Glen Velez. Internal Combustion, 1985

Glen Velez - 1985 - Internal Combustion

Disco grabado en mayo de 1985 en The Studio Zee Ztudio, en Zerkall por Walter Quintus, grabación digital producida por Kurt Renker y Mark Nauseef con diseño de portada de de Ulf von Kanitz. Fotografía de Glen Velez por Layne Redmond. Notas de contraportada, Glen Velez.

   Un agradecimiento especial a Remo Belli y Tom Minor de Remo Drum Co. por hacer que el Bodhran se use en esta grabación.

Layne Redmond, panderos (tambores de marco) y voz

Glen Velez, panderos (tambores de marco) [y voz en "Internal Combustion" y "Bendir"]

Panderos utilizados en la grabación:

Adufe, Bendir, Bodhrán, Doira, Duff, Gaval

Autor de todos los temas, Glen Velez.

Listado:

 01 - Pyramid - 05:56 min.

Doira y Adufe, Glen Velez

 02 - Bendir - 15:12 min.

Batería, Gaval, Bendir y Voz – Layne Redmond

Bendir, Voz Entonada (cante de garganta) – Glen Velez

 03 - Rain - 09:33 min.

Duff – Glen Velez

 04 - Internal Combustion - 16:17 min.

Gaval, Bendir y Voz – Layne Redmond

Bendir  – Glen Velez

 05 - Bodhran - 06:39 min.

Bodhrán, Voz – Glen Velez

5 Temas. Tiempo Total: 00:53:37

flac @ 656 - 277.06 MB

Rip & Post By IntoTheRhythm

|Date: 15 Dec 2009 10:50:56|

Notas de contraportada, 

por Glen Velez

Pyramid

pieza para Doira y Adufe

   Doira, pandereta afgana con cabeza de piel de ciervo y anillos metálicos adheridos al interior de la concha, un tambor con una cabeza de piel de becerro sintonizable de 20". Adufe, tambor de marco cuadrado del norte de España, de dos cabezas con cascabeles de perdigones en el interior. Una invocación de los tres elementos Tierra, Agua, Fuego.

Bendir

para dos Bendires y voz, con Layne Redmond

   El Bendir es un pandero norteafricano con trampas y parche de piel de cabra. La música de Hamza el-Din, el maravilloso músico nubio, inspiró esta pieza. El uso del canto armónico es una parte importante de esta pieza y sirve para establecer un marco de tiempo dual, entre un movimiento rápido de la batería y el otro, el del sentimiento fuera de tiempo del canto.

Rain

para Duff

   Para pandereta de Oriente Medio con cabeza de piel de pescado y cinco juegos de cascabeles de disco. Improvisación en ciclo rítmico de 12, subdividido 5-4-3, utilizando tres de los estilos de ejecución árabes para este instrumento.

Internal Combustion

para dos panderos, con Layne Redmond

   Al incorporar las dos cualidades de fuerza y  flexibilidad, esta pieza proporciona un formato cómodo para la improvisación mientras mantiene una fuerte lógica interna.

Bodhran

para Bodhran y voz

   El Bodhran es un tambor de marco irlandés, en este caso uno especialmente grande, de 23" de diámetro con una cabeza de plástico. Al explorar los movimientos de las manos de las tres ciudades exóticas de El Cairo, Madrás y Nueva York, espero limpiar la atmósfera un poquito.

   La inspiración para todas estas piezas proviene de mi participación y atracción por la familia de instrumentos conocidos como “panderos” (o tambores de marco). Nuestro moderno tambounne occidental es un miembro de esta familia, pero el grupo completo incluye todos los tambores cuyo diámetro de cabeza es igual o mayor que la profundidad de la caja.

   La simplicidad de construcción, de este tipo de tambores, junto con su claridad de voz, me proporciona una fuente inagotable de sonido y movimiento.

Glen Vélez

CdUniverse.Com

http://www.cduniverse.com/search/xx/music/pid/5868822/a/Internal+Combustion.htm

   Glen Velez es un maestro percusionista que lleva el arte de los panderos en direcciones previamente inimaginables. Ha tocado en conjuntos con el legendario compositor Steve Reich e incluso ha tenido una pieza escrita para él por John Cage. Internal Combustion es el segundo álbum en solitario de Vélez y reúne tambores del norte de España, Afganistán, Marruecos e Irlanda. Los ritmos de percusión crean un staccato hipnótico en pistas largas como "Pyramid" y "Bodhran". Especialmente sorprendente es la capacidad de Vélez para doblar el sonido del tambor mucho después de su golpe inicial. La claridad precisa y los intrincados movimientos de los dedos atraerán a los aficionados al techno. Aphex Twin ha defendido durante mucho tiempo esta grabación. Vélez es también un consumado cantante de garganta (throat singer) 

https://en.wikipedia.org/wiki/Throat_singing,  mostrando este talento en "Bendir".

  Este disco es una muestra de batería en su forma más inspirada y extática, lo que hace de este álbum una verdadera grabación histórica.

Algunos tipos de panderos  (Tambores de Marco)

https://en.wikipedia.org/wiki/Frame_drum

   Adufe (Portugal) Bendir (North Africa, Turkey) Bodhrán (Ireland)  Buben (Russia) Crowdy-crawn (Cornwall) Daf (Iran, Kurdistan, Azerbaijan, Turkey, Middle East) Daires (Greece) Duff, daff, daffli (India) Epirotiko Defi (Greece) Dayereh (Iran, Central Asia, Balkans) Dob (Hungary) Doyra (Uzbekistan) Dhyāngro (Nepal) Ghaval (Azerbaijan) Gumbe (Sierra Leone, Caribbean) Kanjira (India) Kaval (Armenia) Lag-na (Tibet) Mazhar (Egypt) Pandeiro (Brazil) Pandereta plenera (Puerto Rico) Pandereta (tuna, rondalla, estudiantina - Spain, Philippines and Latin America) Pandero cuequero (Chile) Pandero jarocho (Mexico)Parai (India, Sri Lanka) Patayani thappu (India) Ramana (Thailand) Rapa'i (Aceh, Indonesia) Ravann (Mauritius) Rebana (Southeast Asia) Riddle drum (England) Riq (Arabic world) Sámi drum (Nordic and Russia) Sakara drum (Nigeria)  Shaman's drum Tamborim (Brazil) Tambourine (Europe, USA) Tamboutsia (Cyprus) Tamburello (Italy) see tambourine Tammorra (Italy) Tar (Middle East, North Africa) Thappu (India) Timbrel Toph, Tupim (Israel) Uchiwa daiko (Japan) Yike (Cambodia)

QueMeQuemo

https://1fichier.com/?euicicx5ep89h1ccz3vm

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Larry Coryell & Emily Remler ¬ Together. 1985

7 Temas ¬ Tiempo Total 00:45:15

@ 683 ¬ 194,72 MB

Grabado directo digital a corte en Agosto de 1985 en Coast Records, San Francisco, CA, por Jim Hilson y Phil Edwards

Master de George Horn

Productor, Carl E. Jefferson

Dirección Artística, Tom Burgess

Fotografía de David Fischer

Notas de contraportada de Neil Tesser

Intérpretes

Larry Coryell, guitarra eléctrica (Gibson Super 400 circa 1967) y guitarra acústica (Ovation Adamas)

Emily Remler, guitarra eléctrica (Borys)) y guitarra acústica (Ovation Adamas)

Listado de Temas:

01 - Arubian Nights ¬ 05:56 min.

Composición de Larry Coryell

02 - Joy Spring ¬ 05:50 min.

