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Neil Young Repóquer

Neil Young Neil Percival Young (Toronto, Ontario, 12 de noviembre de 1945)​ es un músico y compositor canadiense, considerado amp...

21 febrero 2019

Neil Young Repóquer

Neil Young



Neil Percival Young (Toronto, Ontario, 12 de noviembre de 1945)​ es un músico y compositor canadiense, considerado ampliamente como uno de los más influyentes de su generación. Comenzó su carrera musical en Canadá en 1960 con grupos como The Squires y The Mynah Birds, antes de trasladarse en 1966 a California para fundar Buffalo Springfield con Stephen Stills y Richie Furay. En 1968 inició una carrera en solitario que abarca más de 45 años y 39 álbumes de estudio hasta 2016, con una continua exploración de diferentes géneros musicales, especialmente durante la década de 1980, cuando experimentó con estilos como el swing, el blues y el rockabilly.​ Ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Buffalo Springfield y artista en solitario, descrito como «uno de lo mejores compositores e intérpretes de rock and roll».

Su trabajo se caracteriza por unas letras marcadamente personales,​ en ocasiones con crítica social y posiciones antibelicistas,​ y por su voz de tenor-alto.​ Aunque toca instrumentos como el piano, el banjo y la armónica,​ su trabajo se caracteriza por un distintivo empleo de las guitarras acústica y eléctrica, y en particular por el uso de una Gibson Les Paul de 1953 modificada y apodada Old Black.​ Su trabajo más reconocido se divide en dos estilos musicales: el acústico, con canciones folk y country rock como «Heart of Gold» y «Old Man»,​ y el eléctrico, con canciones rock y hard rock como «Hey Hey, My My (Into the Black)» y «Rockin' in the Free World», interpretadas principalmente con el grupo Crazy Horse y caracterizadas por una alta distorsión del sonido.​ A partir de la década de 1990 adoptó elementos de estilos como el grunge, y su influencia en bandas como Nirvana o Pearl Jam le valió el sobrenombre de «el padrino del grunge».




Como director cinematográfico publicó, siempre bajo el seudónimo de Bernard Shakey, largometrajes como Journey Through the Past, Rust Never Sleeps, Human Highway, Greendale y CSNY Déjà Vu. Es también un destacado defensor de causas humanitarias y ambientales y en 1985 fundó Farm Aid con Willie Nelson y John Mellencamp para ayudar económicamente a los granjeros de Estados Unidos en riesgo de exclusión social. Un año después fundó con Pegi Young una organización educativa para niños con discapacidades psíquicas llamada The Bridge School, que financia con la recaudación de los Bridge School Festival, una serie de conciertos benéficos anuales.

Reside en Broken Arrow Ranch, una propiedad ubicada en Redwood City, California y no ha adoptado la nacionalidad estadounidense a pesar de residir en el país desde hace más de 45 años.

Neil Young Repóquer

Neil Young - 1972 – Harvest



RipBy: Januca-YermaViniloFlac


Músicos

The Stray Gators:
Neil Young: guitarra, piano, armónica y voz.
Ben Keith: pedal steel guitar.
Kenny Buttrey: batería
Tim Drummond: bajo
Jack Nitzsche: piano y guitarra slide.
John Harris: piano
Teddy Irwin: guitarra
James McMahon: piano
James Taylor: banjo y voz.

David Crosby, Graham Nash, Linda Ronstadt, Stephen Stills: coros

Orquesta Sinfónica de Londres: 
en "A Man Needs A Maid" y "There's a World".


Listado de Temas:

todos compuestos por 
Neil Young

 01 - A01-Out Of The Weekend - 04:32 min.
Comentario: Featuring – The Stray Gators


 02 - A02-Harvest - 03:08 min.
Comentario: Featuring – The Stray Gators


 03 - A03-A Man Needs A Maid - 03:58 min.
Comentario: Arranged By, Producer – Jack Nitzsche
Conductor – David Meecham
Featuring – The London Symphony Orchestra


 04 - A04-Heart Of Gold - 03:04 min. - Autor:
Comentario: Featuring – The Stray Gators
Vocals [Additional] – James Taylor, Linda Ronstadt


 05 - A05-Are You Ready For The Country - 03:21 min.
Comentario: Featuring – The Stray Gators
Vocals [Additional] – David Crosby, Graham Nash


 06 - B01-Old Man - 03:23 min.
Comentario: Featuring – The Stray Gators
Vocals [Additional] – James Taylor, Linda Ronstadt


 07 - B02-There's A World - 02:58 min.
Comentario: Arranged By, Producer – Jack Nitzsche
Conductor – David Meecham
Featuring – The London Symphony Orchestra


 08 - B03-Alabama - 04:00 min.
Comentario: Featuring – The Stray Gators
Vocals [Additional] – David Crosby, Stephen Stills


 09 - B04-Tha Needle And The Damage Done - 02:01 min.
Comentario: (Grabada en directo el 30 de enero de 1971 en el Royce Hall - UCLA)


 10 - B05-Words - 06:38 min. - Autor: Neil Young 
Comentario: Featuring – The Stray Gators
Vocals [Additional] – Graham Nash, Stephen Stills



10 Temas. Tiempo Total: 00:37:03
flac @ 789 - 221.99 MB
RipBy: Januca-YermaViniloFlac




Reviews:

Wikipedia

Harvest es el cuarto álbum de estudio del músico canadiense Neil Young, publicado por la compañía discográfica Reprise Records en febrero de 1972. El álbum incluyó la participación de la Orquesta Sinfónica de Londres en «A Man Needs a Maid» y «There's a World», además de invitados como David Crosby, Graham Nash, Linda Ronstadt, Stephen Stills y James Taylor.

Tras su lanzamiento, Harvest se convirtió en el único trabajo de Young en alcanzar el primer puesto de la lista estadounidense Billboard 200, así como la primera posición en las listas de discos más vendidos de países como Reino Unido, Canadá, Australia, Noruega y Países Bajos. El sencillo «Heart of Gold» también alcanzó el primer puesto en la lista estadounidense Billboard Hot 100, mientras que el segundo sencillo, «Old Man», llegó al 31. Además, fue el álbum mejor vendido de 1972 en los Estados Unidos.

Después de que Neil Young abandonase Crosby, Stills, Nash & Young, reclutó un grupo de músicos de sesión a los que bautizó como The Stray Gators y grabó Harvest, un álbum con un sonido country rock. El álbum se convirtió en el mayor éxito comercial del músico al alcanzar el primer puesto en la lista Billboard 200 y al producir un sencillo, «Heart of Gold», que fue número uno. Otras canciones regresaron a algunos temas habituales en Young: «Alabama» fue «un refrito desvergonzado de "Souther Man", según Jim Miller, periodista de Rolling Stone, mientras que «The Needle and the Damage Done» es un lamento sobre los artistas que murieron a causa de su adicción a la heroína. El éxito de Harvest cogió a Young desprevenido y su primera reacción fue alejarse del estrellato. Tal y como escribió en el recopilatorio Decade: «Ese disco me puso en medio de la carretera. Viajar ahí pronto se convirtió en un aburrimiento, así que me dirigí a una zanja. Un paseo áspero pero vi gente más interesante ahí».

«Words (Between the Lines of Age)», la última canción de Harvest, contó con un largo trabajo de guitarra con la banda. Cuenta con una estructura típica en canciones de Young que consiste en cuatro acordes durante los solos de guitarra improvisados. Además, la canción es notable por alternar un compás estándar de 4/4 para las estrofas y el coro y un compás inusual (3+3+3+2)/8 para los interludios.

La grabación de Harvest fue notable por la unión de la espontaneidad y la casualidad. La historia está relatada en un artículo de Acoustic Guitar Magazine, que incluye entrevistas con el productor Elliot Mazer, entre otros.

