16 noviembre 2018

John Dummer Band - 1970 - John Dummer's Famous Music Band

John Dummer Band - 1970 - John Dummer's Famous Music Band

 

[British Blues-Rock]

Vinyl Ripped And Original Posted By
son-of-albion
|Date: 13 Mar 2013 01:17:06|


Personnel:

Nick Pickett:
vocals/guitar/harmonica/violin/piano/vibes/percussion
Adrian Pietryga:
guitar/vocals
Thump Thompson:
bass guitar
John Dummer:
drums/vocals

plus:
John Fairweather: harmonium, Track 2
Chris Trengove: alto sax, Track 4

Production: John Dummer Band




Vinyl Rip By  and transfer by son-of-albion, March 2013
Vinyl Click Repair 3.8.4

Technicals:
Knosti RCM.
Michell GyroDec full version.
Funk Firm FXR II Tonearm.
Audio Technica AT33PTG/II MC Cartridge.
Harman Kardon HK990 Integrated Amplifier.
Gold Interconnects. E-MU 0204 Audio Interface.
Recording, split and manual de-click with Adobe Audition 3.0.1


Tracklist:


 01 - Lady Luck - 03:35 min.

 02 - Changes - 03:10 min.

 03 - Love Ain't Nothing But Sorrow - 02:15 min.

 04 - Run Around - 02:35 min.

 05 - Yes Sir, She's My Baby Now - 04:05 min.

 06 - Woogie Lullaby - 01:58 min.

 07 - Coming Home - 03:58 min.

 08 - Searching For You - 02:46 min.

 09 - Nine By Nine - 03:20 min.

 10 - Move Me, Don't Leave Me - 02:03 min.

 11 - Going In The Out - 02:05 min.

 12 - No Chance Now - 05:21 min.

 13 - Fine Looking Woman - 02:57 min

 14 - Green Leaves - 01:09 min



14 Temas - Tiempo Total  00:41:17 minutos
flac @ 767 - 218.20 MB
Vinyl Ripped And Original Posted By
son-of-albion
|Date: 13 Mar 2013 01:17:06|

Review By  Taran Geary "Taran" (Cambridge, England)
 amazon.co.uk - 23 Mar 2008
John Dummer's Famous Music Band (Audio CD)
La primera vez que compré el álbum en vinilo fue en una tienda de chatarra. Yo estaba intrigado cuando lo vi, porque la Dummer's se había estrenado recientemente en las listas con "Daddy Cool" y era un gran fan de ellos; además por supuesto, es que John Dummer y su fiel bajista Iain "Thump" Thompson, eran miembros de Darts


Wikipedia:


La John Dummer Band (también conocida como John Dummer's Blues Band, John Dummer's Famous Music Band, John Dummer's Oobleedooblee Band y The John Dummer Band Featuring Nick Pickett) fue una banda de rock-blues británico de los años 1960 y 1970, que se caracterizaba por su amplia lista de miembros, entre ellos Graham Bond, David Kelly, Jo Ann Kelly, Tony McPhee, Bob Hall, John O'Leary y Pick Withers, y por apoyar a músicos de blues de Estados Unidos como Howlin 'Wolf y John Lee Hooker en sus giras por el Reino Unido.

Historia


La banda fue formada por el batería John Dummer (nombre real Anthony John Dummer nacido el 19 de noviembre 1944, en Surbiton, Surrey). Creó primero "Lester Square and the G.T's" en 1963 con Chris Trengove (saxo alto y voz) y Elton Dean (saxo tenor, quien después estaría en Soft Machine) y con ese nombre recorrieron el Reino Unido y Alemania durante dos años.

En 1965 Dummer formó la John Dummer Blues Band. La formación original fue John Dummer (voz y armónica) Roger Pearce (guitarra) Pete Moody (bajo) Bob Hall (piano) y Dave Bidwell (batería). Moody dejó el proyecto algo más adelante y fue sustituido por Tony Walker (bajo) al mismo tiempo que su hermana, Regine Walker, se unió a la Dummer como segunda vocalista. Cuando la banda cambió su formación comenzó una estancia habitual de conciertos de domingo por la tarde en el Studio 51 Club, del West End Londinense. Dummer se ocupaba ahora de la batería, y Dave Kelly y Tony McPhee se unieron como guitarrista y vocalista, junto con Iain "Thump" Thomson (bajo) y John O'Leary (armónica). La hermana de David, Jo-Ann Kelly, fue también una de las vocalistas habituales de estas sesiones. La banda hizo de soporte, en el club, para artistas invitados como John Mayall, Keef Hartley, Champion Jack Dupree, Long John Baldry, Duster Bennett y Alexis Korner . . .

Firmaron con Mercury Records y su primer álbum, Cabal, fue lanzado en 1968. Dave y Jo-Anne Kelly y Tony McPhee proyectaron su propia carrera artística, y la banda pasó a ser la misma que había tocado con regularidad el Studio 51 Club. Tony McPhee dejó la banda poco después de volver a formar The Groundhogs.

En el segundo álbum, The John Dummer Blues Band, aparecían Dummer, Hall, Thomson, Dave y Jo Ann Kelly (voz), con un nuevo guitarra solista, Adrian "Putty" Pietryga de The Deep Blues Band, de Bristol. Esta banda giró extensamente por Gran Bretaña y Europa durante dos años.

Para el tercer álbum, John Dummer's Famous Music Band (1970), Dave Kelly y Bob Hall habían dejado el grupo para ser sustituidos por Nick Pickett (guitarra, violín y voz). Pietryga y Thomson se mantuvieron y se añadió la presencia de Chris Trengove (saxo alto). Después de este tercer álbum, los componentes de la banda "se distanciaron", y sólo se reunieron para grabar de nuevo cuando su canción "Nine By Nine", con el violinista Nick Pickett, fue número 1 en Francia. The Blue, álbum de 1972, lanzado como John Dummer Band, apareció con una cubierta de Roger Dean, mientra la banda se había reducido a un cuarteto de blues-rock, que incluía a Dummer, Pickett, Pietryga y Thomson. El quinto álbum de la banda, Oobleedoobleejubilee (1973) lanzado como Banda Oobleedooblee de John Dummer, tenía un estilo de música country, mientras que el line-up de nuevo incluía a Kelly, junto con Michael Evans (violín) y Roger Brown (voz). El último álbum de la banda, grabado en 1973, incluía a Graham Bond (saxofón), Pick Withers (batería), Pete Emery (guitarra) y Colin Earl (Foghat) (teclados), pero el álbum fue dejado de lado, y la banda se separó en 1974 . Este último álbum fue publicado en 2008 com The Lost Album 1973.

La carrera posterior de Dummer


Dummer se reconvirtió en gerente de promoción, estuvo tres años en MCA Records y uno más en Elektra Records, antes de unirse a A & M Records. En 1977 fue el baterista de Darts, junto a los antiguos miembros de la banda Dummer "Thump" Thomson y el guitarrista George Currie, que ya antes habían vuelto a formar la banda junto a Dave Kelly para volver a tocar el repertorio  del Studio 51 Club, en el West End Londinense, como The John Dummer Band. Dummer escribió canciones como las de los Darts '"Late Last Night", "How Many Nights", y "Can't Get Enough of Your Love", que alcanzó el número 45 en la lista de singles del Reino Unido, antes de salir en 1980.

Dummer entonces tocaba la batería, estuvo de gira y grabó con Lowell Fulson y Eddie C. Campbell. (Lowell Fulson – Think Twice Before You Speak; Eddie C. Campbell – The Baddest Cat on the Block. Both JSP Records 1082 & 1087 respectivamente). Su siguiente grupo, True Life Confessions, contó su esposa Helen April, el segundo baterista de The Manic Esso from The Lurkers, el bajista Harry Kakouli de Squeeze, el guitarristas Robin Bibi y Mark Nevin (más tarde pasaria a formar Fairground Attraction y escribir el éxito "Perfect") y dos cantantes infantiles afro-francesas,  Any Toco-Salvetti and her sister Myriam. Publicaron varios discos en A & M, pero ninguno triunfó. Dummer y su esposa también crearon un dúo que alcanzó el puesto número 54 en la lista de singles del Reino Unido con su versión de "Blues Skies"; también fueron conocidos por "Own Up If You're Over 25".

