The Concert for Bangladesh, 1971 Cincuenta años

George Harrison and Friends. The Concert for Bangladesh

Picture of sign outside Madison Square Garden box office, advertising tickets for The Concert for Bangladesh

By 2005 Concert for Bangladesh album booklet credits

Fair use, https://en.wikipedia.org/w/index.php?curid=39213591

"Un concierto celebrado la tarde y la noche del 1 de agosto de 1971 en el Madison Square Garden de Nueva York"

20 Temas. Tiempo Total 01:39:34

    Álbum lanzado originalmente en 1972. La pista 2-10 es un tema extra adicional que solo se encuentra en el lanzamiento del Cd remasterizado.

   Incluye imágenes, no mostradas antes, de la interpretación de Bob Dylan en “Love Minus Zero / No Limit”, durante el 'Concert For Bangladesh'

Grabado en el Madison Square Garden

Re-master de Steve Rooke

Producción de George Harrison y Phil Spector

Intérpretes

Sitar - Ravi Shankar

Sarod - Ustad Ali Akbar Khan

Tabla - Ustad Alla Rakah

Tambura, Kamala Chakravarty

Guitarra acústica - Joey Molland, Tom Evans

Coros: Claudia Linnear, Dolores Hall, Don Nix, Jeanie Greene, Jo Green, Marlin Greene

Bajo: Carl Radle, Klaus Voormann, Leon Russell (pistas 2-04 a 2-07)

Batería - Jim Keltner

Guitarra eléctrica - George Harrison (pistas 2-04 a 2-07, 2-10)

Guitarra solista - Eric Clapton (pistas 1-03, 1-04, 1-06, 1-10)

Guitarra Rítmica - Jesse Ed Davis

Guitarra, coros - Don Preston

Sección de viento: Allan Beutler, Chuck Findley, Jackie Kelso, Jim Horn, Lou McCreary, Ollie Mitchell

Percusión - Mike Gibbins

Saxofón - Jim Horn (pistas 1-03, 1-08, 2-09)

Pandereta - Ringo Starr (pistas 2-04 a 2-07, 2-10)

Voz - Leon Russell (pistas 1-08, 2-01, 2-02, 2-07)

The Concert For Bangladesh  Año 1971

Listado

Cd 1

 101 - Introduction por George Harrison y Ravi Shankar ¬ 05:18 min.

 102 - Bangla Dhun por Ravi Shankar ¬ 16:39 min.

Composición de Ravi Shankar 

Intérpretes:

Sitar, Ravi Shankar

Sarod, Ustad Ali Akbar Khan

Tabla, Ustad Alla Rakah

Tambura, Kamala Chakravarty

 103 - Wah-Wah por George Harrison ¬ 03:30 min.

Composición de George Harrison

 104 - My Sweet Lord por George Harrison ¬ 04:36 min.

Composición de George Harrison

 105 - Awaiting On You All por George Harrison ¬ 03:00 min.

Composición de George Harrison

 106 - That's The Way God Planned It por Billy Preston ¬ 04:20 min.

Composición de Billy Preston

 107 - It Don't Come Easy por Ringo Starr ¬ 03:01 min.

Composición de Ringo Starr

 108 - Beware Of Darkness por George Harrison ¬ 03:36 min.

Composición de George Harrison

 109 - Band Introduction por George Harrison ¬ 02:39 min.

 110 - While My Guitar Gently Weeps por George Harrison ¬ 04:54 min.

Composición de George Harrison

Comentario: Solos de Guitarra  Eric Clapton y George Harrison

Cd 2

 201 - Medley: Jumpin' Jack Flash + Young Blood por Leon Russell ¬ 09:27 min.

Composición de Mick Jagger, Keith Richards + Leon Russell

Comentario: Bajo Carl Radle. Guitarra solista y Voz Don Preston

 202 - Here Comes The Sun por George Harrison ¬ 02:59 min.

Composición de George Harrison

Comentario: Guitarra Acústica Pete Ham

 203 - A Hard Rain's A-Gonna Fall por Bob Dylan ¬ 05:44 min.

Composición de Bob Dylan

 204 - It Takes A Lot To Laugh It Takes A Train To Cry por Bob Dylan ¬ 03:07 min.

Composición de Bob Dylan

 205 - Blowin' In The Wind por Bob Dylan ¬ 04:07 min.

Composición de Bob Dylan

 206 - Mr. Tambourine Man por Bob Dylan ¬ 04:45 min.

Composición de Bob Dylan

 207 - Just Like A Woman por Bob Dylan ¬ 04:49 min.

Composición de Bob Dylan

 208 - Something por George Harrison ¬ 03:42 min.

Composición de George Harrison

 209 - Bangla Desh por George Harrison ¬ 05:02 min

Composición de George Harrison

 210 - Love Minus Zero + No Limit (Bonus Track) por Bob Dylan ¬ 04:19 min.

Composición de Bob Dylan

Comentario: Bajo Leon Russell

20 Temas. Tiempo Total 01:39:34

flac @ 709 ¬ 608,38 MB

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Reseñas

George Harrison And Friends The Concert For Bangladesh

Sello: Sony BMG Music Entertainment

Formato: 2 × CD, Album, Remastered

Reissue 2005

Género: Rock. Estilo: Acoustic, Classic Rock

Joe Taysom @ josephtaysom

Tuesday 21st April 2020 19.00 BST

   

   El "Concierto para Bangladesh" de George Harrison fue un punto de inflexión en la cultura popular, marcando el primer evento benéfico repleto de estrellas que continuaría y sentaría un precedente para futuros conciertos benéficos. Con lo bueno y grandioso de la música, todos juntos para arrojar luz sobre una causa más que digna, todo se originó a partir de la iniciativa original del ex guitarrista de los Beatles, donde Bob Dylan realmente se robó el espectáculo.

   Los dos espectáculos del Concert For Bangladesh, especialmente seleccionados del 1 de agosto de 1971, seguirían adelante y sentaron un precedente para los conciertos benéficos para siempre. El día de las estrellas vería a gente como Bob Dylan, Billy Preston, Eric Clapton, Badfinger y Ringo Starr subir al escenario para unirse por una causa más grande que ellos.

   Los espectáculos se produjeron después de que el ex hombre de los Beatles mantuviera conversaciones con su amigo cercano Ravi Shankar, quien, al detallar los problemas durante una cena, inicialmente planeó recaudar $ 25.000 dólares para ayudar a la causa de Bangladesh. Sin embargo, después de poner a Harrison de su lado, los modestos planes se convirtieron rápidamente en algo bastante extraordinario.