Composición de Clifford Brown

03 - I'll Wind ¬ 06:33 min.

Composición de Harold Arlen, Ted Koehler

04 - How My Heart Sings ¬ 05:49 min.

Composición de Earl Zindars

05 - Six Beats, Six Strings ¬ 07:03 min.

Composición de Larry Coryell

06 - Gerri's Blues ¬ 05:34 min.

Composición de Pat Martino

07 - How Insensitive ¬ 08:30 min.

Composición de Antonio Carlos Jobim, Norman Gimbel

7 Temas. Tiempo Total 00:45:15

flac ¬ 683 ¬ 194,72 MB

Publicado por PepeJazzy

JazzSoloOConLeche.Blogspot.Com

el lunes, 3 de abril de 2017, 18:00 horas

https://JazzSoloOConLeche.Blogspot.Com

Larry Coryell & Emily Remler, Together  1985

https://jazzsolooconleche.blogspot.com/2017/04/larry-coryell-emily-remler-together-1985.html

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Reseñas

Sello: Concord Jazz CCD-4289 / US 1985

Formato CD, Album

Género Jazz. Estilo Post Bop, Bop, Bossa Nova

Notas originales de contraportada,

por Neil Tesser. USA Today/WBEZ Radio

    Compañía de dos, dos para el tango, dos de un tipo o ¡vaya par de dos! El lenguaje es en gran medida una extensión del pensamiento y la variedad de nuestras frases sobre la pareja (dos en el pasillo, cóctel para dos, té en el tú y yo) indica claramente el ensalzamiento de esta sociedad por la pareja bien emparejada.

   Sin embargo, el sentimiento no suele extenderse al jazz. A lo largo de la historia, han sido las bandas las que han llamado más la atención, atrayendo la atención y sirviendo de trampolín para aquellas personas que han galvanizado la música. Y en el corazón de las bandas, desde orquestas del tamaño de Ellington hasta quintetos de bebop perfectamente escalados, y todo lo demás, se encuentra la sección rítmica, el mayor regalo del jazz para la música pop. Y es este paquete único y autónomo el corazón de la música, por lo que la mayoría de los oyentes consideran naturalmente que el trío de piano, bajo y batería es el escenario de grupo más pequeño y viable en el jazz.

   Pero, como siempre, las excepciones ponen a prueba la regla, y el panorama del jazz ha brillado persistentemente con "grupos" incluso más pequeños que el trío. Louis Armstrong y Earl Hines llevaron el virtuosismo en solitario a una nueva era cuando grabaron, solo ellos dos, Weather Bird; incluso antes, Joe Venuti y Eddie Lang habían grabado impresionantes dúos de violines y guitarras, y algo más tarde, Duke Ellington y Jimmy Blanton abrieron nuevas perspectivas para el tándem piano-bajo. Más recientemente, dúos consolidados como Dwike Mitchell y Willie Ruff, el saxista Steve Lacy y el pianista Mal Waldron, y los dúos de guitarras (Barney Kessel con Herb Ellis; Jimmy Raney con su hijo Doug) se han destacado en este complicado asunto de swinguear sin un batería, solista en un centro de atención compartido.

   Es demasiado pronto para decir si el dúo de Emily Remler y Larry Coryell alcanzará la estatura de estas grandes parejas, ya que la estatura se debe al menos en parte a la retrospectiva de la historia, pero es seguro sugerir que tienen las herramientas. Más importante, como revela el álbum, existe un vínculo genuino entre estos dos guitarristas bastante diferentes. Comparten una empatía, tan segura como rara, y una comprensión instintiva de este frágil formato; ambas son cualidades que marcan a esos dúos de jazz dignos de recordar. Larry Coryell ha invertido su tiempo y ha tenido el impacto correspondiente durante las dos últimas décadas del jazz. Nacido en Texas, pero criado (desde la escuela primaria) cerca de Seattle, Larry tocaba en el grupo de Gary Burton a finales de los 60. Esa fue la banda que grabó Duster, disco que puede presumir de ser la primera cita de fusión de jazz, y poco después, Coryell se convirtió en uno de los comprometidos con la fusión de alta potencia de jazz y rock. Si hubieras sugerido, a principios de los 70, que algún día sería el co-líder de un álbum a dúo de guitarras silenciosas, en un programa centrado en estándards, tus mejores amigos te hubieran sugerido amablemente la desintoxicación. Y, sin embargo, a mediados de los 70, Coryell ya se había alejado de los amplificadores de potencia de fusión, grabando con una guitarra acústica y tocando música a dúo con el guitarrista belga Philip Catherine y más tarde con el trastes estadounidense Steve Khan. No es ajeno al equilibrado toma y daca de mezclar dos guitarras.

   Tampoco Emily Remler, a pesar de su relativa juventud (por ejemplo, tan solo tenía 10 años cuando Coryell y Burton estaban grabando Duster). Pero Remler ya ha realizado giras en formato de dúo con Barney Kessel, quien no es ajeno a los dúos de guitarras, además de actuar en varios contextos distintos en ella, en cuatro álbumes anteriores para Concord. De hecho, Remler ha logrado impresionar al establishment del jazz tan rápido como Coryell dejó su huella en los años sesenta. Los ochenta están llenos de guitarristas jóvenes y sólidos en el molde del mainstream (Kevin Eubanks y Bruce Forman me vienen de inmediato a la mente) pero aún así, el enfoque cuidadosamente estudiado de Remler y su amor por la melodía fina, brillan intensamente. Graduada del Berklee College of Music de Boston, ha construido su carrera con escalas en Nueva Orleans y ahora en Nueva York. Sus dos álbumes anteriores, en los que lidera un cuarteto sin piano (con trompeta), documentan su último avance musical.

   No es difícil diferenciar a estos dos guitarristas, esta grabación evita la práctica habitual de colocar a cada solista en un canal estéreo independiente y, por el contrario, la mezcla de audio tiene capas más realistas, distribuidas en ambos canales, con cada solista moviéndose al frente y al centro cuando es apropiado. Remler tiene el tono completo y más redondeado que los solos de Larry al principio, en el tema de apertura, Arubian Nights, y rara vez toca una nota que esté rítmicamente fuera de lugar. Coryell, por otro lado, siempre ha mantenido un toque notable en su sonido de guitarra, en deferencia a sus raíces de rock 'n blues y, lo que es más, sus solos son rítmicamente más extravagantes, más salvajes. Escuche su segundo solo en Joy Spring, es casi peligroso, vuela por el aire como un bailarín de claqué exuberante que, de alguna manera, aterriza sobre sus pies justo antes de perder el control total.

   A su manera, cada pista aquí es un libro de texto sobre cómo arreglar música para dos guitarras, sobre cómo improvisar; y en el arte del acompañamiento, ambos artistas enmascaran consistentemente la falta de una sección rítmica.  Desde la elegante atemporalidad de I'll Wind hasta los sólidos cuatro tiempos de Gerri's Blues (escrito por Pat Martino para su esposa) e incluyendo las dos melodías contagiosas de Coryell, este álbum navega con seguridad por su propio poder. Los armónicos punteados son la elección perfecta para saltar ligeramente en How My Heart Sings, y observe lo sencillas que son las transiciones entre el tiempo del vals de la canción y su sección media de cuatro por cuatro.

