Andy Narell - 2007 - Tatoom

 

Si tuviera que buscar un instrumento de percusión con el que crear diferentes sensaciones auditivas, creo que elegiría este SteelPan típico de Trinidad. El sónido metálico tintineante de esos toneles de petróleo siempre me han resultado como una invitación a bailar, evocando el colorido tropical de los desfiles de carnaval y la alegría de la gente en las calles.

A pesar de ser un instrumento popular y de que sus posibilidades, en cuanto a tesitura, no son muy amplias, Andy Narell promueve su entrada en el mundo del jazz de una forma brillante, y este disco que hoy comento es un claro ejemplo de ello. Echa un vistazo a este tema, en el que colaboran Mike Stern y David Sanchez, y ya me dirás si esto es o no "música a lo grande" - Napi#11 -

Line Up:

Andy Narell - tenor,double second,triple guitar,tenor bass,bass steel pans,iron
Luis Conte - congas,timbales,percussion
Mark Walker - drums on tracks 1,2,3,6
Jean Philippe Fernant - drums on tracks 4,5
Mike Stern - guitar on tracks 3,4
David Sanchez - tenor sax on track 4

Produced And Liner Note Author: Andy Narell.

Audio Mixers: Andy Narell; Philippe Avril.

Recording information: Arts Center (10/2006); Biot (10/2006); C&M Studio, Hattiesburg, MS (10/2006); Calypsociation (10/2006); France (10/2006); Idea Plus, Paris, France (10/2006); Ivry Sur Seine (10/2006); Morgantown Arts Center, Morgantown, WV (10/2006); Morgantown, WV (10/2006); Q Division, Boston, MA (10/2006); San Mateo, CA (10/2006); Shelter Island Sound, New York, NY (10/2006); Studio Tex Avril (10/2006); Studio Tex Avril, Ivry Sur Seine, France (10/2006); Thousand Oaks, CA (10/2006).

  

~ ~ By Jeff Winbush ~ ~ 

       Hay veces que tienes que admirar el esfuerzo artístico por su audacia, sin nada más. El disco  de Andy Narell Tatoom, es una de ellas. Consideraciones comerciales aparte, Narell está haciendo nada menos que continuar creciendo y desarrollándose como músico. En ese emprendedor proceso propio, involucra al oyente, lo que pueden limitar el atractivo del álbum. Seamos realistas: en jazz no siempre se trata de dar al público lo que la éste quiere. El mejor jazz da a la gente algo que nunca esperaba.
      Para aquellos dispuestos a escuchar con una mente abierta, Tatoom presenta una poderosa interpretación de Narell con los steels en un entorno de jazz con destacados solistas, tales como Mike Stern en la guitarra y David Sánchez en el saxo tenor. ¿Cuánto disfrute ofrece el álbum dependerá de cuánto esté dispuesto a aceptar el oyente a un instrumento habitualmente empleado como un elemento decorativo, presentado en este escenario como instrumento solista.
        La más corta de seis  pistas de Tatoom es de nueve minutos de duración y el subtítulo del álbum es "Música para Orquesta de Steels", por lo que es obvio que Narell no se preocupa por que sean temas para su promoción en radio. La motivación aquí es demostrar cómo un instrumento no tradicional no sólo puede caber en un ambiente de jazz tradicional, sino que puede ampliarse su uso más allá de las expectativas. Stern y Sánchez son líderes, bien asentados, de sus propias bandas, pero la guitarra de Stern sobre el tema "Baby Steps" y "Blue Mazooka" crea mallas a la perfección con las capas de sonido de las cacerolas de acero de Narell. El suave saxo tenor de Sánchez en "Tabanca" demuestra lo fácil que Narell puede adaptar su sonido para mezclarse con otros intérpretes.
       "Appreciation", tema que cierra el álbum, fue compuesto originalmente por Narell para el concurso 2000 Panorama, en Trinidad y fue realizado por una banda de “steels” de 100 intérpretes. Narell reúne un sexteto de intérpretes de “Steel pans” y, aunque sea una formación pequeña, consigue un sonido poderoso como creado por una orquesta.
       Las “Steel Pans” no son los más dinámicos de los instrumentos. No tienen el rango del piano o saxo, por ejemplo, pero Narell exprime cada gota de sus “Steels” con total innovación. Tatoom, a su manera casi urbana, es similar a lo que un director independiente haría con una película de conceptos innovadores para un público que piensa que ya se ha visto y oído todo. Con esta amorosa obra, Narell trata de experimentar y expandir las fronteras de las  “SteelPans”. Algunas personas no van a "obtener" lo que Andy Narell está tratando de lograr con Tatoom, mientras que otras, con mentes y oídos más abiertos, se encontrarán encantadas.

Andy Narell

nacido el 18 de Marzo de 1954 en New York City, US, es un músico y compositor especializado en “steelpan” o Tambores de Trinidad.

En su adolescencia se mudó a California y comenzó a tocar los steel siendo muy joven, en Queens, New York. Su padre, Murray Narell, fue el trabajador social que invitó a Ellie Mannette (pionero de los “SteelPans”) a llevar los Tambores de Trinidad a New York, intentando que los chicos callejeros abandonaran las pandillas a base de integrarlos en bandas de ese instrumento.

Narell estudió música en Berkeley, University of California, y se graduó en 1973.

Ha tocado con Caribbean Jazz Project y Béla Fleck and the Flecktones, entre otros. Además ha compuesto y arreglado música para la competición “Trinidad's national steelband Panorama”. También hizo una presentación en Sudáfrica, en 1999, frente a una multitud de aproximadamente 80.000 personas.

Tiene un hermano, Jeff Narell, que es intérprete de SteelPan con estilo y carrera discográfica propias.

01 - Izo's Mood - 12:13 min.
02 - Tatoom - 14:00 min.
03 - Baby Steps  - 09:31 min.
04 - Tabanca - 11:00 min.
05 - Blue Mazooka - 13:24 min.
06 - Appreciation - 13:00 min.