   Había un gran respeto bidireccional entre Harrison y Dylan, tanto a nivel personal como a nivel más profesional, donde buscaban inspiración uno en el arte del otro. En una entrevista en Melody Maker en 1975, Harrison dijo: “Bob Dylan es el artista más consistente que existe. Incluso sus cosas que la gente detesta, me gustan".

   Harrison luego alabó aún más a su contemporáneo y agregó: “Cada cosa que hace representa algo que es él. Puede que escriba mejores canciones mañana, que cante alto en este álbum y bajo en otro, que se vuelva eléctrico o acústico, raro o lo que sea, pero lo básico que causa todo este cambio es un personaje increíble llamado Bob Dylan. Es la persona más loca que conozco", concluyó.

   El dúo, por supuesto, pasarían a formar juntos The Travelling Wilbury's en 1988. Sin embargo, en 1990, una vez que la banda se disolvió, Harrison y Dylan, lamentablemente, nunca volverían a tener la oportunidad de compartir el escenario juntos.

   Tras el fallecimiento de Harrison, con Dylan incapaz de hacer un concierto homenaje dedicado, en su lugar cantó su propia versión de 'Something' que en su gira de Nueva York, le dijo a la multitud de la costa este: "Solo quiero hacer esta canción para George, porque éramos tan buenos amigos".

   Dylan se tomó un tiempo de su apretada agenda para ayudar a un amigo que necesitaba que alguien de su perfil apareciera en el concierto después de que su antigua banda se negara a reunirse para la ocasión, pero eso no era necesario ya que Harrison ya había adquirido una buena factura con la actuación de Bob Dylan la tarde de 'Love Minus Zero / No Limit' siendo la crema de la cosecha (the cream) y, de hecho, la de todas las edades.

The Concert For Bangladesh. 25 Photos

https://www.needsomefun.net/concert-bangladesh-photos-20-photos/

Fotos (25 fotos) 1 de agosto de 1971

4 de enero de 2016

   El Concierto para Bangladesh fue el primer concierto benéfico de este tipo, ya que reunió a un grupo extraordinario de artistas importantes que colaboraron por una causa humanitaria común, sentando el precedente de que la música podría usarse para servir a una causa superior.

   El concierto agotó las entradas del Madison Square Garden y junto con la caja de tres álbumes ganadora de Grammy, y el largometraje, el evento ha generado millones de dólares para UNICEF y ha creado conciencia para la organización en todo el mundo, así como entre otros músicos y sus fans. Por lo tanto, se reconoce como la inspiración y el precursor de los principales eventos mundiales de recaudación de fondos de los últimos años.

   Para citar al exsecretario general de las Naciones Unidas, Kofi Annan: “George y sus amigos fueron pioneros”.

   The Concert for Bangladesh (o Bangla Desh, como se deletreaba originalmente el país) fue el nombre de dos conciertos benéficos organizados por el ex guitarrista principal de The Beatles, George Harrison, con Ravi Shankar, celebrados a las 2.30 y a las 8 pm del Domingo 1 de Agosto de 1971, tocando para un total de 40.000 personas en el Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York.

   Los espectáculos se organizaron para aumentar la conciencia internacional y financiar los esfuerzos de socorro para los refugiados del este de Pakistán (ahora Bangladesh) luego del genocidio relacionado con la Guerra de Liberación de Bangladesh. Los conciertos fueron seguidos por un álbum en vivo superventas consistente una caja de tres discos y el documental del concierto de Apple Films, que se estrenó en los cines en la primavera de 1972.

   El evento fue el primer concierto benéfico de tal magnitud y contó con un supergrupo de artistas que incluía a Harrison, el ex Beatle Ringo Starr, Bob Dylan, Eric Clapton, Billy Preston, Leon Russell y la banda Badfinger. Además, Shankar y Ali Akbar Khan, ambos con raíces ancestrales en Bangladesh, interpretaron un primer set de música clásica india.

   Los conciertos recaudaron cerca de US $ 250.000 para ayuda a Bangladesh, que fue administrado por UNICEF, el Concierto para Bangladesh es reconocido como un proyecto de ayuda humanitaria muy exitoso e influyente, que genera conciencia y fondos considerables, además de brindar valiosas lecciones e inspiración para proyectos que siguieron, notablemente los Live Aid.

   En 1985, gracias a los ingresos recaudados por el álbum en vivo y la película Concert for Bangladesh, se había enviado un estimado de $ 12 millones a Bangladesh como ayuda.

Fuentes

https://www.discogs.com/George-Harrison-George-Harrison-And-Friends-The-Concert-For-Bangladesh/release/1157221

https://en.wikipedia.org/wiki/The_Concert_for_Bangladesh

https://www.georgeharrison.com/videos/the-concert-for-bangladesh/

https://faroutmagazine.co.uk/rare-bob-dylan-footage-george-harrison-bangladesh/

Cincuenta años-parte 1

https://1fichier.com/?ojor44zvm9ljdo11gnh6

Cincuenta años-parte 2

https://1fichier.com/?sr59seuybxg5iptv7ni0

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Pau Riba. Jo, La Donya i El Gripau 1971

Pau Riba ¬ Jo, La Donya i El Gripau

Álbum de 1971

13 Temas. Tiempo Total 00:47:23

Comentario

Grabado en directo en Formentera, al aire libre

en la casa de Pau Riba durante octubre de 1971.

Asistente de Producción, Mario Pacheco

Fotografía, Ferran Freixa

Portada y diseño, Pau Riba

Intérpretes:

Mario Pacheco – Bongos, Maracas

Jordi Soler – Guitarra, Violonchelo, Kalimba

Martí Soler – Guitarra, Kalimba, Guitarra Afghana

Pau Riba – Guitarra, Ocarina, Guimbri, Ukulele

Xavier Riba – Violín

Composiciones de Pau Riba 

Listado

01 - La Lluna, La Pruna - 03:44 min.

Composición Tradicional, Arreglos de Pau Riba

02 - Mesquinet - 04:39 min.

03 - La Marramua - 03:51 min.

04 - Mel - 03:04 min.

05 - Mama Nen - 03:30 min.

06 - L'avioloncel - 04:56 min.

07 - Donya Mixeires (Maquieres O No Maquieres, Taquiero Donya Mixeiro) - 03:24 min.

08 - Jo, La Donya i El Gripau - 00:43 min.

09 - La Vella Del Fons Del Pou - 05:04 min.

10 - Ora Catalina - 04:47 min.

11 - La Dansa De La Terra - 01:05 min.

