The Impressionists, A Windham Hill Sampler, ReupByRequest!

The Impressionists, A Windham Hill Sampler 1992

Listado de Temas: 

 01 - Fauré: Pavane - Steve Erquiaga - 04:23 min.

Composed By – Gabriel Fauré

 02 - Fauré: Sicilienne - Nightnoise - 04:01 min.

Composed By – Gabriel Fauré

 03 – Ravel: 1st Movement from 'Sonatine', Modéré - Philip Aaberg - 05:20 min.

Composed By – Maurice Ravel

 04 - Satie: 1st Gymnopédie - Tim Story - 03:56 min.

Composed By – Erik Satie

 05 - Debussy: Snowflakes Are Dancing from 'Children's Corner Suite: No.4' - John Beasley - 02:36 min.

Composed By – Claude Debussy

 06 - Fauré: Au Bord de l'Eau - Henry Butler - 02:34 min.

Composed By – Gabriel Fauré

 07 - Satie: 3rd Gymnopédie - Alex De Grassi with Paul McCandless - 02:25 min.

Composed By – Erik Satie

 08 - Ravel: Menuet from 'Le Tombeau de Couperin' - Paul McCandless - 04:33 min.
(with Bill Banovetz; Mike Marshall; Richard Schönherz)

Composed By – Maurice Ravel

 09 - Debussy: Doctor Gradus ad Parnassum from 'Childrens's Corner Suite: No.1' - Liz Story - 03:20 min.

Composed By – Claude Debussy

 10 - Debussy: Reverie - Turtle Island String Quartet - 04:35 min.
 (David Balakrishnan; Jeremy Cohen; Darol Anger; Mark Summer)

Composed By – Claude Debussy

 11 - Fauré: Libera Me from 'Requiem' - Schönherz & Scott - 03:32 min.

Composed By – Gabriel Fauré

 12 - Ravel: Pavane Pour une Infante Défunte - Modern Mandolin Quartet - 05:35 min.
(Mike Marshall; Dana Rath; Paul Binkley; John Imholz)

Composed By – Maurice Ravel

12 Temas - Tiempo Total: 00:46:50

flac @ 564 - 197,56 MB

By Napi#10

Various ‎– The Impressionists: A Windham Hill Sampler

Sello: Windham Hill Records ‎– 01934 11116-2

Formato: CD, Compilation 

País: US

Fecha: 1992

Género: Classical - Estilo: Crossover

Producer – Dawn Atkinson

https://elcieloyeldedo.blogspot.com/2010/10/impressionists-windham-hill-sampler.html

The Impressionists, A Windham Hill Sampler

       

Sobre el término New Age, nos dice la Sta. Madre Wikipedia:

      El término "nueva era" o "new age" (utilizado durante la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI) se refiere a la Era de Acuario y nace de la creencia astrológica de que el Sol pasa un período (era) por cada uno de los signos del zodíaco. No hay un acuerdo acerca de la duración de cada era, aunque según algunos astrólogos, el cambio sería alrededor del siglo XXVII y para otros ocurrió exactamente el 4 de febrero de 1962. En este caso el sol saldría de Piscis para entrar en Acuario. Para las personas que creen que la astrología tiene una base real y la llegada de cada una de estas eras está marcado por cambios sociopolíticos importantes.

Y del género musical:

      La música New Age (en español literal Nueva Era) es un género musical vagamente definido que generalmente es melódicamente suave, a menudo instrumental o con voces etéreas y suele incorporar grabaciones tomadas de la naturaleza.
      Es una música meditativa, generalmente de tempo lento, muchas veces relacionada con las creencias de la Nueva Era, que invita al oyente a sumergirse en sentimientos de armonía, paz interior, amor a la vida, a Gaia o para redescubrirse uno mismo como parte integrante del universo.

 

 

 

Historia 

      La música New Age en sus orígenes estuvo fuertemente relacionada con el movimiento de creencias Nueva Era por lo que su contenido ha sido constantemente asociado con cuestiones místicas claramente presentes en el movimiento. Empezó a ser popular en la década de 1960 en la subcultura hippie. Actualmente se relaciona más con la relajación y mucha gente la escucha sin importar sus creencias, a pesar de que las compañías discográficas a menudo diseñan sus carátulas con fuertes enfoques místicos.
      Se dice que la música new age llegó a ser popular debido a que se cree que expresa un estilo de vida espiritual, no sectario y de expansión de conciencia, lo que permitió a millones de personas en todo el mundo estudiar y practicar una nueva espiritualidad sin las limitaciones de las religiones organizadas.
Los compositores a menudo utilizan instrumentos tradicionales (o versiones sintetizadas de ellos) con poca relación al contexto musical de su origen. Para muchos críticos y etnomusicólogos esto es lo peor de este género musical: su insípida homogenización de instrumentos y material musical apropiados de sus culturas originales. Algunos también opinan que la mitad de las canciones son demasiado melancólicas para usarlas sin equilibrio en una terapia, y que por eso habría que saber utilizarlas, utilizando el ejemplo del ying y el yang y el Feng Shui. 

Influencias y temáticas 

      De 1968 a 1973 músicos alemanes como Holger Czukay (un anterior estudiante de Karlheinz Stockhausen), Popol Vuh y Tangerine Dream sacaron varios trabajos con sonidos experimentales y texturas construidas con instrumentos acústicos, eléctricos y electrónicos. Su música, referida como "cósmica" puede ser considerada como música Ambient o música New Age dependiendo del punto de vista.
Posteriormente Brian Eno definió el estilo y los patrones de la música Ambient en una forma en que fácilmente podía fusionarse y co-desarrollarse con los estilos de muchos músicos como Robert Fripp, Jon Hassell, Laraaji, Harold Budd, Cluster, Jah Wobble desde los finales de la década de 1970 hasta hoy. 

Controversia y rechazo 

      Definir ciertos grupos o álbumes como música New Age puede resultar controvertido entre sus aficionados debido a que los límites de este género musical no están bien definidos.
También, debido a que algunos artistas expresan su filiación en creencias New Age, muchos otros declaran específicamente no formar parte de dicho movimiento y rechazan que se catalogue su trabajo como música New Age.

