Jessy Carolina

Jessy Carolina es originaria de Venezuela, aunque creció en Dakota del Norte y en New York City después. Veinteañera, apuesto que no llega a la treintena,  tiene la garganta curtida después de patearse varios estados (incluyendo New Orleans) haciendo música callejera a cambio de pasar la gorrilla. Comenta en una entrevista: "Un mogollón de tipos tocan en la calle a cambio de dinero y cuando digo un mogollón me refiero a que todo quisque y su madre son especialistas en, como poco, guitarra". A ella no parece dársele muy mal, porque cuentan que, en los lugares donde toca, los transeúntes acuden en masa para darse el gustazo de su venenosa música; "un día, mientras estaba a mi rollo tocando en Royal Street [New Orleans] una pareja se paró a la primera canción y cuando acabé me dijeron que eran de Long Island, y que les había parecido muy bello lo que había hecho. Me dejaron un billete de 100$, pensé que era increíble".

Jessy Carolina - Nobody But Me-Main Street Museum, Vermont

Jessy Carolina - Live in Soho New York

Jessy Carolina - No Control (Live)

Jessy Carolina - at the Jazz Foundation Loft Party

A todo esto no he dicho que esta chica canta con una arrebatadora voz quebrada y acostumbra a acompañarse con tabla de lavar, además de kazoos y silbidos. "Me decidí por  la tabla de lavar porque era una pieza esencial de la música que estábamos haciendo", dice entusiasmada, "para tocar puedo usar dedales de costura y colocar campanillas para obtener algunos otros sonidos. ¡Es un instrumento increíble para hacer ritmo!". Su repertorio se compone de canciones de blues, temas de Woody Guthrie y canciones populares de los viejos tiempos, además de obras propias.

Tocar en lugares como el Washington Park o el Union Square de New York la llevó a una especie de obsesión por el sonido de los viejos tiempos y junto a Horatio Baltz  (guitarra), Jay Sanford (contrabajo), y Blind Boy Paxton (piano y banjo) formarían la Bill Murray Experience, en memoria de uno de los pioneros y más prolíficos artistas de las grabaciones de pizarra de los primeros años 1900's. 

Al poco, tienen que cambiar el nombre y adoptan "Jessy Carolina And The Hot Mess", quizá por alguna cuestión relativa al homónimo actor, o tal vez por el hastío de Jessy Carolina ante la confusión, "estaba harta de que la gente me preguntara sobre el nombre, y ahora estoy muy cansada de que la gente me pregunte por qué cambiamos el nombre de la banda", admite Carolina, "el nombre no tiene nada que ver con el actor, a pesar de que fue una parte importante del problema. Echa un vistazo al Billy Murray de los primeros 1900's, a eso es a lo que aludíamos, pero casi nadie se enteraba".

Después de lanzar dos CD's, "Táin’t No Sin" y "Bootlegs" (uno con cada nombre de grupo) parece que han encontrado su denominación en Jessy Carolina And The Hot Mess y siguen cultivando un nostálgico sonido lo-fi que recuerda a la purita artesanía:  "grabamos nuestro último CD con un magnetofón y una pequeña máquina digital que se puede encontrar en cualquier Radio Shack", señala Carolina, "todo el material que hemos puesto han sido grabaciones caseras".

 Según sus propias palabras, tanto "The Bill Murray Experience" como "Jessy Carolina And The Hot Mess" cultivan "las raíces de la música americana y el primitivo jazz que se hacía entre los últimos años de 1800 hasta 1930, con reminiscencias de The Ziegfield Follies, de The Great American Song Book, y los primitivos medicine shows",

Como The Bill Murray Experience estuvieron afiliados a la New York City MTA Arts program Music (programa de actuaciones de músicos en estaciones de metro y tren bajo la denominación de Music Under New York, auspiciado por la propia empresa pública de transportes, MTA)  y participaron con su música ambulante en diversos lugares y eventos de la ciudad. Aparecieron brevemente en el Especial Vigésimo Aniversario de Los Simpsons, en enero de 2010. Su arreglo de la sintonía de la serie en una actuación al aire libre en Washington Square Park, se incluye en el montaje de apertura del video del evento, junto con otros artistas de relumbrón. Con este mismo nombre actuaban de forma semi-regular en diversos lugares del área de New York: Jazz Jules Bistro, The Greenwich Village Bistro, en Greenwich Village, y el Jalopy Theatre en Red Hook, Brooklyn, donde tocaban en los shows "Roots & Ruckus" (se trata de una noche semanal dedicada al folk, blues y música antigua, que se celebra en el Jalopy, en la que es habitual ver múscos con instrumentos tradicionales casi en desuso).