Young llegó a Nashville en 1971 para tocar en el programa de televisión The Johnny Cash Show, donde Linda Ronstadt y James Taylor también iban a aparecer. Mazer había inaugurado el estudio Quadrafonic Sound en la ciudad, e invitó a Young a cenar el 6 de febrero para convencerle de que grabara ahí su siguiente disco. Neil admiraba el trabajo de músicos de estudio locales conocidos como Area Code 615, que habían grabado ahí, y se mostró interesado. Young había trabajado en nuevas canciones que estuvo interpretando recientemente en sus últimas giras, y comentó a Mazer que necesitaba un bajista, un batería y un guitarrista. Young tomó la decisión de comenzar a grabar esa misma noche.

Dado que parte de los músicos de Área Code 615 estaban trabajando el sábado por la noche, Mazer encontró al batería Kenny Buttrey, al bajista Tim Drummond y al guitarrista Ben Keith. Esa noche grabaron las pistas básicas de «Heart of Gold», «Old Man», «Harvest» y «Dance Dance Dance». La última canción fue finalmente descartada para un posible inclusión en Harvest y apareció en el álbum Crazy Horse. «Out on the Weekend» fue grabada en sesiones posteriores junto con sobregrabaciones de los músicos James McMahon y John Harris, que tocaron el piano en «Old Man» y «Harvest», respectivamente, y de Teddy Irwin, que tocó una segunda guitarra acústica en «Heart of Gold».

Tras grabar su participación en The Johnny Cash Show el domingo por la noche, Young invitó a Ronstadt y a Taylor para respaldarle en el estudio. Los tres se sentaron en un sofá y grabaron los coros de «Heart of Gold» y «Old Man». Además, Taylor cogió el banjo de Young y sobregrabó una parte para la segunda canción.

Los temas «Bad Fog of Loneliness» y «Journey Through the Past» fueron también grabados durante estas sesiones de acuerdo con su aparición en la caja recopilatoria The Archives Vol. 1 1963-1972, que acredita a los mismos músicos de The Stray Gators, además de a Harris en la primera y a Ronstadt en la segunda. Una versión alternativa de «Journey Through the Past», con Young tocando el piano, fue publicada en Time Fades Away, mientras que «Bad Fog of Loneliness» se mantuvo como una canción inédita hasta el lanzamiento en 2007 de Live at Massey Hall 1971.

Las canciones rock fueron grabadas en un granero del rancho que Young posee en California. Usando un sistema de grabación remoto, Mazer colocó altavoces en el granero hacia los monitores en lugar de que los músicos tocaran con auriculares. Este sistema resultó en una ingente «fuga» de sonido, de modo que cada micrófono recogía también el sonido de otros instrumentos, aunque fue satisfactorio para Young y Mazer. «Are You Ready for the Country», «Alabama» y «Words» fueron grabados durante estas sesiones con Buttrey, Drummond y Keith, además de Jack Nitzsche al piano. Young bautizó este grupo como The Stray Gators, que también acompañó al músico en su gira posterior.

«A Man Needs a Maid» y «There's a World» fueron grabados por Nitzsche con la Orquesta Sinfónica de Londres, mientras que «The Needle and the Damage Done» fue grabada en directo durante un concierto en UCLA. Las mezclas fueron realizadas tanto en Quadrafonic Sound Studios como en el propio hogar de Young. Durante la reproducción de las canciones en el rancho, Mazer conectó el canal izquierdo en los altavoces aun presentes en el granero, y el canal derecho en altavoces dentro del hogar de Young. Con Crosby y Nash detrás de Mazer, Young se sentó fuera escuchando la mezcla. Cuando le preguntaban sobre el balance, gritaba: «Más granero».

Según una entrevista en Rolling Stone, Young quería que la portada del álbum se biodegradara después de abrir el envoltorio, pero fue rechazado por la compañía discográfica basándose en los gastos y en la posible pérdida del producto debido a accidentes marítimos. Mo Ostin mencionó la petición del músico en la 22ª edición de los premios ASCAP.

En 1998, los lectores de la revista Q votaron a Harvest como el 64º mejor álbum de todos los tiempos. En 1996, en 2000 y en 2005, los lectores de la revista Chart situaron a Harvest en el segundo puesto en las tres encuestas, por debajo del álbum de Joni Mitchell Blue en la primera encuesta, y del álbum de Sloan Twice Removed en las otras dos. En 2003, la revista musical Rolling Stone emplazó a Harvest en el puesto 78 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. En 2007, Harvest fue nombrado el mejor álbum canadiense de todos los tiempos en el libro de Bob Mersereau The Top 100 Canadian Albums.


***   ***

Neil Young and Crazy Horse - 1975 - Zuma


James Mazzeo: diseño de portada


Músicos

Neil Young: voz y guitarra
Frank Sampedro: guitarra rítmica
Billy Talbot: bajo y coros
Ralph Molina: batería y coros
Tim Drummond: bajo («Pardon My Heart»)
David Crosby: coros («Through My Sails»)
Stephen Stills: bajo y coros («Through My Sails»)
Graham Nash: coros («Through My Sails»)
Russ Kunkel: congas («Through My Sails»)


Todas las canciones compuestas por Neil Young.


Listado de Temas:


01 - Don't Cry No Tears - 02:36 min.


02 - Danger Bird - 06:55 min.


03 - Pardon My Heart - 03:48 min.
Comentario:
Bass – Tim Drummond
Performer [All Other Instruments] – Neil Young


04 - Lookin' For A Lover - 03:16 min.


05 - Barstool Blues - 03:01 min.


06 - Stupd Girl - 03:12 min.


07 - Drive Back - 03:34 min.


08 - Cortez The Killer - 07:31 min.


09 - Through My Sails - 02:40 min.
Comentario:
Bass – Steve Stills
Congas – Russ Kunkel
Guitar – Neil Young
Featuring – Crosby, Stills & Nash



9 Temas. Tiempo Total: 00:36:33
flac @ 873 - 216,80 MB
RipAgainByNapi#19 



1PocodMusica.com
https://www.1PocodMusica.com/



Reviews: 

Wikipedia

Zuma es el séptimo álbum de estudio del músico canadiense Neil Young, publicado por la compañía discográfica Reprise Records en noviembre de 1975. Grabado en Malibú con David Briggs como productor musical, supuso el primer trabajo del músico con el grupo Crazy Horse tras la muerte del guitarrista Danny Whitten en 1972, que fue sustituido por Frank «Poncho» Sampedro. Fue también el primer trabajo después de «The Ditch Trilogy», una trilogía de álbumes —Time Fades Away, On the Beach y Tonight's the Night— marcados por el frecuente consumo de alcohol y drogas y en los que el músico se alejó voluntariamente del éxito alcanzado con Harvest, su trabajo más comercial. El álbum incluyó una mezcla de canciones country rock en un estilo similar a Everybody Knows This Is Nowhere, además de temas hard rock como «Drive Back», con un predominio de la guitarra Old Black.

Tras su publicación, Zuma obtuvo en general buenas críticas de la prensa musical, que lo calificó como un disco más accesible en comparación con sus últimos tres álbumes. Sin embargo, obtuvo unos resultados comerciales similares a Tonight's the Night: alcanzó el puesto veinticinco en la lista estadounidense Billboard 200, país donde fue certificado como disco de oro, y el cuarenta y cuatro en la británica UK Albums Chart, donde obtuvo un disco de plata.

Después de grabar Everybody Knows This Is Nowhere y ofrecer varios conciertos con Crazy Horse entre febrero y marzo de 1970, Neil Young disminuyó su colaboración con el grupo en beneficio de otros proyectos musicales. Durante los cuatro años siguientes, y a pesar de grabar con Crazy Horse en las sesiones de After the Gold Rush durante los descansos de su gira conjunta, Young centró su actividad en colaborar con Crosby, Stills & Nash y en grabar álbumes como Harvest y Time Fades Away con grupos como The Stray Gators.