   Pero tenga en cuenta especialmente los tours-de-force, Joy Spring y How Insensitive, de Jobim. Estos son más que simples ejemplos de jams sólidas, con los acompañamientos perfectamente combinados y las polifonías brillantemente entrelazadas, pueden sostenerse integradas obras de cámara de prácticamente todas las épocas musicales. Y si el título de este álbum parece un poco vulgar, por favor reserve su juicio hasta que haya escuchado la unidad interna de estos dúos sutiles y robustos. Escuche la integridad del vínculo. Puede escuchar las diferencias, de ideación musical, de técnica estilística, de acercamiento al instrumento . . . pero no puede escuchar "las costuras". No puede encontrar la coyuntura exacta donde Emily le entrega el acompañamiento a Larry, o donde uno cambia la dirección que debe seguir el otro. "Juntos" es más que una cuestión de estar en la habitación, es estar en la misma mente y es una condición que estos dos intérpretes claramente individuales pueden lograr, aparentemente a voluntad.

Notas originales de contraportada,

Neil Tesser. USA Today/WBEZ Radio

Together, Allmusic Review

https://www.allmusic.com/album/together-mw0000649460

by Scott Yanow

    Este interesante y único enfrentamiento presenta a Larry Coryell y Emily Remler en un conjunto de dúos de guitarras. Es fácil distinguir a los dos jugadores, pero sus estilos eran bastante complementarios. Los aspectos más destacados de la fecha (que tiene cuatro estándares, "Gerri's Blues" de Pat Martino y dos originales de Coryell) incluyen "Joy Spring", "How My Heart Sings" y "How Insensitive".

The Penguin Guide to Jazz

por Richard Cook y Brian Mortonos 

  "Together ofrece un álbum cálido y accesible que no carece de sutilezas. Recomendado".

   “La muerte prematura sin sentido de Remler (por insuficiencia cardíaca mientras estaba de gira en Australia) nos privó de un talento que parecía estar a punto de lograr un gran avance. Si bien sus primeros modelos a seguir fueron conservadores en términos de su instrumento, Christian y Montgomery, específicamente, su improvisación tenaz y su afinidad con las secciones rítmicas contundentes le permitieron llevar un estilo convencional a sus límites lógicos ".

Richard Cook y Brian Morton. Penguin Guide to Jazz en CD, 6th Ed.

“Su tiempo es tan seguro, tan fluido, que es tan natural para ella como respirar. También lo es su calidez, de tono y concepción. Emily es una narradora natural que mantiene viva la línea narrativa con un sentido exacto de la dinámica y el color ".

Nat Hentoff, 

Jazz critic and writer

The New Grove Dictionary of Jazz

“Emily era igualmente experta en tocar con o sin púa en estilos tan diversos como bop, jazz-rock y música latina; su interpretación incorpora pasajes fluidos de corcheas, duplicaciones en la octava a la manera de Wes Montgomery y el fraseo de blues".

 Jim Ferguson, 

Monday, February 26, 2018

Emily Remler: Jazz Guitarist  (parte 1)

https://jazzprofiles.blogspot.com/2018/02/emily-remler-jazz-guitarist.html

Steven A. Cerra

    No supe las circunstancias de la muerte de la guitarrista Emily Remler hasta que leí sobre ellas en el siguiente ensayo y entrevista escrita y dirigida por Gene Lees.

   En un momento dado parecía ser un elemento fijo en la escena del jazz de la década de 1980 y lo siguiente que escuché fue que no logró salir del primer año de la siguiente década. Murió el 14 de mayo de 1990 de insuficiencia cardíaca que pudo haber sido causada por su adicción a los opiáceos. Tenía treinta y dos años.

   En estos días se habla mucho de confrontar demonios, promover la autoayuda y la buena salud a través de una variedad de medios comerciales y desarrollar una mayor conciencia de sí mismo mediante una variedad de técnicas de toma de conciencia.

   Cualesquiera que sean las razones del comportamiento autodestructivo de Emily y a pesar de las muchas sugerencias de lo que podría haber hecho al respecto, pensé en que era una guitarrista de Jazz y lamento que su voz se haya quedado en silencio. No todos los músicos son buenos para tocar Jazz, Emily era una que podía tocar esa música a un nivel muy alto y fue una tragedia perder esos talentos a una edad tan joven. La muerte debiera reservarse para los viejos.

   El personal editorial de JazzProfiles quería recordar a Emily en estas páginas con el ensayo de Gene Lees como una forma de tributo.

Steven A. Cerra

   A veces se ponía un mono en el quiosco de música, tocaba con los ojos cerrados, se balanceaba de un pie a otro con la guitarra colgada de una correa al hombro, la cara inclinada hacia arriba como si estuviera implorando a un dios desconocido que enviara sus ideas. Otras veces se sentaba en una silla con las piernas cruzadas a la manera de un sastre, pareciendo abrazar el instrumento, como una niña abrazando a una muñeca. Era improbable: blanca, de clase media, producto de la próspera zona de Englewood Cliffs en Nueva Jersey, y, antes de cumplir los treinta, una de los mejores músicos de jazz de su generación.

   Si conoces su trabajo solo por sus discos en Concord, por excelente que sea, no te has encontrado con el alcance de su interpretación. Estos álbumes son de jazz moderadamente conservador y de a medio camino del jazz. Me impresionaron cuando salieron al mercado en el transcurso de los últimos siete años. Luego, el 14 de noviembre de 1987, en Pittsburgh, supe que estaba trabajando en un club allí y fui a escucharla. No estaba preparado para la fuerza de su interpretación. Era una intérprete extraordinariamente atrevida, al límite del avant-garde, y swingueaba ferozmente. También había una cualidad profundamente lírica en su interpretación. Volví a escucharla dos noches más.

   El mundo del jazz es muy pequeño y había rumores sobre ella. Se supo que Emily Remler había sido víctima de lo que a menudo parecía -ya desde una época anterior a Charlie Parker- como la maldición endémica de la profesión del jazz: La Heroína. Las personas que no habían conocido a Emily Remler estaban preocupadas por las historias sobre ella. Pero ahora parecía estar en la lista bastante larga de músicos de jazz que habían superado el problema

   Un matrimonio de tres años con el brillante pianista jamaicano Monty Alexander terminó en 1985. Él había tratado de ayudarla a romper su hábito, pero al final fue demasiado para él. Permanecieron cerca.

   Eso es lo que estaba haciendo en Pittsburgh, resolviéndolo lejos de los lugares habituales, trabajándose los miedos y las dudas sobre sí misma que habíanpropiciado el problema. Estudió composición en la Universidad de Pittsburgh con Bob Brookmeyer y, posteriormente, con el compositor de vanguardia David Stock.

   Nació en Manhattan, dijo, el 18 de septiembre de 1957, la menor de tres hermanos. Su padre comerciante de carne y su madre trabajadora social en el área psicológica, ambos nacidos en Brooklyn. Su hermana se convirtió en abogada y su hermano ingresó al servicio diplomático de Estados Unidos. Emily nunca conoció la inseguridad financiera. La leyenda del niño pobre que se abrió camino hacia la cima del jazz no carece del todo de fundamento y Louis Armstrong fue su ejemplo clásico. Pero la mayoría de los músicos de jazz, tanto blancos como negros, provienen de la cómoda clase media. Así que esa parte de su historia no es tan extraña como podría parecer.

   Se interesó por la música a través del movimiento folck y luego por el rock. Lo atípico es que había ido descubriendo el jazz, y luego no solo ingresó a un campo que ha discriminado severamente a las mujeres incluso cuando sus practicantes han estado a la vanguardia de la demanda por la igualdad racial, sino que se convirtió en una de sus mayores magistrales jóvenes intérpretes.