Como "Jessy Carolina And The Hot Mess" la banda cuenta con Jessy Carolina como cantante y tabla de lavar, Jerron "Blind Boy" Paxton en el piano, banjo y voces, Jordan Hyde en la guitarra, Jay Sanford en el contrabajo, Mario J. Maggio en el clarinete y el saxofón y Satoru Ohashi en la trompeta y el trombón. Y no me extrañaría nada que siguieran actuando por los mismos teatros, clubes  y estaciones que cuando fueron la Experience..

Siguiendo la pista de la voz desgarrada de Jessy Carolina y su  rusticano estilo, os propongo revisar  los  dos discos de ella que han caído en mis manos:

The Bill Murray Experience-2010-T'aint No Sin

Listado de Temas:

 01 - Gimme a Pigfoot - 04:39 min.

 02 - Mack the Knife - 04:16 min.

 03 - Shine - 04:01 min.

 04 - Heebie Jeebies - 03:08 min.

 05 - Kitchen Man - 05:34 min.

 06 - Careless Love - 03:55 min.

 07 - Crazy Blues - 03:13 min.

 08 - My Melancholy Baby - 05:44 min.

 09 - Curse of an Aching Heart - 01:36 min.

 10 - When You Were Sweet Sixteen - 05:33 min.

 11 - Yellow Dog Blues - 05:31 min.

 12 - Table Top Joe - 04:34 min.

 13 - Some of these Days - 05:31 min.

 14 - Sit Right Down + Sin to Tell a Lie - 03:39 min.

14 Temas - Tiempo Total: 01:00:54 - 272,80 MB

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y Jessy Carolina And The Hot Mess-2010-Bootlegs

Listado de Temas:

 01 - West End Blues - 04:07 min.

 02 - A Good Man Is Hard To Find - 05:20 min.

 03 - The Sheik Of Araby - 04:06 min.

 04 - Darktown Strutters' Ball - 03:30 min.

 05 - The World Is Waiting For The Sunrise - 03:20 min.

 06 - Baby, Won't You Please Come Home - 05:34 min.

 07 - Ida Sweet As Apple Cider - 06:14 min.

 08 - Moonglow - 04:57 min.

 09 - Chinatown, My Chinatown - 02:57 min.

 10 - Smoke Rings (Jalopy Theatre 2010) - 09:28 min.

10 Temas - Tiempo Total: 00:49:33 - 87,99 MB

El primero está en formato Flac y el segundo en mp3(VBR@248)
ambos están escasos de portadas, quedan en el mismo paquete
y espero que sean de vuestro agrado.

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Fuentes consultadas:

http://www.myspace.com/billmurrayexperience

http://www.jessycarolinahotmess.com
y

Entrevista por Brian Tucker ~~ StarNews Correspondent

Published: Wednesday, December 1, 2010 at 8:32 a.m.http://www.starnewsonline.com/article/20101201/ARTICLES/101209993

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Hope Waits - 2007 - Hope Waits