 

    Sin embargo, a pesar de lo que dice la Sta. Madre, hubo muchísima música de este género que no se encuadraba con terapias o credos y, en la práctica, la música new age vivió su mejor momento durante los últimos quince años del siglo XX, cuando sellos como Narada y Windham Hill eran identificados por el sonido de los temas, mayormente instrumentales, que sus artistas ofrecían, a pesar de la patente heterogeneidad. Se convirtió en algo habitual escuchar que alguien decía gustarle la “Narada Music”.
      Cuando un servidor se hartó de rock, el amigo Ramón Trecet abría la veda de estas “Nuevas Músicas”, dándonos a conocer a grupos como Himekami, Nightnoise, Oregón, y “solistas” como Will Ackerman, Craig Chaquico, Suzanne Ciani, Ry Lynch, Rubaja Y Hernández o Paul Winter Consort. Y me rendí ante lo que años antes ya comenzaba a interesarme, la música instrumental, sin estructura de canción, sin la tensión tema-estribillo-tema.

      A mis oídos, sigue sonando mejor, el denominarlo "música instrumental" que "new age". Y en cuanto a los discos del género, hubo cosas que me gustaron mucho, otras menos; más o menos muchas de ellas . . . y algunas, nada de nada, aunque fue excitante escuchar otros lenguajes musicales ejecutados algunas veces con sonidos de instrumentos ancestrales (incluso sintetizados para sonar como si lo fueran, como David Antony Clark en Before Africa) y otras con instrumentos populares acústicos.

      Y todas estas historias son las que me propongo revisar, si el tiempo acompaña, con el permiso de la autoridad competente y la ayuda de Jazzy: los Cd's de estas “Nuevas Músicas” que conservo en mis estantes de la época en que me resultaba excitante comprar discos.

      Por empezar por algún lado, hoy va un recopilatorio de Windham Hill, este otoñal The Impressionists, un puñado de delicias, temas de autoría como la de Ravel, Debussy, Fauré o Erik Satie, interpretadas por la plantilla habitual del sello, del cual presentaremos algo más detenidamente, en alguna próxima entradaen CieloyDedo.

      No os diré que siempre me apetezca escuchar este disco, ni en cualquier momento, aunque sí que lo he escuchado miles de veces y aún hay ocasiones en que vuelvo al sonido nítido de Nightnoise en la Siciliana o a Paul McCandless y Alex DeGrassi recreando la 3ª Gymnopédie . . . ¡sobre todo en otoño!

https://1fichier.com/?140d3mx8z6e5m0mk32yp

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Wojciech Kilar Death and the Maiden 1994 ReupByRequest!

Wojciech Kilar

Una imagen del compositor fallecido tomada en octubre de 2009

EFE/EPA/TOMASZ GZELL POLAND OUT

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/12/29/actualidad/1388353964_260964.html

Wojciech Kilar, música al servicio del miedo

Fue uno de los más destacados vanguardistas musicales de Polonia y compuso bandas sonoras para películas de Coppola, Polanski, Champion y la mayoría de los grandes directores polacos

   El compositor que puso música a 'Drácula' y 'El pianista'

Wojciech Kilar, compositor polaco de fama internacional por las bandas sonoras que creó para películas de Roman Polanski y Francis Ford Coppola, falleció ayer (29 de diciembre de 2013) a los 81 años en su ciudad de residencia, Katowice, en el sur de Polonia. Kilar padecía un cáncer desde hacía varios años.

Kilar era uno de los más apreciados y premiados compositores polacos contemporáneos. A lo largo de su medio siglo de carrera artística fue autor de partituras de muy diversos géneros, del concierto a la sinfonía, pasando por el ballet, aunque el inconfundible estilo de las obras que compuso para el cine haya eclipsado en gran medida el resto de su obra.

Su nombre empezó a ser conocido por el público no especialista a partir de 1992, cuando Francis Ford Coppola le propuso componer la banda de su Drácula. Aquella partitura le valió el premio al mejor compositor de música cinematográfica de la Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores.

Parece ser que Coppola no le había marcado directrices demasiado precisas para la composición, y sorprendido al recibir la obra, le preguntó qué hacía falta para escribir aquella música, Kilar le replicó: 

“Basta con vivir en Katowice”.

Death and the Maiden

La Muerte y la Doncella
[Música Original del Film de Roman Polanski]
1994
Franz Schubert, Wojciech Kilar

ReupByRequest!

Incluye:

The Keller Consort - Cuarteto de Cuerda No.14 en Fa menor,

D810 - “La Muerte y la Doncella”

compuesto por Franz Schubert en 1824

y

The English Chamber Orquestra (dirigida por Harry Rabinowitz) “Death And The Maiden” Banda Sonora Original, Música Incidental  

compuesta por Wojciech Kilar en 1994

Listado de Temas:

• The Keller Consort - Cuarteto de Cuerda No.14 en Fa menor, D810 - “La Muerte y la Doncella” compuesto por Franz Schubert en 1824

01 - Quartet in D. minor, D810-Death And The Maiden, Allegro - 17:15 min.

Composición de: Franz Schubert 

Comentario: compuesto en 1824

Interpretado por The Keller Consort

02 - Quartet in D. minor, D810-Death And The Maiden, Andante Con Moto de: Franz Schubert 

Comentario: compuesto en 1824

Interpretado por The Keller Consort

03 - Quartet in D. minor, D810-Death And The Maiden, Scherzo, Allegro Molto - 03:42 min.

Composición de: Franz Schubert 

Comentario: compuesto en 1824

Interpretado por The Keller Consort

04 - Quartet in D. minor, D810-Death And The Maiden, Presto - 09:08 min.

Composición de: Franz Schubert 

Comentario: compuesto en 1824

Interpretado por The Keller Consort

4 Temas -Tiempo Total 44:02

• The English Chamber Orquestra (dirigida por Harry Rabinowitz) “Death And The Maiden” Banda Sonora Original, Música Incidental, compuesta por Wojciech Kilar en 1994

05 - Paulina's Vigil - 02:38 min.

06 - Paulina's Theme - 03:46 min.

07 - Paulina's Escape - 00:56 min.

08 - Roberto Trapped - 00:54 min.

09 - Paulina's Revenge - 03:31 min.

10 - Paulina In Charge - 01:11 min.

11 - Paulina's Secret - 02:44 min.

12 - Roberto's Last Chance - 03:27 min.

13 - The Confession - 04:50 min.