   En su libro American Women in Jazz, Sally Placksin documenta los casos de mujeres con habilidades genuinas que han sido expulsadas de la profesión, o al menos presionadas para que sigan solo como una especie de pasatiempo. Ha habido una serie de excelentes intérpretes de jazz, incluidas Melba Listen, Carol Britto, Patty Bown, Mary Lou Williams, Margie Hyams, Billie Rogers, Patrice Rushen y otras cuyos nombres se olvidaron porque sucumbieron a las presiones que les impusieron los hombres que las rodeaban y simplemente renunciaron, la hermana de Lester Young entre ellas. La guitarrista Mary Osborne me dijo que nunca había sentido que había sufrido discriminación, pero es la única mujer jazzista a la que escuché decir eso. La fina saxofonista alto Vi Redd dijo que había sufrido mucha más discriminación como mujer que como negra. Anne Patterson, que toca todos los instrumentos de viento desde el oboe para abajo, a veces toca el saxofón barítono en la banda Nat Pierce-Frank Capp Juggernaut y dirige la banda de mujeres llamada Maiden Voyage, puede contarte historias interminables de discriminación. Marian McPartland dice que cuando contrata a una mujer, como la baterista Dottie Dodgion, para su trío, los músicos masculinos no preguntan cómo toca sino cómo es.

   Hace algunos años, Stan Getz interpretó a Donte's en North Hollywood. Tocando el piano en su grupo estaba Joanne Brackeen. Ella estaba en la cima de su forma esa noche. Por alguna razón, el lugar estaba lleno de pianistas. Su interpretación fue poderosa, propulsora, tremendamente inventiva, cualquier cosa menos la música deferente y delicada que se supone que producen las intérpretes de jazz. Y cada uno de esos pianistas estaba seriamente molesto por ella, genuinamente perturbado, incluidos algunos músicos de gran talento. De modo que este fenómeno es real.

   Unos meses después del compromiso de Pittsburgh, Emily trabajó en Los Ángeles. Pasé una tarde con ella. Su habitación estaba en el segundo piso del motel. Debajo estaba la habitual piscina de motel rodeada por las habituales palmeras y las risas de los niños se elevaban bajo la habitual luz del sol de California. Había botellas de agua Evian en el tocador. Emily vestía pantalones negros y una blusa blanca. Se sentó con las piernas cruzadas en la cama. No era pequeña y, como señaló, tenía manos grandes. La parte trasera de ellos tenía huellas: las cicatrices dejadas por las agujas, esas líneas arrugadas que parecían pequeñas vías de ferrocarril que conocía demasiado bien al verlas en Bill Evans. Supongo que me molestaron más porque nunca los había visto en una mujer. Tenía una nariz bastante grande y no era convencionalmente bonita, pero había algo atractivo en ella. Y algo que me hizo sentir protector hacia ella. ¡Parecía tan ansiosa ese día, mirando hacia su futuro!

   "Eres uno de esos intérpretes que no se detiene", le dije. "El jazz no es una música contenida. Paul Desmond pudo haber tocado con delicadeza, pero no se contuvo. Puede que Bill Evans haya tocado con gran sensibilidad, pero la sensibilidad no es una cualidad exclusivamente femenina".

   Emily, que tenía una voz musical ligeramente teñida por un acento de la ciudad de Nueva York con sus "d" y "t" suavemente dentales, dijo: "Ese es un punto que iba a tocar. La música no tiene sexo. Creo que todo tienen algo que es femenino, algo que es masculino. Estoy muy confundida acerca de eso, ahora que me he abierto a tener mujeres como amigas para variar, después de pasar el rato con los chicos toda mi vida y querer ser uno de los chicos, he descubierto lo increíbles que son realmente las mujeres. Cuando veo a una mujer que es buena en lo que hace y que tiene seguridad y hace las cosas con convicción, creo que la palabra clave es "confianza", simplemente la admiro mucho. Las mujeres se inhiben como producto de la sociedad, o lo que les enseñaron sus madres, o lo que sea que fuera. Las mujeres reciben el mensaje de que se supone que deben casarse, tener hijos, esa es su función y eso es todo. Mi madre nunca me dio ese mensaje. Por el contrario siempre fue: <Lógralo> Tal vez un poco demasiado de eso, por lo que me vuelvo loca. Crecí con este pensamiento de que cualquier cosa a la que me aplicara, podría hacerla".

   La esperanza de vida al nacer en la América del siglo XIX era de unos treinta y cinco años, no muy diferente de la que había sido durante el Imperio Romano. Le señalé a Emily que cuando un esposo y una esposa tenían que tener diez hijos para que dos o tres pudieran vivir hasta la edad adulta, puede haber alguna razón para la división del trabajo según criterios sexuales. Pero eso ha cambiado, y dada la creciente destrucción de nuestro frágil medio ambiente por los efluvios de nuestra propia población excesiva, gradualmente se está permitiendo a las mujeres hacer algo más que reproducirse.

   "No me gusta sentarme y llorar por eso", dijo, "me gusta hacerlo. Nunca me sentí realmente amargada por el hecho de que hay tantos directores de orquesta que me han dicho cara a cara que no podían contratarme porque ser mujer, o que ha habido tantos casos en los que NO confiaban en mí musicalmente, y los bateristas que me trataron con guantes de niño porque pensaron que mi tempo no era fuerte".

   "Sí, pero Emily", le dije, "de manera realista, muchos guitarristas tienen momentos inútiles".

   Emily dijo: "Da la casualidad de que no lo hago. Eso es algo de lo que me gustaría hablar: lo de la contención que mencionaste. Parece que muchas mujeres no entran en el tempo, realmente lo golpean. Ese es un truco psicológico muy grande. Tienes que tener confianza para estar en ese momento. Tienes que saber dónde está. Herb Ellis me dijo una vez, 'Si no sabes, no sabes'. Se refería a alguien que no sabe que está fuera de lugar y que no sabe que no hace swing. Y ese es un tema enorme. Hay algunas personas con las que toco con las que no puedes dejar de hacer swing, es maravilloso".

Juntos

https://1fichier.com/?c0o2lor951tr45bo7bhd

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Toots Thielemans, 01, The Whistler And His Guitar, Chet and Toots

Toots Thielemans

Nombre de pila Jean-Baptiste Frédéric Isidor Thielemans. Nacido el 29 de abril de 1922 en Bruselas, Bélgica y fallecido el 22 de agosto de 2016 (a los 94 años de edad) en Braine-l'Alleud, Brabante Valón, Bélgica.

Músico de ocupación. Instrumentos Armónica, guitarra, silbido

Géneros Jazz

Años activo 1949 a 2014

https://en.wikipedia.org/wiki/Toots_Thielemans

Thielemans in 2006

By Ron van der Kolk - Own work, CC BY 2.5, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=846483

Fue un músico belga de jazz. Era conocido por tocar la armónica, así como por su guitarra, sus habilidades para silbar y para componer. Según el historiador del jazz Ted Gioia, su contribución más importante fue "defender la humilde armónica", que Thielemans convirtió en una "voz legítima en el jazz". Con el tiempo se convirtió en el músico de armónica de jazz "preeminente".