Después, Dummer sería el manager de The Screaming Blue Messiahs durante tres años, antes de la restauración de propiedades en Francia y Portugal. Formó Screwy Truants con músicos franceses, donde cantaba y tocaba la armónica con el guitarrista francés Jean-Claude Manuel  y el batería, armonica y cantante Nico Toussaint. Al mismo tiempo, Dummer también tocaba batería con los diversos grupos de Burdeos y trabaja como comerciante de antigüedades y restaurador de muebles . . .



Discografía


Álbums



  1.     Cabal (1969) Mercury (SMCL 20136) – CD (1996) See For Miles (SEECD 456)
  2.     John Dummer Band (1969) Mercury (SMCL 20167) – CD (2003) Sunrise (30809032)
  3.     Famous Music Band (1970) Philips (6309 008) – CD (2003) Sunrise (30809042)
  4.     Nine By Nine (Issued as This Is in the US) (1972) Philips (6382 039) – CD (1995) Indigo (IGOCD 2021)
  5.     Blue (1972) Vertigo (6360 055) – CD (1994) Repertoire (REP 4450-WP) & (2003) Sunrise (30809052)
  6.     Oobleedooblee Jubilee (1973) Vertigo (6360 083) – CD (2005) Walhalla (WH 90347)
  7.     Try Me One More Time (1973) Philips (6382 040)
  8.     Volume II (1973) Philips (6382 083)
  9.     Lost 1973 Album (2008)


Singles



  •     "Travellin' Man" / "Forty Days" (1969) Mercury (MF 1040)
  •     "Try Me One More Time" / "Riding at Midnight" (1969) Mercury (MF 1119)
  •     "Nine By Nine" / "Going in the Out" (1970) Philips (600 6111)
  •     "Nine By Nine" / "Move Me, Don't Leave Me" (1971) Fontana (600 7027)
  •     "Medicine Weasel" / "The Endgame" (1971) Philips (606 176)
  •     "Oobleedooblee Jubilee" / "The Monkey Speaks His Mind" (1972) Vertigo (6059 074)



Fuentes:

amazon.co.uk - 23 Mar 2008
By  Taran Geary "Taran" (Cambridge, England)
John Dummer's Famous Music Band (Audio CD)

  Alex Gitlin's extract from Tapestry of Delights plus John Dummer album covers
http://www.alexgitlin.com/npp/jdbb.htm

The John Dummer Band
https://en.wikipedia.org/wiki/John_Dummer_Band




15 noviembre 2018

El Mol como unidad de medida ética. Un mol de "dios"

En algún momento del Bachiller hubo que interiorizar una serie de unidades de medida que, quien más quien menos, tuvimos que meditar para comprenderlas. Como el . . .

Mol

Concepto de mol

El mol es una unidad de cantidad de materia.
 Un mol representa la cantidad de masa contenida en 6,023 X 10 elevado a 23 moléculas de sustancia. Este número, 6,023 X 10^{23} es conocido como el número de Avogadro. El mol es una unidad algo peculiar, porque "no pesa lo mismo" en cada caso. Al estar basada en un conteo de átomos o moléculas, la cantidad de masa total dependerá de cuánta masa tenga cada unidad material.

En primer lugar, es conveniente distinguir entre los conceptos de masa y peso:
  • La masa se refiere a la cantidad de materia contenida en un cuerpo. Se mide en kilogramos (kg).
  • El peso es el resultado de la atracción gravitacional sobre la masa de un cuerpo. Se mide en Newton(N).

Tomemos como referencia el kilogramo. Un kilogramo de plomo y un kilogramo de algodón tienen la misma masa y, por lo tanto, marcan el mismo peso (¡aunque presenten distinto volumen!) en una balanza de dos platillos o una báscula (colocada en el vacío).
En el planeta Tierra, tanto el fiel de la balanza como el indicador de la báscula marcarían 1 kilogramo. Pero en la Luna, donde la atracción gravitacional es aproximadamente un sexto de la terrestre, el peso indicado por la báscula sería aproximadamente "0,166 kg", mientras que la balanza seguiría indicando 1 kg. Los cuerpos no han perdido masa, sólo están sujetos a una atracción gravitacional menor.
Hay que hacer notar que una balanza de dos platillos daría el mismo resultado en la Tierra y en la Luna, porque funciona por comparación de masas (equilibramos la masa a determinar con pequeñas masas conocidas), mientras que una báscula de resorte daría números diferentes en la Tierra y en la Luna. Esto es porque el resorte de la báscula ha sido calibrado para indicar pesos, sujeto a la atracción gravitacional del planeta en que se encuentre. Dado que, ordinariamente, hacemos todos nuestros experimentos en el planeta Tierra, tendemos a usar masa y peso indistíntamente. Dicho uso es permisible, siempre que mantengamos en mente la diferencia entre masa y peso.

Prescidiento en estos momentos de las profundidades de la ciencia (quien lo desee puede consutar esta (o cualquier otra) fuente: https://es.wikibooks.org/wiki/Química/Concepto_de_mol

quiero haceros partícipe de que, últimamente, ante los nuevos sofismas denominados "post-verdad", el concepto "mol" se abre paso en mi cabeza aplicado al asunto ético. Intentaré explicarme.

Se ve mucho valor de desvergüenza y muy poco de ética uniendo las conocidas declaraciones sobre el "indudable derecho a la vida del no nacido" y lo afirmado por el secretario general de la Conferencia Episcopal, José María Gil Tamayo sobre que "la Iglesia ha guardado un "silencio cómplice" ante los casos de pederastia, enmarcado en un contexto de "inacción de toda la sociedad española"

¿Inacción de toda la sociedad española, dicen ustedes?


¡¡¡Hay que joerse, lo de Ustedes es de órdago!!! Permítaseme alguna consideración

¿El tema es que nazcan muchos niños y que no protejamos a ninguno? No quisiera hacer la correlación fácil

En una sociedad como la española en los últimos 80 años, intervenida y secuestrada socialmente por las fuerzas vivas afines al clero, con la jerarquía eclesiástica conjurando y protegiendo a sus pederastas y persiguiendo cualquier denuncia y/o heterodoxia ¿alguien podía hacer más que callarlo y rumiarlo de por vida?

Si en los casos que en la actualidad saltan a primer plano público, se sigue castigando al agredido (como poco dudando de su testimonio) al tiempo que se oculta el rastro del agresor . . . ¿nosotros somos los cómplices por inacción?

¿Acaso no es entre ustedes, los de la comunidad religiosa de la que hablamos, donde moran los agresores, los autores?


Si aplicamos la unidad de medida "mol", a la moralidad pública y privada  usada durante los último 10 siglos por el estamento religioso español (de boquilla siempre más papista que el papa) . . .
... me da la impresión de que en la Iglesia Católica hay un alto valor de mol de "poca vergüenza"  al mismo tiempo que un mol bajísimo en "ética".