12 - Llàgrimes i Petons - 05:56 min.

13 - La Lluna, La Pruna - 02:40 min.

Composición Tradicional, Arreglos de Pau Riba

13 Temas. Tiempo Total 00:47:23

flac ¬ 796 ¬ 286,56 MB

RipPor ¬ DarkMan

31-Ene-12 20:24

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Reseñas

Sello Edigsa – CPS 265

Formato Vinilo, LP, Album

País Spain Publicado 1971

Género Folk, World, & Country

Estilo Folk, Catalan Music

Afluencia de Pau Riba

Del rock romántico a la electrónica post-actual

ElPais.ComQuaderncat 

https://elpais.com/diario/2006/11/23/quaderncat/1164246317_850215.html

23 Nov 2006 - 07:00 Cet

   El Demonio Pau Riba canta bien y no desentona, tiene una voz a veces un punto agrietada y un punto, cuando quiere, de regadera, pero entona bien y le pone mucha intención; la voz tiene personalidad y él da mucho carácter a lo que dice, lo dice bien, sabe modular los matices o matizar las modulaciones... y los agudos los clava, a veces muy tensos o intensos, y cuando los grita, cuando les da volumen tiene mucha potencia, como cuando hace rebotar el última a de asesinato en la canción He asesinado mi amor, que se puede sentir en el Disco duro (1993). El anuncio de su primer disco, Taxista (1967), decía: "Tiene voz de regadera pero una regadera hace florecer todo un jardín". Y sabe ser dulce y frágil, si conviene, como en la última canción de Licors (1977), Orenella i Gladiol. Y tiene esa marca del artista que incluso una canción violenta y estremecedora como Asesinato, que hemos oído hace poco en directo, sea un placer escucharla.

 Pau Riba es un músico y un aunador de experimentos musicales muy variados y diversos. No es provocador por el solo gusto de provocar, que también, sino porque dice y hace lo que le parece. 

   Tiene repertorio en directo funcionando con cinco formaciones distintas. El cantante Pau Riba escribe, por ejemplo, una canción hablando del universo, sobre el conocido tema del surgido de la nada, que tiene muy poco que ver con la Biblia de Yahvé o con el Dios de Santo Tomás y más bien tira a ninguna en la guerra de las galaxias, que en el caso de Riba no es una bronquina entre banditas de humanos perdidos por la naturaleza (estelar), sino una epopeya en la que los personajes son las estrellas, los soles, los planetas, las partículas elementales y los agujeros negros, como dice  en el disco Cosmosoma (1997), de canciones de Pau y arreglos de Pastora.

   Los humanitos no somos protagonistas pero sin embargo, hacemos un papel en esta historia: "Nuestro destino fue programado | dentro del oscuro código genético | de esta raza de titanes | que vive en danza con las estrellas" (en el contexto se entiende que tales titanes son los planetas), y fuimos creados para cubrir "la gran necesidad | que tiene la Tierra de conocer, | sin nosotros no existe | o no sabe nada de la existencia, | a través de nosotros descubre |de qué depende la independencia". La tierra es el gran tema, y nosotros "somos sus ojos y su espejo, | somos el grillo de la conciencia para ella".

   Esta visión o idea es central, y no sólo en la obra de Pau Riba, lo es en el mundo de hoy en nuestra situación moral y cósmica de vida o muerte. El Cosmosoma, que no es de ciencia ficción, sino de mitología ficción (o no tan ficción) galáctica, comienza con una cita de la Balada Del Zapatero De Ordis, del gran poeta ampurdanés Fages de Climent (1902-1968).

  El fabricante de canciones Pau Riba tiene una manera trovadoresca y muy suya de tocar la pera en las palabras, de inventar señales (nombres nuevos para llamar a las enamoradas), de encontrar entremezclados dementes de palabras cercanas o remotas.

   En muchas de sus canciones, y de sus poemas, hay verdaderos descubrimientos de los juegos que las palabras mismas se juegan entre sí.

   Un solo ejemplo: el libro que recoge las letras de canciones que tenía escritas hasta el momento, en 1997, se llama Lletrarada. Esta pasión por la fonética y por la morfología, siempre persiguiendo y encontrando el sentido (porque lo que escribe, incluso si en algún caso roza el absurdo, siempre tiene sentido), la locura por el lenguaje, para ver si el lenguaje nos puede explicar o aclarar algo, le ha llevado a publicar interesantísimos trabajos de etimología, parte de los cuales se encuentra reunida en el volumen Al·lolàlia, publicado por Proa en 1999, donde muestra nuevas maneras de descubrir el origen de muchas palabras y expresiones.

   Si Pau Riba ha saqueado y sacudido la fonética del rock, la del folk, la de la canción (tradicional y no), la de la poesía pura y la de la prosa (desde la novela hasta el ensayo político), es porque le interesa la fonética del amor, y por eso le preocupa la fonética de nuestro destino, del vivir y del morir, del nacer y del crecer y del tener hijos. Y "fonética" lo digo en el sentido amplio ¡desde lo más simple, ah, hasta los rompecabezas más emocionantes del significar!

   El escritor Pau Riba no se pasa el día sentado en la mesa de escribir: es hombre en cierta medida, y en su modo de acción y su acción se nota. Pau Riba no es provocador por el solo gusto de provocar, que también, sino sobre todo porque dice y hace lo que le parece que debe hacer e, inevitablemente, a menudo, rompe las previsiones de los organizadores, revienta la burbuja del público y despierta con escalofríos el sopor de los mundos político-culturales, que sin embargo no cuidan y enseguida vuelven a hacer piel muerta, porque les interesa más la insensibilidad. Pau Riba, provocador infiltrado en el mundo del espectáculo, monta números que producen extrañas urticarias y canta coñas que irritan a unos y escandalizan a otros.

   Una de las más sonadas fue en el Canet del 77: con un solo tema de más de media hora, el poema casi épico Astarot Universdherba, tres músicos y un narrador (los Perucho's y Pau Riba vestido de gala con una capa de alas de gallina) organizaron un cacao descomunal de gritos y de ruido que rozaba el umbral psico y audio de lo soportable, si tenemos que hacer caso de los comentarios de la época.

   Pero si lo escuchamos hoy, en la espléndida edición que se ha hecho a los veinte años, en 1998, en la discográfica G3G (que funciona con distribución vanguardista y ya tiene un catálogo muy considerable), resulta que no es más (¡ni menos!) que una obra de arte: un poema grandioso dicho o vomitado por Pau Riba con la ayuda de los Perucho's (Oriol Ponsdevall alias Gínger en el saxo, Jordi Graells en la guitarra eléctrica y Oriol Perucho batería, y faltaba otro saxofonista, el pintor-poeta-músico Albert Subirats, que aquel 30 de julio de 1977 estaba, contra su voluntad, haciendo el servicio militar).