6 Temas - Tiempo Total: 01:13:08 - 464,75 MB flac @ 940

Anexo:

Steel Pan o Tambores de Trinidad

     
       Los tambores metálicos de Trinidad y Tobago —conocidos en inglés como steelpan, pan o steeldrums— son varios instrumentos musicales y todo un género de la música de Trinidad y Tobago, país localizado en el oriente de la cuenca del Mar Caribe. Cuando los trinitarios se refieren al conjunto que ejecuta música con los tambores metálicos, emplean el término steelband, que en español se traduce como banda de acero.
       Son intrumentos de percusión que poseen una afinación en una escala cromática, aunque existen algunos de ellos que son afinados en escala diatónica. Para fabricar uno de estos tambores, se emplean contenedores de acero de cincuenta y cinco galones de aquellos que se emplean con el petróleo. De hecho, uno de los nombres nativos de Trinidad para este instrumento —drum— deriva del término inglés con que se designan los tinacos que se emplean en la confección del tambor. El tambor metálico es correctamente llamado steelpan o pan, en tanto que es un instrumento de la familia de los idiófonos, y no se trata propiamente de un tambor, que es un membranófono.
       Existe una controversia acerca del origen del "steelband". Aunque se reporta que Winston "Spree" Simon tocaba una vieja bandeja de hornear, percutiéndola con una mazorca de maíz para formar un tambor metálico, la historia de la evolución y el desarrollo de los actuales tambores trinitarios de acero es más compleja. Aunque Simon pudo haber sido el primero en emplear bandejas, rápidamente sustituyó estas por otros tipos de latas, y los tambores metálicos se hicieron presentes intencionadamente en los Estados Unidos. Muchas personas africanas pueden ser tenidas como creadores de los tambores de acero. Teniendo como recurso principal la chatarra, emplearon estos materiales de desecho para preservar los aspectos de su cultura nativa en todo el ámbito caribeño. Influenciados por la mezcla de culturas en las Antillas, nacieron los tambores metálicos como un reflejo de los tambores africanos. El mayor auge en el desarrollo de los steelpan tuvo lugar durante la Segunda Guerra Mundial y el primer registro de una steelbands data del 6 de febrero de 1940, durante el el Carnaval de Trinidad. Sin embargo, en el año 2006, la orquesta The Neal & Massy Trinidad All-Stars, integrada por un conjunto de ejecutantes de tambores metálicos, celebró su 71º aniversario. Esta steelband es considerada la más antigua del mundo en su género.
       Las primeras bandas de tambores metálicos eran orquestas rítmicas. Durante la década de 1940, los barriles de acero con capacidad de 55 galones fueron los más apreciados para la manufactura de los tambores merálicos, puesto que se descubrió que la percusión de los mismos, con el tiempo llevaba a un cambio de sus tonalidades. A raíz de lo anterior, los músicos populares trinitarios desarrollaron técnicas propias para modificar los barriles vacíos y hacerlos instrumentos capaces de producir melodías.
      Durante la Segunda Guerra Mundial, las bandas tamboo bamboo, que eran las tradicionales en el Carnaval de Trinidad, incorporaron barriles vacíos desechados por el ejército estadounidense para producir versiones más elaboradas de sus instrumentos. Ellie Mannette es considerada la primera persona en emplear barriles de petróleo —en 1946— para la confección de un steelpan. A finales de la década de 1940, la música de tambores metálicos se había difundido por todas las islas vecinas.
       Los tambores metálicos de Trinidad son construidos mediante la percusión de las tapas de los bidones de petróleo hasta adquirir una forma semejante a la de un tazón, proceso conocido como hundimiento del tambor (en inglés, sinking the drum). El tambor es temperado al fuego, hasta que está al rojo blanco, y es posteriormente enfriado. Una vez hecho lo anterior, el tambor es afinado mediante martillos y otras herramientas que permiten que en diversas partes de su superficie se produzcan sonidos distintos.
       El tamaño del instrumento es muy variable. Puede llegar a tener la falda —la parte cilíndrica de lo que fue el barril petrolero— dividida en treinta notas diferentes. Existen algunos steelpans cuya superficie está dividida en únicamente tres notas, en cuyo caso una persona puede tocar hasta seis tambores. La longitud de la falda varía de acuerdo a la tesitura del instrumento.
       En Güiria (Estado Sucre – Venezuela) se pueden apreciar estos grupos musicales de Steel Band provenientes de Trinidad, los cuales con su colorido y musicalidad alegran los carnavales de la ciudad.

Fuentes consultadas:
http://www.allaboutjazz.com
http://en.wikipedia.org

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Reinhard Flatischler - 1996 - MegaDrums, Layers of Time

Reinhard Flatischler's MegaDrums. Layers of Time 1996

Reup By Request

La sexta entrega de la serie Megadrums, Reinhard Flatischler, nos la brinda trabajando con percusionistas como Zakir Hussain, Airto Moreira, Valerie Naranjo, Glen Vélez y Milton Cardona, así como el saxofonista y flautista Wolfgang Puschnig. El álbum resultante desdibuja los límites entre la WorldMusic y el NewAge. La creación de capas de percusión en ciclos y espirales que se convierten en hipnóticos, a partir de tonos profundos y largas tonalidades que se desarrollan en gama media y gradualmente van desembocando en staccato.

Instrumentos utilizados:

Saxo Alto, Flautas de metal y bambú: Wolfgang Puschnig

Tambores membranófonos de marco:

Tschanggo, Rantang, Berimbão, Buk, Angklung, Gong: Reinhard Flatischler

Congas, Atchere y Tambores Batá: Iyá, Itótele, Okónkol, Shekere: Milton Cardona

Marimba, Rantang, Gwilli, Tsching y Tambores de los Nativos Americanos: Valerie Naranjo

Tabla, Dholak, Gong, Madal: Zakir Hussain

Tar, Bodhrán, Riqq: Glen Velez

Variados Instrumentos de Percusión Brasileños: Airto Moreira

y las

Voces Milton Cardona, Valerie Naranjo y Airto Moreira

  Composición y Arreglos, Reinhard Flatischler

Listado

01 - Ancient Feelings - 12:50 min.

02 - Layers Of Time - 09:14 min. 

03 - Olua -02:38 min. 

 Canción Tradicional de Santería. Arreglos de Milton Cardona

04 - Mahakal - 03:12 min. 

05 - Bardo - 05:23 min. 

06 - Tschung Mori - 01:45 min. 

07 - Parabao -  03:31 min. 

08 - Ga Ma La - 06:13 min. 

09 - Gecko's In Bahia - 02:53 min.

9 Temas - Tiempo Total: 00:47:39
 Flac @ 789 - 273,10 MB

Reseñas

Reinhard Flatischler + Megadrums – Layers Of Time

Sello Ellipsis Arts CD4130

Formato Cd, Album

País US Publicado 1996

Géneros New Age, Jazz, Contemporary Instrumental.