Y todo esto me hace pensar que, siendo la citada comunidad la de los representantes de Dios en la Tierra . . .   el mol de "dios" debe de tener valor bastante devaluado, por no ser más explícito











11 noviembre 2018

Barbacana

Hace unos días, escuchando radio, conocí una curiosa y sonora palabra: Barbacana, bonita ¿verdad? Era la primera línea defensiva de las ciudades amuralladas medievales
Barbacana
Del árabe hispánico: "báb albaqqára", "puerta vaquera".
1. f. Muro bajo con que se suelen rodear las plazuelas que algunas iglesias tienen alrededor de ellas o delante de alguna de sus puertas.
2. f. Saetera o tronera.
3. f. Mil. Obra avanzada y aislada para defender puertas de plazas, cabezas de puente, etc.
Real Academia Española © Todos los derechos reservados


De Pearson Scott Foresman - Archives of Pearson Scott Foresman, donated to the Wikimedia Foundation, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2533436
Una barbacana es una estructura defensiva medieval que servía como soporte al muro de contorno o cualquier torre o fortificación, adelantada y aislada, situada sobre una puerta, poterna o puente que era utilizada con propósitos defensivos. Las barbacanas estaban por lo general situadas fuera de la línea principal de defensa y conectadas a los muros de la ciudad por un camino fortificado.
Tal fortificación era a menudo sólo un terraplén adosado al muro junto a la zona más vulnerable de un castillo o de una plaza fuerte. Este sistema defensivo se difundió ya en el alto medievo prácticamente en toda Europa también por su relativa simplicidad de construcción.
Habiendo estado dirigido a la defensa de construcciones militares, existen excepciones en las que las barbacanas vienen como defensa de estructuras civiles más que de sustento. La explicación se encuentra en que dada la pobreza de las pequeñas poblaciones, un terraplén similar representaba una solución constructiva simple, rápida y poco costosa.
En el siglo XV con la mejora de las tácticas militares y la artillería, las barbacanas perdieron su importancia. Sin embargo, algunas fueron construidas todavía en el siglo XVI.
Etimología Barbacana es un término francés que tiene la misma raíz en italiano (barbacane), portugués (barbacao) y anglosajón (barbican) que está compuesta del término bergen cubrir, poner a cubiertoy kenningver, divisar—.
De hecho, en una forma muy arcaica las barbacanas eran también las aspilleras verticaleshttps://es.wikipedia.org/wiki/Aspillera
 sobre los muros del castillo para poder golpear al enemigo manteniéndose a cubierto. En realidad, en el pasado el término ha sido utilizado para designar también otros tipo de fortificaciones.


Topónimos Por la propia naturaleza del terraplén, hoy alguna zona a menudo muy pequeña o lejana de centros habitados ha tomado el nombre de barbacana. Solamente, estos topónimos son ubicados donde antiguamente surgía una barbacana en la primera acepción expuesta.A título de ejemplo, en Italia existen las siguientes barbacanas:
  1. Barbacanas en  Florencia, Ébola, Spilimbergo y Gargnano
  1. Localidades con el nombre Barbacana son presentes en: Bra, Cavallermaggiore Pavarolo, Cantarana y Monopoli.
  1. Río o torrente Barbacana en Leinì y Settimo Torinese


La escuché referida a las primeras medidas defensivas que los pastores colocan para la recogida nocturna del ganado, ante la posible presencia del lobo. Comentaban que, la necesidad de coexistencia entre pastores y el lobo, han dado como resultado medidas pasivas nada agresivas para el depredador, tales como pastores eléctricos y la colocación de señuelos con ropas y olor de humanos.

Todo ello a cuento de una película de próximo estreno, que puede ser fascinante:




http://barbacana.org

Barbacana la huella del lobo

http://barbacana.org/ 


Un estreno de cine
En octubre en los mejores cines.

La coexistencia es posible
Por la conservación de la ganadería extensiva
y el lobo ibérico.

 La adopción de medidas preventivas para la protección del ganado (pastores, perros mastines, vallados, pastores eléctricos, recogida nocturna del ganado, etc…) es esencial para evitar daños.


http://barbacana.org/portfolio-item/preguntasyrespuestas/

El
lobo es el blanco de prejuicios de origen cultural, que no tienen ningún fundamento real.
Con una serie de preguntas y respuestas vamos a desmontar muchos de esos mitos.

¿Es el lobo tan “fiero como lo pintan”? 
No. El lobo no supone un peligro para los seres humanos. En los últimos cuarenta años no hay documentado ningún caso de ataque de lobos a personas en España. Si hiciésemos un listado de las 50 especies más peligrosas para el ser humano de la península Ibérica el lobo no estaría en esa lista.

¿Son incompatibles el lobo y la ganadería? 
Falso. Desde tiempo inmemorial lobos y ganado doméstico han coexistido y siguen compartiendo los mismos territorios.
En España hay zonas donde el lobo tiene altas densidades de población y se ponen en práctica medidas de protección del ganado, sin apenas conflicto con el cánido. La adopción de medidas preventivas para la protección del ganado (pastores, perros mastines, vallados, pastores eléctricos, recogida nocturna del ganado, etc…) es esencial para evitar daños.
Puedes encontrar numerosos videos que acreditan que la coexistencia es posible.

¿El lobo es el responsable del declive de la ganadería?
Falso. La actividad ganadera sufre importantes problemas estructurales que nada tienen que ver con el lobo. La situación de crisis en este sector se da por igual en zonas con y sin presencia de este cánido salvaje y el declive del ganado se da independientemente de la coexistencia con la especie.
En los tiempos de esplendor de la mesta había muchas más cabezas de ganado y muchos más lobos que ahora. Los cánidos no fueron una traba para el gran desarrollo que la actividad ganadera experimentó en esa época.

¿El lobo impide el desarrollo rural? 
Falso. El lobo es un motor de desarrollo rural, una especie emblemática que aporta un valor añadido a los artículos originados en las zonas loberas. El consumo de productos naturales está incrementándose en toda Europa y los ganaderos deben sacar partido a esta situación. En lugar de ver al lobo como una amenaza deben contemplarlo como una oportunidad que les permitirá mejorar la comercialización de sus productos. Asimismo, el lobo se ha convertido en una fuente de atracción turística. Algunas zonas loberas han visto incrementar notablemente la afluencia de personas deseosas de contemplar a esta especie en su medio natural, contribuyendo a mejorar las economías locales y a frenar el despoblamiento.

¿El lobo es perjudicial para la ganadería? 
Falso. El lobo es beneficiosos para la ganadería ya que contribuye a controlar ciertas enfermedades, actuando como un veterinario natural. Es muy eficiente eliminando animales tuberculosos e impidiendo la propagación de esta enfermedad. En las zonas donde hay lobos, la incidencia de la tuberculosis en la cabaña ganadera es menor. Esto nunca ha sido justamente valorado ni reconocido, pero la realidad es que los lobos ahorran mucho dinero a los ganaderos.
Los lobos también pueden ser determinantes para controlar el avance de la peste porcina que están extendiendo los jabalíes por el este de Europa y que, si llegase a España, podría ocasionar cuantiosas pérdidas a los productores de cerdo ibérico.

¿Las batidas de lobo reducen los daños a la ganadería? 
Falso. Está demostrado que las batidas, lejos de mejorar la situación, lo que hacen es incrementar los ataques al ganado. Esto es debido a que al matar algunos lobos del clan, éste se desestructura perdiendo su capacidad de caza. En esa situación, el grupo recurre a lo más fácil que es atacar al ganado que se encuentre desprotegido.

¿El lobo es una especie prescindible? 
Falso. El lobo es una especie clave en los ecosistemas ibéricos, que no tiene sustituto posible. Su ausencia genera una serie de efectos colaterales, conocidos como “cascadas tróficas”, que acaban por alterar gravemente el medio natural.



y tras una barbacana, El L0b0. Porque inevitablemente, compartimos Gaia con el L0b0 

1970 - Sergi0 Mendes Presents Edu L0b0 [320]

 Edu L0b0 y VV. AA. - 1977 - Nova Historia da Musica Popular Brasileira [FlacLpRipBy Jarax4u]

H0wlin' W0lf - 1970 - The L0nd0n Sessi0ns [DLuxEdit.2002-Ogg]



Português: Os cantores brasileiros Zizi Possi e Edu Lobo na Sala Funarte.
Date December 2006 Source autoria própria Author olimor , Dominio público,

https://es.wikipedia.org/wiki/Edu_Lobo

Edu Lobo (Río de Janeiro, 29 de agosto de 1943) es un compositor, arreglador, guitarrista y cantante brasileño, considerado como uno de los más importantes referentes de la segunda generación del Bossa Nova.