Si los datos biográficos expuestos en la web de Hope Waits son ciertos (y no un engendro publicitario para encuadrar un mito) la experiencia que sugiere su voz profunda, trasciende a los veintitantos años que la chica tenía cuando produjo este su álbum de debut. Y sobrepasa lo que se supone habría vivido un ser humano a esas edades porque su vida cuenta con muchas, y desagradables, experiencias que la fueron marcando.
Hope fue la séptima de los 12 hijos de una familia marcada por la pobreza, el abandono, el alcoholismo paterno y la depresión maníaca materna. "Las necesidades básicas se cumplían en raras ocasiones y el mal trato era sorprendente", dice, "pero yo amo a mi familia y no quisiera que nadie sintiera lástima por mí".  Waits encontró refugio en la música, aprendiendo por sí misma la forma de escribir canciones mientras se escondía bajo la cama. Harta de miserias, a los 15 años se fuga de casa para irse a vivir con una hermana mayor.
A los 19, su madre fue asesinada por un asaltante nunca identificado, una tragedia que la termina de decidir  a perseguir su sueño de dedicarse a la música: "supe que nunca iba a encontrar ninguna otra cosa en la vida que me proporcionara ese tipo de satisfacción", comenta, y empieza a actuar por el Sur antes de mudarse a Los Ángeles, donde llama la atención del productor Peter Malick (Norah Jones, Otis Spann, James Montgomery Band) quien termina por organizar su álbum de debut.
Durante la grabación de este álbum homónimo, Waits fue diagnosticada de un trastorno genético de la audición que la amenazaba de sordera, un hecho que decide guardárselo para sí misma durante las sesiones (en esos momentos ella ignoraba que tenía curación). "Sentí que si la gente sabía que me estaba quedando sorda, no sería tomada en serio como músico ¿cómo puede un cantante ser sordo?", confiesa Hope.
En 2011, y tras dos cirugías, parece que la audición de Waits está casi completamente restaurada (de tener un 60% de pérdida ha pasado a tan sólo un 5% en ambos oídos) y está dispuesta a comerse el mundo con su personal receta casera de jazz, blues, soul y pop. "Sé que mi madre no se sentiría decepcionada de mí", asegura, "ella tal vez no tomó las mejores decisiones como madre, pero yo soy quien soy gracias a ella. Ella me dio mi voz".  Voz delicadamente empapada en soul con la que, en la actualidad, parece que sigue encandilando a su audiencia en el entorno de Los Angeles.

Hope Waits - I'll Be Satisfied

Hope Waits - Get Behind the Mule

Hope Waits Guitar, Vocals

Marty Ballou String Bass

Ducky Carlisle Drums (Bass), Drums (Snare), Mixing, Vocals, Associate Producer

Marco Antonio Godoy  Keyboards, Piano, Engineer

Peter Malick Guitar, Audio Engineer, Audio Production, Engineer, Producer

Dave Marsh  Clarinet

Butch Norton Drums, Percussion, Associate Producer, Audio Production

Jon Ossman Fretless Bass, String Bass

Phil Parlapiano Accordion, Organ (Hammond), Piano

Lee Thornberg   Trombone, Trumpet

Jeff Big Dad Turmes  Bass, Guitar, Guitar (Bass), String Bass

David Woodford  Sax (Baritone), Sax (Tenor), Horn Arrangements

Pete Magdaleno  Audio Engineer, Engineer

Compositions by:

Harold Arlen, Tyran Carlo, Bob Dylan, Berry Gordy, Jr., Johnny Mercer

Reseña en AllMusic:

Sin ninguna relación con Tom (a pesar de la potente versión que del "Get Behind the Mule" de éste, hace en este disco) Hope Waits envuelve su voz profunda, sinuosa y sensual en torno a una docena de piezas blue/jazz en este su sorprendente debut. Aunque su estilo, y un cierto toque en su forma de cantar, pueden resultarnos parecidos a una combinación de Joan Osborne y Maria Muldaur, la Waits no es una simple imitadora. Ella alterna entre tórridos originales (como el lánguido "Fortune Teller") y versiones de temas de innovadores cantautores (la canción de Tom Waits ya citada o "Ring Them Bells" de Dylan ) y versiones de standars (como esa extraña y un tanto amenazante "Come Rain Or Come Shine"). La mayoría de los cuatro temas originales están escritos o asistidos por Peter Malick, quien también toca guitarra y produce. Su versión del clásico de Ray Charles "Drown in My Own Tears", acompañado por la sección de viento que aparece en un puñado de las selecciones, es un tour de force que hace más y más lento el tempo de la canción, a paso de tortuga, hasta que le arranca la última gota de emoción a la letra.
A la manera de los mejores intérpretes, Hope aporta con sus arreglos una perspectiva fresca a este material. La versión que abre el disco (el "I'll Be Satisfied" de Jackie Wilson) mantiene el tono soul al tiempo que añade una cucharada de jazz y swing bluesy. Hope clava el standard "Cigarettes and Coffee" con una intensidad casi como la de Otis Redding, no es tarea fácil, y lo hace suyo. Resulta menos exitosa (a pesar de un acordeón añadido para torcer el enfoque y añadir un toque de Louisiana R & B) en el clásico "Mother-in-Law Blues", famoso por la versión de Bobby "Blue" Bland.
Hay comparaciones con Norah Jones, obvias por el estilo similar (Malick también ha trabajado con Jones) pero la técnica de Hope resulta menos fácil de escuchar, mucho más oscura y vanguardista. Malick y Waits han sabido crear un sonido clásico, poco denso y no muy rígido, en el que destaca su fascinante voz. Atmosférico, intenso y a veces hinótico, el debut de Hope Waits es una delicia y un verdadero hallazgo para los que caminan por el lado más ominoso del boulevard del Jazz/Blues. ~~ by Hal Horowitz - AllMusic