9 Temas -Tiempo Total 24:24

La Muerte y la Doncella [Música Original del Film de Roman Polanski] 1994 composiciones de: Franz Schubert, Wojciech Kilar 

13 Temas. Tiempo Total: 01:07:48

flac @ 631 - 296,35 MB

RipPor Napi#06-18

Reseñas:

1PocodMusica.com

https://www.1PocodMusica.com/

Wikipedia

Franz Schubert
Cuarteto de cuerda n.º 14 en re menor"La muerte y la doncella", D 810 

https://en.wikipedia.org/wiki/String_Quartet_No._14_(Schubert)

El Cuarteto de cuerda n.º 14 en re menor, conocido como La muerte y la doncella, es una pieza de Franz Schubert considerada como "uno de los pilares del repertorio de música de cámara". Fue compuesta en 1824, después de que el compositor sufriera una enfermedad grave y se diera cuenta de que se estaba muriendo. Lleva el nombre del tema del segundo movimiento, que Schubert tomó de una canción que escribió en 1817 con ese mismo título. Algunos lo interpretan como el testimonio de muerte de Schubert, y encuentran que, en los cuatro movimientos del cuarteto, el tema de la muerte es palpable.

El cuarteto se tocó por primera vez en 1826 en una casa privada, y no se publicó hasta 1831, tres años después de la muerte de Schubert. Fue denominado "D 810" en el catálogo temático de obras de Franz Schubert de Otto Erich Deutsch.

Composición

1823 y 1824 fueron años difíciles para Schubert. Durante gran parte de 1823 estuvo enfermo, según algunos estudiosos con un estallido de sífilis en etapa terciaria, y en mayo tuvo que ser hospitalizado. Tampoco tenía dinero: había firmado un trato desastroso con Diabelli para publicar un lote de obras y casi no recibió ningún pago; y su último intento de ópera, Fierabrás, fue un fracaso. En una carta a un amigo, escribió: "Piense en un hombre cuya salud nunca podrá recuperarse, y que por pura desesperación empeora las cosas en lugar de mejorarlas. Piense, digo, en un hombre cuyas más brillantes esperanzas han quedado en nada; para quien el amor y la amistad no son más que tortura y cuyo entusiasmo por lo bello se desvanece rápidamente; y pregúntate si ese hombre no es realmente infeliz".
[. . .]

Schubert escribió el cuarteto en re menor en marzo de 1824, pocas semanas después de completar el Cuarteto en "La" menor Rosamunde. Aparentemente planeaba publicar un volumen de tres cuartetos en tres sets, pero el Rosamunde se publicó un año después de La Doncella, mientras que el cuarteto en "Re" menor fue publicado, por Diabelli, en 1831, tres años después de la muerte de Schubert. Se tocó por primera vez en enero de 1826 en la casa de Viena de Karl y Franz Hacker, violinistas aficionados, aparentemente con Schubert en la viola.

Inspiración

El cuarteto toma su nombre de la farsa "Der Tod und das Mädchen", D 531, una "art song" con poema del mismo nombre, y que Schubert escribió en 1817. El tema de la canción forma la base del segundo movimiento de el cuarteto. Es una sentencia de muerte que acompaña a la canción sobre el terror y la comodidad de la muerte.

* La Doncella:

"¡Oh! ¡Déjame! ¡Prithee, déjame! ¡Hombre de hueso espantoso!

Porque la vida es dulce, es agradable

¡Vete, déjame sola ahora!

¡Vete, déjame sola ahora!"

* La Muerte:

"Dame tu mano, oh! Doncella, preciosa contemplación,

Porque soy un amigo, nunca te he angustiado.

Ten valor ahora y, muy pronto . . .

¡entre mis brazos descansarás suavemente!”

[. . .]
Tan fuerte es la asociación de la muerte con el cuarteto que algunos analistas consideran que es programática, en lugar de música absoluta. "El primer movimiento del cuarteto de cuerdas La muerte y la doncella de Schubert se puede interpretar de una manera cuasi programática, a pesar de que generalmente se ve como un trabajo abstracto", escribe Deborah Kessler. El teólogo Frank Ruppert ve el cuarteto como una expresión musical de los mitos religiosos judeocristianos, "este cuarteto, como muchas de las obras de Schubert, es una especie de para-liturgia, escribe “Cada movimiento trata sobre un episodio diferente en el proceso mítico de muerte y resurrección".

El cuarteto ha sido honrado por varias transcripciones. En 1878, Robert Franz lo transcribió para dúo de piano, y en 1896 Mahler planeó un arreglo para orquesta de cuerda y anotó los detalles en una partitura del cuarteto (sin embargo, el trabajo nunca se completó, y solo el segundo movimiento fue escrito y tocado; el renacimiento moderno del arreglo está en una versión editada por David Matthews).
[. . .] 

El cuarteto también ha inspirado otras obras. La obra de 1991 de Ariel Dorfman, Death and the Maiden, adaptada para la película en 1994 por Roman Polanski, trata sobre una mujer torturada y violada en una dictadura sudamericana al son de las tensiones del Cuarteto de Schubert. También ha aparecido como música incidental en numerosas películas: The Portrait of a Lady (Jane Campion, 1996), What? (Roman Polanski, 1972), Sherlock Holmes y el caso de la media de seda (producción de la BBC, 2004), y en la obra de radio de Samuel Beckett All That Fall (1962).

http://freetexthost.com/rxduzu3fly

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Chet Baker The Legendary New York Sessions With Bill Evans 1959 ReupByRequest!

Chet Baker   The Legendary New York Sessions With Bill Evans
1959

Grabado en New York, el 30 de Diciembre de 1958 (los temas 1-3, 5-7, 10) y el 19 de Enero de 1959 (los temas 4, 8, 9)

Publicado como Chet Baker The Lyrical Trumpet Of Chet Baker

Grabado en New York, el 21 de Julio de 1959 (el tema 15) y el 22 de Julio de 1959 (los temas 11-14)

Publicado como Chet Baker Plays The Best Of Lerner And Loewe

El tema #15 es un bonus track 

Listado de Temas:

Créditos

Saxo alto – Zoot Sims (tracks 10, 13)

Saxo Barítono – Pepper Adams (tracks 1 a 11, 13, 14)

Bajo – Earl May (tracks 11 a 14), Paul Chambers (tracks 1 a 10)

Batería – "Philly" Joe Jones (tracks 4, 8, 9), Clifford Jarvis (tracks 11 to 14), Connie Kay (tracks 1 a 3, 5 a 7, 10)

Flauta – Herbie Mann (tracks 1 a 11, 13, 14)

Guitarra – Kenny Burrell (tracks 3, 6)

Piano – Bill Evans (tracks 1 to 14), Bob Corwin (track 15)

Saxo Tenor – Herbie Mann (track 15), Zoot Sims (tracks 11, 15)

Trompeta – Chet Baker

Listado de Temas:

1 a 10 - Chet Baker - The Lyrical Trumpet Of Chet Baker

Grabado en New York,

los temas 1-3, 5-7, 10, el 30 de Diciembre de 1958

y los temas 4, 8, 9, el 19 de Enero de 1959

Músicos, temas: 1 a 10

Chet Baker, trompeta

Bill Evans, piano

Herbie Mann, flauta

Kenny Burrell, guitarra

Paul Chambers, bajo

Philly Joe Jones, bateria

Pepper Adams, saxo baritono

Connie Kay o Philly Joe Jones, bateria

 01 - Alone Together - 06:53 min.