Información personal
Nombre de nacimiento Eduardo de Góes Lobo
Nacimiento 29 de agosto de 1943, Río de Janeiro, Brasil
Nacionalidad Brasileña
Información profesional
Ocupación Músico, músico de jazz, compositor, cantante y compositor de bandas sonoras
Género Bossa nova
Instrumento Guitarra
Discográfica Biscoito Fino
Distinciones Ordem do Mérito Cultural (2008)

Sitio web www.edulobo.com

1970 - Sergio Mendes Presents Edu Lobo [320]

Créditos

Arranged By – Edu Lobo, Hermeto Pascoal, Sérgio Mendes
Bass – Sebastião Neto
Drums – Claudio Slon
Flute, Piano, Electric Piano – Hermeto Pascoal
Guitar – Oscar Castro-Neves
Guitar, Vocals – Edu Lobo
Percussion – Airto Moreira
Producer, Orchestrated By – Sérgio Mendes


Listado de Temas:

 01 - Zanzibar - 04:07 min.
Written-By – Edu Lobo

 02 - Ponteio - 03:05 min.
Written-By – Capinan, Edu Lobo

 03 - Even Now - 02:15 min.
Written-By – Edu Lobo, Lani Hall, Paula Stone

 04 - Crystal Illusions - 06:15 min.
Written-By – Edu Lobo, Gianfrancesco Guarnieri, Lani Hall

 05 - Casa Forte - 03:40 min.
Written-By – Edu Lobo

 06 - Corrida De Jangada - 02:27 min.
Written-By – Capinan, Edu Lobo

 07 - Sharp Tongue - 02:17 min.
Written-By – Hermeto Pascoal

 08 - To Say Goodbye - 04:44 min.
Written-By – Edu Lobo, Lani Hall, Torquato Neto

 09 - Hey Jude - 04:14 min.
Written-By – Lennon-McCartney


9 Temas - Tiempo Total: 00:33:04
mp3 @ 320 - 76.85 MB




Edu Lobo - 1977 - Edu Lobo LPRip


Edu Lobo - 1977 - Nova Historia da Musica Popular Brasileira

Artist: various
Title: Nova História da Música Popular Brasileira
Release: 1977

Tracklist:

Side 1:

01 - Edu Lobo - 1964 - Borandá (Edu Lobo) 2:30

02 - Nara Leão - 1964 - Chegança (Edu Lobo, Oduvaldo Viana) 2:08

03 - Edu Lobo & Marília Medalha - 1967 - Ponteio (Edu Lobo, Capinam) 3:09

04 - Elis Regina - 1966 - Upa, Neguinho (Edu Lobo, Giafrancesco Guarnieri) 2:13


Side 2:

05 - Elis Regina - 1965 - Arrastão (Edu Lobo, Vinicius de Moraes) 2:42

06 - MPB4 - 1967 - No Cordão Da Saideira (Edu Lobo) 2:38

07 - Edu Lobo - 1964 - Canção Do Amanhecer (Edu Lobo, Vinicius de Moraes) 1:50

08 - Edu Lobo - 1973 - Viola Fora De Moda (Edu Lobo, Capinam) 2:41


(*) few clicks and crackles not removed

LP Rip -> turntable -> P2/RCA cable -> SB Live! 5.1 SB0228 line in (kX Audio Driver 5.10.0.3550) -> WavLab 6 -> WAV 16 bits 44.1 kHz -> DeNoiseLF -> ClickRepair -> DeNoise -> volume increase via Audacity 1.3.14-beta (Unicode) (Effect -> Amplify) -> track split via WavLab 6 -> FLAC -> tag via MediaMonkey
-> foobar2000/lame -> MP3 at 320
-> foobar2000/oggenc -> OGG at 500

@jarax4u



Howlin' Wolf



By Photographer-Doug Fulton - eBay itemrontback, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2907293

https://en.wikipedia.org/wiki/Howlin'_Wolf

Chester Arthur Burnett (June 10, 1910 – January 10, 1976), AKA Howlin' Wolf, was a Chicago blues singer, guitarist, and harmonica player, originally from Mississippi. With a booming voice and imposing physical presence, he is one of the best-known Chicago blues artists. The musician and critic Cub Koda noted, "no one could match Howlin' Wolf for the singular ability to rock the house down to the foundation while simultaneously scaring its patrons out of its wits."[1] Producer Sam Phillips recalled, "When I heard Howlin' Wolf, I said, 'This is for me. This is where the soul of man never dies.'"[2] Several of his songs, including "Smokestack Lightnin'", "Killing Floor" and "Spoonful", have become blues and blues rock standards. In 2011, Rolling Stone magazine ranked him number 54 on its list of the "100 Greatest Artists of All Time".[3]

Stone magazine ranked him number 54 on its list of the "100 Greatest Artists of All Time"


Howlin' Wolf - 1970 - The London Sessions

[DLuxEdit.2002] 2 Cd's 


Créditos

Bass, Cowbell – Bill Wyman
Drums, Congas – Charlie Watts
Engineer – Glyn Johns
Guitar [Acoustic] – Howlin' Wolf (tracks: B4)
Guitar [Lead] – Eric Clapton
Guitar [Rhythm] – Hubert Sumlin
Harmonica – Howlin' Wolf (tracks: A4, B2), Jeff Carp
Piano – Ian Stewart (tracks: A1, B1, B5, B7), Lafayette Leake (tracks: A3, A4, B4), Steve Winwood
Vocals – Howlin' Wolf
Producer – Norman Dayron


Listado de Temas:

Cd 1

 101 - Rockin' Daddy - 03:47 min.

 102 - I Ain't Superstitious - 03:32 min.

 103 - Sittin' On Top Of The World - 03:53 min. 

 104 - Worried About My Baby - 02:58 min.

 105 - What A Woman! - 03:04 min.

 106 - Poor Boy - 03:06 min.

 107 - Built For Comfort - 02:11 min

 108 - Who's Been Talking  - 03:04 min

 109 - The Red Rooster (False Start And Dialogue) - 01:59 min.

 110 - The Red Rooster - 03:58 min.

 111 - Do The Do - 02:22 min.

 112 - Highway 49 - 02:48 min. 

 113 - Wang Dang Doodle - 04:33 min.

 114 - Goin' Down Slow (Bonus From London Revisited) - 05:56 min.

 115 - Killing Floor (Bonus From London Revisited) - 05:17 min.

 116 - I Want To Have A Word With You (Bonus From London Revisited) - 04:06 min


Cd 2

 201 - Worried Abut My Baby (Rehearsal Take) - 04:33 min

 202 - The Red Rooster (AltMix) - 04:04 min

 203 - What A Woman! (AKA Commit A Crime) (Alt Take) - 05:12 min

 204 - Who's Been Talking  (Alt Take With False Start & Dialog) - 05:52 min

 205 - Worried About My Babby (Alt Take) - 03:45 min.

 206 - I Ain't Superstitious (Alt Take) - 04:12 min.

 207 - Highway 49 (Alt Take) - 03:41 min.

 208 - Do The Do (Extended Alt Take) - 05:46 min. 

 209 - Poor Boy (Alt Lyrics , Mix) - 04:29 min.

 210 - I Ain't Superstitious (AltMix) - 03:55 min.

 211 - What A Woman! (AKA A Commit Crime) (AltMix With Organ Overdub) - 03:12 min. - 

 212 - Rockin' Daddy (AltMix) - 03:58 min.