Listado de Temas:

 01 - I'll Be Satisfied - 02:57 min.
 02 - You Crossed the Line - 03:58 min.
 03 - Fortune Teller - 04:47 min.
 04 - Yesterdays - 04:40 min.
 05 - Get Behind the Mule - 04:34 min.
 06 - Ring Them Bells - 03:49 min.
 07 - Drown in My Own Tears - 03:54 min.
 08 - The Ballad of Judith Anne - 04:07 min.
 09 - Cigarettes and Coffee - 04:14 min.
 10 - Mother in Law Blues - 02:51 min.
 11 - Come Rain or Shine - 03:17 min.
 12 - Ignatius - 05:15 min.

12 Temas - Tiempo Total: 00:48:23 - Flac - 282,54 MB

Fuente:
http://hopewaits.squarespace.com/about/

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Patricia Barber - 2006 - Mythologies

Patricia Barber

     . . .  cantante, pianista y compositora estadounidense de jazz. Se trata de una de las voces jazzísticas más aclamadas por la crítica desde finales del siglo XX. 

      Es hija de músicos: un antiguo componente de la orquesta de Glenn Miller, Floyd 'Shim' Barber, y cantante de blues su madre. Estudió piano clásico y psicología en la Universidad de Iowa. Después de un periodo de aprendizaje en locales de Chicago, en 1984 consigue actuar cinco noches durante la semana en una afamada sala de Chicago, el Gold Star Sardine Bar. En 1988 fue invitada a tocar en el Chicago Jazz Festival y en el North Sea Jazz Festival, en 1989. 

      En 1992 empezó a grabar para el sello Blue Note. Entre sus grabaciones habría que destacar Split (1989) Distortion of Love (1992) Cafe Blue (1994) Modern Cool (1998), Companion (1999) su primer álbum grabado en vivo, en el Club Green Hill de Chicago y Night Club (2000). Luego le siguieron Verse (2002) y Live: A Fortnight In France (2004).

      El estilo de Patricia Barber se aleja de la corriente convencional de aproximación entre jazz y pop (aunque gusta de adaptar al jazz composiciones del pop), y apuesta por el riesgo y la innovación a través de la improvisación y de la elaboración de su propio material. Su característica más definitoria es su voz: oscura, grave, y cercana a la de un alto. Su música se caracteriza por presentar una atmósfera introspectiva, pausada, minimalista, y muy atenta al ritmo y a la melodía. De su voz, oscura y grave, se corresponde a la de una cantante de cabaret,​ y sus textos son de una gran valía literaria, en la línea de un poeta beat.

Patricia Barber - 2006 - Mythologies

 

La excelente compositora, cantante y pianista Patricia Barber, recibe en 2003 una beca Guggenheim para crear una serie de piezas musicales basadas en el texto de Ovidio (*1) "Las Metamorfosis" (*2). Siendo la Barber tan poco encasillable como es, el encargo sobre un texto clásico tan "crossover" (ya que trata sobre los orígenes griegos de los cultos vigentes en la sociedad de la Roma clásica) le sirve como fuente de inspiración para unas bellas composiciones que suenan tan inclasificables como llenas de fuerza, tan libres de complejos como hipnóticas, tan poperas como jazzys, tan melancólicas como sensuales, tan oníricas como independientes . . . 
Este Mythologies no me ha parecido que sea un disco de escucha fácil, o mejor dicho: hay otras obras de Patricia Barber de las que se disfruta más directamente que de esta adaptación del texto clásico, pero el placer que me han proporcionado estas once canciones ha conseguido que, en mi modesta opinión, sea uno de los discos más memorables de los últimos años. Y para haceros extensivo el disfrute, agradezco a KURSEBELI su ripeo en formato lossless y lo pongo a vuestra disposición ¡que aproveche!