Autores: Schwartz & Dietz

02 - How High The Moon - 03:37 min.

Autores: Lewis, Hamilton

03 - It Never Entered My Mind - 04:41 min.

Autores: Rodgers & Hart 

 04 - 'Tis Autumn - 05:18 min.

Autor: Henry Nemo

 05 - If You Could See Me Now - 05:18 min.

Autor: Tadd Dameron

 06 - September Song - 02:40 min. 

Autores:  Weill, Anderson

 07 - You'd Be So Nice To Come Home To - 04:08 min. 

Autor: Cole Porter

 08 - Time On My Hands - 04:33 min.

Autores: Adamson, Gordon, Youmans

 09 - You And The Night And The Music - 04:06 min.

Autores: Schwartz & Dietz

10 - Early Morning Mood - 09:03  min.

Autor: Cole Porter

11 a 15 - Chet Baker Plays The Best Of Lerner And Loewe

Grabado en New York, el 21 de Julio de 1959 (el tema 15)

y el 22 de Julio de 1959 (los temas 11-14)

Músicos, temas: 11 a 14

Chet Baker, trompeta

Bill Evans, piano

Herbie Mann, flauta

Earl May, bajo

Zoot Sims, saxo tenor y alto

Pepper Adams, saxo baritono

Clifford Jarvis, bateria

En #15, bonus track, el mismo personal que de 10 a 13,

excepto Bob Corwin, que reemplaza a Bill Evans al piano

 11 - Show Me - 06:31 min.

Autores: Lerner & Loewe

 12 - I Talk To The Tree - 05:50 min. 

Autores: Lerner & Loewe

 13 - Thank Heaven For Little Girls - 04:35 min.

Autores: Lerner & Loewe

14 - I Could Have Danced All Night - 03:41 min. 

Autores: Lerner & Loewe

 15 - Almost Like Being In Love (Bonus track) - 04:51 min.

Autores: Lerner & Loewe

15 Temas. Tiempo Total: 01:16:36

Flac @ 1230 - 708,84 MB

RipPor: Jazzeando#11

1PocodMusica.com

https://www.1PocodMusica.com

Reseñas: 

https://elcieloyeldedo.blogspot.com/2019/02/chet-baker-bill-evans-1959-complete.html

El Cielo y el Dedo

   Chesney (Chet) Baker 1929/1988, músico estadounidense de jazz, que tuvo similitudes entre el tono tan hermoso y natural de tocar la trompeta y tener un oído bastante agudo. Un trompetista  que fue muy carismático de joven por su físico y sus baladas.   Fue descubierto en 1952 a nivel más popular, cuando tocaba con el saxofonista Gerry Mulligan. En 1953 formó su propio cuarteto en el que tocaba la trompeta y cantaba, innovando ambas cosas con la misma suavidad y brillantez que le caracterizaban.

   Bill Evans 1929/1980, también un jazzman estadounidense y compositor, que  destaca por su  finura, delicadeza, exquisitez y sobriedad, tocando el piano en maravillosas baladas y temas bop, con unos solos absolutamente perfectos, en 1957 sacó su primer disco, siendo casi un desconocido, hasta que Miles Davis le ofreció tocar en su quinteto, aunque estuvo menos de un año y después formó su propio trío . . . en definitiva, un pianista extraordinario con luz propia.

   ... Pues con las mismas, ahora, a escuchar lo que otros hicieron para nosotros, cuando aún no habíamos nacido (algunos . . .) impregnándonos hoy de jazz, creando un referente de historia  con el legado de este excepcional dúo y el equipo de músicos que lo engalanan con sonidos tan melódicos, en este encuentro jazzero que mantuvieron Chet Baker y Bill Evans en julio de 1959.

-   Dedicado al Cielo y el Dedo_ _Jazzy... un kilo de saludos

Chet Baker / Bill Evans - The Complete Legendary Sessions

Notas

Recorded New York, Dec. 30, 1958 (1-3, 5-7, 10) & January 19, 1959 (4, 8, 9)

Recorded New York, July 22, 1959 (11-14) & July 21, 1959 (15) (#15) Bonus track

Total time: 76:36

Jazz Wise Magazine

http://www.jazzwisemagazine.com/pages/jazz-album-reviews/11191-chet-baker--bill-evans-the-complete-legendary-sessions

By - Roy Carr

      Este disco no es exactamente lo que parece ser. Hacia el final de la década de 1950, Chet Baker grabó un par de álbumes de septetos para Riverside en los que Bill Evans estaba reservado para tocar el piano. Pero también lo estaban el flautista Herbie Mann y el poderoso saxo barítono Pepper Adams. Los visitantes que pasaron incluyeron al guitarrista Kenny Burrell en dos pistas, y Zoot Sims sopló el tenor en una pista y el alto en otras dos. El primer álbum (Chet - The Lyrical Trumpet Of Chet Baker) tiene un nombre adecuado y ofrece una excelente selección de estándares, mientras que el mal concebido seguimiento se dedicó a las composiciones de Broadway de Lerner y Loewe y demostró ser una vergüenza desleal. Si bien los 10 estándares en la parte "Lyrical" de este lanzamiento son en su mayoría encomiables, "Alone Together", "It Never Entered My Mind", "Time On My Hands" y están disponibles en otros lugares sin el equipaje adicional. Cabe señalar que el paso autoritario del bajista Paul Chambers se suma en gran medida al sonido de estudio ligeramente inquietante que da la impresión de que el ingeniero de sonido se esfuerza por reproducir el ambiente de una cita de Miles Davis. En contraste, Mis’tah Chet ofrece pocos indicios de que está comprometido con el proyecto de Lerner y Loewe, y solo Pepper Adams evita que esto se convierta en coma. La calificación de estrellas es solo para las pistas "Lyrical".