A pesar del éxito de Harvest, que alcanzó el primer puesto en la lista Billboard 200, Young se sumió en una etapa depresiva debido a las muertes de Danny Whitten, guitarrista de Crazy Horse, y de Bruce Berry, roadie de Crosby, Stills, Nash & Young, a causa de una sobredosis de heroína en noviembre de 1972 y junio de 1973 respectivamente. Las muertes de Berry y Whitten abrieron una nueva etapa musical de Young llamada «The Ditch Trilogy» e integrada por tres álbumes —Time Fades Away, On the Beach y Tonight's the Night—, caracterizados por un tono sombrío y pesimista y por un alejamiento voluntario con respecto a la música comercial de Harvest.  Según escribió en las notas que acompañan al recopilatorio Decade: «["Heart of Gold"] me puso en el centro de la carretera. Viajar por ahí pronto se convirtió en un aburrimiento así que me dirigí a la cuneta. Fue un viaje más duro pero vi a gente más interesante ahí».

Las muertes de Berry y Whitten sumieron a Young en un estado depreviso a lo largo de «The Ditch Trilogy» en el que consumió con frecuencia alcohol y drogas durante las giras y en el estudio de grabación. Dicho estado se vio agravado debido a su ruptura matrimonial con Carrie Snodgress, que también influyó en su nuevo estilo de vida. La etapa se cerró con el lanzamiento de Tonight's the Night, un álbum que Damon Ogden definió en una crítica para Funhouse como «una carta sobre la sobredosis, todo trata sobre la vida, la droga y la muerte».

Tras el lanzamiento de Tonight's the Night, Young recuperó el contacto con Crazy Horse para grabar un nuevo álbum, con el guitarrista Frank «Poncho» Sampedro en sustitución de Whitten. Sampedro había coincidido un año antes con Young en los Chess Studios de Chicago, donde grabó varias canciones de Homegrown. Sin embargo, Homegrown fue archivado y a día de hoy sigue siendo un álbum inédito, aunque varias canciones de las sesiones fueron regrabadas en sucesivos trabajos como American Stars 'N Bars y Hawks & Doves. Young comentó sobre Sampedro: «Poncho nos trajo fortaleza. Tiene grandes cantidades de fortaleza... un increíble núcleo de fuerza. Cuando está ahí, somos fuertes».

«Neil estaba más feliz que nunca en Zuma. Era un gran tipo con el que estar por ahí. Un hombre feliz, feliz... Estábamos fuera de crucero, pasando un buen rato... La grabación fue solo una extensión de nuestra vida cotidiana».
—David Briggs, productor de Zuma.

Young volvió a reunirse con Crazy Horse en la primavera de 1975 en la casa que Billy Talbot, bajista del grupo, tenía en Echo Park. Según Talbot: «Fue genial. Estábamos en alza. A Neil le encantó, nos encantó a todos, era la primera vez que escuchábamos a los Horse desde la muerte de Whitten». Durante la primera noche, el grupo grabó «Born to Run», una canción «rockera, larga y tensa con un estribillo evocador de "Push It Over the End"», según Jimmy McDonough, biógrafo del músico. La canción volvió a grabarse durante las sesiones de Freedom y de Ragged Glory, pero aún no ha sido publicada en ningún álbum oficial del músico. También durante la estancia en la casa de Talbot, Young terminó de componer «Powderfinger», una canción posteriormente grabada para el álbum Rust Never Sleeps. Sin embargo, Young abandonó al poco tiempo la reunión. Según Talbot: «Neil durmió solo una noche, dijo que tenía que volver a casa y coger algo. No volvió».

Las sesiones de grabación, con David Briggs como productor musical, comenzaron en un hogar de Malibú transformado en un estudio improvisado, algo que produjo dificultades técnicas. Según Briggs: «El grupo no sabía cómo tocar, nadie tenía un acorde, nada. La banda era muy ruidosa en una terrible y pequeña sala con un techo bajo, suelos de piedra y ventanales por todos lados. Bob Clearmountain no podía hacer que la batería sonara bien. Desinstalamos la mesa de mezclas, la instalamos en la cocina, corté grandes piezas de espuma para las ventanas, dije a mis vecinos: "Escuchad, vamos a estar grabando toda la noche", y comencé a gastar cinta».

«Through My Sails» incluyó la colaboración de Crosby, Stills & Nash en los coros.
La gran mayoría de las canciones fueron grabadas en apenas una única toma. Según comentó Briggs: «No hubo mucho trabajo en esos discos. Nosotros solo lo poníamos, grabábamos y lo mezclábamos en el momento. Es por eso que esos discos suenan crudos y rudimentarios. [...] Algunas tomas podían durar diez minutos. Ese álbum entero es una lección en hacer discos de Neil Young». Preguntado por el sonido de Zuma, Young contestó: «Old Black, Fender Deluxe con la unidad de reverberación... Debe ser la pastilla de una Gretsch. "Drive Back" es solo el [amplificador] Deluxe hasta el final».

El álbum incluyó canciones como «Don't Cry No Tears» y «Stupid Girl», estrechamente relacionadas con su reciente separación de Carrie Snodgress, su segunda esposa. La melodía y la letra de «Don't Cry No Tears» derivan parcialmente de «I Wonder», una canción que el músico compuso durante su estancia con The Squires y publicada como sencillo en 1964. Por otra parte, «Danger Bird» incluyó extractos de «L.A. Girls and Ocean Boys», otra canción inédita en la que el músico relata su ruptura matrimonial con Snodgress, específicamente en los versos: «'Cause you've been with another man, there you are and here I am» —en español: «Porque has estado con otro hombre, ahí estás tú y aquí estoy yo»—. En una entrevista posterior, el músico Lou Reed comentó que Young se había convertido en un «gran guitarrista» durante este periodo, y citó especialmente «Danger Bird» como ejemplo.

«Cortez the Killer» incluyó referencias a la conquista de México y a personajes históricos como Moctezuma II y Hernán Cortés; definida por McDonough como «una de sus canciones más evocativas de viajes en el tiempo», culmina con una última estrofa en la que cambia a la primera persona gramatical después de usar la tercera persona en estrofas anteriores donde hace una detallada descripción de la conquista de México y de personajes históricos como Moctezuma II y Hernán Cortés. La canción fue grabada en una única toma que finaliza abruptamente en un fundido o fade out, debido a que la cinta se había terminado antes de que el grupo finalizase de interpretar el tema. No obstante, Scott Young, padre del músico, contradijo esta versión y escribió en su libro Neil and Me que el abrupto final de la canción se debió al salto de un circuito eléctrico que interrumpió el proceso de grabación. En cualquiera de las dos situaciones, la interrupción provocó que la cinta no registrara una última estrofa; sin embargo, cuando el músico conoció el problema, comentó: «Nunca me gustó esa estrofa de todos modos».

En varias ocasiones, Young señaló diferentes orígenes de «Cortez the Killer». El 13 de agosto de 1996, durante un concierto en Manassas (Virginia), dijo que la escribió en la escuela mientras sufría «la venganza de Montezuma»: «Una noche estuve despierto hasta muy tarde. Comí seis hamburguesas o algo. Me sentí fatal... muy mal... esto fue antes de McDonald's... Estaba estudiando historia, y por la mañana me desperté y escribí esta canción». Sin embargo, a pesar del trasfondo histórico de «Cortez the Killer», el músico declaró en una entrevista con McDonough su falta de conocimientos históricos: «¿Qué coño hago yo escribiendo sobre los aztecas en "Cortez the Killer" como si hubiera estado allí, vagando por ahí? Porque yo solo leí unos pocos libros». La crítica a la figura histórica de Hernán Cortés provocó que la canción fuese censurada en la España franquista, y su título fue cambiado por el de «Cortez Cortez». «Cortez the Killer», cuya publicación coincidió con el comienzo de la Transición Española, se convirtió en una de las últimas canciones víctimas de la censura tras la muerte de Francisco Franco.