2 Cxd's - 28 Temas. Tiempo Total: 01:49:13
ogg @ 357 - 292,16 MB



Fuentes y citas:


Fuente http://barbacana.org/portfolio-item/preguntasyrespuestas/

http://dle.rae.es/?id=51ZmTk3
https://es.wikipedia.org/wiki/Barbacana

1. 
https://es.wikipedia.org/wiki/Florencia
https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=%C3%89bola_(Italia)&action=edit&redlink=1
https://es.wikipedia.org/wiki/Spilimbergo
https://es.wikipedia.org/wiki/Gargnano

2. 
https://es.wikipedia.org/wiki/Bra_(Italia)
https://es.wikipedia.org/wiki/Pavarolo
https://es.wikipedia.org/wiki/Cantarana
https://es.wikipedia.org/wiki/Monopoli

3. 
https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Lein%C3%AC&action=edit&redlink=1
https://es.wikipedia.org/wiki/Settimo_Torinese

Véase también
Puerta de fortificación https://es.wikipedia.org/wiki/Puerta_de_fortificaci%C3%B3n

Enlaces externos
 Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Barbacana.
https://es.wikipedia.org/wiki/Wikimedia_Commons
https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Barbicans

 Wikcionario tiene definiciones y otra información sobre barbacana.
https://es.wikipedia.org/wiki/Wikcionario





29 octubre 2018

Glenn Gould

Glenn Gould

Glenn Gould statue in Toronto
fue un pianista canadiense, especialmente reconocido como intérprete de la obra para teclado de Johann Sebastian Bach, así como de las obras pianísticas de Arnold Schönberg. (1)

Glenn Herbert Gould, más conocido con el nombre de Glenn Gould (Toronto, Canadá, 25 de septiembre de 1932 - 4 de octubre de 1982 [50 años])

https://es.wikipedia.org/wiki/Glenn_Gould

Biografía

Nacido en Toronto (Ontario, Canadá) en el seno de una familia de músicos (el padre era aficionado; la madre profesional), Gould aprendió a tocar el piano con esta última, que tocaba además el órgano. Su abuelo era primo de Edvard Grieg. Fue a la escuela Royal Conservatory of Music cuando tenía diez años de edad, convirtiéndose en discípulo del pianista chileno Alberto García Guerrero. (2)

Su primer concierto (tocó el órgano) tuvo lugar en 1945, e hizo su primera aparición con orquesta el año siguiente cuando ejecutaba el Concierto para piano nº 4 de Beethoven con la Orquesta Sinfónica de Toronto. Realizó su primera ejecución pública como pianista solo en 1947.

El 11 de enero de 1955 debutó en Nueva York (EE.UU.), con un recital de piano que tuvo lugar en el Town Hall. Al día siguiente recibió el ofrecimiento de Columbia Masterworks para grabar su álbum debut, las Variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach en la primera de sus versiones en estudio (realizó otra en 1981).
Diez años más tarde, Gould hizo un viaje a la Unión Soviética y fue el primer pianista canadiense en visitar ese país después de la Segunda Guerra Mundial.

Glenn Gould as a child
El 10 de abril de 1964, tocó en público por última vez en Los Ángeles y anunció que se retiraba de los escenarios cuando era una auténtica figura internacional. La razón es que empezó a sentir hastío por la interpretación en directo y creyó que servía mejor a la música en un estudio de grabación que en la sala de conciertos. Pensaba además que la música se preservaba mejor en la intimidad.
J. S. Bach fue su gran especialidad constituyéndose sus grabaciones verdaderos puntos de referencia. Hay que tener en cuenta que Gould era muy inclinado a los aspectos contrapuntísticos y Bach le venía perfectamente a medida. (3)  Las grabaciones en vivo que efectuó de los Conciertos para piano y orquesta de Johann Sebastian Bach junto a Leonard Bernstein constituyen verdaderas joyas interpretativas. También hay que destacar sus tres registros de las Variaciones Goldberg (la grabada en el festival de Salzburgo y las dos citadas) como también el Clave Bien Temperado.

Además de las grabaciones de piano, a las que se dedicó con ahínco durante el resto de su vida, se dedicó también a la escritura y a la radio, que le apasionaba. Murió en Toronto el 4 de octubre de 1982 después de sufrir un infarto cerebral.

En 1983, el escritor austríaco Thomas Bernhard escribe El malogrado, novela que gira en torno a un pianista llamado Glenn Gould y su interpretación de las Variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach. En 1992, Manuel Huerga dirige el galardonado documental Les Variacions Gould, una coproducción de Ovideo TV, La Sept/Arte y TVC sobre el pianista canadiense con motivo del décimo aniversario de su muerte. En 1993, se hizo una película sobre él titulada Thirty two short films about Glenn Gould. (Treinta y dos películas cortas sobre Glenn Gould) dirigida por François Girard y Don McKellar.  (1)

Glenn  Gould's chair
Balance

Muy interesado en las nuevas tecnologías, llegó a ser un gran especialista en las técnicas de grabación y fue de los primeros intérpretes clásicos en experimentar con técnicas digitales. Cada grabación la preparaba con todo detalle como una obra única, y pocas veces regrabó alguna pieza, con la notable excepción de las Variaciones Goldberg, cuya primera versión grabó en 1955, al inicio de su carrera, y la segunda en 1981, totalmente distinta, poco antes de su muerte, y empleando tecnología digital en todo el proceso. Gould publicó más de 60 discos con un repertorio que abarcó desde Bach hasta Schoenberg, desde Beethoven hasta Shostakóvich, a quien popularizó en Occidente. De Bach dejó un inigualable patrimonio de grabaciones.

Excéntrico y encantador, se presentaba a los conciertos con mitones, abrigo, bufanda independientemente del calor que hiciera, con una desvencijada silla de madera con respaldo y casi sin asiento, con las patas recortadas que hacía que le quedara la nariz a la altura del teclado. No es raro escuchar su voz cantando durante las grabaciones. Dotado naturalmente de una técnica sorprendente, sus grabaciones son un referente para todo músico. Poco más de veinte años después de su muerte, exámenes científicos le diagnosticaron el síndrome de Asperger. Muchas personas con este desorden creen que Gould lo tenía. La pequeña silla que utilizaba lo identifica fielmente y tiene un lugar de honor en una vitrina en la Biblioteca Nacional de Canadá.

Sedia di Glenn Gould, Salon du Meuble, Parigi 2007

Premios y homenajes

La nave Voyager 1, que despegó de la Tierra el 5 de septiembre de 1977 en búsqueda de vida extraterrestre, lleva, entre otras muestras representativas de actividad humana, una grabación del preludio y fuga número 1 del Clave bien temperado de Johann Sebastian Bach volumen II, interpretada por Glenn Gould.





Glenn Gould - 2015 - Goldberg Variations,  BWV 988 - 1955 Version
GG.G.55.15.[M.428401-B.G.V.FL.rar - 359,69 Mb  (2) 


Recorded at Columbia's 30th Street Studio, New York
Tracks 1 to  32 June, 10, 14, 16, 1955
Tracks 33 to 38 May 1 to 8 & Sept. 22, 1959
Tracks 39 to 44 June 22, 23, 1959
Tracks 45 to 51 July 29 to 31 & August 1, 1957
Track 52 July 31, 1957



The Goldberg Variations
Minuet 428401
24-bit digitally re-mastered


Listado de Temas:

1  1-32 Aria with 30 Variations "Golgberg Variations" BWV 988. 38:37

Bonus Tracks:

2 # 33-38 Partita No.1 in B-Flat major, BWV 825. 11:33

3 #  39-44 Partita No.2 in C minor, BWV 826.  15:21

4 # 45-51 Partita No. 5 In G Major, BWV 829.  9:57

5 # 52 Fugue No. 14 in F-Sharp Minor BWV 883. 3:19


52 tracks  total playing time 78:56


Canadian pianist Glenn Gould (1932 - 1982) became one of the bestknown and most celebrated classical pianists of the 20th century. He was particularly renowned as an interpreter of the keyboard music of Johann Sebastian Bach. Gould’s playing was distinguished by his remarkable technical proficiency and his capacity to articulate the polyphonic texture of Bach’s music. This release presents Gould’s complete original 1955 rendition of Bach’s Goldberg Variations (Columbia, ML-5060). To the legendary performances contained on the original album, there are additional Gould versions of three partitas and one fugue by the great baroque German composer.