Liner Notes [Original] – Orrin Keepnews

Liner Notes [Reissue] – Roland Damon

Photography – X Design

2019-The Legendary New York Sessions With Bill Evans [Flac]

CHB19TLNYSWBE.1907.rar - 756 MB

https://1fichier.com/?xzsst6j6ydir2oy6vfk8

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Lee Morgan - 1966 - The Rajah ReupByRequest!

Lee Morgan - 1966 - The Rajah

https://elcieloyeldedo.blogspot.com/2012/10/lee-morgan-1966-rajah.html

"Esta sesión de Lee Morgan, perdida durante mucho tiempo, no fue lanzada por primera vez hasta 1984, cuando Michael Cuscuna la descubrió en las bóvedas de Blue Note, y aún tardó en ser reeditado en CD.

Recorded by Rudy Van Gelder at the Van Gelder Studio,

Englewood Cliffs, New Jersey, on November 29, 1966

Original session produced by Alfred Lion

Produced for release by Michael Cuscuna

Digital transfers: Ron McMaster

Formación:

Lee Morgan - trompeta

Hank Mobley - saxo tenor

Cedar Walton - piano

Paul Chambers - contrabajo

Gene Taylor – batería

Listado de Temas:

 01 - A Pilgrim's Funny Farm - 13:33 min.

Cal Massey

 02 - The Rajah - 09:09 min.

Lee Morgan

 03 - Is That So - 05:16 min.

Duke Pearson

 04 - Davisamba - 06:43 min. 

Walter Davis, Jr.

05 - What Now My Love - 05:20 min.

Gilbert Bécaud

 06 - Once In A Lifetime - 05:47 min.

Leslie Bricusse, Anthony Newley

The Rajah ¬ Editado en 1966 

6 Temas. Tiempo Total: 00:46:03

flac @ 830 - 259,46 MB

Rip & Posted By Bezz

| Date: 06 Sep 2012 12:54:39 |

10/10/2012 04:33:00 p. m.  Hard Bop, Jazz, Lee Morgan

Home» Hard Bop, Jazz, Lee Morgan» 14 comments 

Lee Morgan - 1966 - The Rajah

https://elcieloyeldedo.blogspot.com/2012/10/lee-morgan-1966-rajah.html

Lee Morgan está considerado como uno de los trompetistas más creativos de la segunda mitad del S-XX . Nacido en Filadelfia, Pensilvania, EE. UU., el 10 de julio de 1938 y fallecido en Nueva York, el 19 de febrero de 1972. Este trompetista estadounidense, con reconocida influencia musical de Clifford Brown, está acreditado como representante del Hard Bop por antonomasia.

Su biografía nos refiere que Morgan comienza a tocar la trompeta con 14 años, se une a la banda de Dizzy Gillespie a la edad de 18 y después de tan solo 4 años de experiencia como músico, comienza en 1965 una más que prolífica carrera como líder. En 1957 graba con John Coltrane el célebre "Blue Train". En 1958 entra en la formación de los Jazz Messengers de Art Blakey, a los que abandona en los primeros 60's. Con Blue Note grabó 25 discos, entre ellos el Lp "The Sidewinder", "uno de los discos más vendidos de la Blue Note y la historia del jazz", según la Sta. Madre Wikipedia.

Durante los sesenta, además del torrente de sus propios discos, Lee colabora en Lp's muy afamados de otros artistas, como "A Caddy For Daddy" de Hank Mobley o "Night Dreamer" con Wayne Shorter.

El final de Lee Morgan fue harto trágico: cuando contaba con 33 años, mientras actuaba en un club de Manhattan, su mujer, cegada por los celos a causa de las infidelidades, le dispara y acaba con su vida. Así refieren el incidente:

"Lee Morgan fue asesinado en la madrugada del 19 de febrero de 1972, en el "Slugs´", un club de jazz en el East Village de Nueva York donde su banda estaba actuando. Después de un altercado entre las sesiones, la esposa legal de Morgan,  Helen More, le disparó en el pecho estando Lee en el escenario, causándole la muerte en unos instantes. Tenía 33 años de edad. De acuerdo con un testigo, la señora Morgan (13 años mayor que él) salió del club justo antes de la última sesión. Cuando volvió la banda ya estaba en el escenario. Lee estaba yendo hacia allí, aunque se detuvo a  hablar con algunas personas. Comenzaba a acercarse al escenario cuando ella entró y le llamó por su nombre. Lee se giró y ella le disparó en el corazón. Luego volvió el arma contra Ernie Holman, el portero del club, quien la sujetó por la muñeca y le quitó el arma, mientras Helen comenzó a gritar "Baby ¿qué he hecho?" y corrió hacia él. Fue detenida y, posteriormente, juzgada, condenada y puesta en libertad condicional en 1978.

Poco después, Helen Morgan regresó a su estado natal, Carolina del Norte. Al parecer nunca habló públicamente sobre el incidente, hasta la  entrevista que concedió un mes antes de fallecer, lo cual sucedió en Wilmington, Carolina del Norte, en marzo de 1996, a causa de una afección cardíaca".

http://en.wikipedia.org/wiki/Lee_Morgan

Los clásicos álbumes Blue Note, que abarcan de mediados de 1950 a finales de 1960, se registraron directamente en cinta analógica de dos pistas. No se utilizó multi-pistas en la grabación y en consecuencia no se requirió mezcla. Por lo tanto, este CD se realizó transfiriendo el master de analógico a digital en un solo paso.

Review by Scott Yanow

 ~  ~  ~  AllMusic

"Esta sesión de Lee Morgan, perdida durante mucho tiempo, no fue lanzada por primera vez hasta 1984, cuando Michael Cuscuna la descubrió en las bóvedas de Blue Note, y aún tardó en ser reeditado en CD. Los temas originales de Cal Massey, Duke Pearson ("Is That So") y Walter Davis, además de un par de sorprendentes melodías pop ("What Not My Love" y "Once in My Lifetime") así como el corte de Morgan que da título, están muy bien interpretados por el quinteto, que incluye, además de al trompetista y líder, a Hank Mobley al saxo tenor, al pianista Cedar Walton, al bajista Paul Chambers y al baterista Billy Higgins. Gran parte de la música es reminiscencias de los Jazz Messengers y puede haber sido esa la razón por la que se perdió en la confusión de Morgan tan pronto como este se puso a investigar las tonadas con estructura modal. A pesar de su abandono, esta es una muy sutil y hermosa sesión de Lee Morgan que los fans del hard-bop querán tener".

http://freetexthost.com/juxmvrzqd3

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Nnenna Freelon ReupByRequest!