LosTresDePau

https://1fichier.com/?crpff8f48hs74yxdvufr

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Aguaviva. Cada vez más cerca 1970 + Apocalipsis 1971. Reup By Request

Aguaviva

   Fue un grupo musical español, que desarrolló básicamente su trayectoria durante los años 1970. Interpretaron poemas de poetas españoles como Blas de Otero, Federico García Lorca, Rafael Alberti o León Felipe, entre otros. Algunas de sus canciones fueron prohibidas por el régimen del dictador Franco (1939-1975).

   Su estilo se caracterizaba por combinar una voz recitando los poemas sobre fondos musicales y un coro cantando. También llegaron a incorporar fondos musicales basados en temas de Lou Reed o los Rolling Stones.

Historia

   Corrían los últimos años sesenta y en España se vivía una ebullición que un régimen, acostumbrado a que nada cambiara, no llegaba a advertir. Las cosas estaban cambiando a gran velocidad, aunque en la superficie todo pareciera atado y bien atado. En un piso de Madrid, cercano a la Avenida de América, un estudiante con ansias literarias, José Antonio Muñoz, ponía las bases del nuevo grupo junto a un joven cantautor asturiano que ya había estado en Mágicos, Polaris y Los Sonor, antes de debutar como intérprete de sus propias canciones. Se llamaba Manolo Díaz y el público le conocía principalmente por su "Postguerra" aunque también había escrito para Massiel o Manolo Pelayo.

   A ambos les movían los mismos ideales. Seleccionaron cuidadosamente los poemas y los autores, y Manolo Díaz les fue poniendo música. Ellos no inventaron lo de musicalizar poetas. Alberto Cortez o Serrat ya habían triunfado con Neruda o Machado. Pero encontraron una fórmula propia que respetaba el texto íntegro, recitado, del poema y además le añadía música, armonía y voces. Firmaron por un nuevo sello discográfico, Acción, ligado a la Cadena SER y grabaron su primer disco con una formación tan abierta que ni siquiera fueron los mismos intérpretes quienes empezaron y terminaron el disco.

   Algunos de los integrantes que cantaron en los primeros temas ya ni aparecieron en la portada de aquel álbum, titulado "Cada vez más cerca", cuya portada presentaba el formato de un periódico lleno de noticias de actualidad. En aquel disco estaba “Poetas andaluces”, un poema del gaditano Rafael Alberti, escrito en 1950, lamentándose de que no se alzara ninguna voz andaluza contra la situación que vivía España en aquel entonces. Pero Aguaviva la grabó en el 70 y Alberti creía que en esa época los poetas andaluces ya habían hablado, y con firmeza, contra la dictadura. Al final todo se solucionó añadiendo al título del poema “Poetas andaluces”, ese año "1950", que señalaba así la fecha de su creación.

   En un primer momento, Aguaviva no fue recibido con demasiado entusiasmo en España. Un veterano crítico de discos, que trabajaba entonces en la radio oficial, llegó a quejarse del contenido del álbum con una frase que define el espíritu de aquella vieja guardia: “No hemos ganado la guerra para que ahora se escuche a Alberti en nuestras radios”. Sin embargo, en los ambientes progresistas se les recibió como una de las voces más valientes de una época especialmente difícil. Donde causaron sensación fue en Europa. La conquista empezó con la VI Mostra de Venecia, en 1970, donde cantaron por primera vez fuera de España con una acogida inesperadamente elogiosa. Luego llegaron las actuaciones de Portugal y el Midem (Muestra Internacional de Discos y Ediciones Musicales) de Cannes del 71, en la que repitieron el triunfo y, tras él, la llamada de televisiones y organizadores de festivales de toda Europa que les reclamaban como auténticas estrellas.

   En 1971 participaron por primera vez en el Festival de San Remo, en una etapa en que las canciones tenían dos defensores, habitualmente uno italiano y otro extranjero. Aguaviva interpretó “13, storia d’oggi” formando tándem con Al Bano y pasaron a la final, quedando en octava posición. Al año siguiente repitieron experiencia, pero ya sin compartir responsabilidades, pues ese año solo había un intérprete por canción, y pasaron también a la final con “Ciao, amico, ciao” (de Minellono y Remigi). Entre tanto recorrieron Europa, casi siempre en un autobús en el que, además de los cantantes y músicos, llegaban a viajar los hijos, todavía bebés, de algunos componentes. Eran como una gran familia que, sin embargo, cambiaba de miembros con enorme velocidad.

   Eso llevó a un periódico italiano a escribir que Aguaviva estaba compuesto por 32 componentes, aunque para el Festival de San Remo habían enviado una formación ¡reducida! de doce miembros. En otro periódico se utilizó la cifra de 64 componentes, pues quizás interpretaban mal la explicación de que por el grupo habían pasado, a lo largo de su historia, dos o tres decenas de miembros. Entre los más duraderos y representativos de esa forma de ser de Aguaviva se podría citar a Carmen Sarabia, Rosa Sanz, Luis Gómez-Escolar, José María Jiménez, Ricardo Duque, Juan Carlos Ramírez Llach, Pepe Egea, además de José Antonio Muñoz y Manolo Díaz, socios fundadores.

   En 1971 Aguaviva editaba su segundo álbum, “Apocalipsis”, con un formato similar al anterior: una selección de poemas que eran recitados, casi siempre, en la voz de José Antonio Muñoz, y cantados por todos sus compañeros. De nuevo el equilibrio en la elaboración de los temas era fundamental: la elección de los textos era tan importante como su puesta en música, y eso hizo que Aguaviva no cometiera el error de ceder la primacía a uno de ambos aspectos, habitual en otras formaciones de ese tipo: los hay que se convierten en excelentes intérpretes de canciones vacías, mientras que otros prefieren densos textos con música de escasa inspiración.

   En el año 1972, con gran regularidad, aparecía “La Casa de San Jamás”, una obra conceptual en la que no se recurría ya a textos ajenos y donde había músicas de varios componentes de Aguaviva, labor que hasta entonces había realizado Manolo Díaz. Son los tres primeros álbumes de un grupo que supo ser diferente, sin alejarse por ello de las exigencias de una sociedad ávida de escuchar verdades como las que ellos cantaban. Su éxito fue tal, que en esos tres primeros años, vieron sus discos editados en toda Europa, y que el primero, “Cada vez más cerca”, llegara a ser publicado en los Estados Unidos con el título “Aguaviva, 12 who sing of revolution” y con la voz de Raúl Juliá recitando en inglés la parte que José Antonio Muñoz había grabado en castellano.