J. S. Bach-14 Goldberg.Variations HQ.Audio


J. S. Bach-Keyboard.Concert.N.1.In.D.Minor.USA.TV



Photos
Media in category "Glenn Gould"
Glenn Gould (signature)
https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Glenn_Gould





(1) Glenn Gould.rar - 888 Mb
1993-Thirty.Two.Short.Films.About.Glenn.Gould.avi
and
2017 - El joven Glenn Gould - Radio Clásica.
(RTVE.RNE) Sinfonía de la mañana

(2) GG.G.55.15.[M.428401-B.G.V.FL.rar
359,69 Mb
1955-2015-[Minuet 428401]-Bach, The Golden Variations [Flac]
 
  


(3)  Descarga de archivos sin copyright Internet Archive  
Integrale delle registrazioni bachiane - Glenn Gould
Incluye 
"Concertos for Keyboard & Strings
English Suites
French Suites
Goldberg Variations (1955)
Goldberg Variations (1981)
Italian concerto (except the transcribed ones)
Partitas, Preludes, Fugues & Fughettas
Sonatas for Violin, Viola da Gamba & Keyboard
Toccatas & Inventions
 
*
 
Anexo y Postdata:



Glenn Gould. No, no soy en absoluto un excéntrico ÁLVARO GUIBERT

 http://www.elcultural.com/revista/letras/Glenn-Gould-No-no-soy-en-absoluto-un-excentrico/39362


Edición de Bruno Monaingeont. Traducción de Jorge Fernández Guerra.
Acantilado. Barcelona, 2017. 280 páginas. 20€, Ebook: 9,99€

ÁLVARO GUIBERT | 17/03/2017 |  Edición impresa

A los 75 años del nacimiento en Ontario de Glenn Gould (1932-1982), pianista único, artista legendario, se presenta la versión española de No, no soy en absoluto un excéntrico, el tercero de los cuatro libros que Bruno Monsaingeon (París, 1943) le dedicó.

La excentricidad. No hay manera de hablar de Gould sin que aparezca en las primeras frases esa palabreja. Ni siquiera Monsaingeon, su amigo y admirador, evangelista confeso del culto gouldiano, es capaz de orillar el asunto, cuando de ninguna manera es lo importante. Es verdad que Gould era maniático y misántropo, igual que muchos artistas y a diferencia de otros tantos. Pero la mayor parte de las que se consideran excentricidades suyas no son tales, sino prácticas derivadas de su particular concepción del oficio de músico.

El libro da cuenta de ellas en detalle. Gould canturreaba al tocar (como tantísimos pianistas y directores), cancelaba conciertos cuando no se encontraba en perfectas condiciones (como Richter, Zimerman, Pires... o nuestra Berganza) y se abrigaba más que el resto de la gente. Llevaba siempre guantes y sumergía las manos en agua caliente antes de salir a tocar. No parece de extrañar en un canadiense friolero que se ganaba la vida con el movimiento preciso de los dedos.

Glenn Gould no huyó del escenario por pánico escénico, sino por rechazo al concierto como ritual
Viajaba siempre con su propia silla, que montaba y desmontaba él mismo antes de cada concierto. Esto sí que suena raro, es verdad, pero lo extraordinario no es tanto la silla, un taburetito con respaldo, como su razón de ser, que es puramente musical: el artilugio le permitía sentarse veintitantos centímetros más abajo que los demás pianistas, con el teclado a la altura de la nuez, las rodillas apelotonadas sobre el pedal y las manos atacando las teclas desde abajo.

Esa postura, que “recuerda la de un jorobado”, como dice el propio Gould, impide el ataque de brazo, el de antebrazo e incluso el de muñeca. Desde ahí abajo solo se pueden atacar las teclas con los dedos. Así es imposible tocar fortísimo -¡adiós a Liszt!- pero se abren inauditas oportunidades de articulación de la frase y de definición del sonido y se pueden alcanzar nuevos máximos de claridad, limpieza y riqueza de voces interiores. Es el piano como sede idónea del pensamiento musical polifónico: Bach, último Beethoven, Schönberg, Webern... Ante esta decisión estética radical, revolucionaria en su momento, ¿cómo podemos quedarnos en la gracieta de la silla? Excéntrico, no: ¡centradísimo! Gould centró su vida en un concepción de la música que le llevó a sentarse así y “evitar casi por completo el uso del pedal y de los contrastes dinámicos”, dos cosas que se asimilan a la forma romántica de tocar.
Gould fue, efectivamente, un músico moderno, antirromántico, pero de un manera muy distinta a la de Harnoncourt, su coetáneo, sobre todo por la relación que establecían uno y otro con la obra. La de Harnoncourt era de diálogo; la de Gould, de identificación amorosa planteada desde la independencia, como la del pintor con la modelo. “La partitura posa para Gould”, dice Monsaingeon en una frase feliz. Este pianista se considera libre de mirar como quiera al compositor y a su obra. Nada le obliga. Lo único exigible, lo que de verdad justifica para Gould el trabajo del intérprete, es la coherencia interna de su interpretación. Más que la modelo, la partitura parece así el barro con el que el creador Gould moldea adanes, un ejercicio que cobra sentido únicamente si el tal Adán resulta ser capaz de sostenerse en pie.


Gould odiaba el concierto. Prefería mil veces la grabación, tanto para hacer música como para oírla. Le llevaba a ello su temperamento (únicamente estaba a gusto en soledad), pero también su estética. “La música debe escucharse en privado. Debe llevar al público y al intérprete a un estado de contemplación” que requiere intimidad. Por eso, Gould diseñó y vivió su carrera como un viaje hacia la soledad creativa que Monsaingeon caracteriza así: unos pocos años de concertista, solo los imprescindibles para conseguir la independencia financiera, seguidos de un cuarto de siglo de reclusión productiva en su propio estudio de grabación. El resultado: discos, escritos, programas de radio, y, finalmente, la escucha interior y el silencio.

Los espectadores le parecían una colección de bárbaros, inmunes a los peligros de lo que sucede en el escenario

No cabe decir que fuera un camino ascético, de renuncia, porque él siguió su propia inclinación. Las glorias mundanas no le causaban más que disgusto. Quiso llevar una existencia secreta, como la de Howard Hugues, y lo hizo. Por eso, como se dice en el libro, la suya no es una historia triste. No huyó del escenario por pánico escénico, sino por rechazo al concierto como ritual. Los espectadores le parecían una colección de bárbaros confortablemente sentados para contemplar una hazaña atlética, inmunes a los peligros de lo que está sucediendo en el escenario, que es... una historia de amor: “el intento del intérprete por alcanzar una poderosa identificación con la música que toca”. Monsaingeon describe este desprecio como “deliciosamente totalitario”. A mí, la actitud de Gould me recuerda, más bien, a lo que Fernando Fernán Gómez contaba de Gracita Morales. Antes de cada representación, ella miraba por un agujerito del telón de boca y decía con su agudísima voz: “¡Ya están ahí esos hijos de puta!”

Quizá no haya ascesis, pero sí se puede hablar de misticismo. Glenn Gould no buscaba la comunicación efímera de una emoción, sino “la construcción progresiva, en el transcurso de una vida entera, de un estado de asombro y de serenidad”. Monsaingeon señala que Gould supera el principio romántico de conflicto. Lo mismo hacían los místicos al sublimar por elevación las contradicciones tipo “muero porque no muero”.