Nnenna Freelon-2002-Tales Of Wonder

Recorded January 15-17 and 29, 2002. Sear Sound, New York City
Additional recording February 16, 2002, the Sound Bunker, Darien, CT
Mixed February 13-19, 2002, the Sound Bunker, Darien, CT
Mastered at The Mastering Lab., April 2002


Listado de Temas:

 01 - Overjoyed - 04:49 min. - Autor: Stevie Wonder

 02 - Creepin' Guitar [Solo Chuck Loeb] - 05:05 min. - Autor: Stevie Wonder

 03 - Lately - 05:46 min. - Autor: Stevie Wonder

 04 - Superstition  [Solo Bass Gerald Veasley, Voice Nnenna Freelon] - 05:32 min. - Autor: Stevie Wonder

 05 - The Tears Of A Clown [Solo Violin Jason Crosby] - 05:32 min. - Autor:  Henry Cosby, Stevie Wonder, William Robinson Jr.

 06 - Black Orchid - 05:00 min. - Autor: Stevie Wonder

 07 - My Cherie Amour [Solo Guitar Chuck Loeb] - 03:51 min. - Autor: Henry Cosby, Stevie Wonder, Sylvia Moy

 08 - Bird Of Beauty [Solo Soprano Saxophone Gerry Niewood, Vocals  Nnenna Freelon] - 04:40 min. - Autor: Stevie Wonder

 09 - All In Love Is Fair [Solo Tenor Saxophone Gerry NIewood] - 06:54 min. - Autor: Stevie Wonder

 10 - Send One Your Love [Solo Guitar Chuck Loeb, Harmonica Enrico Granafei] - 05:06 min. - Autor: Stevie Wonder

 11 - Another Star [Solo Flute Gerry Niewood] - 03:47 min. - Autor: Stevie Wonder

 12 - Until You Come Back To Me [Solo Bass Gerald Veasley, Tenor Saxophone  Gerry Niewood] - 05:24 min. - Autor:  Clarence Paul, Morris Broadnax, Stevie Wonder



12 Temas - Tiempo Total: 01:01:26
    flac @ 779 - 350,89 MB


 

El Cielo Y El Dedo
http://ElCieloYElDedo.blogspot.com/



Reviews:

AllMusic Review by Paula Edelstein

http://www.allmusic.com/album/tales-of-wonder-celebrating-stevie-wonder-mw0000660195

Following her double Grammy-nominated CD entitled Soulcall, vocalist Nnenna Freelon has delivered a stunning tribute to master musician Stevie Wonder with Tales of Wonder: Celebrating Stevie Wonder. In addition to being the first vocal CD ever done as a tribute to the legendary Wonder, the recording boasts several guest musicians accompanying her core ensemble. Freelon interprets such well-known Wonder classics as "Overjoyed," "My Cherie Amour," and "Another Star" in a voice that is sensual and personable, yet appealing and expressive. This collection of well-chosen pop standards allows Freelon more freedom to express the jazzier side of her talent than the blues and R&B flavors she sang on Soulcall due to the compositional integrity of Stevie Wonder's songs. These particular songs allow for the improvisational aspects of jazz while balancing their pop essence. By adding the strong work of bassist Gerald Veasley and guitarist Chuck Loeb alongside her working ensemble, her special imprint of languorous tempo that shows off her great time and phrasing is even more appealing. Tales of Wonder: Celebrating Stevie Wonder is sure to garner more support for Nnenna Freelon as a vocalist who can handle more than one side of the musical spectrum.


Compañías, etc.
Phonographic Copyright (p) – Concord Records, Inc.
Copyright (c) – Concord Records, Inc.
Recorded At – The Sound Bunker
Recorded At – Old Post Road Studios
Recorded At – Sear Sound
Mixed At – The Sound Bunker
Mastered At – The Mastering Lab
Pressed By – Disctronics


Créditos

Arranged By – Benny Diggs (tracks: 6, 7, 9, 10, 11), Brandon McCune (tracks: 2, 6-11), Chuck Loeb (tracks: 3, 6, 7, 9, 10, 11), Gerald Veasley (tracks: 6, 7, 9-12), John Snyder (tracks: 4, 6, 7, 9, 10, 11), Joseph Joubert (tracks: 1, 5), Nnenna Freelon (tracks: 1, 2, 4-12), Woody Williams (tracks: 6, 7, 9, 10, 11)
Arranged By [Rhythm Tracks] – Benny Diggs (tracks: 1-5, 8, 12), Brandon McCune (tracks: 1-5, 8, 12), Chuck Loeb (tracks: 1-5, 8, 12), Gerald Veasley (tracks: 1-5, 8, 12), John Snyder (tracks: 1-5, 8, 12), Nnenna Freelon (tracks: 1-5, 8, 12), Woody Williams (tracks: 1-5, 8, 12)
Art Direction – Abbey Anna, Andrea R. Nelson
Coordinator [Production] – Erik Privert, Laura Oliveri, RaeShawn Williams
Copyist [Music] – Christopher Jentsch
Design – Andrea R. Nelson
Electric Bass, Acoustic Bass – Gerald Veasley
Electric Guitar, Acoustic Guitar – Chuck Loeb
Engineer – Dave Samuels, Jay Newland
Engineer [Assistant] – Jim Mageras, Todd Parker (2)
Executive-Producer – Glen Barros, John Burk
Flute, Flute [Alto], Soprano Saxophone, Tenor Saxophone – Gerry Niewood
Harmonica – Enrico Granafei



Management – Ed Keane Associates
Mastered By – Doug Sax, Robert Hadley
Mixed By – Jay Newland
Mixed By [Assistant] – Jim Mageras
Percussion – Bashiri Johnson
Photography By – Randee St. Nicholas
Piano, Organ [Hammond B-3], Organ, Electric Piano [Fender Rhodes] – Brandon McCune
Producer – John Snyder
Producer [Associate] – Ed Keane
Producer [Associate], Directed By [Musical] – Bennie Diggs
Production Manager – Valerie Whitesell
Trumpet – Ronnie Buttacavoli
Vibraphone, Marimba – Dave Samuels
Violin – Andy Stein, Jason Crosby