Toots Thielemans (izda.) and Joe Marsala (dcha.), alrededor de 1947

Fotografía de William P. Gottlieb

By The Library of Congress - [Portrait of Toots Thielemans and Joe Marsala, Hickory House, New York, N.Y., between 1946 and 1948] (LOC), No restrictions, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11108268

Sus primeras actuaciones profesionales fueron con la banda de Benny Goodman cuando realizaron una gira por Europa en 1949 y 1950. Emigró a los Estados Unidos en 1951, convirtiéndose en ciudadano americano en 1957. De 1953 a 1959 tocó con George Shearing y luego dirigió sus propios grupos en giras por Estados Unidos y Europa. En 1961 grabó e interpretó en vivo una de sus propias composiciones, "Bluesette", que lo presentaba tocando la guitarra y silbando. En las décadas de 1970 y 1980, continuó girando y grabando, apareciendo con músicos como Oscar Peterson, Bill Evans, Dizzy Gillespie, Kenny Werner, Pat Metheny, Jaco Pastorius, Elis Regina y Paquito D'Rivera.

Thielemans en 1961 (Grand Gala du Disque, The Hague)

By Joop van Bilsen (ANEFO) - GaHetNa (Nationaal Archief NL), CC BY 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=50817111

Entre las bandas sonoras de películas que grabó Thielemans se encuentran The Pawnbroker (1964), Midnight Cowboy (1969), The Getaway (1972), Cinderella Liberty (1973), The Sugarland Express (1974) y Looking for Mr.Goodbar (1977). Su tema de armónica para el popular programa de televisión Barrio Sésamo se escuchó durante 40 años. A menudo actuaba y grababa con Quincy Jones, quien una vez lo llamó "uno de los mejores músicos de nuestro tiempo". En 2009 fue designado Maestro de Jazz por The National Endowment for the Arts, el más alto honor para un músico de jazz en los Estados Unidos.

“Solía ​​pensar que lo cromático tenía límites. Pero con la llegada de Toots Thielemans, he llegado a sentir que las limitaciones están dentro del jugador. Porque hasta donde yo puedo ver, Toots no tiene limitaciones "

Charles Leighton, intérprete de armónica de jazz,

Thielemans at La Brasserie, 1975

By Guywets - Own work, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=9853675

En 1955, Thielmans grabó su primer álbum como líder de banda, "The Sound". Durante la década de 1950, Thielemans había dominado la categoría de "instrumentos diversos" en las encuestas de la revista Down Beat. Jerry Murad, de Jerry Murad's Harmonicats, recuerda la maestría de Thielemans:
“Toots tocaba la armónica de la misma manera que muchos de los grandes artistas de jazz de esa época tocaban sus respectivos instrumentos. Nadie tocaba la armónica como Toots. Me dieron ganas de tirar mi armónica ”.

A partir de 1959 realizó giras internacionales con su pequeño grupo y realizó intermitentes grabaciones en estudio. Grabó con cantantes y músicos como Ella Fitzgerald, Pat Metheny, Jaco Pastorius, Stephane Grappelli, J. J. Johnson, Oscar Peterson, Shirley Horn, Joe Pass y el pianista Bill Evans, entre otros. Toots dijo que su grabación con el trío de Evans, Affinity, (1979) fue una de sus favoritas.

Artist Biography

by Scott Yanow

https://www.allmusic.com/artist/toots-thielemans-mn0000159791/biography

Toots Thielemans introdujo la armónica cromática como instrumento de jazz. De hecho, a mediados de la década de los 50, nunca tuvo un competidor cercano, él simplemente tocaba la armónica con la destreza de un saxofonista e incluso logró negociar con músicos como Oscar Peterson.

El primer instrumento de Thielemans fue el acordeón, con el que comenzó cuando tenía tres años y a tocar armónica con 17, la reputación original de Thielemans se la labró como guitarrista, influenciado por Django Reinhardt. Muy abierto al bop, Thielemans tocó en clubes estadounidenses GI en Europa, visitó los Estados Unidos por primera vez en 1947 y compartió el escenario con Charlie Parker en el Festival de Jazz de París de 1949. Hizo una gira por Europa como guitarrista con Benny Goodman Sextet en 1950, y al año siguiente se mudó a los Estados Unidos. Durante 1953 a 1959, fue miembro del Quinteto de George Shearing (principalmente como guitarrista) y trabajó como autónomo durante el resto de su dilatada carrera en la música.

Grabó por primera vez su gran éxito, "Bluesette" (que contó con su experto silbido y guitarra) en 1961, y posteriormente fue muy solicitado, especialmente por su armónica y silbidos, en discos pop (incluidas muchas citas con Quincy Jones). y como solista de jazz. El Proyecto Brasil en dos volúmenes de Toots fue popular en la década de 1990 y le presentaba interactuando sin problemas con su armónica por entre los mejores músicos brasileños. Falleció en Bélgica en agosto de 2016 a la edad de 94 años

Toots Thielemans, The Whistler And His Guitar. 1964 

Grabado en los Bell Sound Studios
El tema “Bluesette” fue grabado en Suecia, en Metronome Records.

Formación:

Toots Thielemans - Guitarra, Silbido
Dick Hyman - Órgano
Harnold Fishkind - Bajo
Sol Gubin, Don Lamond - Batería

Phil Macy, Tory Brainard – Ingenieros de sonido
Rick Ward - Notas


Listado de Temas:

 01 - Wives And Lovers - 02:28 min.
Written-By – Hal David, Burt Bacharach

 02 - It’s The Talk Of The Town - 03:35 min.
Written-By – A. J. Neiburg, Livingston, Symes

 03 - Indian Nuts - 02:35 min.
Written-By – Toots Thielemans

 04 - Manhattan - 02:42 min.
Written-By – Richard Rodgers

 05 - Falling In Love With Love - 02:35 min.
Written-By – Richard Rodgers, Lorenz Hart

 06 - It’s Only A Paper Moon - 02:35 min.
Written-By – Billy Rose, E.Y. Harburg, Harold Arlen

 07 - The Valley Whistler - 02:16 min.
Written-By – Sid Feller, Toots Thielemans

 08 - Deep Purple - 02:57 min.
Written-By – Mitchell Parish, Peter DeRose

 09 - Marionette - 02:43 min.
Written-By – Toots Thielemans

 10 - Star Dust - 03:40 min.
Written-By – Hoagy Carmichael, Mitchell Parish

 11 - Bluesette - 02:50 min.
Written-By – Toots Thielemans

 12 - Duke’s Place - 02:30 min.
Written-By – B. Katz, R. Thiele, Ellington, R. Roberts


12 Temas - Tiempo Total: 00:33:26
flac @ 820 - 180,81 MB
Posted By: Samtro
|Date: 24 Aug 2010 06:50:50|



Reseñas:
Toots Thielemans ‎– The Whistler And His Guitar
Sello: ABC-Paramount ‎– ABCS-482
Formato: Vinyl, LP, Stereo
Fecha de grabación: 1962
Fecha de publicación: 1962 - US: 1964
Género: Jazz - Estilos: Bop, Contemporary Jazz, Mainstream Jazz, Brazilian Jazz, Global Jazz, Latin Jazz
Portada – Frank Gauna
Diseño – Joe Lebow
Productor – Sid Feller
Notas – Rick Ward