Estilos Fusion, Folk, World, & Country, Ethnic Fusion

Layers of Time Review

https://www.allmusic.com/album/layers-of-time-mw0000097485

por Steven McDonald, Rovi

   La sexta entrada de la serie Megadrums de Flatischler lo muestra trabajando con los percusionistas Zakir Hussain, Airto Moreira, Valerie Naranjo, Glen Velez y Milton Cardona y el saxofonista y flautista Wolfgang Puschnig. El álbum resultante difumina los límites entre la WordlMusic y NewAge, construyendo capas de percusión en ciclos y espirales que se vuelven hipnóticos, pulsos que comienzan en tonos profundos y largos que evolucionan hacia tonos de rango medio que gradualmente se vuelven más entrecortados. Layers of Time es un trabajo progresivo, en el que los ritmos de apertura se modifican de forma gradual y sutil para permitir que cada pieza individual se mezcle con las anteriores y siguientes (la apertura del álbum es enfática). Layers of Time es fácilmente comparable a Planet Drum y At the Edge de Mickey Hart, ya que revela la capacidad inherente de los instrumentos de percusión para soportar por completo piezas musicales extendidas sin caer en la monotonía y la simple repetición.

 

      Reinhard Flatischler (nacido en Viena, Austria, en 1950) es el creador del TaKeTiNa Rhythm Process. Flatischler estudió piano con el profesor Bruno Seidelhofer y obtuvo su diploma de concertista en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Viena. Luego se embarcó en más de 15 años de continuos estudios de batería con maestros en Asia, África y América Latina. Flatischler es el fundador y compositor del grupo MegaDrums, banda de world music que incluye a Airto Moreira, Zakir Hussain, Glen Velez, Eto Leonard (también del grupo de taiko, Kodo) Milton Cardona, Stephen Kent y otros. El libro de Flatischler de 1992, “The Forgotten Power of Rhythm” (El poder olvidado del ritmo) se considera una obra clásica en la literatura de la música; su último libro y DVD interactivo, “Rhythm for Evolution” (Ritmo de la Evolución) ganó el Comenius Education Media Award del año 2007.

      Flatischler, miembro de un comité científico de la Sociedad Internacional de Música en Medicina, organizó el “Rhythm and Pain Therapy” como parte de la alemana “German Pain Colloquium”.

      Reinhard Flatischler, junto con su esposa, Cornelia Flatischler, han entrenado y certificado a más de 180 profesores TaKeTiNa en Europa, África del Sur, Australia y los Estados Unidos en el proceso. Los maestros de TaKeTiNa trabajan en las universidades de todo el mundo, conservatorios de música, hospitales, cárceles, centros de rehabilitación, en talleres abiertos, y prácticas de psicoterapia, grupos de danza y teatro.

Reinhard Flatischler – MegaDrums, Layers of Time (1995)

(Jazz, Reinhard Flatischler)

https://atresillado.wordpress.com/2011/01/10/reinhard-flatischler-megadrums-layers-of-time-1995/

Por Patresillada,

10 de enero de 2011 a las 6:59 pm

Desde hace un tiempo a esta parte, cada vez me resulta más difícil que un disco me llame mucho la atención, que me sorprenda, que me haga sentir feliz de haberlo encontrado. Seguramente sea por la cantidad de música escuchada en todos estos años y que la expectativa de calidad es cada vez mayor. Y en mi caso «calidad» no significa ni muchas notas por segundo, ni el uso de escalas o acordes difíciles o extraños, ni nada teórico. Música «buena» para mí significa la música que me hace vibrar, que la escucho y me emociona, que cuando suena hace que yo me sienta debajo de un cielo atiborrado de estrellas o al borde del mar en una playa desierta. La música que yo considero «buena» es la música que me conecta o a mí misma o a la naturaleza… que en definitiva es lo mismo.

El mes pasado, para mi cumpleaños, Napi me obsequió este disco de Reinhard Flatischler, pero recién hoy pude escucharlo completo y en el estado de concentración que se merecía. Y me gustó tanto que resolví usar un rato de mis vacaciones para escribir un post acerca de él y quizás motivarlos a escucharlo. Si lo hacen, me gustaría saber qué piensan de él y qué les hace sentir [. . .]

Fuentes

Está muy interesante su sitio web:

http://www.flatischler.com/en_cds.php

http://en.wikipedia.org/wiki/Reinhard_Flatischler

http://www.answers.com/

Layers of Time Review

https://www.allmusic.com/album/layers-of-time-mw0000097485

https://atresillado.wordpress.com/2011/01/10/reinhard-flatischler-megadrums-layers-of-time-1995/

Reup By Request

CapasTemporales

https://1fichier.com/?z1gz9a79i7h1j72eyq4t

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Las golondrinas

Con la excusa de la colaboración en vídeo, me permito el lujo de "lichear" la entrada de Bab publicada originalmente en TotoVaca

      El fin de semana pasado, por motivos que no vienen al caso, visitamos un Centro Médico. Allí conocimos a una serie de personas con problemas físicos y psíquicos verdaderamente graves. Algunos lo llevaban con una dignidad y una aceptación fuera de lo común. Entre ellas, había una joven en silla de ruedas con una enfermedad degenerativa. Es la que me inspiró el relato y el vídeo que siguen a continuación.

      Las imágenes del vídeo, tomadas en el patio del Centro, junto con las del principio y final, tomadas en un paseo campestre, se las envié a mi amigo Napi y después de un intercambio muy jugoso de e-mails, se puso manos a la obra para la edición del mismo. Le envié también un instrumental compuesto y grabado para la ocasión.

      La foto de cabecera está tomada en un pasillo del centro, con muy poca luz, con disimulo; le puse algún efecto y luego está repintada convenientemente por Mavi, entre otras cosas para cambiar la cara y que no se pueda reconocer.

      Veremos que os parece el conjunto: foto/dibujo, relato, video y música.

ESTHER

      Era la hora de la comida, el comedor estaba hasta los topes de pacientes en silla de ruedas. Algunos podían apañarse solos para comer, con mucho esfuerzo y artimañas variadas; otros dependían de un ayudante. La cuidadora que le daba de comer a Esther tenía que haber dicho algo muy gracioso porque Esther se partía de risa. Una risa incontenible y casi silenciosa. Salí al pasillo y me senté en un sillón. Al terminar de comer, Esther salió también y al pasar delante de mí en su silla de ruedas, me saludó con una sonrisa que nunca antes había visto. Una sonrisa dulce que venía desde un lugar muy hondo, trágico y misterioso. Luego se paró a mirar por la ventana del patio, las golondrinas iban y venían en el aire y la expresión de su rostro cambió a una especie de seriedad sin expresión o quizá con una expresión desprovista de máscaras, limpia, perdida en un universo que solo ella conoce. Yo la miraba con disimulo para no entorpecer su aislamiento y su pureza.

      Salí al patio por una puerta lateral, una brisa muy suave mecía las ramas de los arbolitos y solo se oían los pájaros y el agua de la fuente. En el cielo no había ni una nube. No quise hacerme ninguna pregunta. ¿Para qué?