   Los propios Aguaviva grabaron en italiano y sus discos aparecieron con regularidad en Francia, Italia, Holanda, Alemania, Portugal y hasta en Angola, país al que fueron invitados a cantar pocas horas antes de estallar la guerra que les llevaría a la independencia. Cantaron en todos esos países, con estatus de estrella y teniendo como complemento algunos cantantes de esos que nuestras televisiones llaman como grandes atracciones con cheques llenos de ceros. Todavía editarían un álbum más, muy minoritario, en el sello Acción, con el título de “Cosmonauta”. Luego llegó la venta del sello original y pasaría a Ariola, donde editaron un quinto álbum, “Poetas andaluces de ahora” y a EMI donde culminaron su trayectoria con “No hay derecho”.

   El álbum “La invasión de los bárbaros” quedó sin editar en su momento y vería la luz más tarde.

Aguaviva - 1970 - Cada Vez Más Cerca

Grabado en Estudios Celada, Madrid

Productor, Manolo Díaz

Técnico de Sonido, Seuba

Letras de José Antonio Muñoz.

Poemas de Rafael Alberti, Constantine Bertolo,

 León Felipe y Federico García Lorca.

 Músicas de Manolo Díaz.

Arreglos de Juan Carlos Calderón y Raúl Ferrán.

Listado de Temas

Cara A

 01 - Robot - 01:32 min.

José Antonio Muñoz, Manolo Díaz

 02 - Cantaré - 03:04 min.

Manolo Díaz

 03 - Mía es la voz - 03:40 min.
León Felipe, Manolo Díaz

Incluye Diario Hablado (sólo en la edición española)

 04 - Los cuentos - 02:45 min.

León Felipe, Manolo Díaz

 05 - Rolling Stones - 01:23 min.

Const. Bertolo, Manolo Díaz

 06 - La Nada - 00:26 min.

Manolo Díaz

 07 - Creemos el  Hombre Nuevo - 03:12 min.

Rafael Alberti, Manolo Díaz

Cara B

 08 - Límtes - 02:06 min.

Manolo Díaz

 09 - La unión del mundo - 02:18 min.

Manolo Díaz

 10 - Ay Amor - 00:51 min.

Federico García Lorca, Manolo Díaz

 11 - Federico - 02:26 min.

Manolo Díaz

 12 - Luna, luna, luna - 01:36 min. 

Federico García Lorca, Manolo Díaz

 13 - Veinticuatro Bofetadas - 01:28 min.

Federico García Lorca, Manolo Díaz

 14 - Poetas andaluces - 03:35 min.

Rafael Alberti, Manolo Díaz

 15 - Bla, bla, bla - 01:38 min.

Manolo Díaz

 16 - Bla, bla, bla versión extendida (Bonus-CD) - 03:10 min.

Manolo Díaz

16 Temas - Tiempo Total: 00:35:10

VinyloRipPor: Napi#10

Aguaviva - 1971 - Apocalipsis

Música, Pepe Nieto, Manolo Díaz

Arreglos, Pepe Nieto

Producción, Manolo Díaz

Listado de Temas:

Cara A

A  #01 - Primer Jinete, El Hambre - 09:31 min.

1 - Y Nace el Sol [A. Mañas, Manolo Díaz]

2 - Los Jinetes [José Antonio Muñoz, Manolo Díaz]

3 - El Hambre [José Antonio Muñoz, Manolo Díaz]

4 - La Ciudad es de Goma [Gabriel Celaya, Manolo Díaz]

5 - El Niño ha Muerto [Anónimo, Manolo Díaz]

 A  #02 - Segundo Jinete, La Guerra - 07:20 min.

1 - La Guerra [José Antonio Muñoz, Manolo Díaz]

2 - La Guerra que Vendrá [B. Brecht, Manolo Díaz]

3 - Cuando mi Hijo Nació [Nazim Hikmet, Manolo Díaz]

Cara B

B #03 - Tercer Jinete, La Muerte - 08:20 min.

1 - La Muerte [José Antonio Muñoz, Manolo Díaz]

2 - Me Queda la Palabra [Blas de Otero, Manolo Díaz]

3 - No Nos Dejan Cantar[Nazim Hikmet, Manolo Díaz]

B  #04 - Cuarto Jinete, La Peste - 07:05 min.

1 - La Peste [José Antonio Muñoz, Manolo Díaz]

2 - La Niña de Hiroshima [Nazim Hikmet, Manolo Díaz]

3 - Masa [Cesar Vallejo, Pepe Nieto]

4 - Himno [Manolo Díaz]

4 Ciclos, 15 temas - Tiempo Total: 00:32:16

VinyloRipeao por: Napi#10

Anexo Podcasts

Concierto Segovia 2011

http://www.rtve.es/alacarta/audios/discopolis/discopolis-7700-aguaviva-concierto-folk-segovia-2011-08-07-11/1149260/

José Miguel López. Discópolis 7700  08 jul 2011

Aguaviva: concierto de Folk Segovia

   Hay grupos seminales en la historia de la música popular española. Aguaviva es uno de ellos. Se fundaron en 1969 y duraron una década, pero ¡que década!. Editaron siete discos elepés y tuvieron hasta treinta componentes. Su lenguaje consistió en cantar poetas españoles contemporáneos con musicalizaciones muy creativas. El grupo surgió del feliz encuentro de Jose Antonio Muñoz (más tarde fue mi jefe cuando entré en RNE en 1977) y Manolo Díaz. El primero pertenecía al mundo del teatro, el segundo era cantante-protesta. Su estética musical era mucho más progresista que la que entonces encarnaban Nuestro Pequeño Mundo o el Nuevo Mester de Juglaría. No venían del grupo de Caravana Musical de Ángel Álvarez como los primeros, ni tenían ganas de hacer folclore como los segundos. Se distanciaban de Paco Ibáñez u otros cantautores que musicalizaban poemas porque tenían un componente teatral diferenciador. El primer disco lo editaron en el sello independiente español Acción tan próximo a Radio Madrid que tenía la sede social en la Calle Gran Vía 32 de Madrid, sede de la entonces SER. Manolo Diaz hizo sus primeros pinitos como gestor en la industria de la música justamente allí. Luego llegaría a la cima como director general de CBS (Sony), Universal, Emi... Es un hombre íntegro que como buen asturiano siempre confió en los amigos y trató de que la industria trabajara para él y no viceversa. Suyo es, por ejemplo, el disco Poetas en Nueva York entre tantas cosas mas. Manolo Díaz y Jose Antonio Muñoz lanzaron Aguaviva internacionalmente (San Remo, Venecia, Lisboa, Zagreb, USA....) ya que aquí la censura no les dejó muchas oportunidades. A partir de 1975 Pepe Egea asumiría la dirección musical. Folk Segovia 2011 les ha resucitado, no a Jose Antonio Muñoz que falleció en 1993, pero sí al grupo y sus canciones. El concierto tuvo lugar el domingo 3 de julio terminando la edición de este año. ¡Es fantástico! Si queréis toda la información del grupo visitad www.aguaviva.tk. Allí se indica que en julio de 1972 estuvieron en el Parque de Atracciones de Madrid con un "happening". Yo estaba allí. He invitado al grupo a que vengan un día al programa. Cuando lo hagan compartimos todos la anécdota que es de armas tomar: la censura solo les permitió cantar una única canción. ¿Cómo se las maravillaron? ¿Qué hicimos nosotros jóvenes radicales de la época?. Síguenos en Twitter @discopolis3