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Patricia Barbet - The Moon

Patricia Barbet - The Moon (cont)

Patricia Barbet - Morpheus

Patricia Barbet - Hunger

Patricia Barbet - Orpheus

Patricia Barbet - Persephone

Patricia Barbet - Whiteworld

  Patricia Barbet - Phaeton

Patricia Barbet - The Hours

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 Músicos: 

Patricia Barber - piano y voz
Neal Alger - guitarra
Michael Arnapol - bajo
Eric Montzka - batería

Con las aportaciones de: 

Jim Gailloreto - saxofón en los temas 1, 2, 10;
Choral Thunder, dirigida por Shelby Webb Jr. - 
coros en los temas 10 y 11

Y las voces de: 

Paul Falk (tema 7),
Grazyna Auguscik (tema 11),
Lawrice Flowers (tema 7, 10),
Airreal Watkins (tema 10),
Walter “Mitchell” Owens, III (tema 10)

Listado de temas:

01 - The Moon - 07:09 min.
 02 - Morpheus - 04:35 min.
 03 - Pygmalion - 04:38 min.
 04 - Hunger - 04:35 min.
 05 - Icarus (For Nina Simone) - 05:13 min.
 06 - Orpheus/sonnet - 04:31 min.
 07 - Persephone - 06:00 min.
 08 - Narcissus - 03:40 min.
 09 - White World/oedipus - 05:20 min.
 10 - Phaeton - 05:18 min.
 11 - The Hours - 07:47 min.

11 Temas - Tiempo Total: 00:58:46
346 Mb - flac @ 726

(*1) Publio Ovidio Nasón (Publius Ovidius Naso; Sulmona, 20 de marzo de 43 a. C. – Tomis, actual Constanza, 17 d. C.) fue un poeta romano; famoso sobre todo por sus obras "Arte de amar" y "Las metamorfosis", obra esta en verso donde se recogen relatos mitológicos procedentes, sobre todo, del mundo griego que fueron adoptados por la cultura latina de su época. Otra de sus obras de madurez fue los "Fastos", inconclusa, donde Ovidio explica el origen de los nombres de los meses y las fiestas del calendario romano.  La gran fama que tuvo en su época, a causa de un enfrentamiento con el emperador César Augusto en el año 8 a.C., le llevó a un exilio obligado a Tomis (la Constanza de la actualidad, ciudad ubicada en la costa oeste del Mar Negro, en Rumanía) donde pasó el resto de sus días. No se sabe a ciencia cierta por qué se le exilió: unas fuentes dicen que fue porque estaba presente en las ceremonias de adivinación donde se hablaba del destino del emperador, otras que a causa del tono erótico de sus poemas y las últimas (y más probables) porque Ovidio tenía conocimiento de los devaneos amorosos de la hija del emperador, Julia.


 (*2) "Las Metamorfósis", epopeya en 15 volúmenes que recoge gran parte de la mitología grecorromana, poniendo énfasis en las transformaciones sufridas por, al menos, uno de los protagonistas, desde el origen del cosmos hasta la muerte y apoteosis del emperador Cayo Julio César. La obra, que se conserva casi íntegra, no solo fue una gran fuente de inspiración para autores posteriores, sino que dio a los estudiosos un material único sobre mitología clásica.

Fuente consultada: Sta. Madre Wikipedia

PB06M1902.rar
https://1fichier.com/?5cih0cgic257ryydyb8v

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Dr. John - 2012 - Locked Down

Dr. John - 2012 - Locked Down

Desde los últimos 50's lleva dando la murga Mr. Mac Rebennack (Malcolm John Rebennack, Jr. en la pila bautismal). Afamado músico de sesión como guitarrista, abandonó su práctica en los 60's, tras un accidente con arma de fuego, centrándose en su labor como pianista de boogie y blues, participando en grabaciones de Professor Longhair o Joe Tex, entre otros. En los primeros 70's adopta el nombre de Dr. John, The Nite Tripper (El Noctámbulo) para hacer su primer disco, Gris-Gris, en el sello Atlantic y desde entonces, la voz personalmente gruñona de este médico, suena en sus discos con una original mezcla que contiene dosis de raíz criolla, funky, rock psicodélico,  R&B o música de New Orleans, fundiéndose en un crisol a modo de celebración carnavalesca de Mardi Gras.