A fuerza de articulación y transparencia, Gould salta por encima del drama de los contrastes para alcanzar el universo trascendente, multidimensional, abierto, perpetuamente inacabado, de la polifonía. No es de extrañar que, desde su primera grabación de las Variaciones Goldberg, se haya abierto hueco en la opinón pública (¡entre excentricidad y excentricidad!) la identificación Gould=Bach.

Todas estas cuestiones se tratan en la larga presentación de Bruno Monsaigneon y en las entrevistas que constituyen el grueso del libro. Monasigneon, el campeón de la divulgación, el cineasta que ha filmado la epopeya de la interpretación musical del siglo XX (Menuhin, Richter, Rostropovich, Roshdestvensky, Fischer-Dieskau, el propio Gould), dedica además unas páginas al “montaje” de una videoconferencia imaginaria con el pianista y diez periodistas. No veo la necesidad. El libro empieza con el relato de la epifanía de Gould que vivió el autor, siendo jovencísimo, en una tienda de discos de Moscú. La traducción de Jorge Fernández Guerra es magnífica: precisa, informada y suave, sin restos del idioma original.

                                                                                               @GuibertAlvaro


José María Fonollosa

José María Fonollosa

(Barcelona, 8 de agosto de 1922 – 7 de octubre de 1991)
fue un poeta español de la generación de la posguerra.  Se le considera un caso singular de poeta secreto en la literatura española (al estilo de Constantino Cavafis o Pessoa), ya que se mantuvo inédito durante casi treinta años, entre 1961 y 1990, periodo en que permaneció al margen de corrientes literarias y totalmente desconocido para crítica y público.




Biografía

Nació en 1922 en Casa Antúnez, Barcelona. Posteriormente, durante la adolescencia se trasladó al barrio del Pueblo Seco.

Publicó su primer libro de poemas en 1945, todavía no cumplidos los 23 años. Se trata de La sombra de tu luz donde se aprecian influencias de poetas como Salinas, Guillén, Federico García Lorca y Alberti y, en general, del estilo y los temas de la generación del 27 de antes de la guerra. Las formas métricas son las utilizadas por los poetas del 27, como las canciones de arte menor de tipo tradicional, romances, sonetos e incluso décimas al estilo de Jorge Guillén. El tema es el amoroso, al modo intelectual y distanciado del 27. No se aprecia sin embargo influencia alguna de las vanguardias o del surrealismo, en boga en la época de preguerra en que escriben los del 27.

Dos años más tarde, en 1948, aparecen los cinco poemas de Umbral del silencio. Renuncia al arte menor y, en su lugar, aparece el verso alejandrino y, especialmente, la estrofa de cuatro versos endecasílabos sin rima. Aunque los temas siguen siendo deudores del 27, aparecen preocupaciones religiosas, propias de la época, que quedarán diluidas en sus composiciones posteriores por un tono amoral y escéptico. Ese mismo año preparó un manuscrito titulado Los pies sobre la tierra, que nunca llegó a imprimirse, pero que tiene gran importancia porque supone el inicio de Ciudad del hombre, un vasto ciclo poético que abarcaría cuatro décadas y que no se vio mermado en absoluto porque no llegase a imprenta. En 1951 en colaboración con Alfredo Papo publica Blues y cantos espirituales negros. En 1951 marcha a Cuba, donde permanecerá durante diez años. Durante su estancia en Cuba publicó por entregas, en el rotativo El País de La Habana, el Romancero de Martí, una obra de 4.000 octosílabos. Tras su regreso a Barcelona en 1961 colaboró en la revista Poesía Española, donde publicó cinco poemas ese mismo año.(1)

Aquí finaliza el periodo de aprendizaje del poeta y, de hecho, aquí acaba su obra publicada. Eso no significa ni mucho menos que dejase de escribir: junto al ciclo de Ciudad del hombre trabajó paralelamente en otra trilogía poética abortada: Soledad del hombre, formada por Destrucción de la mañana, Los rezagados (algunos de cuyos poemas se reelaborarían para Ciudad del hombre) y Tú, cotidiana.

En 1987, un encuentro casual con Pere Gimferrer en Barcelona dio lugar a su primera publicación, en 1990 y tras veintinueve años, de una antología de 97 poemas a la que tituló Ciudad del hombre: New York, utilizando el callejero neoyorquino para titular los poemas. (2 )  Pocos años después Joan Manuel Serrat (1992) y Albert Pla (Supone Fonollosa, 1995) lo dieron a conocer al gran público al poner música a algunos de sus poemas.



Fonollosa muere el 7 de octubre de 1991 en Barcelona. (3)  Sobre su mesa, junto a varios borradores y un esbozo de testamento a lápiz, se encontró el siguiente poema:

No a la transmigración en otra especie.
No a la post vida, ni en cielo ni en infierno.
No a que me absorba cualquier divinidad.

No a un más allá, ni aun siendo el paraíso
reservado a islamitas, con beldades
que un libro garantiza siempre vírgenes.

Porque esos son los juegos para ingenuos
en que mi agnosticismo nunca apuesta.
Mi envite es al no ser. A lo seguro.

Rechaza otro existir, tras consumida
mi ración de este guiso indigerible.
Otra vez, no. Una vez ya es demasiado.


En 1993, dos años después del fallecimiento del autor, una pequeña editorial barcelonesa publicó 14 poemas inéditos con el título Ciudad del hombre: Barcelona, donde son las calles de la capital catalana las que ahora dan título a los textos. En 1996 otra editorial publicó con el mismo título esos 14 poemas junto con otros 68 inéditos y que incluye el famoso testamento-manifiesto citado más arriba («No a la transmigración en otra especie»), al que prestó su voz rota Robe Iniesta en el disco Supone Fonollosa de Albert Pla.

En 1997 se publicaría póstumamente también Poetas en la noche, crónica novelada en verso en la que refleja el mundo de la lírica contemporánea.



Obras

1. La sombra de tu luz (1945)
2. Umbral del silencio (1947)
3. Blues y cantos espirituales negros (1951)
4. Romancero de Martí (1955)
5. Cinco poemas en la revista Poesía Española (1961)
6. Ciudad del hombre: New York (Sirmio, Barcelona, 1990). Prólogo de Pere Gimferrer.
7. Ciudad del hombre: Barcelona (Bauma, Cuadernos de Poesía, Barcelona, 1993).
8. Ciudad del hombre: Barcelona (DVD ediciones, Barcelona, 1996). Prólogo de José Ángel Cilleruelo.
9. Poetas en la noche (Quaderns Crema, Barcelona, 1997)
10. Ciudad del hombre: New York (Ediciones El Acantilado, 2000).
11. Destrucción de la mañana (DVD ediciones, Barcelona, 2001). Prólogo y edición de José Ángel Cilleruelo.
12. Ciudad del hombre (Edhasa, Barcelona, 2016). Prólogo y edición de José Ángel Cilleruelo.


Referencias

(1.)  Tributo a Fonollosa, en Culturamas, 17 de octubre de 2010. http://www.culturamas.es/blog/2010/10/17/tributo-a-fonollosa/

(2.)  Metafísica del crimen, en El País (Uruguay), Suplemento Cultural, viernes 17 de septiembre de 2004. http://www.elpais.com.uy/Suple/Cultural/04/09/17/cultural_111545.asp

(3.) "Josep María Fonollosa, escritor", necrológica en El País (España), 9 de octubre de 1991.
http://www.elpais.com/articulo/agenda/BARCELONA/BARCELONA_/MUNICIPIO/Josep/Maria/Fonollosa/escritor/elpepigen/19911009elpepiage_1/Tes


Bibliografía

Nicolás, César (2001). «Fonollosa o la ruptura de lo esperado». Ínsula: Revista de letras y ciencias humanas (649-650, págs 42-44). ISSN 0020-4536.
Cilleruelo, José Ángel (1999). «José María Fonollosa: Poeta de la ciudad». Quimera: Revista de literatura (177, págs 14-17). ISSN 0211-3325.
Cilleruelo, José Ángel (1996). «José María Fonollosa: Barcelona, La Habana, Nueva York». Clarín: Revista de nueva literatura (Año nº 1, nº 6, págs 15-18). ISSN 1136-1182.
Cercas, Javier (1998). «La pureza del mal». Una buena temporada, págs 84-92. Badajoz: Junta de Extremadura, La Gaveta.
Dolores Manjón-Cabeza Cruz (2007). Poesía en castellano en Barcelona (1939-1950). Alicante: Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes, on-line.