Además de siete canciones grabadas en Malibú, Zuma incluyó dos descartes de sesiones anteriores: «Pardon My Heart» y «Through My Sails». Ambas fueron grabadas en junio de 1974 en Broken Arrow Ranch; la primera, con Tim Drummond al bajo, fue producida por Tim Mulligan y retomada durante las sesiones de Zuma, en las cuales Ralph Molina y Talbot superpusieron sus voces. Por otra parte, «Through My Sails», originalmente titulada «Sailboat Song», es el único tema publicado de las sesiones de grabación que Crosby, Stills, Nash & Young llevaron a cabo en Hawaii a finales de 1974 para un álbum que nunca llegó a materializarse. La canción contó con la colaboración de Stephen Stills al bajo y de Russ Kunkel tocando las congas.

Tras su publicación, Zuma obtuvo en general buenas reseñas de la prensa musical. William Ruhlmann de Allmusic comentó: «Young ha abandonado el enfoque desigual y directo de sus primeros tres trabajos, pero Crazy Horse nunca será una banda brillante, y la música tiene un sonido real adecuado para las canciones, que eran algunas de las melodías más orientadas al pop que Young ha elaborado en años, a pesar de interpretarlas con una intensidad rock empapada de guitarras eléctricas». Por otra parte, Robert Christgau escribió: «Young ha violado la forma tan convincentemente en los últimos tres años, que su retorno puede tomar un poco de tiempo para acostumbrarse. De hecho, su pulcritud creativa compromete los cortes de mayor éxito, "Danger Bird" y "Cortez the Killer". Pero las canciones menos ambiciosas -"Pardon My Heart"- son tan buenas como lo mejor de After the Gold Rush. Lo cual es un buen truco».

Wilson y Alroy escribieron: «Cuando Young está en contacto con su musa, hace que componer buena música sea condenadamente fácil. Esta vez, respaldado por el reconstituido Crazy Horse, lucha un poco: "Danger Bird" es un intento de himno que nunca se pone en marcha; "Don't Cry No Tears" es una diatriba típicamente malhumorada que suena como una reescritura de "Cinnamon Girl"; "Lookin' for a Love" presta demasiada atención a sus raíces country. Finalmente llega con duros temas rockeros ("Drive Back", "Barstool Blues") y con una obra maestra de guitarra malhumorada, "Cortez the Killer". Mucho gusto, aunque es capaz de hacerlo mucho mejor».

A nivel comercial, Zuma obtuvo resultados ligeramente inferiores a trabajos anteriores como Tonight's the Night y On the Beach. En los Estados Unidos, el álbum llegó al puesto veinticinco de la lista Billboard 200, país donde además fue certificado como disco de oro al superar el medio millón de copias vendidas. En Canadá, el álbum alcanzó el puesto sesenta y nueve de la lista de discos más vendidos, el peor resultado para un trabajo del músico desde el inicio de su carrera en solitario. De la misma manera, los sencillos extraídos del álbum también obtuvieron un resultado similar: «Lookin' for a Love», publicado en noviembre de 1975, solo entró en la lista canadiense RPM Singles Chart donde alcanzó el puesto cuarenta y ocho. Un segundo sencillo, «Drive Back», no llegó a entrar en ninguna lista de éxitos.

A pesar de los tibios resultados comerciales, Zuma es generalmente considerado uno de los mejores trabajos del músico: en una encuestra elaborada en 2012, los lectores de la revista Rolling Stone votaron Zuma como el séptimo mejor álbum de la carrera musical de Young. La misma publicación situó a «Cortez the Killer» en el puesto 329 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, elaborada en 2011. Por otra parte, la web Stereo Gum escogió a Zuma como el sexto mejor álbum de la carrera del músico.

La portada de Zuma fue diseñada por James Mazzeo, estrecho colaborador de Neil Young, que obtuvo 2 000 dólares por su trabajo. El dibujo incluyó un pájaro sujetando a una mujer desnuda y sobrevolando un desierto con pirámides y cactus. Según comentó Mazzeo: «Neil me describió imágenes que tenía en su mente de pájaros volando con mujeres sobre el desierto, pirámides y esas cosas». Mazeeo le mostró cuatro dibujos al músico para que escogiese uno. «Neil dijo: "¡Esto es! ¡Lo has hecho! ¡Es perfecto!" Y de repente tenía un cheque de dos mil dólares. Esas imágenes me llevaron diez minutos, eso hace doscientos [dólares] por minuto».

Años después, la imagen de Zuma fue elegida una de las peores portadas de la historia de la música por medios de comunicación como The A.V. Club y The Guardian.Sin embargo, es una de las favoritas de Young: «Zuma es una de mis portadas favoritas. La gente de Reprise pensó que me había vuelto loco. Era un concepto. Todo lo que todo el mundo estaba haciendo estaba realmente enfermo». Mazzeo volvió a colaborar años más tarde con Young en el diseño de portada de Greendale (2003).


***   ***



Neil Young - 1978 - Comes a Time

Recorded at: 
Triiad - Ft. Lauderdale, FLA. 
Columbia - London, England 
Wally Heider - Hollywood, CA 
Woodland - Nashville, TENN. 
Sound Shop - Nashville, TENN. 
Broken Arrow - Redwood City, CA. 
Nov. 28, 1975 - Nov. 21, 1977

Gone With The Wind Orchestra:
Nicolette Larson: vocal
Ben Keith: pedal steel guitar
Carl Himmel: drums
Tim Drummond: bass
Spooner Oldham: piano
Rufus Thibodeaux: fiddle
Joe Osborne: bass
Larrie Londin: drums
J. J. Cale: electric guitar
Farrel Morris: percussion
Rita Fey: autoharp
 guitar:
Grant Boatright, Bucky Barret,  John Christopher,  Jerry Shook, 
Vic Jordan,  Steve Gibson,  Dale Sellers,  Ray Edenton
strings:
Shelly Kurland, Stephanie Woolf, Marvin Chantry,
Gary Vanosdale, Carl Goroditzby, George Binkley Steve Smith,
Larry Harvin, Larry Lasson, Carol Walker, Rebecca Lynch,
Virginia Christensen, Maryanna Harvin, George Kosmola, Martha McCrory

Neil Young & Crazy Horse:
Neil Young: guitar, vocal
Frank Sampedro: guitar, vocal
Billy Talbot: bass, vocal
Ralph Molina: drums, vocal
And guest:
Tim Mulligan: saxophone


Listado de Temas:


 01 - Goin' Back- - 04:41 min.


 02 - Comes a Time - 03:07 min.


 03 - Look Out for My Love - 04:06 min. Neil Young & Crazy Horse:
Neil Young: guitar, vocal
Frank Sampedro: guitar, vocal
Billy Talbot: bass, vocal
Ralph Molina: drums, vocal
And guest:
Tim Mulligan: saxophone


 04 - Lotta Love - 02:38 min. Neil Young & Crazy Horse:
Neil Young: guitar, vocal
Frank Sampedro: guitar, vocal
Billy Talbot: bass, vocal
Ralph Molina: drums, vocal
And guest:
Tim Mulligan: saxophone


 05 - Peace of Mind - 04:11 min.


 06 - Human Highway - 03:10 min.


 07 - Already One - 04:55 min.


 08 - Field of Opportunity - 03:10 min.