 "Discópolis 7700 - Aguaviva: concierto Folk Segovia 2011 - 08/07/11"

Podcast Entrevista Aguaviva

http://www.rtve.es/alacarta/audios/discopolis/discopolis-7702-aguaviva-12-07-11/1151913/

José Miguel López. Discópolis 7702 -12 jul 2011

   Ya os he contado lo importante que es el grupo Aguaviva en la historia de la música popular española. Hoy concretamos una entrevista para conocer sus opiniones en primera persona. Vienen tres componentes del grupo a la entrevista: Carmen Sarabia, Jose Luis Heras y Juan Carlos Ramírez. Los chicos son del equipo inicial. Jose Luis conoció a Manolo Díaz haciendo las milicias universitarias en 1968. Juan Carlos conocía a Jose Antonio Muñoz de andanzas universitarias meses antes. Ambos estuvieron con Aguaviva una par de temporadas y luego se dedicaron a otras cosas para poder vivir. Ramírez es uno de los técnicos de sonido españoles mas reputados. Trabajó en los Estudios Celaya y en Kirios y tiene su propia empresa. Carmen es la componente mas longeva. Estuvo desde el principio hasta 1980 cuando se disolvieron. Ha sido compañera en TVE y está prejubilada desde hace mas de un lustro. Como os podéis imaginar las anécdotas fluyen, pero lo importante es que nos documentan en primera persona sus inicios, evolución y significado del grupo. Un placer histórico ameno, desenfadado y riguroso. Jose Luis estaba dudoso al iniciar la entrevista de poder estar sentado toda la hora. A los 40 minutos de programa comentó fuera de micro "qué pronto se pasa el tiempo, esto se va a acabar" y todavía quedaban veinte minutos.

No hay duda que estaba a gusto. Nosotros también.

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José Miguel López. Discópolis 7702 - Entrevista Aguaviva - 12/07/11

Fuentes:

http://aguaviva.myartsonline.com/

http://www.zafara.com/aguaviva/entrada/index.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Aguaviva_(banda)

http://lafonoteca.net/grupos/aguaviva

http://www.rtve.es/alacarta/audios/discopolis/discopolis-7700-aguaviva-concierto-folk-segovia-2011-08-07-11/1149260/

http://www.rtve.es/alacarta/audios/discopolis/discopolis-7702-aguaviva-12-07-11/1151913/

Cielo y Dedo Original de 2019: Aguaviva. Dos En Uno Cada Vez Más Cerca 1970 + Apocalipsis 1971

https://elcieloyeldedo.blogspot.com/2019/02/aguaviva-cada-vez-mas-cerca-1970.html

CercaDelApocalipsis

https://1fichier.com/?4h44jfo6i224woyfp0mk

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Ian Matthews. If You Saw Thro' My Eyes 1971

Ian Matthews. If You Saw Thro' My Eyes

Lp Original lanzado el 1 de mayo de 1971

Reedición remasterizada en los años 2003-2007

12 Temas. Tiempo Total 00:38:35

flac ¬ 868 ¬ 225,54 MB

Grabado en los Morgan Studios, de Londres, por el ingeniero de sonido Robin Black, y en De-lane Lea Studios, Londres, por el ingeniero de sonido Barry Ainsworth

Fotografía, Steve Hiett

Productores, Ian Matthews, Steve Barlby

Símbolos manuscritos, Marc Ellington.

Publicado originalmente el 1 de mayo de 1971 (VEL-1002)

Dirección Artística, Design Machine

Intérpretes:

Bajo, Pat Donaldson

Batería, Congas, Pandereta, Gerry Conway

Guitarra eléctrica, Simon Nicol

Guitarra eléctrica, Guitarra acústica, Acordeón, Richard Thompson

Guitarra eléctrica, Guitarra acústica, Tim Renwick

Guitarra acústica, Andy Roberts

Flauta, Pol Palmer

Órgano [Flauta] Dolly Collins, (pista #A3 Never Ending)

Piano, órgano Hammond, Roger Coulam

Guitarra cuerdas de acero Fuzz, Pete Wilsher (pista #A1 Desert Inn)

Guitarra Pedal Steel, Gordon Huntley

Guitarra, voz, Ian Matthews

Piano, armonio, voz, Sandy Denny

Keith Tippett - piano en #03 "Never Ending" y #08 "Southern Wind"

Doris Troy, Liza Strike y Nanette Workman - coros en #08 "Southern Wind"

Listado de Temas:

 01 - Desert Inn - 03:28 min.

Guitarra acústica - Andy Roberts

Bajo - Pat Donaldson

Batería - Gerry Conway

Guitarra - Richard "The Fly" Thompson, Tim Renwick

Compositor - Iain Matthews

 02 - Hearts - 03:02 min.

Guitarra acústica - Andy Roberts

Bajo - Pat Donaldson

Batería - Gerry Conway

Guitarra - Richard "The Fly" Thompson

Piano - Sandy Denny

Compositor - Iain Matthews

 03 - Never Ending - 02:52 min.

Guitarra acústica - Richard "The Fly" Thompson

Armonio - Sandy Denny

Piano - Keith Tippett

Compositor - Iain Matthews

 04 - Reno Nevada - 04:44 min.

