 - Serene NO es de esta sesión!

"Serene" de la edición original de Prestige de 'Out There' no tiene trompeta ni piano. Esta versión de "Serene" es en realidad del disco 'Far Cry' de Dolphy y tiene trompeta (Booker Little) y piano (Jaki Byard).

https://en.wikipedia.org/wiki/Out_There_(Eric_Dolphy_album)

El tema "Eclipse" de Charles Mingus de este álbum es uno de los raros casos en los que Dolphy hace solos en clarinete bajo.

Out There es una de las primeras apariciones registradas de Ron Carter.

Fue el segundo álbum de Dolphy lanzado como líder de la banda, luego de su tiempo con Charles Mingus.

El álbum presenta cuatro composiciones originales de Dolphy, una de las cuales es un esfuerzo de colaboración con Mingus. El álbum también incluye tres versiones, "Eclipse" de Mingus, "Sketch of Melba" de Randy Weston y "Feathers" de Hale Smith. La portada presenta una pintura de Richard Jennings, conocido como "El Profeta".

El grupo de Dolphy en Out There se parece a los conjuntos de Chico Hamilton de finales de la década de 1950, con quien Dolphy tocó y grabó durante ese tiempo, en el sentido de que presenta un violonchelo y un bajo; sin embargo, a diferencia del grupo de Hamilton, Dolphy's no contiene una guitarra u otro instrumento de acordes. Como resultado, Dolphy y Ron Carter, el violonchelista, solo en el bajo y la batería de Roy Haynes ayudando a darle al álbum un sonido más libre y abierto en comparación con el álbum anterior de Dolphy, Outward Bound, que contó con el pianista Jaki Byard. Por otro lado, la presencia del violonchelo confiere al disco un aire de cámara.

Escribiendo para PopMatters, Will Layman calificó el álbum como "un sueño hecho realidad", y señaló cómo Dolphy y Carter son "libres de explorar la armonía por encima de las barreras mínimas de las líneas de bajo de George Duvivier y el trabajo de Roy Haynes". Según Layman, "'17 West 'es irresistible, con los chicos tocando juguetonamente al unísono, luego la flauta tocando mientras el violonchelo toca una figura de cadera de doble parada en contrapunto". Con respecto a "Eclipse", escribió: "Hay una maravillosa vibración clásica cuando las cuerdas tocan como un conjunto detrás del líder. Luego, mientras Dolphy toca una melodía majestuosa, Carter toca una amplia improvisación a su alrededor. Es un raro ejemplo de un músico de jazz que encuentra una nueva forma de empaquetar una melodía que no sea el formato habitual de melodía-solos-melodía del que se estaba cansado incluso ya en 1960"

AllMusic Review

by Michael G. Nastos

El segundo trabajo de Eric Dolphy para el sello Prestige / New Jazz (y luego remasterizado por Rudy Van Gelder) fue igualmente elogiado y vilipendiado por muchas razones. En un momento en el que se lanzaba la etiqueta "anti-jazz", la música no lineal y ásperamente armónica de Dolphy dio a algunos de los críticos un impulso para seguir girando el molino. Una segunda o tercera escucha de la música de Dolphy revela un lado sombrío impenitente, pero también una profundidad y un propósito que no tenían precedentes y siguen siendo singularmente únicos. El uso del bajista George Duvivier y el violonchelista Ron Carter (una idea tomada de los días de Dolphy con Chico Hamilton) le da a la música su base de color nublado, en muchos sentidos igualmente impresionante que poco atractivo. Las ideas de Dolphy deben aceptarse plenamente, tomarse en serio y aceptarse antes de escucharlas. La música revela la profundidad de sus procesos de pensamiento al mismo tiempo que expresa su naturaleza sensible y amable. El blues "Serene", dirigido por Carter junto con el clarinete bajo de Dolphy, y la maravillosa balada "Sketch of Melba" proporcionan los momentos más dulces, esta última melodía identificada por la flauta introspectiva del líder, que indica claramente dónde están los músicos de la última época tal como James Newton escuchó inicialmente lo que formaría su concepto. Tres piezas deben impuestos a Charles Mingus: su composición oscura, temperamental, lúgubre, melódica y reticente "Eclipse", la pista que da título en co-escritura con Dolphy, escarpada y dispersa, con el emblemático contralto de Eric unido por el imperturbable swing del batería Roy Haynes, y "The Baron", homenaje oscuro y sucio, sabio y voluntarioso, del líder a su antiguo jefe, acentuado por un solo entrecortado y hablador de Carter. El tema "17 West", casi un estándar post-bop, es brevemente tonal con un solo de flauta patentado, e inserciones cuestionantes de violonchelo. El cierre inesperado, "Feathers", escrito por Hale Smith, es una balada de arrepentimiento inquietante y conmovedora, donde el alto de Dolphy es escuchado más prominente en primer plano. Un álbum sombrío e inusual para los estándards de cualquier estilo de música, Out There explora la visión de Dolphy al abordar el concepto de tonalidad de una manera que pocos antes, concurrente, o después, han imaginado.

4 Lps, 2 Cds, 26 Temas. Tiempo Total 02:31:00

flac @ 1060 ¬ 982,67 MB

RipPor ¬ Napi#21

El Cielo Y El Dedo

http://ElCieloYElDedo.blogspot.com

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Reseñas

Eric Dolphy Quintet, Outward Bound. 2019

Recopilatorio 4 Lps, Remasterizado 2019

Sello: Jazz Images ‎– 38108

País: Europa Publicado: 2019

Género: Jazz Estilo: Hard Bop, Post Bop

Saxofón alto, flauta, clarinete bajo - Eric Dolphy

Saxofón alto, saxofón tenor, flauta, clarinete - Oliver Nelson (pistas: 1-7 a 1-12)

Bajo: George Duvivier (pistas: 1-7 a 1-12, 2-8 a 2-14), George Tucker (pistas: 1-1 a 1-6), Ron Carter (pistas: 2-1 a 2-5 , 2-7)

Violonchelo - Ron Carter (pistas: 2-8 a 2-14)

Batería: Roy Haynes (pistas: 1-1 a 1-12, 2-1 a 2-5, 2-7 a 2-14)

Piano - Jaki Byard (pistas: 1-1 a 1-6, 2-1 a 2-5, 2-7), Richard Wyands (pistas: 1-7 a 1-12)

Trompeta - Booker Little (pistas: 2-1 a 2-4), Freddie Hubbard (pistas: 1-1 a 1-6)

Ingeniero [Grabación] - Rudy Van Gelder

Notas - Arnold Marcus

Productor [Sesiones originales] - Esmond Edwards

Fotografía por - Francis Wolff

Publicado en edición de digipak desplegable de cuatro paneles con folleto adicional de 16 páginas que contiene extractos extensos de las notas originales de los cuatro registros recopilados en esta edición.

Texto en la calcomanía publicitaria: "Imágenes del icónico fotógrafo de jazz Francis Wolff".

part1

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part2

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part3

https://1fichier.com/?5231xz3717x2bnn6eww4

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