Enlaces externos y Fuentes consultadas

José_María_Fonollosa
https://es.wikipedia.org/wiki/José_María_Fonollosa

Biografía de Fonollosa en escritores.org.
http://www.escritores.org/biografias/894-fonollosa-jose-maria

José María Fonollosa: Poesía online, reproducción de Ciudad del hombre: New York y Destrucción de la mañana.
http://internettrash.com/users/v4vendetta/fonollosa.html

Fonollosa - Destroyed Web, fragmentos de Ciudad del hombre: Barcelona.
https://web.archive.org/web/19991110013110/http://www.arrakis.es/~geo/fonollosa.htm

Tributo A Fonollosa Por Marta Noviembre
https://www.culturamas.es/blog/2010/10/17/tributo-a-fonollosa/


Albert Plá - 1995 - Supone Fonollosa



Créditos
Fuente consultada https://www.audiokat.com/discos/Supone_Fonollosa-Albert_Pla/1926

Albert Pla: Voz, guitarra (6, 9), composición (2-4, 6-11), producción 
Pep Bordas: Guitarra (4, 5, 7), saxo (4, 10), teclado (4, 5, 7), palmas (4), arreglos (3, 4, 5, 7) 
Josep Mas "Kitflus": Teclado (3), arreglos (6, 8), teclados (6, 8) 
Agustín Fernández: Arreglos (9, 10, 11), teclados (9, 10, 11) 
Michael Alexandre Alcantara da Hora: Arreglos (2), teclados (2) 
P. Torras: Composición (4, 7) 
Salvador Niebla: Batería (2, 5, 8, 10) 
Acelino de Paula: Bajo (4, 5, 10, 11) 
Carles Benavent: Bajo (3), cajón (3) 
Pep Pérez: Bajo (3) 
José Manuel Cañizares: Guitarras (3) 
Rafel Cañizares: Guitarras (3) 
Mathew Simon: Trompeta (3, 8, 10) 
Eugenio: Voz (1) 
Robe "Etremoduro": Voz (12) 
Carme Canela: Coros (3) 
Silvia Guillém: Coros (3) 

Toni Graus: Producción 
Nono: Técnico de sonido 

Nicolazu Baixas: Portada 
Ramone: Dibujos


Listado de Temas:

 01 - Puedo Empezar - 01:00 min.
 - Autor: José María Fonollosa  Recitado por Eugenio


 02 - Mi Esqueleto - 03:36 min.
 - Autor: José María Fonollosa, Música  – Albert Plá


 03 - Take A Walk On The Wild Side - 04:42 min.
 - Autor: Lou Reed Texto adapado por–Albert Plá


 04 - Pobre Muchacha - 02:55 min.
 - Autor: José María Fonollosa, Música – Albert Plá, P. Torras 



 05 - Añoro - 05:01 min.
 - Autor: Albert Plá 


 06 - Devoro - 04:23 min.
 - Autor: José María Fonollosa, Música  – Albert Plá 


 07 - Mujer Mala - 03:31 min.
 - Autor: José María Fonollosa, Música  – Albert Plá, P. Torras 


08 - Sufre Como Yo - 03:06 min.
 - Autor: José María Fonollosa, Música  – Albert Plá 


 09 - No Quise Hacerle Daño - 04:43 min.
 - Autor: José María Fonollosa, Música  – Albert Plá


 10 - Maldita Ciudad - 04:08 min.
 - Autor: José María Fonollosa, Música  – Albert Plá


 11 - Como Una Nube - 03:11 min.
 - Autor: José María Fonollosa, Música  – Albert Plá 


 12 - No - 01:02 min.
 - Autor: José María Fonollosa  Recitado Robe Iniesta



12 Temas. Tiempo Total: 00:41:18
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Albert Pla 




Biografía

Albert Pla es un reconocido y polifacético artista con más de 25 años de carrera a sus espaldas en los que ha desarrollado una extensa actividad, tanto musical como teatral y cinematográfica. Inició su carrera en la década de los 80. Con sus propios shows y temas se ganó la admiración de un público que se distinguía siempre, por disfrutar no sólo de la música, sino de sus puestas en escena.

En 1988 obtiene el premio como mejor intérprete y canción de la IV Muestra de canción de autor en Jaén. Dos años más tarde, obtuvo el Premio Nacional de Música de la Generalitat de Catalunya. En 1992 también obtuvo el Premio Ícaro Diario 16, que se otorga a los nuevos intérpretes por Rox de Lux.

Además de la música destacan sus apariciones en teatro y cine. Participó como protagonista de la obra teatral Caracuero, dirigida por Pepe Miravete con más de 150 representaciones. Ha participado en la música de largometrajes, el más reconocido fue con el tema Sufre como Yo, parte de la banda sonora de la cinta Carne trémula, de Pedro Almodóvar.

La inclusión de la canción El Día de la Bestia junto a Extremoduro en la versión original de dicho film dirigido por Alex de La iglesia. Ha colaborado en las producciones Airbag, de Juanma Bajo Ulloa, con su presencia como actor y la inclusión de la canción Soy Rrebelde. Trabaja como actor en la película A los que aman, de Isabel Coixet. Honor de caballería, de Albert Serra. De nens (de niños), dirigida por Joaquím Jordà. Memorias de Tortuga de Frederic Amat basada en un texto de Juan Goytisolo.

En 2014 participó, como actor protagonista y compositor, de la banda sonora en Murieron por encima de sus posibilidades, de Isaki Lacuesta y colaboró también como actor en El rey gitano, de Juanma Bajo Ulloa.

En enero de 2015 estrena junto al payaso Tortell Poltrona el espectáculo PP haciendo las delicias de toda la familia. En enero de 2018 estrena en Buenos Aires el estreno de ”Miedo”, su último espectáculo.

En la última década sus espectáculos transitan entre la música y el teatro con un marcado espíritu multimedia entre los que podemos destacar Canciones de amor y droga, estrenado el de 18 de septiembre de 2003, dirigido por Alex Rigola y con la participación de Albert Pla y Judit Farrés con un éxito absoluto de crítica y público y más de 200 representaciones.

Recibe el premio PEMOC (periodistas especializados en música ocio y cultura) al mejor espectáculo en directo de 2004. También recibe el premio Enderrock 2004, concedido por el público al mejor espectáculo en directo.

Otros espectáculos de Albert Pla:

  • - El malo de la película, estrenado el 3 de julio de 2006 en el Festival Grec de Barcelona.
  • - La diferencia, estrenado el 23 de septiembre de 2008 con el que recorrió todo el país con un éxito rotundo.
  • - Somiatruites, de Albert Pla y Pascal Comelade, estrenado el 27 de noviembre de 2010 en el Festival Temporada Alta. Recibe el premio ARC al mejor espectáculo de 2011.
  • - Manifestación, estrenado el 24 de noviembre de 2012 en el Festival Temporada Alta, con el que ha girado por todo el país.
  • - Guerra, estrenado el 13 de julio de 2015 en el Festival Grec de Barcelona, dirigido por Pepe Miravete y con la participación de Fermin Muguruza y Raül Refree un espectáculo innovador que gira por todo el país y parte de latinoamaerica.


Desde el 2001 empieza a girar con estos y otros espectáculos por Latinoamérica, donde cada vez va ampliando el número de países, consiguiendo gran reconocimiento y éxito de público.













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