AllMusic

Review by Ken Dryden 

Probablemente, Toots Thielemans haya pagado muchas facturas con los derechos de autor de su exitosa composición "Bluesette", que hizo su debut en LP (después de su primera aparición en un sencillo de ABC-Paramount, aunque esta primera versión en realidad fue licenciada por Metronome en Suecia) en esta producción. Se escucha a Thielemans silbando al unísono con su guitarra durante toda la cita, aunque la elección de un órgano Lowery para el virtuoso del teclado Dick Hyman le da a su acompañamiento un sonido parecido al Muzak bastante anticuado en ocasiones, especialmente en "Star Dust". Las mejores pistas son las originales de Thielemans; además de "Bluesette", un vals despreocupado "Marionette", el cursi "Happy Nuts" y la alegre "The Valley Whistler", basada en una melodía folclórica y coescrita con el productor Sid Feller, son todos agradables. "Duke's Place" de Ellington (la versión vocal de su "C Jam Blues") es bastante divertida con un ligero sentimiento gospel, aunque Thielemans restringe su voz a simplemente decir el título ocasionalmente. A pesar de que este LP no estuvo disponible durante mucho tiempo, no será considerado esencial por un fan promedio de jazz, aquellos que disfrutan de Toots Thielemans querrán escuchar la versión original de su "Bluesette", grabada tantas otras veces, lo cual es suficiente para hacer que la difícil búsqueda de este disco valga la pena.

https://www.namm.org/library/oral-history/toots-thielemans

"Acepto esta distinción con orgullo y emoción. Nací en Bélgica hace 86 años, toqué música hasta que escuché un disco de Louis Armstrong en 1940. Eso fue una contaminación instantánea y Blue Note se convirtió en mi antena guía musical y personalmente".

El músico de armónica, guitarrista y silbador Jean Baptiste "Toots" Thielemans fue reconocido por los aficionados al jazz como uno de los mejores músicos de armónica de jazz del siglo XX, improvisando en un instrumento más conocido en la música folk y blues. Thielemans era conocido por el público joven y viejo, su armónica se escuchó sobre el tema de Barrio Sésamo y su silbido se escuchó en un comercial de "Old Spice".

Thielemans aprendió a tocar el acordeón a la edad de tres años, tomó la armónica cromática a los 17 y aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta. Influenciado por Django Reinhardt y Charlie Parker, se interesó por el jazz. En 1950, Thielemans realizó una gira por Europa como guitarrista con el Sexteto Benny Goodman. Emigró a los Estados Unidos en 1952 y tuvo la oportunidad de jugar con los All-Stars de Charlie Parker. Su actuación impresionó tanto a George Shearing que invitó a Thielemans a su banda, donde permaneció hasta 1959.

En 1961, Thielemans compuso y grabó "Bluesette" usando silbidos al unísono y guitarra, y desde entonces ha tenido una gran demanda, particularmente por su armónica y sus silbidos, en discos pop y como solista de jazz. Thielemans comenzó a trabajar por cuenta propia, tocar y grabar con Ella Fitzgerald, Quincy Jones, Bill Evans, Paul Simon, Billy Joel, Astrud Gilberto y Elis Regina, entre otros. También hizo apariciones destacadas en bandas sonoras de películas, especialmente en The Pawnbroker, Midnight Cowboy y The Sugarland Express.

Thielemans apareció como líder de cuartetos de swing y bop en grabaciones y en festivales internacionales. En el Festival Internacional de Jazz de Montreux, grabó como acompañante con Oscar Peterson en 1975, luego con Dizzy Gillespie en 1980. El Proyecto Brasil en dos volúmenes de Thielemans fue popular en la década de 1990 y contó con los mejores músicos brasileños.

Un eterno ganador de las encuestas de lectores y críticos de DownBeat en la categoría "instrumentos varios", Thielemans fue llamado "uno de los mejores músicos de nuestro tiempo" por Quincy Jones en 1995. Thielemans recibió muchos premios y títulos, incluido el francés Chevalier des Arts et des Lettres y doctorados honoris causa por ambas universidades de la ciudad de Bruselas. En 2001, el rey Alberto II de Bélgica le otorgó el título de "Barón", lo que lo convirtió en el Barón Jean "Toots" Thielemans.

Toots Thielemans disfrutó de una carrera increíble como guitarrista de jazz y músico de armónica en jazz. De hecho, es a Toots a quien se le atribuye el mérito de llevar la armónica al jazz. Ha actuado con casi todos los grandes íconos del jazz del siglo, incluidos Ella Fitzgerald, Miles Davis y Herbie Hancock. Toots compuso el estándar de jazz "Bluesette" y también "Ladyfingers". Con una risa y una sonrisa, Toots recordaba su vida durante su entrevista con NAMM, donde terminaba diciendo "Yo creo en la música, ¿sabes?"

 

Åke Johansson Trio With Chet Baker and Toots Thielemans, Chet and Toots. 1985

All Music Guide Review

 ~ Alex Henderson, Rovi- 

Chet Baker fue grabado tan extensamente en Europa que si eres un completista, puedes esperar gastar una fortuna tratando de adquirir todos los lanzamientos europeos en los que está documentado. Grabado en vivo en Sodra Teatern en Estocolmo, el 26 de febrero de 1985, este lanzamiento sueco presenta al Åke Johansson Trio (que incluye al bajista Kjell Jansson y al baterista Rune Carlsson) acompañado por dos músicos visitantes, American Baker y el armonicista belga Toots Thielemans. Debido a que Johansson es un pianista tan lírico, Baker y Thielemans fueron las opciones ideales para él. El lirismo melódico y sutil es la regla durante este set, y los intérpretes escandinavos y estadounidenses disfrutan de una fuerte relación con las interpretaciones relajadas de "Beatrice" de Sam Rivers, "Lament" de J. J. Johnson  y el estándar "All the Things You Are". Baker presenta una versión sentimental de "When I Fall in Love", mientras que Thielemans es quien presenta "Broken Wing" y "My Foolish Heart" de Richie Beirach. La única ocasión de presentar la voz de Baker durante el set viene con este último tema, lo que subraya el hecho de que si bien no tenía un rango fantástico como vocalista (especialmente después de perder los dientes en los años 60) su canto podría ser increíblemente conmovedor y expresivo. En algunas ocasiones, el trompeteo de Baker se vuelve incierto. Pero en su mayor parte, los músicos están en buena, y a veces excelente, forma en este Cd.

Grabado en directo en Sodra Teatern, Stockholm, February 26, 1985

Formación:

Chet Baker - Trompeta, #1, #2, #3, #5, #6, #7, Voz solista #7

Toots Thielemans - Armónica  (#1, #2, #3, #4, #6)

Åke Johansson - Piano 

Kjell Jansson - Bajo

Rune Carlsson – Batería

Listado de Temas

 01 - Beatrice - 09:57 min.

Sam Rivers

 02 - Lament - 10:28 min.

J. J. Johnson

 03 - All the Things you are - 11:11 min.

Oscar Hammerstein II, Jerome Kern

 04 - When I fall in love - 05:50 min.

Edward Heyman, Victor Young

 05 - Broken wing - 07:20 min.

Richie Beirach

 06 - For minors only - 08:47 min.

Jimmy Heath

 07 - My foolish heart - 10:18 min.

Ned Washington, Victor Young

Chet Baker – Vocals

7 Temas - Tiempo Total: 01:03:51

flac @ 832 - 346,03 MB

RipPor: http://rfccbh.blogspot.com/

Posted By: paprica

| Date: 28 Mar 2010 11:12:19 |

Sven-Åke Johansson, es músico, compositor, poeta, artista visual, autor e iniciador de varias producciones musicales y teatrales, como "Die Harke und der Spaten", "Über Ursache und Wirkung der Meinungsverschiedenheiten beim Turmbau zu Babel" junto con Alexander von Schlippenbach (Teatro Hebbel de Berlín).

Ha realizado numerosas exposiciones, publicaciones de libros y más de 50 grabaciones de LP y CD. Fue precursor estilístico importante dentro de la música europea de improvisación libre. En los años 60, junto con Alexander von Schlippenbach, Peter Kowald y Peter Brötzmann, desarrolló una forma europea de free jazz.