Guitarra acústica - Andy Roberts

Guitarra acústica, Guitarra -Richard "The Fly" Thompson

Bajo - Pat Donaldson

Batería - Gerry Conway

Guitarra - Tim Renwick

   Compositor - Richard Farina

 05 - Little Known - 02:50 min.

Guitarra acústica - Andy Roberts

Bajo - Pat Donaldson

Guitarra - Tim Renwick

Percusión - Gerry Conway

Compositor - Iain Matthews

06 - Hinge I - 01:26 min.

Compositor - Iain Matthews

07 - Hinge II - 00:28 min.

Compositor - Iain Matthews

 08 - Southern Wind - 03:35 min.

Guitarra acústica - Andy Roberts

Coros: Doris Troy, Liza Strike, Nanette Workman

Bajo - Pat Donaldson

Batería - Gerry Conway

Guitarra - Tim Renwick

Piano - Keith Tippett

Compositor - Iain Matthews

 09 - If Came Without Warning - 06:43 min.

Guitarra acústica - Andy Roberts

Guitarra acústica, Guitarra - Richard "The Fly" Thompson

Bajo - Pat Donaldson

Batería - Gerry Conway

Escrito por - Jacobs, Burnham

 10 - You Couldn't Lose - 02:36 min.

Guitarra acústica - Richard Thompson

  Compositor - Iain Matthews

 11 - Morgan The Pirate - 03:17 min.

Guitarra acústica - Richard "The Fly" Thompson

Guitarra acústica [12 cuerdas] - Andy Roberts

Guitarra acústica [principal] - Tim Renwick

Bajo - Pat Donaldson

Batería - Gerry Conway

Compositor - Richard Farina

 12 - If You Saw Thro' My Eyes - 03:03 min.

Guitarra - Tim Renwick

Piano, coros - Sandy Denny

Compositor - Iain Matthews

12 Temas. Tiempo Total 00:38:35

flac ¬ 868 ¬ 225,54 MB

RipPor ReadyZp

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Reseñas

Publicado originalmente el 1 de mayo de 1971 (Vertigo VEL-1002)

 Remastered  Reedition 2003-2007

Sello Inbetweens Records IRCD702, MK2 Records MK2-001

Formato CD, Album. Países Bajos 2003

Sello Water water209, Universal Music Special Markets B0008963-02

Formato CD, Album, Reissue, Remastered. US 2007

Género Rock. Estilo Folk Rock, Pop Rock

Fuentes

http://www.discogs.com/Ian-Matthews-If-You-Saw-Thro-My-Eyes/release/4348202

http://www.allmusic.com/album/if-you-saw-thro-my-eyes-mw0000532470

   If You Saw Thro 'My Eyes es el álbum de 1971 del músico de folkrock Ian Matthews. Fue el primero de dos álbumes en solitario lanzados en Vertigo, un sello subsidiario de Philips Phonogram (el segundo fue Tigers Will Survive, lanzado en 1972). Los músicos invitados fueron los excompañeros de la Fairport Convention, Sandy Denny,  en voz y teclados, y Richard Thompson en acordeón y guitarra. El álbum también contó con el guitarrista Tim Renwick, el pianista de jazz Keith Tippett, y quien sería su compañero de banda en el futuro Plainsong, Andy Roberts.

   La segunda pista del álbum, "Hearts", fue lanzada como sencillo el 23 de abril de 1971; el álbum en sí (número de catálogo VEL-1002) fue publicado en todo el mundo el 1 de mayo de ese año.

   If You Saw Thro 'My Eyes no estuvo disponible en CD hasta 1993, cuando fue lanzado como una reedición 2 En 1 junto con Tigers Will Survive en Vertigo. El álbum original fue remasterizado y reeditado en Cd en 2003 en MK2 Records. Desde entonces, ha sido reeditado varias veces, siendo la versión más reciente la de 2012 en Esoteric Records.

   Una versión en vivo del álbum, If You Saw Thro' My Eyes Live, grabado en octubre de 2003 en Cambrinus Cafe en Horst, Holanda, donde ahora vive Matthews, fue lanzado como el segundo Cd del set de 2 discos  Sparkler: The Best Of The Texas Recordings 1989-2004, en el sello discográfico Blue Rose.

If You Saw Thro' My Eyes Review

by Brett Hartenbach

   A finales de 1970, poco después de que su banda Matthews Southern Comfort alcanzara el número uno en Gran Bretaña con su versión de "Woodstock" de Joni Mitchell, Ian Matthews decidió que necesitaba más libertad creativa y emprendió carrera en solitario. El siguiente álbum, If You Saw Thro' My Eyes, su cuarto y mejor lanzamiento desde que dejó Fairport Convention en 1969, fue grabado y lanzado en los siguientes meses. También lo reunió con ex compañeros de banda en la Fairport, Sandy Denny, quien había dejado la banda a finales de 1969, y Richard Thompson, que se marcharía en el momento del lanzamiento de este álbum. Ambos aportarían sus personalidades distintivas al proceso sin abrumar nunca la propia visión de Matthews.

   Como líder de banda y compositor, el crecimiento de Matthews es bastante evidente aquí, guiando a un elenco estelar a través de siete nuevas y excelentes composiciones propias, además de tres versiones bien elegidas; también se incluye el tema "Hinge" a cappella y su repetición instrumental, que quedarían fuera en la primera edición en Cd, que fue 2En1.

    En todo momento, la voz en tenor dulce y evocador de Matthews es perfecto para el material, que tiene éxito en su mezcla de folk, rock y pop británico y estadounidense. Y una vez más, Ian muestra un buen ojo para el trabajo de los demás, al mismo tiempo que su destreza como cantante interpretativo de primer nivel. Un par de canciones escritas por el fallecido cantante de folk Richard Farina ("Reno, Nevada", resucitado de los días de Ian con la Fairport, y "Morgan the Pirate") tienen lecturas frescas e inspiradoras, destacadas por Thompson, Tim Renwick y Andy, y la magnífica interacción de guitarra de Roberts, que proporciona un verdadero toque de folk-rock. Pero es la hermosa canción que presta título al disco a modo de oración, la que resulta ser el momento culminante del disco. Acompañado simplemente por el piano de Denny y la impresionante segunda voz, junto con un interludio de guitarra al revés, con muy  buen gusto de Renwick, la súplica silenciosa de Matthews por orientarse es una canción tan conmovedora y personal como la que jamás haya grabado. Otros cortes  como "Hearts," "Southern Wind," "It Came Without Warning", y "You Couldn't Lose", hacen de “If You Saw Thro' My Eyes” uno de los mejores discos de un Ex alumno de la Fairport.