***   ***

Bonus

Nnenna Freelon - 2010 – Homefree

Recording Date September 19, 2009 - September 21, 2009
Recording Location
Sound Pure Studios, Durham, NC
The Village Studios, Los Angeles, CA

Line Up:

Kinah Ayah -  Arranger, Drums, Guitar
Wayne Batchelor - Bass (Acoustic), Bass (Electric)
Beverly Botsford - Percussion
John Brown Bass (Acoustic)
Ray Codrington - Flugelhorn
Nnenna Freelon - Arranger, Producer, Vocals
Pierce Freelon - Arranger, Rap
Timothy Holley - Cello
Brandon McCune - Arranger, Fender Rhodes, Piano
Scott Sawyer - Guitar
Ira Wiggins - Sax (Tenor)

Listado de temas:


01 - The Lamp Is Low - 04:55 min.
Peter DeRose, Mitchell Parish, Maurice Ravel, Bert Shefter

 02 - I Feel Pretty - 05:37 min.
Leonard Bernstein, Stephen Sondheim

 03 - The Very Thought Of You - 06:01 min.
Ray Noble

 04 - Theme From Valley Of The Dolls - 05:00 min.
André Previn, Dory Previn

 05 - Smile - 04:14 min.
Charlie Chaplin, Geoffrey Parsons

 06 - You And The Night And The Music - 04:37 min.
Howard Dietz, Arthur Schwartz

 07 - Cell Phone Blues - 04:39 min.
Nnenna Freelon

 08 - Get Out Of Town - 04:20 min.
Cole Porter

 09 - Skylark - 05:15 min.
Hoagy Carmichael, Johnny Mercer

 10 - Lift Every Voice And Sing - 04:38 min.
James Weldon Johnson, John Rosamond Johnson

 11 - America The Beautiful - 02:52 min.
Katherine Lee Bates, Samuel A. Ward


11 Temas - Tiempo Total: 00:52:08 
flac @ 892 - 295,64 MB



El Cielo Y El Dedo

https://elcieloyeldedo.blogspot.com.es/

http://freetexthost.com/20i1l2clo3

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The Cream of the Crop - ReupByRequest!

Cream, 40 Canciones en 3 años

1966 - 1967 - 1968

https://elcieloyeldedo.blogspot.com/2010/07/cream.html

 

Géneros Blues rock, hard rock, psicodélia, blues británico

Origen Londres, Inglaterra 

Período de actividad 1966 – 1968 (Reuniones: 1993, 2005)

Miembros

* Eric Clapton

(30 de marzo de 1945, Ripley, Surrey), había sido miembro de los Yardbirds, y los Bluesbreakers de John Mayall.

* Jack Bruce

(14 de mayo de 1943, Glasgow, Escocia), había estado con Manfred Mann y Graham Bond.

* Ginger Baker

(19 de mayo de 1939, Lewishan, Londres) también había tocado en Graham Bond.

Historia

     Clapton tenía una considerable fama en el Reino Unido al comienzo de la segundda mitad de los 60's. Su paso por Yardbirs y John Mayall & The Bluesbreakers habían cimentado esa notoriedad, hasta el punto de aparecer pintadas en el metro de Londres con la leyenda "Clapton es Dios".

    Ginger Baker era un batería con influencias del jazz bien curtido en la Graham Bond Organisation, donde había coincidido con Jack Bruce (y se llevaron muy mal) una breve temporada. Éste había tocado también con la banda de Manfred Man.

     Clapton quería hacer una nueva banda y coincidió con Baker, que estaba un tanto harto de la Organisation. Fue idea de Eric el contar con Jack Bruce y Baker aceptó, a pesar de tener una comprobada incompatibilidad con él.

     Aparcaron sus diferencias y crearon un grupo que, por ser los integrantes la "the Cream of the Crop" ( 1 ) (La Nata de la Cosecha o, en español coloquial, La Flor y Nata) del rock inglés, pasó a llamarse Cream. Eran tres jóvenes y grandes músicos, con un muy grande ego cada uno, y venían a revolucionar el panorama musical inglés.

    Con influencias de blues en la guitarra de Clapton, potentes voz y bajo de Bruce y la omnipresente batería jazzy de Baker, comenzaron a mover los gustos pop de la época y derivarlos hacia un rock más potente, precursor del sonido más heavie de grupos que pegarían en los siguientes años.

     Sacaron cuatro discos, cuarenta canciones, y se hincharon a hacer conciertos. En tres años quemaron todas las posibles etapas, en parte por la intensa lucha de egos y en parte por la propia dinámica de la evolución musical que ellos mismos generaron.

     Se dice que Clapton, ante una mala crítica de la revista RollingStone (Jon Landau, llamaba a Clapton "maestro del cliché del blues") decidió dar por finiquitada la banda. Unido a las peleas entre Baker y Bruce, que no habían cesado desde el inicio del grupo, y al cansancio de tantas actuaciones, propiciaron la ruptura en mayo de 1968, en plena gira por los EE. UU. La desbandada fue auténtica muestra de petardos y cohetes en cuanto a las relaciones personales del trío, aunque tan solo dos meses después se habían dejado convencer para dar una gira de despedida por los Estados Unidos y dos conciertos en Londres, los días 25 y 26 de Noviembre. Tampoco opusieron gran resistencia para producir su último disco, Goodbye, a pesar de que apenas tenían tres nuevos temas preparados . . .

Discografía Original:

1 - Fresh Cream

     El álbum debut de Cream, Fresh Cream, fue grabado y publicado en 1966, y alcanzó el #6 en las listas inglesas y el #39 en las americanas. El Lp tenía mayormente versiones de blues. "I Feel Free" fue un éxito como single en Gran Bretaña y no salió en el Lp, mientras que en EE.UU. no salió como single, sólo aparecía en el Lp (en la edición USA suprimieron la excelente versión de Spoonful que cerraba la cara A en la edición GB)
Cabe destacar el tema "Toad", que fue uno de los primeros ejemplos de solo de batería en la historia del rock

2 - Disraeli Gears

     Después de sus primeros conciertos en EE.UU. en marzo de 1967 en el RKO Theater de Nueva York, vuelven y graban el segundo LP, Disraeli Gears, en Atlantic Studis de Nueva York entre el 11 y el 15 de mayo de 1967. Publicado en noviembre de 1967, alcanzó el Top 5 de las listas a ambos lados del Atlántico. Estaba producido por Felix Pappalardi (que más tarde fundaría el cuarteto Mountain, inspirado en Cream) y constituía un intento por definir su estilo más allá del rock-blues que practicaban. Contiene una gran mayoría de temas propios, entre ellas las excelentes "Strange Brew", "Swlabr", "Tales of Brave Ulysses" y la archiconocida "Sunshine of Your Love".