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Carmen Pi Cuarteto. Presentación del disco "Puntos Cardinales"

Carmen Pi Cuarteto

Cuatro temas de Puntos Cardinales, disco de Carmen Pi

editado a finales de 2010 y presentado oficialmente

el jueves 31 de marzo de 2011, en Montevideo, Uruguay

      El jueves 31 de marzo de 2011, en la sala Zavala Muniz del Teatro Solís, tuvo lugar uno de esos conciertos especiales que Montevideo nos regala cada tanto y que nos hacen sentir privilegiados de ser uruguayos. Carmen Pi Cuarteto presentó su disco “Puntos Cardinales”. Por la venta total de entradas, se agregó una segunda función esa misma noche. Con un embarazo avanzado, dos funciones como estas, seguidas, es algo destacable y dice mucho acerca de la actitud profesional y de la entrega total de esta artista, que a mi parecer es muy especial.

      La sala Zavala Muniz fue una elección perfecta para el show. Con una distribución de asientos al frente y los lados del escenario, los artistas y el público están completamente integrados, colaborando así con ese fluir energético tan vital para el éxito de un show de música. La decoración, muy pensada, le daba una calidez vital al escenario. Una alfombra roja al frente, donde pasaría más tiempo Carmen. Dos sillones tapizados con arabescos rojos y blancos, un par de sillas tapizadas de rojo y una serie de pantallas de iluminación en rojo y blanco le daban vida y calor a la sala en la que escenario, asientos y paredes son negras. Algunas proyecciones en las paredes también colaboraron con colores y movimiento.

      Una vez que el público ingresó en la sala, apareció una figura muy simpática: una clown, vestida completamente de rojo y blanco, que pasó entre el público regalando gestos amorosos, corazones rojos y generando sonrisas y una apertura emocional que sin duda colaboró para que al ingresar Carmen al escenario, todos estuviésemos más dispuestos a dejar entrar en nuestros corazones lo que este cuarteto y sus invitados nos iban a regalar.

(foto de Pablo Martirena)

       Sentada al piano, comenzó el concierto con el mismo tema, de su autoría, con el que comienza su disco: La Cura. Este tema tiene una combinación especial de dulzura, tristeza, dolor, cariño, generosidad y sobre todo fuerza. Empieza Carmen y el piano y luego se suma el resto del cuarteto y Coralinas, un grupo coral que colaboró muchísimo con que el show tuviese un vuelo especial. Este tema tiene mucho de maternal (la dulzura llega al máximo en la voz de Carmen cuando dice “si solo pudiera la cura encontrar”). Cachi Bachetta se destaca con el acompañamiento de la batería. La fuerza del tema está perfectamente impulsada por el coro y los rulos en el redoblante, un efecto realmente excelente para esta canción. Gerardo Alonso inició el show con el contrabajo - buena elección para este tema - y Horacio Di Yorio con el acordeón. Un comienzo de show brillante!

      Luego, dejando el piano y centrándose en el escenario, Carmen presentó a Pablo Leites, percusionista que también la acompañaría la mayor parte de la noche. Leites tocó percusión e hizo arreglos de percusión en la grabación del disco y su participación en el show fue destacable. El sonido del cajón le dio una calidez muy especial al todo y se complementó perfectamente con el baterista (esto parece muy sencillo pero no lo es... muy a menudo uno de los dos sobra, pero no fue así el 31 de marzo en la Zavala Muniz). El segundo tema fue la versión de Hay veces de Dino. A esta altura yo ya estaba sorprendida de la similitud de calidad entre el disco y el show en vivo. El sonido (Gastón Ackermann) fue realmente sorprendente: todo balanceado en su justa medida, permitiendo oír cada uno de los instrumentos, el todo a la perfección y a un volumen ideal para el disfrute.

       Carmen desplegó toda su femineidad en este concierto. Vestida de negro, con detalles blancos y rojos, lució su panza de embarazada con una elegancia, alegría, ternura y orgullo que nos sensibilizó por completo. Todos los músicos que la acompañaron esa noche, tanto los del Cuarteto como los invitados, colaboraron de la mejor manera con que la noche fuera excelente. La actitud de absolutamente todos los músicos era de compromiso y respeto por lo que estaban haciendo, y de involucramiento total. Eso se transmitió y el público disfrutó de un viaje muy especial... que me intriga saber si es parecido al que viven los músicos o si son dos viajes paralelos que se nutren mutuamente. Como no se puede estar de los dos lados a la vez, sospecho que será difícil dilucidarlo.

      Los arreglos vocales son otro punto para Carmen. En el tercer tema, Bewitched, bothered and bewildered, la frescura, alegría y profundidad que Coralinas le otorgó al show es algo para aplaudir de pie. En cuanto al tema en sí, es un clásico, compuesto en 1940. Ha sido versionado por muchísimos músicos y la versión de Carmen no solo no tiene nada que envidiarle a otras, sino que en lo personal, es la que más me ha gustado hasta el momento. En este tema el bajo de Gerardo Alonso y la batería hicieron algo exquisito.

      El cuarto tema, Cachi Dixit, es otro tema de autoría de Carmen y de Horacio Di Yorio, con letra de Samantha Navarro. Este tema no pasa desapercibido. De nuevo quedé sorprendida por la calidad de la presentación en vivo. El trabajo de los 3 músicos del Cuarteto se destacó en este tema: Alonso en el bajo, Di Yorio en el piano y Bachetta en la batería... la banda está brillantemente ensamblada y en este tema se lucieron muchísimo. También aquí participó Coralinas que en cada aparición realzó la música y el espectáculo en su conjunto.

       La presentación de Luz, un tema nuevo, le dio un cambio inesperado al show, que fue muy bien recibido. Carmen en la guitarra con Pablo Leites y Federico Blois, ambos en cajón peruano. El tema merece tener un lugar en el próximo disco de Carmen y el trabajo de los dos percusionistas con ese ritmo peruano fue muy interesante, levantando notoriamente la dinámica y llenando la sala de calidez y alegría, transmitiendo su diversión en cada golpe.

            El siguiente invitado de la noche fue Dany López. Lugar donde nunca fui del disco Acuario, de Dany, fue el tema elegido. Ella tocando un rallador (¡!), él en la guitarra, Federico Blois percutiendo un gran bidón de agua y Pablo Leites un bidón metálico de leche (el lechero que nos traía la leche en mi infancia seguro jamás pensó que se le podía dar esa utilidad a sus recipientes). Las voces de Carmen y Dany combinándose a la perfección para entonar este tema que transmite evolución y con el que es fácil sentirse identificado. A pesar de ser un tema de Dany y que no estaba en el disco, quedó perfecto en medio del show.