Dusted Reviews

Artist: Ian Matthews

Album: If You Saw Thro' My Eyes / Tigers Will Survive

Label: Water

http://www.dustedmagazine.com/reviews/4223

 By Jennifer Kelly, Apr. 24, 2008

   A lo largo de su carrera de cuatro décadas, el compositor de folk-pop Ian Matthews ha tenido roces ocasionales con el éxito comercial y de  crítica, pero siempre ha parecido rehuir sus mejores oportunidades. Abandonó la versión inicial y definitiva de Fairport Convention después de los dos primeros álbumes. Había escrito Book Songs en el hito What We Did On Our Vacation, pero se sentía frustrado como compositor en una banda más interesada en las polvorientas canciones folclóricas tradicionales. Su siguiente banda, Matthews 'Southern Comfort, estaba destinada a ser un colectivo de compositores, aunque se hizo famosa por una versión. Esta segunda banda floreció a fines de la década de 1960, con su elenco rotatorio de pilares del folk británico, entre ellos Richard Thompson y Simon Nicol de Fairport. Sin embargo, después del sorprendente éxito de la versión de Woodstock de Joni Mitchell, Matthews también abandonó el proyecto. Las gangas de Fausto no parecían interesarle mucho. Lo que quería, principalmente, era un lugar tranquilo para grabar, algunos amigos y algunas canciones interesantes para versionear.

   Matthews consiguió todo eso en If You Saw Thro' My Eyes, lanzado originalmente en 1970, agotado hace mucho tiempo y ahora reeditado por Water, con notas lujosas, hojas con las letras y créditos. Con el apoyo de Richard Thompson y Sandy Denny de Fairport, Andy Roberts de Everybody,  Tim Renwick, compañero de viaje de Pink Floyd, así como Keith Tippett de King Crimson y otros, Matthews debutó con un conjunto de canciones engañosamente simples y transparentemente hermosas.

   El álbum se abre con el folk cálido y country de “Desert Inn” con Matthews cantando en un tenor agudo y trémulo sobre una malla de guitarras acústicas y eléctricas. Una de ellas, doblando y rascando alrededor de la melodía, es sin lugar a dudas la de Richard Thompson, lo que le da una urgencia estridente a una canción que de otro modo sería discreta. Sin embargo, una vez que prestas atención, puedes escuchar a Thompson por todos lados, más particularmente en “Reno, Nevada”, donde sus roturas abrasadoras queman la tela de la canción. Denny desliza un poco de piano gospel en "Hearts" y luego regresa a los teclados para la pista que da título al desnudo, mientras que el piano de Tippett en "Never Ending" toca una contraparte aguda y escalofriante de las armonías de la pista. Las canciones son ligeras, pero están bien arregladas, los otros instrumentos nunca oscurecen ni la más delicada de las melodías.

   Las canciones de Matthews en sí mismas son bastante discretas, tranquilas, animadas y optimistas de una manera muy hippi, country-folk. Incluso las canciones melancólicas escritas por Matthews, "Hearts", por ejemplo, tienen un tono dulce y cadencioso, y el más cercano "Thro' My Eyes" se canta a dúo con Denny y se acompaña de un espeluznante arco eléctrico (Renwick de nuevo) lofts inexorablemente hacia arriba, como la balada triunfal de un musical de Broadway. Es casi cursi, montando una línea exquisitamente fina entre la simplicidad y la obviedad, pero cae en el lado bueno de la línea. La inclinación de Matthews por el lado soleado se hace evidente cuando contrasta sus canciones con las dos versiones de Richard Farina. “Reno, Nevada” y “Morgan the Pirate” son considerablemente más oscuros y urgentes que sus propias canciones, con riffs de guitarra más duros y baterías más grandes. La segunda de ellas, la meditación de Farina sobre una rivalidad con Bob Dylan, es particularmente fina, sardónica y venenosa ("Debías tener ayuda / Para confirmar tu existencia")

   Sin embargo, en general, el debut tiene una gracia no estudiada y no planificada, como si Matthews hubiera tropezado de alguna manera con un objetivo que pasaría el resto de su carrera tratando de alcanzar de nuevo. De hecho, en un nuevo ensayo para reedición, escribe: "Reflexionando, veo cuán delicada y sin censura fue mi composición en sus etapas iniciales, pero la delicadeza y la ingenuidad, el sentido de los acordes no instruidos y las letras opacas también vinieron con una calidez y una vitalidad que nunca he podido recuperar desde entonces".

   Eso contrasta notablemente con lo que dice sobre Tigers Will Survive, su segundo álbum en solitario, también reeditado por Water este año. “Durante el período más largo después del lanzamiento de Tigers, no pude escucharlo sin sentir que había terminado un segundo distante con respecto a su predecesor”, escribe, “ahora puedo disfrutarlo por lo que realmente es: un trampolín a lo largo de esa gran calzada musical hacia un lugar inalcanzable”.

   Y, sin embargo, Tigers Will Survive también tiene sus buenos  momentos, canciones tan buenas como cualquier otra de "If You Saw". Comienza con un florecimiento de guitarras acústicas que suenan españolas, las voces estrechamente armonizadas que emergen de los matorrales de rasgueos, y todo se rompe para un intervalo de guitarra floydiana de ensueño al final. La canción llega directamente a la aún más hermosa "Midnight on the Water" con sus ejecuciones de piano y compilaciones hipnóticas de ritmo lento. Y la guitarra temblando y el piano jaspeado de "Right Before My Eyes" son sudorosos y teñidos de blues, a modo The Band, aunque con mejor canto.

   Pero la versión del tema de Spector, "The Doo Run Run", es simplemente una tontería, y el estilo MOR de piano que Matthews evitó (apenas) en "Thro 'My Eyes" surge en toda su extensión en "Hope You Know". Elton John y Tim Rice no podrían escribir una balada más cursi. Confíe en Richard Farina para inyectar un poco de escepticismo necesario, esta vez en el "House of Unamerican Activities Blues" de humor negro y grave. Es como una bofetada en la cara, una ráfaga de aire frío que te despierta de inmediato.

   Después de Tigers, Matthews pasó a Plainsong y a una serie de álbumes en solitario adicionales, pero nunca volvió a alcanzar la marca establecida por "If You Saw Thro 'My Eyes". A veces, tu mejor tiro es el ciego, antes de que te des cuenta de lo que estás haciendo. Y, después de eso, todos los intentos del mundo no te acercarán más al centro de la diana.

By Jennifer Kelly

Si vieras por mis ojos

https://1fichier.com/?z7jhvq12zywxmvoxq2ja

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