3 - Wheels of Fire

    En 1968 comercializan un doble Lp con un disco de estudio y otro en directo, y mostraba cómo la banda se iba desplazando del blues hacia un rock semi-progresivo, con arreglos instrumentales más complejos. Destacan temas como "White Room", "Born Under A Bad Sign", "Politician" y los tremendos directos "Spoonful" y "Crossroads" con el célebre sólo de Clapton. El solo de batería de Ginger Baker en "Toad" es reconocido como uno de los mejores solos en directo de la historia del rock.

    Este disco llegó a venderse cada Lp por separado. El directo se tituló "Live at the Fillmore" a pesar de que sólo "Toad" fue grabada en The Fillmore. Los demás provienen de actuaciones en el Winterland Ballroom de San Francisco.

Cita Textual: 

"Es un error común que Cream tocó en el Fillmore West. Y nunca lo hicieron. Ese lugar era originalmente el Carousel Ballroom y fue rebautizada como el Fillmore West en junio / julio de 1968 y Cream no tocó en San Francisco, en ese momento, ni en ese lugar a partir de entonces. En febrero y marzo 1968 Cream hizo una larga gira de conciertos en el Winterland, y en el viejo Fillmore Auditorium. Fue este lugar Fillmore (que todavía existe) en donde Cream tocaron y no más tarde Fillmore West (que ya no sobrevive). Live at the Fillmore significa exactamente eso (refiriéndose a "Toad")."

     Hacia mitad de 1968, el grupo no aguanta la presión y deciden separarse. Baker declaró "Realmente fue una maravillosa experiencia musical, pero se acabó convirtiendo en algo estúpido". Además, Clapton había sucumbido a los encantos del grupo The Band, y su primer álbum, Music From Big Pink, que supuso un soplo de aire fresco en comparación con la furia y la psicodélia ofrecidas por Cream.

4 - The Best Of Cream

     Disco que recopila éxitos de la banda de entre los años 1966-68, en vida activa del grupo, aunque aparecería justo en plena desbandada. Fue el álbum donde se presentaba en América por primera vez la grabación en estudio del tema Spoonful (la aparecida en la versión inglesa del primero de sus Lp's, Fresh Cream). Lo incluyo entre su discografía original porque salió al mercado cuando aún eran "oficialmente" una banda y por constituir algo parecido a la carta de presentación en españa de Cream, en unos tiempos en que las novedades discográficas, cuando llegaban, era a base de retraso.

5 - Goodbye

     A la postre, Cream se dejaron convencer para hacer un último disco, Goodbye, grabado a finales de 1968 y publicado a inicios de 1969. El plan era publicar un álbum doble, pero sólo tenían tres nuevos temas de estudio, cada uno escrito por un miembro del grupo. En mi opinión, ante las presiones de disco nuevo (que hasta quizá tuvieran firmado previamente) cedieron, pero no se aguantaban ya como para hacer diez o doce canciones más, así que agregaron otras tres grabaciones en directo (procedentes de un concierto en el Forum de Los Angeles, el 19 de octubre) y cerraron el contrato pactado.
     Como perla destacada, la canción "Badge", escrita por Clapton y George Harrison, quien también colaboraba en el disco tocando la guitarra rítmica, aunque con el sobrenombre de "L'Angelo Misterioso" por compromisos contractuales.

La despedida

Cita Textual:

"La gira de despedida de Cream consistió de 22 shows en 19 lugares de Estados Unidos entre el 4 de octubre y el 4 de noviembre de 1968, y dos conciertos de despedida en el Royal Albert Hall de Londres el 25 y 26 de noviembre de 1968. El último concierto de la gira estadounidense tuvo lugar en el Rhode Island Auditorium.
Los dos conciertos en el Royal Albert Hall fueron filmados para un documental de la BBC y lanzado en vídeo bajo el nombre de "Farewell Concert". Ambas actuaciones agotaron las entradas y atrajeron más atención que cualquier otro concierto de Cream, pero la actuación no se considera especialmente buena. El mismo Baker dijo sobre los conciertos: "No fue un buen show... Cream era mejor que eso... Sabíamos que se había terminado. Sabíamos que simplemente estábamos acabando con ello, pasando el mal trago." Las apariciones en directo de Cream ya estaban decayendo. En una entrevista para Cream: Classic Artists, Ginger Baker coincidió en que la banda empeoraba a cada minuto.
Los teloneros de Cream fueron Taste (con un joven Rory Gallagher) y la recién formada Yes, que recibió buenas críticas."

Fuentes consultadas:
De Wikipedia, la enciclopedia libre
http://es.wikipedia.org/wiki/Cream
http://www.cream2005.com/photogallery/photo_37.lasso
http://www.ginger-baker.com/

http://www.jackbruce.com

http://www.ericclapton.com/

( 1 ) "The Cream of the Crop" (La Nata de la Cosecha, o,
de manera coloquial en españa, La Flor y Nata)

https://www.linguee.es/ingles-espanol/traduccion/cream+of+the+crop.html
the cream of the crop (the best of a group of similar things or people)

https://www.urbandictionary.com/define.php?term=Cream%20of%20the%20Crop
TOP DEFINITION Cream of the Crop
The best of the best. Being the cream of the crop (3)  is being the best of something.
It ranges from sports, to school, to being awesome.
If someone says: "You're the cream of the crop!",
then you're better, smarter, sexier, more athletic, and cooler than everyone else.

When you're adding an Urban Dictionary definition to lecture others about their misspelled words, you're going to find that you will have a greater chance at becoming recognized within the cream of the crop of visitors, on the website's most highly regarded definitions, if you also actually spell your words correctly .
 (3)  Crop -  legendary member whos name is brilliant for getting out of tight spots 

http://freetexthost.com/yrq6zwnniz

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