En este disco Carmen versiona dos temas – Imposibles y Por Ejemplo - de Fernando Cabrera. Contar con Cabrera de invitado es un lujo y Carmen pudo darse ese gusto. Su presencia en el escenario a mi gusto validó el trabajo de Carmen. Con el típico bajo perfil del uruguayo, algo así puede pasar casi desapercibido, pero si lo comparamos con la posibilidad de que The Beatles hubiesen podido compartir Can’t Buy Me Love en el escenario con Carmen, pienso que entienden por dónde va mi cabeza... que Cabrera participase de ambas funciones cantando sus temas con Carmen fue algo que emocionó. Insisto (lo he dicho otras veces) en que Carmen y su Cuarteto han logrado una versión de Imposibles en la que se mantiene la marca registrada del autor del tema y a la vez es "tan Carmen Pi" que impresiona. En Por Ejemplo el trabajo de Carmen con el loop, con la percusión "micrófono en pecho" y con vocalizaciones al estilo beatbox, es no solo llamativo sino también muy prolijo, cuidado y da por resultado una versión que realza un tema que ya de por sí es buenísimo.

      Entre Fernando y Carmen se dio, creo yo, el único diálogo de la noche:

- “Este tema me gusta mucho, es circular, como infinito” dijo Carmen (palabras más, palabras menos) antes de cantar Por Ejemplo, más cerca del final del show.

- “¿La gente querrá que sea infinito?” preguntó Cabrera.

 - “Mi apellido es infinito, así que ya están jugados” dijo Carmen, con una sonrisa.

(Nota aparte: me gusta la gente que puede reírse de sí misma)

       Carmen compuso Dido y Eneas mientras estaba estudiando el aria final de la tragedia de ese nombre de Purcell y el 31 de marzo nos hizo un regalo muy especial: cantó el aria e inmediatamente después su propio tema. Todos sabíamos que Carmen había estudiado canto lírico, pero escucharla nos puso la piel de gallina y a los más sensibles nos humedeció los ojos. Tuvo un efecto sensibilizante general... de ahí en más el resto del show tuvo una base rítmica adicional de corazones al galope. Los invitados en este tema fueron Gustavo Reyna en guitarra y Matías Craciun en violín, que le pusieron el toque perfecto tanto al tema como al show. El piano de Di Yorio en el Dido y Eneas de Carmen fue sensacional.

      Cuando la emoción ya era de locos, Carmen logró dar un pasito más aún, con Puntos Cardinales, a mi gusto el tema más personal y bonito del disco y de nuevo el piano sobresalió como bello. El ensamblaje del piano y la voz en este tema es tan impecable, que si uno solamente lo escucha, piensa que es Carmen acompañándose a sí misma con el piano. Bravo Horacio y Carmen!

       Al momento siguiente Pinocho Routin y Gastón Ackermann entraron al escenario para compartir el tema Flores, de Pinocho, con Carmen al piano y Pablo Leites en percusión. Los cuatro músicos impecables hicieron una performance excelente de este tema. La verdad que me quedé con ganas de escuchar más Gastón Ackermann... fue como cuando alguien te da a probar una cucharita de un helado delicioso y uno se queda pensando que la próxima vez va a pedir de ese. Muy lindo ese tema y muy bonita la combinación de estos tres músicos.

      Por suerte estuvo presente el tema Doctor, que con su ritmo de samba nos sacudió un poco esa emoción que nos tenía a punto de estallar. Un tema fresco, alegre, y divertido, con una presencia importante del bajo eléctrico de Alonso.

      La mejor versión de Can’t Buy Me Love que se haya conocido jamás les pertenece a estos musicazos, que tocaron este tema con mucho disfrute y entrega.

      El coro (Coralinas) de nuevo participó. El solo de Gerardo Alonso fue buenísimo y las notas (y el sonido) de Horacio Di Yorio también. La batería de Bachetta, en mi opinión, le pone mucho de creatividad a esta versión. De nuevo la piel de gallina y una emoción incontrolable.

      Como si Carmen hubiese sabido que íbamos a terminar todos llorando, hizo un alto muy bienvenido donde ofreció sus agradecimientos y cerró el show, acompañada al piano por Dany López, en acordeón por Horacio Di Yorio, con Petit Nounours, un tema también alegre y particularmente diferente, por su letra en francés y por el carácter inocente que lo diferencia de todos los otros temas del disco. La presencia de la clown le dio el toque de magia y anticipó un final que no deseábamos que llegase.

      Hago un breve paréntesis: en este show Carmen nos ofreció un despliegue de sus cualidades musicales: cantó, tocó el piano, la guitarra, compuso, arregló, estuvo al frente del coro y tocó percusión. Todo con la naturalidad y el profesionalismo de los grandes artistas.

      A pesar de tener una segunda función por delante, hubo bis y un bis de lujo: la versión de Afuera la lluvia, tema de los Buitres, en la que se mezclan la dulzura y el dolor en la voz y el piano de Carmen, que entregó absolutamente todo, como el público esperaba.

      La verdad que nos fuimos de ese teatro convencidos de que habíamos visto un show completamente profesional, con la participación de músicos excelentes, con todos los detalles muy cuidados y con un sonido que no pudo estar mejor. ¡Grande Carmen Pi, sus músicos y todos quienes hicieron posible ese concierto... incluida Nina!

      ¡Que, para deleite de todos, sean muchos discos más los de esta artista con mayúsculas!

He aquí los músicos responsables del disco Puntos Cardinales:

De izquierda a derecha:
Gerardo Alonso (bajo), Carmen Pi, Horacio Di Yorio (piano, teclados y acordeón), Pablo "Gancho" Leites (percusión), Cachi Bachetta (batería).

Nota final:
va un agradecimiento especial a Gisselle Noroña (http://www.flickr.com/photos/gissen)
y Pablo Martirena por permitirme usar sus fotos en este artículo.



artículo originalmente publicado en
http://atresillado.wordpress.com/2011/04/10/presentacion-del-disco-puntos-cardinales/

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Y ¿de qué puñetas me quejo? SEMANA RIO-Especial Prima Vera

 Y ¿de qué puñetas me quejo?