 09 - Motorcycle Mama - 03:11 min.
Harmony Vocals – Nicolette Larson


 10 - Four Strong Winds - 04:06 min. - Autor: Ian Tyson



10 Temas. Tiempo Total: 00:37:15
flac @ 781 - 218.45 MB
RipAgainBy Napi#19



Reviews:

El álbum originalmente comenzó como un disco en solitario, pero cuando Young lo tocó para ejecutivos de Reprise, le preguntaron si consideraría agregar pistas de ritmo a lo que ya tenía. Young estuvo de acuerdo y el producto final fue Comes a Time. En dos canciones ("Look Out For My Love" y "Lotta Love") la banda de soporte fue Crazy Horse.

"Human Highway" se escribió varios años antes del lanzamiento del álbum y se presentó originalmente a Crosby, Stills, Nash & Young en 1974 para un álbum de estudio propuesto por el grupo que nunca llegó a ser. Gran parte del álbum son las armonías vocales de Nicolette Larson, quien también comparte la voz principal con Young en "Motorcycle Mama".

Durante muchos años se rumoreó que Young había comprado personalmente unas 200,000 copias en vinilo de Comes a Time porque no estaba contento con el sonido del álbum, debido al daño que se produjo en el master durante el envío a las instalaciones de mezcla. La versión del álbum más ampliamente disponible en la actualidad fue personalmente remezclada por Young de la copia de seguridad del master original. En una entrevista de marzo de 2014 con Rolling Stone, Young afirmó que, de hecho, utilizó los 200,000 LP como tejas para el techo de un granero.

Créditos

Engineer – Danny Hilly, David Mc Kinley, Denny Purcell, Ernie Winfrey, Gabby Garcia, Michael Laskow, Mike Porter, Paul Kaminsky, Rich "Hoss" Adler, Tim Mulligan
Arranged By [Strings] – Chuck Cochran, Neil Young (tracks: A1, A2)
Art Direction – Tom Wilkes
Management [Direction] – Elliot Roberts
Mastered By – Phil Brown, Stu Romain
Mixed By – David Briggs (tracks: A3, A5), Neil Young, Tim Mulligan (tracks: A3, A5)
Photography By – Coley Coleman
Producer – Ben Keith (tracks: A1, A2, A5 to B2, B4, B5), David Briggs (tracks: A3, A5), Neil Young, Tim Mulligan (tracks: A1 to B1, B3 to B5)

Notas
Second issue of the original pressing with "Lotta Love" listed as track A5 on the cover, and listed as A4 on label, and actually plays it as A4.

http://www.neilyoung.com/archives/discography/items/ny-cat.html

Strings by Chuck Cochran, except "Goin' Back" and "Comes A Time" by Neil Young & Chuck Cochran


***   ***

Neil Young - 1992 - Harvest Moon

La pista 10 fue grabada en el Civic Auditorium de Portland, Oregon, con grabación adicional en Redwood Digital, Woodside, California.
Este álbum fue grabado en Redwood Digital, Woodside, California.

Kenny Buttrey, Tim Drummond, Ben Keith y Spooner Oldham están nombrados en canciones individuales como músicos, pero sus instrumentos no están listados, y lo mismo para la mayoría de los artistas que aparecen en la pista 7 (Such A Woman)




Backing Vocals
 Astrid Young (tracks: 5, 7, 9), James Taylor (2) (tracks: 2, 5, 6),
Linda Ronstadt (tracks: 1, 2, 4 to 6), Nicolette Larson (tracks: 3, 5, 7 to 10)


Listado de Temas:


01 - Unknown Legend - 04:33 min.


02 - From Hank To Hendrix - 05:17 min.


03 - You And Me - 03:45 min.


04 - Harvest Moon - 05:05 min.


05 - War Of Man - 05:44 min.
Comentario: Backing Vocals Larry Cragg


06 - One Of These Days - 04:54 min.


07 - Such A Woman - 01:20 min.
Comentario: Arranged By Jack Nitzsche
Conductor Suzie Katayama
Featuring:
Adriana Zoppo, Berg Garabedian, Betty Byers, Cindy McGurty,
David Shamban, David Stenske, Ericka Duke, Greg Gottlieb,
Haim Shtrum, Harris Goldman, Israel Baker, Carrie Prescott,
Larry Corbett, Maria Newman, Matt Funes, Rick Gerding,
Robin Lorentz, Valerie Dimond
Recorded By John Vigran
Engineer [Assistant] Tom Allen


08 - Old King - 02:57 min.


09 - Dreamin' Man - 04:37 min.


10 - Natural Beauty Live - 10:33 min.
Comentario: Recorded At Civic Auditorium, Portland, Or.



10 Temas. Tiempo Total: 00:48:45
flac @ 681 - 264,53 MB
RipAgainByNapi#19




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***   ***



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Monty Alexander Ray Brown Herb Ellis

Monty Alexander Ray Brown Herb Ellis





 [. . .] La mayoría de las 15 grabaciones de Alexander para Concord entre 1978 y 1996 lo presentaron en contextos de trío. Cinco citas con Ray Brown y el guitarrista Herb Ellis; una reunión con Clayton y Hamilton; otra con Clayton y Ed Thigpen titulada The River, que hablaba sobre espirituales e himnos y contiene una canción que es la composición original favorita de los fans, la que presta título al disco.

Durante estos años, también hay documentado un inspirador  recital en solitario en Maybeck Recital Hall también en Concord; El dúo conversacional es con Ranglin en 1980 y con Clayton en 1985 para MPS; y una impecable oportunidad con el bajista Niels-Henning Orsted Pedersen y el baterista Grady Tate para Soul Note [. . .]

Triple Treat-s & the Concord Years

Alexander fue miembro de la primera generación de la Orquesta de las Naciones Unidas de Gillespie a fines de los años 80, y en 1987 tocó con el coloso del saxofón Sonny Rollins en la ciudad de Nueva York.

A principios de los 80, toca conciertos de dúo de piano, sobre todo con Tommy Flanagan y Randy Weston.


INTERVIEW By Ted Panken

Monty Alexander's 71st Birthday
https://www.montyalexander.com/1980-1990

JUNE 6, 2015 

Monty, Ray and Herb
  •     ¿Cuándo comenzó su asociación con Ray Brown?


  •     MONTY ALEXANDER: Comenzó alrededor de 1966 o 1967. Lo vi en varias ocasiones, y él me vio como a un niño pequeño que solo quería conocerle mejor. No me escuchó tocar música ni nada; Simplemente lo llamé y comencé a salir con él, y él me dio la bienvenida a su vida social, vino a Nueva York, recuerdo que nos conocimos y lo llevé a un club con amigos mutuos; estaba hablando. sobre Wynton Kelly y Sam Jones, y lo llevé a verlos tocar en un pequeño bar. Vi la camaradería entre ellos, salimos y nos reímos mucho. Luego lo llevé a ver a Coleman Hawkins en el Half Note, y vio a sus viejos amigos . . .  Así que le gustó, y terminé en su compañía. Luego lo vi en Los Ángeles unos meses después, cuando estaba haciendo el "Show de Joey Bishop", el cual se convertiría en el "Show de Merv Griffin". Fui a saludar y me invitó a salir con él de nuevo. Pero la verdadera asociación sucedió una noche cuando fui a donde él estaba tocando. Estaban en un intermedio, cuando llegó el momento de tocar una melodía, solo para despedirse por la noche  .  .  .  porque realmente no estaba escuchando la música; era una especie de club de Hollywood. El pianista bebió alguna copa de más (nunca lo llamaría por su nombre) y le comenté: "¿Puedo sentarme al piano?" Ray dijo que sí y comenzamos a tocar. En unos pocos acordes, pude escuchar su alegre sonido junto al mío. Terminamos por tocar algunos blues; fue el inicio de conocer musicalmente a Ray Brown.  Luego me bajé del  escenario y me preguntó si podía unirme a él en ese verano. Sucedió asi de simple. Esto fue 1968 y lo del verano se llegó a alargar un poco.