Colaboró durante un año con Alexander v. Schlippenbach, Rüdiger Carl, Hans Reichel, Dietmar Diesner, Axel Dörner, y cooperó con Shelley Hirsch, Andrea Neumann, Manfred Schoof, Ludwig Gosewitz, Thomas Kapielski, Martin Kippenberger, Albert Oehlen, Heiner Goebbels , Blixa Bargeld, entre otros.

Comprometido como intérprete en el Burgtheater de Viena, es más conocido como baterista virtuoso, aunque también actúa como cantante y orador. 

La cara oculta de las cosas: sobre el trabajo de Sven-Åke Johansson

Cuando Bert Noglik, periodista independiente exóticamente extranjero en su antigua tierra natal, estuvo en la RDA hace veinticinco años, pidió a los músicos de jazz europeos que hablaran, como parte de una serie de entrevistas, sobre su propia imagen, y un músico le dio la siguiente respuesta: “No se trata de superarse o dominarse a uno mismo, de sacar lo mejor de uno mismo. Por contra, hablando en términos generales, se trata de mirar con calma, a uno mismo y a la música, desde abajo". Entre las declaraciones hechas por los vanguardistas y free jazzers que Noglik estaba entrevistando en ese momento, en las que todos versaban sobre el éxtasis musical, sobre ser independientes del jazz estadounidense, sobre estar en oposición al negocio musical dominante, esta afirmación se destaca. ¿Qué diablos significa mirar, como músico, a uno mismo y a la música desde abajo? La observación era de Sven-Åke Johansson, quedó registrada y cualquier enfoque de su obra, que también podría arrojar luz sobre el misterio de esta declaración, sería mejor hacerlo en forma cronológica.

“Mirar las cosas desde abajo” es una forma de reflexión propia de Johansson. Generalmente uno reflexiona sobre algo. Evita la posición ascendente del observador y prefiere ir por debajo de las cosas y, por tanto, en el medio de un análisis que es, ante todo, una búsqueda de contextos, vínculos y combinaciones sorprendentes, cada uno de los cuales surge en virtud de los parámetros altamente estilizados. En uno de sus Cds, Hudson Riv, interpreta, como cantante (o mejor aún, como no cantante) estándards de jazz, melodías y canciones de amor como You and the night and the music, Old Devil Moon, I should care o Autumn in New York, con letras como “Multitudes relucientes y nubes relucientes - En cañones de acero”. El Cd se grabó en noviembre de 2001, una época en la que se consideraba indecente que las emisoras de radio estadounidenses pusieran Autumn in Nueva York y Johansson toca la canción en todo su esplendor. Aquí la ironía y el dolor se entrelazan con la afirmación casi desafiante de que una canción es, ante todo, una canción, no una declaración jocosa. Johansson es el maestro de la reflexión espontánea porque revela que no es una "creatio ex nihilo" sino que, por el contrario, cualquier reflexión espontánea se basa en su propia historia.

Felix Klopotek, 2009

Bert Noglik, Jazzwerkstatt international, Berlín: Verlag Neue Musik, 1981.

 

TootsThielemans 01.rar

https://1fichier.com/?armizwttizb66rn1xssh

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Richard Stoltzman 2i1

Richard Stoltzman

Richard Leslie Stoltzman (nacido el 12 de junio de 1942) es un clarinetista estadounidense muy bien repudo en el campo de la música clásica. Nacido en Omaha, Nebraska, pasó sus primeros años en San Francisco, California, y Cincinnati, Ohio, graduándose en Woodward High School en 1960. Actualmente, Stoltzman es parte de la lista de la facultad del Conservatorio de Nueva Inglaterra de la Universidad de Boston.

https://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Stoltzman

Stoltzman es quizá el clarinetista más famoso de los que interpretan música clásica europea. Ha tocado con más de 100 orquestas, con muchos grupos de cámara y en numerosos recitales como solista. Stoltzman ha recibido un sinfín premios y ha producido una extensa discografía. Su virtuosidad y musicalidad han hecho de él uno de los artista más codiciados.

Aparte del repertorio clásico, Stoltzman también toca jazz. Algunas de sus grabaciones, como el disco "New York Counterpoint", toca tanto jazz como música moderna. En 1983, Stoltzman le pidió al compositor y arreglista Clare Fischer que escribiera una sinfonía utilizando piezas de Duke Ellington y Billy Strayhorn. El resultado fue "The Duke, Swee'pea and Me", una pieza orquestal con una duración de once minutos, que Stoltzman llegó a presentar en todo el mundo.

Primeros años y educación

El padre de Stoltzman, trabajó para "Western Pacific Railroad" y se mudó con su familia a San Francisco, California, justo después de que naciera Richard. El primer acercamiento de Stoltzman hacia la música se debió a su padre, un ávido fan de la música de big bands. El padre de Stoltzman tocaba música de big bands de la década de 1940 en casa y en la radio, y actuaba en una banda de baile durante su tiempo libre. Stoltzman comenzó a estudiar clarinete a la edad de ocho años con un profesor en una escuela local, y empezó a tocar con su padre en la orquesta de la escuela presbiteriana "Sewart Memorial United" los domingos y en funciones de la comunidad. Cuando Stoltzman cursaba secundaria, empezó a desarrollar técnicas de improvisación de jazz y disfrutaba "jammeando" con su padre en casa. Benny Goodman fue su primer maestro de música y una gran influencia durante toda su carrera. Stoltzman le dijo a Allan Kozinn del periódico New York Times "Cuando tenía siete años... encontré este hermoso objeto cilíndrico guardado en un estuche de piel. Disfrutaba mucho tocándolo... y vagamente recuerdo verlo colgar desde la ventana del segundo piso de mi casa. Esto me causó un gran revuelo ya que pertenecía a mi padre. Pero en vez de castigarme, decidió que yo estaba interesado en ese instrumento y por lo tanto me alquiló un clarinete de metal, indestructible,  para comenzar".

Stoltzman se graduó en una licenciatura en música y matemáticas, de la Universidad del estado de Ohio. Después estudió con el profesor Keith Wilson en la Universidad de música de Yale, donde realizó la maestría en música. También hizo el doctorado en la Universidad de Columbia. Además, Stoltzman fue estudiante por mucho tiempo del maestro de pedagogía en clarinete, Kalmen Opperman, de Nueva York. Juntos fundaron Clarinet Summit, un encuentro internacional semi-regular de clarinetistas que ha existido desde la década de 1990. Stoltzman ha grabado también con el "Kalmen Opperman Clarinet Choir"

Datos generales

Nacimiento 12 de julio de 1942

Omaha (Estados Unidos)

Nacionalidad Estadounidense

Ocupación: Clarinetista, Profesor de música y músico de jazz

Información artística

Géneros Clásica, Jazz

Instrumento   Clarinete

Presentaciones y grabaciones

Stoltzman ha tocado como solista de numerosas sinfonías, en festivales de jazz internacionales y con músicos como Mel Tormé, George Shearing, Judy Collins, Woody Herman, Wayne Shorter, Chick Corea, Claude Bolling entre otros. Fue fundador del grupo de música de cámara TASHI en 1973. En 1993, se presentó en la serie de la BBC "Concerto!" Era el invitado especial con la Orquesta de la sociedad infantil en "Alice Tully Hall" del "Lincoln Center" en el 2004. También ha dado recitales importantes en el "Carnegie Hall" y en "Hollywood Bowl".