Hacía bastante tiempo que no me pasaba por su consulta y el Doctor John me ha cautivado, una vez más, con la alegre terapia de este "Locked Down", una colección de recetas sabiamente mezclada y producida por Dan Auerbach, miembro de los Black Keys, y grabada en el estudio que Auerbach tiene en Nashville, con un grupo de jóvenes músicos que logran dar un aspecto de frescura digno de un directo.

 

Y para ejemplos, la canción "Getaway", de ambiente totalmente setentero (con su cabalgada de sección rítmica constantemente amalgamada, y la frenética guitarra soleando hacia el final de tema) o el cuasi-blues que asoma en "You Lie", o la ambientada Eleggua . . . aunque los otros siete temas no me han dejado indiferente ¡ni mucho menos! En definitiva, una imprescindible nueva entrega de Doctor John, el Noctámbulo, ampliando servicios médicos antes de que ajustes y recortes terminen por dejarnos tontos perdidos (o perdernos por ser muy tontos, que tanto monta . . .)

Dr. John - 2012 - Locked Down (Vinyl)

Line Up:

Dr. John Composer, Keyboards, Vocals
Dan Auerbach Composer, Guitar, Mixing, Percussion, Producer, Vocals (Background)
Leon Michels Composer, Keyboards, Percussion, Vocals (Background), Woodwind
Nick Movshon Bass (Electric), Bass (Upright), Composer, Percussion, Vocals (Background)

Brian Olive Composer, Guitar, Percussion, Vocals (Background), Woodwind
Max Weissenfeldt Composer, Drums, Percussion, Vocals (Background)
The McCrary Brothers  (Ann,  Alfreda & Regina McCrary) Vocals (Background)

Recorded at Easy Eye Sound, Nashville, TN
Mastered at Magic Garden Mastering

Collin Dupuis Engineer, Mixing
Danny Tomczak Studio Assistant
Brian Lucey Mastering

Gabe Soria Liner Notes
Michael Carney Art Direction, Photo Coloring
Alysse Gafkjen Photography
John Peets Photography
Joshua Black Wilkins Photography

Listado de Temas: 

Todos los temas compuestos por:
Dan Auerbach, Dr. John, Leon Michels, 
Nick Movshon, Brian Olive, Max Weissenfeldt

 01 - Locked Down - 04:59 min.

 02 - Revolution - 03:26 min.

 03 - Big Shot - 03:48 min.

 04 - Ice Age - 04:24 min.

 05 - Getaway - 04:35 min.

 06 - Kingdom Of Izness - 03:37 min.

 07 - You Lie - 04:45 min.

 08 - Eleggua - 02:53 min.

 09 - My Children, My Angels - 05:07 min.

 10 - God's So Good - 04:57 min.

10 Temas - Tiempo Total: 00:42:31

Flac @ 869 - 254,83 MB

DJ12LD.1906.rar

310 Mb

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Misery Loves Company - 1998 - Athens Meets New York

Los borreguitos de colores se sienten satisfechos, todo parece en calma, no ven la humareda de la calle ¡que está que arde! La gente se deja la piel (alguno hasta los sesos) en la Plaza Síntagma. No somos su mercancía pero la banca nunca pierde, así que ¡No Hagan Juego, Señores, Que No Va Más! ¡No, no, no. No es que estemos cansados, es que estamos hartos de tanto mendigar!(*1)
 . . . PRIMA DE RIESGO/BM/FMI/BCE/RESCATE . . . IMPUESTOS AL ALZA/SUELDOS A LA  BAJA/PRIVATIZACIONES/DESEMPLEO/RECORTES/PAGOS, MÁS PAGOS Y REPAGOS . . . Y nosotros, los corderitos coloreados, hacemos guardia asegurando el merendero: sabemos dónde comer, aunque a este paso no tendremos qué, ni de qué. 