Monty Alexander, Ray Brown, Herb Ellis

Trio

1981




Recorded at Coast Recorders, San Francisico, California August 1980
Remixed at PER, San Francisco, California 




Créditos

Bass – Ray Brown
Guitar – Herb Ellis
Piano – Monty Alexander


Engineer [Recording And Remix] – Phil Edwards
Producer – Carl E. Jefferson


Listado de Temas:





01 - I'm Afraid the Masquerade is Over - 04:08 min.
Autor: Allie Wrubel, Herbert Magidson


02 - You Call it Madness, I Call it Love - 03:54 min.
Autor: Con Conrad, Gladys DuBois, Paul Gregory, Russ Columbo


03 - Blues for Junior - 05:15 min.
Autor: Ray Brown


04 - Sweet Georgia Brown - 05:18 min.
Autor: Ben Bernie, Kenneth Casey, Maceo Pinkard


05 - I Want to Be Happy - 02:38 min.
Autor: Irving Caesar, Vincent Youmans


06 - Put Your Little Foot Right Out - 05:58 min.
Autor: Larry Spier


07 - Captain Bill - 03:10 min.
Autor: Herb Ellis, Monty Alexander, Ray Brown


08 - To Each His Own - 05:17 min.
Autor:  Raymond B. Evans - Jay Livingston


09 - Sister Sadie - 04:05 min.
Autor: Horace Silver



9 Temas. Tiempo Total: 00:39:43
flac @ 624 - 163,36 MB




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Reviews: 

AllMusic Review by William Ruhlmann

"Sería una simplificación excesiva caracterizar al grupo que está a punto de escuchar (o quizás ahora está escuchando) simplemente como el viejo Oscar Peterson Trio con Monty Alexander reemplazando al líder", escribe Leonard Feather en sus notas para este álbum después de escuchar que tanto el bajista Ray Brown como el guitarrista Herb Ellis solían ser parte del grupo de Peterson. Tiene razón, por supuesto, pero también sería incorrecto decir que no hay al menos una sensación de que esta formación sin tambores es de las primeras de su tipo La principal diferencia, por supuesto, es que Alexander, nacido en Jamaica, no es Peterson; aunque aquí se exhibe menos de su estilo rítmico que en otras fechas, tiene su propia personalidad y es mucho más llamativo que el de Peterson. Una segunda diferencia importante es que Peterson fue el líder de su trío, y Feather señala que "esta de Monty es una asociación de tres vías" en la que cada miembro puede contribuir de manera más o menos igual. Las selecciones son una mezcla de estándares, la mayoría de ellos típicos de jazz  (aunque el éxito pop de los años 40 "To Each His Own" parece ser nuevo) con un original de Brown, "Blues for Junior" y otro original, "Capitán Bill",  junto a los otros dos componentes del trío. Ya sea que toquen rápido o lento, los tres músicos interactúan bien juntos y el joven Alexander se sostiene con sus compañeros veteranos.






Monty Alexander / Ray Brown / Herb Ellis ‎– Trio
Sello: Concord Jazz ‎– CJ-136
Formato: Vinyl, LP, Album País: US
Fecha: 1981 Género: Jazz

Compañías, etc.
Phonographic Copyright (p) – Concord Jazz, Inc.
Recorded At – Coast Recorders
Remixed At – PER
Published By – Allisons Music Co.
Published By – Edwin H. Morris & Co., Inc.
Published By – Sherwin Music Pub. Corp.
Published By – Ray Brown Music
Published By – Warner Bros. Inc.
Published By – Backbone Pub.
Published By – Paramount Music Corp.
Published By – Ecaroh Music Inc.

Art Direction – Dick Hendler
Liner Notes – Leonard Feather
Mastered By – George Horn
Photography By [Cover Photo, Photo Of Ray Brown] – Bruce Burr
Photography By [Photo Of Herb Ellis] – Ellen C. Findlay
Photography By [Photo Of Monty Alexander] – Kenn Duncan


***   ***

Monty Alexander, Ray Brown, Herb Ellis

Overseas Special

-1982-



Recording Date March, 1982
Location  Satin Doll Club, Tokyo, Japan



Listado de Temas:




01 - But not for me
Autor: George Gershwin / Ira Gershwin - 09:38 min.


02 - A time for love
Autor: Johnny Mandel / Paul Francis Webster - 06:00 min.


03 - Orange in pain
Autor: Herb Ellis - 06:17 min.


04 - F.S.R.
Autor: Ray Brown - 06:15 min.


05 - For all we know
Autor: J. Fred Coots / Sam M. Lewis - 07:43 min.


06 - C. C. Rider
Autor: Ma Rainey / Traditional - 08:35 min.



6 Temas. Tiempo Total: 00:44:28
flac @ 618 - 190,45 MB




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Reviews: 

Release Date March, 1982
Genre Jazz Styles Mainstream Jazz Jazz Instrument Piano Jazz
Recording Date March, 1982
Recording Location  Satin Doll Club, Tokyo, Japan






AllMusic Review by William Ruhlmann


Mientras que el álbum Trio de 1981 introdujo a los alumnos Ray Brown y Herb Ellis (del Oscar Peterson Trio) en el equipo del pianista Monty Alexander como una asociación intrigante, esta otra cita en vivo, grabada en el Satin Doll Club de Tokio, realmente demuestra que el grupo se encuentra en su salsa Este no es el trío de Peterson, no solo porque Peterson no está presente y sí Alexander, el más joven y fuerte, sino porque este es un equipo de iguales. Los miembros individuales pueden dominar las melodías en particular, Ellis está en toda la balada de Johnny Mandel "A Time for Love", por ejemplo, pero las cosas generalmente se equilibran por igual, como en "Orange in Pain", un original de Ellis en el que Brown se encuentra. arriba primero, solo para ser seguido por el guitarrista y luego el pianista (quien lanza una cita de "Take the 'A' Train", quizás reconociendo la inspiración del nombre del club). "F.S.R." (o "For Sonny Rollins"), que contiene un indicio de "Doxy" de Rollins, es otro número en el que los solos se intercambian con buenos resultados, ya que los músicos, escuchándose unos a otros, comparten sus ideas. Si hay alguien que se está refrenando al menos un poco, ese es Alexander (cuyo nombre aparece en la lista por adelantado, probablemente solo debido a un orden alfabético) aunque tiene sus momentos y en todo momento apoya bien a sus compañeros.









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20 febrero 2019

John Zorn

John Zorn

nacido el 2 de septiembre de 1953 en Queens, Nueva York, es un compositor y saxofonista estadounidense de origen judío que ha asimilado multitud de influencias y siempre ha sentido predilección por la escena underground y las propuestas extremas y arriesgadas. Es a su vez propietario del sello discográfico Tzadik, inaugurado en 1995, a través del cual edita sus discos, que superan el centenar.


https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4954227

De Concertparis - Trabajo propio, Dominio público,
https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4954227


En principio, Zorn aprendió a tocar otros instrumentos antes de tocar el saxofón y aprender composición en 1970. Tiene un método de composición por el cual se crean diversas imágenes y momentos musicales que luego son estructurados y ordenados. Es uno de los máximos exponentes del noise-music, un estilo collage que fusiona el free, sonidos electrónicos, efectos, voces deformadas, etc. Zorn se introdujo en el jazz llevado por su pasión hacia la música contemporánea, tras escuchar a gente como John Cage y Stockhausen, entre otros. En su música descubrimos también influencias de Ennio Morricone y otros compositores de bandas sonoras, reminiscencias de la cultura judía e inspiración en los músicos-compositores Harry Partch, Charles Ives, etc.