Su discografía incluye aproximadamente 40 lanzamientos, muchos de ellos con el grupo TASHI. El sonido de clarinete en Stoltzman se caracteriza por la embocadura de doble labio, amplio vibrato y su habilidad para imitar en sonido de la voz humana con el instrumento. Combina estilo de jazz con música clásica y tradicional, creando así un estilo único, con sus propias reglas.

En agosto de 1993, Stoltzman se presento en "Concerto!", una serie de televisión de seis partes llevado a cabo por el anfitrión Dudley Moore,bajo la dirección de Michael Tilson Thomas con la Orquesta sinfónica de Londres. "Concerto!" fue creada por los productores de la aclamada serie "Orquesta" con Moore y Sir Georg Solti, fue emitida por el canal "The Learning" y el canal 4 de Inglaterra, y continúa en antena a nivel mundial. El programa con Stoltzman ha sido elogiado por la crítica, al público le agrada, y fue el destinatario de un Premio Emmy en la categoría de Artes escénicas internacionales.

Richard Stoltzman - 1985 - Begin Sweet World

Personnel:
Bill Douglas, Bassoon, Piano, Piano Electric
Eddie Gomez, Bass
Richard Stoltzman, Clarinet
Jeremy Wall , Synthesizer
John Penzotti and Larry Swist, Engineering

CdEacRip by Fulcanelli - Flac @ 471 para

La Huerta de Fulcano

http://ixarano.blogspot.com.es/

Listado de Temas:

 01 - Begin Sweet World

Bill Douglas - 03:14 min.

 02 - Everywhere

Bill Douglas - 5:05 min.

 03 - Abide With Me - Blue Monk

Henry Francis Lyte, Thelonious Monk - 04:09 min.

 04 - Full Moon

Bill Douglas - 03:45 min.

 05 - Spiral

Jeremy Wall - 06:34 min.

 06 - Amazing Grace

John Newton - 03:35 min.

 07 - Air

Johann Sebastian Bach - 04:52 min.

 08 - Pie Jesu

Gabriel Fauré - 03:24 min.

 09 – Tara

Bill Douglas - 05:10 min.

 10 - La Fille aux Cheveux de Lin

Claude Debussy - 03:31 min.

 11 - Clouds

Bill Douglas - 05:00 min.

 12 - Morning Song

Bill Douglas - 02:36 min.

12 Temas - Tiempo Total: 00:50:55

Flac @ 471 - 180,29 MB 

CdEacRip by Fulcanelli  para

La Huerta de Fulcano

http://ixarano.blogspot.com.es/

Reseñas:

http://www.cduniverse.com

AllMusic

El álbum Begin Sweet World fue lanzado por Richard Stoltzman el 28 de abril de 1986 con el sello RCA Victor. El programa, perfectamente ensamblado, incluye seis baladas originales escritas por su colaborador desde hace tiempo Bill Douglas, temas de Bach, Faure y Debussy, piezas teñidas por el jazz de Thelonius Monk y el productor y sintetista Jeremy Wall, además de la interpretación de Stoltzman del "Amazing Grace".  Begin Sweet World presenta música de CD con el toque refinado de Douglas al piano, teclados y fagot, junto al contrabajo de Eddie Gomez para completar un álbum sonoro y musicalmente superior que tiene un "algo" para casi todos. Begin Sweet World es uno de los grandes regalos de música de todos los tiempos.

Orig Year 1991

Discs 1

Release Date Apr 28, 1986

Studio/Live Studio

Mono/Stereo Stereo

Personnel: Eddie Gomez, Jeremy Wall, Bill Douglas

Richard Stoltzman - 1994 - Dreams

Formato: Cassette, Album 

País: US - Fecha: 1994

Género: Classical

 Notas

Recorded May 1993

Headings are used here instead of index tracks because the Suites do not represent a musical work, but rather a grouping of individual works.

Ensemble – Kalmen Opperman Clarinet Choir

Alto Clarinet [Kalmen Opperman Clarinet Choir] – Jim Forgey

Bass – Eddie Gomez

Bass Clarinet [Kalmen Opperman Clarinet Choir] – Dan Kelly (7)

Clarinet – Richard Stoltzman

Clarinet [Kalmen Opperman Clarinet Choir] – Adam Ebert, Margo McGowan, Steve Hartman

Contrabass Clarinet [Kalmen Opperman Clarinet Choir] – Dennis Smylie

Vibraphone, Marimba, Bells, Percussion – Dave Samuels

Listado de Temas:

Suite One: Day Dreams

1 Infant Dreams

Composed By – Bill Douglas

 02 - Open Sky - 04:32 min.

Composed By – Bill Douglas

 03 - Meditation on 'My Shepard Will Supply My Need' - 03:38 min.

Composed By – Robert Hebble

 04 – (Medley) - 04:12 min.

4a Blackbird 

Composed By – John Lennon, Paul McCartney

4b Bye Bye Blackbird

Composed By – Ray Henderson

 05 - Oasis - 04:45 min.

Composed By – Dave Samuels, David Friedman

 06 - Come Back as a Flower - 03:28 min.

Composed By – Stevie Wonder, Syreeta Wright

Suite Two: Azure Dreams

 07 - Brahms Dreams - 04:59 min.

7a - Lullaby

Composed By – Johannes Brahms

7b - Sleep Sweet Child

Composed By – Clare Fischer

 08 - Chorado - 03:54 min.

Composed By – Aldir Blanc, Guinga

 09 - Sicilana - 02:44 min.

Composed By – Johann Sebastian Bach

 10 - Adagio - 04:33 min.

Composed By – Samuel Barber

 11 - En Prière - 02:53 min.

Composed By – Gabriel Fauré

 12 - Azure - 04:35 min.

Composed By – Bill Douglas

Suite Three: Distant Dreams

 13 - The Snowman - 03:54 min.

Composed By – Howard Blake

 14 - Tears in Heaven - 03:52 min.

Composed By – Eric Clapton, Will Jennings

 15 - Lullaby - 03:13 min.

Composed By – Bill Douglas

 16 - Cinema Paradiso - 05:00 min.

Composed By – Ennio Morricone

16 Temas - Tiempo Total: 01:03:52

flac @ 501 - 250,92 MB

Rippeado Por: Napi#07

1PocodMusica

https://www.dtodo1poco.com/musica/

Reseñas:

Richard Stoltzman ‎– Dreams

Sello: Las Nuevas Músicas ‎– NM020

Formato: CD, Album 

País: Spain Fecha: 1995

Género: Classical

Créditos

Art Direction – Scott Johnson

Directed By [Kalmen Opperman Clarinet Choir] – Kalmen Opperman

Engineer – Larry Swist

Engineer [Assistant] – Dave Cozzie

Keyboards – Bill Douglas, Jeremy Wall

Mastered By – Ted Jensen

Photography By [Cover] – John Pearson

Producer – Jeremy Wall

AllMusic Review 

by AllMusic

"Dreams" es una nueva colección crossover relajante y reflexiva a cargo del clarinetista más versátil de la música clásica, Richard Stoltzman. Este lanzamiento reúne a Stoltzman con los compañeros desde mucho tiempo atrás Eddie Gomez, Dave Samuels, Jeremy Wall y Bill Douglas en la tan esperada secuela de su gran éxito "Begin Sweet World". Dreams es una ecléctica mezcla de música de compositores con cortes tan diversos como Eric Clapton, Ennio Morricone, Stevie Wonder o Johann Sebastian Bach.

https://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Stoltzman

http://freetexthost.com/r0rsluyto0

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