01-Road Movie-Misery Loves Company - (Ver en Youtube sin ir a Youtube)

Misery Loves Company - Athens Meets New York

Magia Ke Miseria

Integrantes:

Sylvia Kapernaros: voces
Sakis Stratopoulos: bouzuki
Geoff Goodman: guitarra, mando-cello 
Chris Hirson: saxofón
Alex Haas: bass 
Shankar Lal: tabla
Tobias Ott: tabla, ghatam

Grabado en Charisma Studio, durante Diciembre de 1997
Diseño de portada: Michael Stueckl

~ ~ Notas de la portada del CD ~ ~

La magia y la miseria - Magia y misterio, el encanto de la transmutación del dolor y el sufrimiento humano en gozosa celebración a través de la Cábala de sonido. Y la Miseria Ama la Compañía.
El estilo de los Misery es ecléctico, la banda está compuesta por músicos de los EE.UU., Grecia, India y Alemania y la música tiene raíces de las Américas, Griegas y Asiáticas. Lo denominado como étnico o músicas del mundo suele ser algo como una amalgama de culturas y estilos que a menudo resulta en una mezcolanza musical que termina en una fórmula diluida, un conglomerado de partes que sólo son pálidas imitaciones de los originales; pero la música de los Misery tiene una profunda interculturalidad, con la autenticidad y convicción que nacen de un núcleo de intérpretes que se han conocido y trabajado en ello durante un considerable período de años.
(...)
La semilla de la idea que forman los Misery Loves Company se plantó en Munich, en  el night club griego The Lyra. Sakis estaba tocando allí cuando Geoff entró. Sakis recuerda el momento de su encuentro: "acabábamos de tocar una pieza especialmente difícil y este hombre llegó después del pase y me preguntó qué ritmo era. Me sorprendió que alguien estuviera interesado; era una pieza muy compleja, algo en 5/8, 6/8, 7/8, 9/8 y 11/8, y me llevó un rato el poder explicárselo", dice Sakis con una sonrisa. En los meses y años siguientes, Geoff y Sakis se hicieron amigos, además de compatriotas musicales; Sakis comenzó a enseñar a Geoff composiciones griegas y Goodman, a su vez, enseñó a Sakis algo de su música, y tocaron juntos en varias combinaciones musicales.
(...)

La relación entre las tradiciones musicales occidentales y del Medio Oriente conjuntadas con las formas musicales griegas, es algo demasiado complejo como para profundizar en este corto espacio. Baste decir que la tradición musical occidental se basa en modos griegos, y que los cerca de 3.000 años de cultura griega van a horcajadas sobre Europa y Asia. La influencia de Oriente en la cultura griega ha sido significativa: muchas de las grandes ciudades-estado griegas estaban en el Oriente Cercano y en las costas de lo que hoy es Turquía. Las antiguas batallas con el imperio persa y las expediciones militares de Alejandro Magno a través de Persia, Afganistán y la India, han hecho que Grecia sea el centro donde Oriente y Occidente, de hecho, se reunieron. Que este mestizaje de los Misery entre las músicas occidental, griega y oriental se origine en suelo griego es algo de sentido común.
(...)
Dicen que la miseria gusta de compañía . . . ya sea que estés jodido o muy animado, melancólico o alegre, la música de esta "Miseria" es una compañía que vale la pena mantener. Marty Cook, agosto de 1998 ~ ~ Notas en la portada del CD ~ ~ 


flac @ 751

Nuestro agradecimiento al uploader original:
ITR
http://intotherhyth.blogspot.com
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Listado de Temas:

01 - Road Movie - 07:08 min.
02 - Kamamotou - 04:22 min.
03 - About A Boat - 03:41 min.
04 - Magiadi - 06:14 min.
05 - Dry George - 04:52 min.
06 - Barbagianakakis - 06:08 min.
07 - Cleo's Compainion - 05:49 min.
08 - Misirlou - 07:01 min.
09 - Tsifiteteli - 04:46 min.
10 - Prosefhi - 05:25 min.