 Ha trabajado en múltiples proyectos cada cual más arriesgado. Masada es uno de ellos, un grupo de jazz con influencias muy variadas, abierto a la improvisación. Han editado más de diez discos de estudio y sus respectivos directos. También ha trabajado en el mundo de las bandas sonoras; lleva editados 23 discos de sus filmworks en los cuales recolecta estos temas. Por último, ha grabado discos en solitario y múltiples experimentos musicales para dibujos animados, programaciones imposibles, sonidos abstractos, piezas de cámara, conciertos para piano y un sinfín de ideas desarrolladas junto a diversos músicos.



Opening XXI Jazz Fest Sarajevo February, 2017


Me sentaron y me dijeron: "Zorn, ¿qué quieres hacer con tu carrera? ¿Qué estás intentando hacer?".
Y respondí: "¡Que le den a mi carrera! Estoy intentando crear música y tengo que cumplir con mi deber.
Y al cabo de tres minutos estaba bajando en el ascensor. Aquel tío ni siquiera sabía de qué le estaba
hablando. (...) No soy yo a quien quieren. Quieren a alguien que sea un icono del posmodernismo, y yo no iba a entrar en ese juego.
(John Zorn en Downtown Avant-Garde: The Music of John Zorn, BBC-Radio 3)

© Diego Ortega Alonso, 2007

Desalentado por la incomprensión de Elektra ante una de sus mejores y más controvertidas obras, Torture Garden, John Zorn funda en 1995 el sello Tzadik, una de las iniciativas musicales más interesantes y prolíficas de la última década. Con un promedio de cuatro novedades mensuales, el tándem de John Zorn y Kazunori Sugiyama ha dado salida a una miríada de producciones en las que priman la calidad, el riesgo y la independencia. Prácticas cuestionables aparte (una curiosa política de reediciones, un marcado gusto por el autobombo, un estilo publicitario en el que reina más la hipérbole que el realismo,...), un vistazo al catálogo de Tzadik supone asomarse a uno de los oasis más apasionantes que ha dado la cultura estadounidense en los últimos años.



Información artística
Otros nombres   Dekoboko Hajime, Rav Tzizit
Género(s)   Experimental, improvisación libre, clásico contemporáneo
Instrumento(s)  Clarinete, piano, saxofón, theremín.
Discográfica(s)  Tzadik, Avant, DIW, Elektra Nonesuch, Earache, Hat Hut, Shimmy-Disc, Eva, Toy's Factory, Nato, Lumina, Black Saint, Subharmonic, Parachute, Yukon, Rift.
Artistas relacionados Naked City, Masada, Painkiller, Hemophiliac, Weird Little Boy.


***
***    ***
***

Pellucidar: A Dreamers Fantabula

2015

Cyro Baptista  Percussion
Joey Baron  Drums
The Dreamers
Trevor Dunn Bass
Marc Ribot Guitar
Jamie Saft  Keyboards
Kenny Wollesen  Vibraphone
John Zorn  Arranger, Composer, Conductor, Producer

Heung-Heung "Chippy" Chin Artwork, Design
Kazunori Sugiyama  Associate Producer
Marc Urselli  Engineer, Mixing
Scott Hull  Mastering
Ikue Mori  Photography




Listado de Temas:

 01 - Magic Carpet Ride - 07:36 min.
 02 - Gormenghast - 08:29 min.
 03 - Queen Of Ilium - 05:19 min.
 04 - Once Upon A Time - 05:13 min.
 05 - Flight From Salem - 04:20 min.
 06 - Pellucidar - 03:35 min.
 07 - Atlantis - 04:59 min.
 08 - A Perfume From Cleopolis - 06:09 min.
 09 - Jewels Of Opar - 06:11 min.

9 Temas - Tiempo Total: 00:51:51



Studio album by John Zorn
Recorded February 2015 at Eastside Sound, NYC
Released June 23, 2015
Genre Jazz
Producer John Zorn
John Zorn chronology
The Song Project Live at Le Poisson Rouge (2015) Pellucidar: A Dreamers Fantabula (2015) Forro Zinho (2015)
The Dreamers chronology
A Dreamers Christmas (2011) Pellucidar: A Dreamers Fantabula (2015)




***   ***

John Zorn Moonchild Trio

Templars In Sacred Blood

2012


Formación:

Mike Patton − voice
John Medeski − organ
Trevor Dunn − bass
Joey Baron − drums



 



Listado de Temas:
(todos compuestos por John Zorn)


01 - Templi Secretum

El bajo rumiante de Dunn, el retumbante tambor de Barón y el profundo trabajo de órgano de John Medeski hacen que el álbum comience con premura. Su atmósfera sombría da paso a un ritmo misterioso antes de que Patton emerja a toda velocidad, gritando la palabra "templario" una y otra vez en una sección de metal salvaje. Las horribles vocalizaciones de Patton implican los gritos de los templarios ejecutados. Las palabras "Templi Secretum" se refieren a la leyenda de un núcleo interno secreto dentro de los Caballeros Templarios, un grupo herético que supuestamente fue influenciado por ideas cabalísticas, cátaras y gnósticas. Duración: 05:33


02 - Evocation Of Baphomet 

"Baphomet" es un término arcaico que significa "diablo". Al final, los templarios fueron juzgados heréticos por la iglesia católica y ejecutados por supuestamente adorarlo. Esta pista comienza a ritmo suave con una  extraña y oscura línea de bajo cortesía de Trevor Dunn. Patton relata sobre los templarios, todo sin aliento y silenciado como un retorcido William Shatner. Duración: 05:26


03 - Murder Of The Magicians

Esta canción presenta un sombrío canto gregoriano en capas de Patton, apropiado para un álbum inspirado en la historia católica y una adición más a las habilidades de Patton. El título de la pista se refiere a la tradición suprimida de la magia, por la que Zorn está tan fascinado. El 'asesinato' específico aquí es indudablemente el de los templarios heréticos, pero también resuena con las referencias hechas a la caza de brujas europea y otras opresiones similares discutidas en álbumes anteriores: violencia que dejó 'siglos de silencio', para citar una letra de Zorn's de la primera pista Temáticamente, el proyecto Moonchild es un intento de resucitar las voces silenciadas de las brujas y brujos. Duración: 04:14


04 - Prophetic Souls

Las armonías del sombrío órgano de Medeski proporcionan un matiz religioso y repetitivo a esta misteriosa pista. Un extraño sonido de agua goteando, evocador de mazmorras húmedas o criptas monásticas secretas, acompaña la línea de bajo satisfactoria de Dunn, superpuesta a la recitación latina de Patton. La pista lleva al oyente de una sección más suave y más tonal a un asalto de metal  bastante seco. Duración: 06:20







05 - Libera Me


"Libera Me" comienza con un riff de rock golpeando pesadamente. La intensidad casi no se detiene y la pista se cierra con Patton garabateando vocalmente las palabras latinas "libera me". El título se refiere a una obra litúrgica católica romana que se ora habitualmente junto al ataúd de una persona fallecida, solicitando a Dios que tenga piedad de su alma en el día del juicio final. Duración: 03:20




06 - Second Sanctuary


Patton susurra sus letras ligeramente cursis, como de las pelis de horror de la Hammer de los 50, antes de entrar en modo de grito rocoso en la segunda mitad. El tema de un santuario indicado en el título enfatiza el interés de Zorn por las tradiciones ocultas, los linajes ocultos. Duración: 05:06


07 - Recordatio


Mientras que las palabras establecen el tema, Patton todavía es capaz de gritos inhumanos, como se evidencia aquí. En un repentino cambio de género, familiar para los oyentes de Moonchild, interviene una línea de bajo bebop, acompañada por improvisación de jazz en el órgano de Medeski. A esto le sigue una traca de sonido de metal, que luego alterna con una sección más suave en la que Patton susurra. Recordatio es una palabra latina que significa 'recuerdo'; Zorn exhorta a los oyentes a recordar las tradiciones místicas pasadas suprimidas por la ortodoxia. Duración: 03:53


08 - Secret Ceremony




Suena algo como llaves que giran cerraduras en criptas escondidas, voces misteriosas en una catedral oscura pueblan esta siniestra pista. Estos efectos de sonido metálicos se reproducen con el trabajo de los platillos de Barón cuando Patton entonan "sanctus" una y otra vez. El título final de la pista enfatiza el tema de una tradición religiosa o ritual secreta, un concepto clave para los templarios. Duración: 09:15



8 Temas. Tiempo Total: 00:43:14
flac @ 822 - 261,54 MB

Heung-Heung


Créditos:

John Zorn fue el arreglista, compositor, director de orquesta y productor, e ideó el concepto del álbum. Marc Urseli trabajó como ingeniero y proporcionó mezclas. Scott Hull dominó el álbum. Kazunori Sugiyama fue productor asociado.