Julio Matito - Explosión

SEMANA RIO-Especial Prima Vera

Cita de lecturas 

Enviado mediante la barra Google

Las ventas de coches caen un 27% y en el segmento de lujo crecen un 144% - 2955294 - Ecomotor.es

http://www.eleconomista.es/motor/noticias/2955294/04/11/Las-ventas-de-coches-caen-un-27-y-en-el-segmento-de-lujo-crecen-un-144.html

Las cifras del mercado del automóvil no dejan de sorprender a pesar  de que el sector lleva ya sufriendo muchos meses de crisis... Las ventas  de coches cayeron en España un 27% en el primer trimestre del año, un  descenso que contrasta con una subida del 144% en el segmento de lujo.
Según  datos de las asociaciones de fabricantes (Anfac) y vendedores (Ganvam),  las matriculaciones de automóviles se situaron en 88.396 unidades  durante el pasado mes de marzo, lo que supone una caída del 29,1%  respecto al mismo mes de 2010,

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Un consejero de la CAM vendió todas sus cuotas participativas el domingo

http://www.cincodias.com/articulo/empresas/consejero-CAM-vendio-todas-cuotas-participativas-domingo/20110401cdscdsemp_7/

P. M. S. / N. R. - Madrid - 01/04/2011

Cuando apenas quedaba un día para que terminase el plazo para que las  cajas presentasen al Banco de España sus planes de fusión y para que la  fusión Banco Base saltara por los aires, uno de sus consejeros vendió  toda su cartera de cuotas participativas. Se trata de Pere Joan Devesa,  vocal en el consejo de la caja a propuesta de la Generalitat valenciana.
Según consta en los registros de la CNMV, Devesa se deshizo de 6.176  acciones en operaciones de venta entre 6,28 y 6,3 euros por acción  fechadas el domingo 24. Ingresó algo menos de 39.000 euros por la  operación. Preguntados por este periódico, ni la CAM ni la oficina del  propio Devesa han hecho declaraciones sobre esta operación.
Devesa se incorporó al consejo de la CAM a principios de 2010. Es  empresario del sector turístico, propietario entre otras compañías de la  cadena de hoteles Poseidón, y durante ocho años fue presidente de la  patronal hotelera de Benidorm. Además, Devesa fue durante un breve  periodo de tiempo consejero de Terra Mítica.

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Las empresas españolas recortaron el 1,8% de sus plantillas en 2010 pese a aumentar su beneficio - Público.es

Las compañías aumentaron su actividad y sus ganancias en un 4,3% pero también los recortes de personal en casi un 2%.

 http://www.publico.es/dinero/368816/las-empresas-espanolas-recortaron-el-1-8-de-sus-plantillas-en-2010-pese-a-aumentar-su-beneficio

PUBLICO.ES / EUROPA PRESS           Madrid           30/03/2011 11:12                      Actualizado: 30/03/2011 17:54                   

Documentos relacionados:

 http://imagenes.publico.es/resources/archivos/2011/3/30/1301480043941be1103.pdf

•    Boletín del Banco de España de marzo de 2011                

Las empresas no financieras (las que no son bancos, cajas o entidades que se dedican a la financiación y los prestámos) destruyeron empleo en 2010 por segundo ejercicio consecutivo.  Un dato que cuesta entender a la luz de otro muy revelador: el año  pasado esas mismas empresas ganaron un 4,3% más que en 2009, según se  desprende de los datos de la Central de Balances Trimestral  (CBT)  recogidos en el Boletín Económico del Banco de España  correspondiente  al mes de marzo.

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Ahora toca cargarse la sanidad

http://www.rankia.com/blog/nuevasreglaseconomia/723438-ahora-toca-cargarse-sanidad

01 de Abril de 2011

Uno de los discursos de moda, ahora es la reforma de la sanidad, que parece que va a ser el próximo objetivo, (en dura pugna con la reforma de la educación). En el sentido de la preparación de la opinión pública para profundizar, (ya se ha iniciado hace tiempo), en la privatización de la sanidad, nos encontramos con todos los mensajes que nos hablan del Copago, aspecto necesario según nos cuentan porque tenemos una sanidad aceptablemente buena, pero muy cara.

- "Enviado mediante la barra Google" -

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      Cuando aprobaron las ETT’s, aplaudí la “buena” oportunidad que tendrían los jóvenes para trabajar a tiempo parcial.

      Cuando hubo que “apretarse el cinturón” para salvar a la banca, accedí gustoso al pequeño sacrificio con tal de mantener nuestro “estado del bienestar”.

      Cuando recortaron a la baja las prestaciones por desempleo, estuve muy convencido de que hay que “subvencionar el trabajo y no el estar en paro”.

      Cuando afirmaron que las clases sociales ya no tenían vigencia, lo corroboré haciendo shopping a cargo de mi VISA.

      Cuando sacaron los muebles del vecino y los amontonaron en la acera no me interesó mucho ¡un desconocido con piel demasiado oscura como para resultar de mi incumbencia!

      Cuando despidieron al comité de empresa celebré que se acabaran los privilegios y prebendas. 

      Cuando no hubo quien se opusiera al despido colectivo por “causas objetivas”, nadie podíamos creerlo.

      Cuando ampliaron las condiciones para acceder a la jubilación, pude ver que se puede ser activo y morir radioactivo mientras se joden, tranquilamente, las perspectivas de jóvenes y mayores.  

      Cuando, quien llamaba a mi puerta, dijo venir a ejecutar el desahucio, no tuve tiempo para buscar una salida, nadie protestó ¡no quedaba nadie!

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Estando a vueltas con el poema “Cuando los nazis vinieron” de Martin Niemoeller (*1892 -†1984) pastor protestante alemán (atribuído erróneamente a Bertolt Brecht) me encontré con un par de cosas curiosas, al respecto de la sociedad dormida que habitamos y nuestra nula capacidad de reacción, que me demuestran que . . . a pesar de los concienzudos esfuerzos, mediante planes de estudio cada vez más desgastantes del sistema público, por hacer de la nuestra una sociedad mansa, con indivíduos poco formados, fácilmente manipulables y sin sentido ético, parece que sí hay alguien con capacidad crítica para cuestionarse su papel en esta sociedad e “indignarse” (ver “¡Indignaos!”, de Stéphane Hessel http://angelsmcastells.nireblog.com/post/2011/02/06/staphane-hessel-indignaos)

      Primero fue la iniciativa “No les votes” la que motivó que cuestionara mi incredulidad: he llegado a creer que sí, que puede haber movimiento si todos decidimos cambiar el decorado y ahora han llegado a cansar a tantos millones de ciudadanos que es posible que alguno hagamos algo más que quejarnos. Si en tantos países se han atrevido, quizá en el que habito, España, también nos decidamos a salir del impasse (para más información, echa un vistazo por aquí:  http://www.nolesvotes.com/)

      A casi ninguno nos gusta la deriva que ya hace mucho tiempo ha tomado "nuestra comunidad" y nos mostramos pasotamente despectivos con el panorama político. Cualquiera puede comprobar, y sabe a conciencia, cómo nos hemos retirado de los organismos participativos ciudadanos más elementales, como asociaciones de vecinos o de padres de alumnos, delegando nuestras funciones hasta el hastío de las pocas personas que intentan cooperar, haciendo desaparecer derechos por simple incomparecencia, pero nos quejamos de lo mal que lo hacen nuestros "electos". A muchos de nosotros nos hace mucha gracia el poder defraudar unas monedillas, pero nos rasgamos las vestiduras si un político mete la mano en el saco, al mismo tiempo que alabamos como empresarios y ciudadanos ejemplares a personajes de pelis de bucaneros. ¡Estamos locos o qué! (1)

      Desde luego, tengo muy claro a dónde va a ir mi voto y ello muy a pesar de los argumentos sobre “voto útil”, porque creo que, lo más útil que se podría hacer, sería votar a conciencia ¡seguro que serviría para “botarles” de la poltrona a la menor desviación!