Portada
Al igual que con todos los álbumes anteriores de Moonchild, el diseño de la portada fue proporcionado por Heung-Heung





1PocodMusica.com
https://www.1PocodMusica.com/

Reseñas:

https://en.wikipedia.org/wiki/Templars:_In_Sacred_Blood

Templars: In Sacred Blood is an album by John Zorn
released in May 2012 on the Tzadik label.
It is the sixth album by Zorn's Moonchild project.

Allmusic said "of all the Moonchild releases, Templars: In Sacred Blood, is easily the most accessible, although relatively dark, it's a hell of a lot of fun. Even Zorn's lyrics are among the most poetic he's ever written; they follow a loose trajectory of historical and spiritual themes and still offer nods to his acidic sense of humor. His compositions are tight; they rarely give into the excesses that some of the other Moonchild projects have almost gleefully wallowed in. Templars: In Sacred Blood is a blast from top to bottom."[2] Martin Schray stated "Templars – In Sacred Blood provides everything you expect, especially Mike Patton shows what a great vocalist he is. Supported by a crude musical mixture of wild metal breaks (“Templi Secretum”), obscure bass lines (“Evocation of Baphomet”, “Libera Me”), Gregorian chants (“Murder of the Magician”) and prog rock (“Secret Ceremony”) Patton provides spoken word narratives, on-top-of-his-voice screaming and shouting, baritone murmurs, or mysterious whispers. Great fun!"





AllMusic Review by Thom Jurek

https://www.allmusic.com/album/templars-in-sacred-blood-mw0002352263

The sixth installment in John Zorn's Moonchild series centers around the mysterious, monastic cult of warriors known as the Knights Templar, who were established and recognized by the Catholic Church somewhere near 1128 and were excommunicated by Pope Clement V in 1312 for heresy (allegedly for overtly worshipping Baphomet, i.e. Satan). While the Moonchild trio has been a constant -- vocalist Mike Patton, drummer Joey Baron, and bassist Trevor Dunn -- they have been augmented from time to time. Here, John Medeski's organ makes them a quartet and it's a nice touch; Zorn's music for this cycle, while full of dynamic bursts of rock, jazz, and avant power, also evokes Roman Catholic liturgical music to great effect. Medeski's presence here paints moods and themes (check "Prophetic Souls") beautifully as Baron and Dunn create necessary architectures of dynamic tension and drama. Patton, however, has never been better than he is here. From taut spoken word narratives, hair-raising screaming, baritone murmurs, whispers, and even layered Gregorian chants ("Murder of the Magicians," which melds it to Morricone-esque spaghetti western music); he is a formidable catalyst for these proceedings. Another example is "Libera Me," where he uses a rather astonishing array of skills in one track. As such, of all the Moonchild releases, Templars: In Sacred Blood, is easily the most accessible, although relatively dark, it's a hell of a lot of fun. Even Zorn's lyrics are among the most poetic he's ever written; they follow a loose trajectory of historical and spiritual themes and still offer nods to his acidic sense of humor. His compositions are tight; they rarely give into the excesses that some of the other Moonchild projects have almost gleefully wallowed in. Templars: In Sacred Blood is a blast from top to bottom.




Templars: In Sacred Blood – John Zorn (2012) 2012-05-01 
https://pattonfanatic.com/templars-in-sacred-blood-john-zorn/

Each installment in this series features the trio of Mike Patton on vocals, Trevor Dunn on bass and Joey Baron on drums. Here they are a quartet, having been joined by John Medeski on organ, whose work creates a rich background texture for the dramatic interplay of the trio. Unlike on earlier offerings—like Six Litanies for Heliogabalus (2007), The Crucible (2008) and Ipsissimus (2010)—Zorn does not feature as an instrumentalist on this album.

Though Patton does not dispense with the diabolical screeching, grunting and wailing familiar from the previous Moonchild albums, Templars hears him at his most verbal, narrating the story of the 200-year rise and ignominious fall of the Knights Templars in a mixture of French, Latin and English. Zorn continues to pursue occult and mystical themes on this album; although its title refers to the Knights Templar, an association of warrior-monks formed in 1129 which played a major part in the violence of the Crusades on behalf of Catholic power, this group was later persecuted by the same authority, accused of devil-worship.




Zorn wrote the impressionistic lyrics, no doubt inspired by his beloved Antonin Artaud, the poet and dramatist to whom the Moonchild series is dedicated along with his other heroes, the early twentieth-century magician Aleister Crowley and the composer of ‘organised sound’ Edgard Varèse. The heavy use of lyrics makes the album the most conceptual and dramatic of all Moonchild works so far.

The album sits at the intersection of many genres. In addition to the usual rock, metal, and free jazz flavours, Zorn gives his medieval influences full rein here, with clear inspiration from Roman Catholic liturgical music. The album also veers close to progressive rock.







JZ12MTTISB+15PADF.1902.1PocodMusica.rar
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Fuentes y enlaces externos

http://www.tomajazz.com/perfiles/tzadik_1.htm

https://pattonfanatic.com/templars-in-sacred-blood-john-zorn/

Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre John Zorn.
https://es.wikipedia.org/wiki/Wikimedia_Commons

Tzadik.com
http://www.tzadik.com/

Tzadik myspace
https://web.archive.org/web/20081009174146/http://www.myspace.com/tzadikrecords

John Zorn en Rey Por Un Día (español) - Página dedicada a Mike Patton
https://web.archive.org/web/20070928081145/http://reyporundia.phplibre.com.es/modules/news/article.php?storyid=61

Patrice Roussel's John Zorn Discography (to Mar. 2000)
http://web.archive.org/web/http://www.wnur.org/jazz/artists/zorn.john/discog.html

Mailing List
http://www.browbeat.com/zornlist.html

Zorn Mailing List Archives
https://web.archive.org/web/20061017075910/http://www.gogdog.com/zorn-list/

Art of the States: John Zorn
https://web.archive.org/web/20050220003101/http://artofthestates.org/cgi-bin/composer.pl?comp=60

John Zorn's biography and discography by Scott Maykrantz
https://web.archive.org/web/20070818071728/http://www.scottmaykrantz.com/zorn01.html

Unofficial John Zorn Homepage maintained by Jamie Graves.
http://members.tripod.com/~JFGraves/zorn-index.html

[1] Deconstruction in Music by Marcel Cobussen. Interactive dissertation on deconstruction in the music of John Zorn and others.
https://web.archive.org/web/20070717075309/http://www.deconstructioninmusic.com/

John Zorn interview (Hungarian)
http://www.improv.hu/index.php?option=com_content&task=view&id=360&Itemid=40


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