      Estos últimos días me ha sorprendido esta otra iniciativa, “Democracia Real Ya” http://democraciarealya.es/

parece que, además de mucha resignación, también queda algún loco convencido de que no sólo de paganini ha de vivir el hombre. De momento, una colaboración de personas y organizaciones a título personal e independiente, surgida en redes sociales, promueve concienciación y hasta protestas ciudadanas pacíficas.



      No tengo idea de si seremos capaces de hacer algo más que ir a tocar el tambor y que suene entre cuatro, pero merece la pena ver si la sociedad civil despierta ¡quizá, nuestros “representantes” se den cuenta de que no pueden vivir sin nosotros, cuando hasta los chiribichis estamos nosotros de que nos tomen el pelo con tanto descaro!




      
      Desde luego, yo tengo la piel ya descamada de tanto y tanto como han pretendido que me “resbale” la situación, para mí que no hay más lugar para tonterías; en lo que a mí respecta . . . ¡estos no juegan así como así! Y, si bien es cierto que no tengo sitio ya en la "mercado del trabajo", no lo es menos el hecho de que mis (nuestros) hijos y nietos tienen derecho a vivir dignamente, sin mendigar educación, sanidad, empleo o vivienda. 
      Si queda en mí algún atisbo  "izquierdo-idealista" por muy trasnochado que pueda parecer a quien quiera parecérselo, será lo que me haga salir a la calle el 15.05.2011, porque estoy harto ya, de estar harto. 

(1) O Qué.

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Dizzy Gillespie - 1992 - Bird Songs

Dizzy Gillespie, Bird Songs. The Final Recordings
Live at the Blue Note, New York City, 1992

Listado de temas:

1. Ornithology [15:31]
(Benny Harris) Recorded January 25,1992
Dizzy Gillespie, trumpet; Jackie McLean, alto saxophone; Paquito D'Rivera, alto saxophone;  Danilo Perez, piano; George Mraz, bass; Lewis Nash,drums; Bobby MeFerrin, vocal

2. Con Alma [9:20]
(Dizzy Gillespie) Recorded January 21, 1992
Dizzy Gillespie. trumpet; Danilo Perez, piano; George Mraz, bass; Lewis Nash. drums

3. Confirmation [10:41]
(Charlie Parker) Recorded January 23, 1992
Dizzy Gillespie, trumpet; Clifford Jordan, tenor Saxophone; Antonio Hart, alto saxophone; DaniloPerez, piano; George Mraz, bas; Lewis Nash, drums

4. A Night in Tunisia [21:46]
(D.Gillespie) Recorded January 24, 1992
Dizzy Gillespie, trumpet; Benny Golson. tenor saxophone; David Sanchez, tenor saxophone; Danilo Perez. piano; George Mraz, bass;
Kenny Washington, drums

5. The Diamond Jubilee Blue, [4:14]
(Dizzy Gillespie) Recorded January 24, 1992
Dizzy Gillespie, trumpet; Benny Golson, tenor saxophone; David Sanchez, tenor saxophone; Danilo Perez, piano; George Mraz, bass; Kenny Washington, drums

6. Theme [1:26]
(Dizzy Gillespie) Recorded January 24. 1992
Dizzy Gillespie, trumpet; Benny Golson, tenor saxophone; David Sanchez, tenor saxophone; Danilo Perez, piano; George Mraz, bass; Kenny Washington, drums

Total  Playing Time 63:12

No es ningún descubrimiento el afirmar que Dizzy Gillespie  fue un aclamado músico con un especial carisma (parece ser que hasta se postuló para la presidencia Estados Unidos en 1964). Pionero y artífice de bop, latin (afro-cuban) y jazz moderno, parece ser que no hubo batalla en la que no se viera involucrado durante las décadas de 1950 y 1960. Lo que siempre me dejó impresionado de él era la forma en que hinchaba sus mejillas ¡hasta el cuello, como rana croando! Almacenando el aire que convertía en delicias sonoras, fraseadas soplándolo a través de su peculiar trompeta, doblada en ángulo imposible (cuenta la leyenda que se debe al noble trasero de la esposa de Miles Davis en su momento, quien se sentó encima, mostrándole nuevas posibilidades tímbricas). Lo último que grabó fueron estas sesiones de unos conciertos en su honor, con invitados de la talla de los que vemos en los créditos:

Dizzy Gillespie (trompeta)
Bobby McFerrin (voz)
Jackie McLean, Paquito D'Rivera, Antonio Hart (saxo alto)
Clifford Jordan, David Sanchez, Benny Golson (saxo tenor)
Danilo Perez (piano)
George Mraz (bajo)
Kenny Washington, Lewis Nash (batería)

Grabado en directo en The Blue Note, New York,

entre los días 23 a 25 de Enero de 1992.

Blue Note, New York, NY (01/23/1992-01/25/1995)

Comentario a cargo de Donald Elfman

Comentarios del folleto:

Su contribución y la mía han terminado por ir de la mano, como la sal en el arroz. Antes de conocer a Charlie Parker mi estilo ya se había desarrollado, pero fue una gran influencia en mi vida musical al completo. Charlie Parker estableció definitivamente el estándar para el fraseado de nuestra música, la enunciación de las notas. 

Dizzy Gillespie

El Bebop es claramente uno de los acontecimientos musicales más importantes del siglo XX. Resultó tener todo un mundo alrededor de él mismo y creó un nuevo lenguaje para que intérpretes y público aprendieran. Hoy no hay músico de jazz moderno que pueda ignorar los cambios que forjó el bebop, ni olvidarse de las profundas contribuciones hechas por los progenitores de este estilo de música. ¿Quién inventó el bebop? De acuerdo con el baterista Max Roach quien sin duda alguna, estuvo en los comienzos, es una pregunta tonta:

"¿Cómo se puede mirar algo y decir que lo inventó? ... Antes de nada, habría que decir que no sé lo que es bebop. Pero sí sé que, durante los años cuarenta, algo pasó con la música y los responsables de que eso sucediera fueron personas como Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Thelonious Monk, Kenny Clarke, Clyde Hart . . . Estoy hablando de los precursores, esa multitud, tío, tuvieron algo de parte en ello".

Parece, sin embargo, que los dos de los que hicieron los avances más específicos y útiles en nuevas direcciones, fueron Dizzy Gillespie y Charlie Parker. Al ampliar las capacidades de sus instrumentos y enriquecer las posibilidades armónicas y rítmicas de cada nota, Bird y Dizz fueron unos de los personajes más importantes en el escenario musical. Y mucho más allá de esto, brindaron al mundo un voluminoso activo de composiciones nuevas en las que, sin esfuerzo aparente, hicieron sus innovaciones e inmediatamente se convirtieron en un llamamiento a quienes se meantenían con los oídos abiertos a cielos y tierras.

En 1992, mucho después del fallecimiento de Bird y en la celebración del setenta y cinco cumpleaños de Dizzy, el Blue Note de Nueva York presentó un festival de un mes en honor de Dizzy. Músicos de muchas escuelas vinieron a rendir homenaje a Dizz y a tocar con él, mostrando lo mucho que significaba para el mundo. Implícito en gran parte de los festejos fue la ausencia, aunque con presencia continua, de Charlie Parker. Gran parte de la música realizada por más de cuarenta artistas durante ese mes, fue escrita o inspirada por Parker. Era, por lo tanto natural, que el número de saxofonistas que se unió a Dizzy mostraran lo que habían absorbido y cómo continuaron desarrollándolo y transformándolo.

Lo más importante y maravilloso, era que Dizzy también estaba allí. Siempre tuvo gracia, ingenio, estilo, encanto, y, sobre todo, un swing increíble. Este es el c1imax emocional de una carrera que estuvo llena de sorpresas y que cambió el mundo. Dizzy acepta bellamente el reto de esta ocasión.

"Ornithology" no fue escrita por Bird, pero definitivamente está dedicada a él. Es un tema que surge de los cambios del trompetista Benny Harris en "How High The Moon", canción originaria de Nat King Cole que Dizzy había aprendido. Dizzy se la mostró a Monk y, mientras estaban tocándola por primera vez, Benny escribió una contra-melodía que se convirtiría en "Ornithology", haciéndose muy popular entre los beboppers. Los saxo alto Paquito D'Rivera (canal izquierdo y primer solo) y Jackie McLean (canal derecho y segundo solo) de dos culturas diferentes, demuestran que el bop es la lengua común de tonos con fuerte penetración, a los que se dota de colores únicos de forma individual. Bobby McFerrin, a petición de la audiencia, contribuye con un espíritu "sin palabras", típicamente scat, que hace que el público flote entre nubes.

"Con Alma" es una engañosamente simple melodía de Dizzy que fue escrita después del período bebop -a mediados de los años 50 para ser exactos- pero ilustra perfectamente el increíble sentido de la armonía de Dizzy. Aquí se toca como un dúo entre el elocuente pianista Danilo Pérez y Dizzy. Una breve y misteriosa introducción, seguida por un hermoso e inquietante silencio de Dizzy, son la declaración del tema. Sus variaciones, comienzan a cuajar con sobriedad y nunca llegan a superar el susurro. Seguidamente, Pérez ofrece sus propias impresiones de manera rapsódica y magnífica, en las que Dizzy simplemente se revuelve para, finalmente, poner fin a la melodía. La interpretación es oscura, rica y profundamente conmovedora.

"Confirmation" es uno de los grandes temas de Bird, favorito de un gran número de instrumentistas y cantantes. El saxo Clifford Jordan (canal derecho y primer solo) y el alto Antonio Hart (canal izquierdo y segundo solo) bucean en sus giros y vueltas con facilidad, mientras que Dizzy muestra el gozo eterno con que se le conoce por siempre.

Los saxos tenores flanquean a Dizzy para "A Night in Tunisia", composición de éste. A pesar de que se tocó en innumerables ocasiones, nunca fue un viaje de rutina. Esta vez se inicia con una capa funky como si le viniera de familia. Benny Golson (canal izquierdo, solo de saxo primero) es un "messenger" de la música y de todo tipo, tocó en la piña de Dizzy y Art Blakey en los años 60 y demuestra aquí que la canción todavía tiene nuevas riquezas que revelar. El último de los protegidos de Dizzy, David Sánchez (segundo solo de saxo en canal derecho) quien, al igual que Paquito, proviene de la música latina,  tuvo oportunidad de brillar antes de este reconocimiento a Dizzy y ambos se aventuraron en el LatinJazz mucho tiempo antes.

Para que no olvidemos, hay que elogiar a la sección rítmica que proporcionan un sólido groove, el fundamento constante en torno al cual los músicos cambian. Cada uno tiene una personalidad única que se alimenta tanto del groove como de sus propios pasos individuales. Danilo Pérez, el miembro más joven, ha escuchado mucho jazz y absorbido las raíces de la tradición del jazz y de los colores y ritmos de la música latina y él combina ambas a la perfección en su mezcla. George Mraz es simplemente un músico consumado; con fuerte swing, es un solista virtuoso que sabe ofrecer el sonido más rico máximo imaginable. El baterista Lewis Nash fue base rítmica del pianista no menos genio Tommy Flanagan y aprendió a la sombra de su dinámica, sabiendo adaptarse tanto a la música como a los demás intérpretes. Kenny Washington, también en la batería, proporciona la base para vuelos inventivos y siempre está listo para moverse en diferentes direcciones.

Y, por último, Dizzy, David y Benny pican en el blues (“The Diamond Jubilee Blue”) tan importante para ellos, todavía, como lo fue con Charlie Parker, incluso en medio de cambios bebop. Notable es la sólida fundación construida por la sección de ritmo y la forma en que se instala en el groove, incluso cuando, como antes, es cuestionada por los giros del bebop. Esta vez la voz improvisada de Dizzy, es hilarante.

Esta es la inmortal música de su preferencia, interpretada por músicos que lo han vivido como su antecesor musical, entregándose a sus maravillas. Es un merecido homenaje a los maestros que han pasado y a los que están por venir.

Donald Elfman

Grabado en directo en el Blue Note de New York City, NY.,

23-25 de Enero de 1992

 

TONADASDELPAJARO.DG92BS [F].rar

https://1fichier.com/?ue81wvifpw

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