10 Temas - Tiempo Total: 00:55:26
316,67 MB 
 

Reseña de prensa en jazzrecords.com

Misery Loves Company ofrece una emocionante mezcla entre música tradicional griega y jazz americano. El estilo de los Misery es ecléctico, la banda se compone de músicos de los EE.UU., Grecia, India y Alemania. Su música tiene una profundidad intercultural con la autenticidad y convicción que nacen de un núcleo de intérpretes que se han conocido y han trabajado juntos durante varios años. El guitarrista Geoff Goodman y el saxofonista Chris Hirson, ambos de Nueva York, son afamados músicos de jazz y compositores prolíficos. Sakis Stratopoulos, de Atenas, es un maestro del bouzuki griego y Sylvia Kapernaros, también de Atenas, es una muy solicitada intérprete de música griega (tanto en su país como en el resto de Europa) que ha trabajado con músicos famosos de Grecia, entre ellos el legendario Mikis Theodorakis. El maestro músico hindú Shankar Lal provee a la banda del fuego necesario aparejado a un profundo conocimiento de ritmos exóticos.

(*1) Mediterráneo - No, no, no

MLC98AMNY [F].1PocodMusica.com.rar

https://1fichier.com/?2w2tknah5n

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#12M15M

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Anouar Brahem - 2009 - The Astounding Eyes Of Rita

Anouar Brahem - The astounding eyes of Rita

Line Up:

Anouar Brahem (oud) 

Klaus Gesing (clarinete bajo) 

Björn Meyer (contrabajo) 

Khaled Yassine (darbuka y bendir)

De Anouar Brahem, nos habló Jazzy aquí mismo. Para mí, el último siempre en llegar a cualquier cosa, significó la oportunidad de conocer y apreciar la labor de este intérprete tunecino maestro de Oud. Su música, concebida bajo el crisol del eclecticismo, suena con la magia de lo ancestral y va dibujando paisajes sonoros de incontenible belleza. Hace poco he conocido este disco publicado en 2009, consagrado a la memoria del poeta palestino Mahmud Darwish y titulado con los asombrosos ojos que a éste inspiraron el poema Rita y el fusil.

Un álbum donde  Brahem, entre perfumes de oriente y melancolías universales,  nos va paseando por el Al Birba que viera nacer al poeta, en Galilee (Mon Amour), nos insinúa el retozante jugueteo entre los brazos de La Amada de Beirut, hace Escala en Djibouti para Danzar con las Olas del Golfo de Tadjoura . . . 

Sin Aparente Razón, como en un paradójico Estado de Vigilia, este Asombrosos Ojos de Rita se ha convertido en la banda sonora de muchas tardes de este otoño extrañamente templado, cargado de amenazas, hasta terminar por ser la estrella de este  invierno  en que a las victimas se les exige, como impuesto especial para que no caiga el tinglado, reparación del daño recibido en carne propia (el pobre lobo de J. A. Goytisolo, maltratado por todos los corderos, acabó por hacerse banquero: ahora compra deuda pública con dinero ajeno, rédito propio y pleitesía mundial).

Entre esto y lo otro, volviendo a confundir dedo con cielo, el mega cae calcinado en auto de fe (de la industria del cohete que pretenden impulsar a pedaleo y metano) mientras sus colegas van de cabeza (de p. culo, más bien) intentando salvar las barbas, al tiempo que los usuarios dan una nueva vuelta de tuerca a la materia del oscuro debate (¿mulas, torrentes, VPN's, servidores en aguas internacionales?). Pero no hay retroceso, señoras y señores, lo que ya se tiene no se quita ¡NI A RITA, por mucho que se empeñen en situar entre ella y mis ojos . . . un fusil!



Anouar Brahem - The astounding eyes of Rita
Fecha: 25 Sep 2009
Recorded October 2008. At – Artesuono Recording Studio, UdineGénero: Jazz, Folk, World, & Country
Estilo: Contemporary Jazz

Créditos

Bass – Björn Meyer
Bass Clarinet – Klaus Gesing
Goblet Drum [Darbouka], Bendir – Khaled Yassine
Oud – Anouar Brahem

Music By – Anouar Brahem
Text By [Poem In Booklet] – Mahmoud Darwish

Design – Sascha Kleis
Engineer – Stefano Amerio
Photography By [Cover Photo] – Fouad Elkoury
Photography By [Liner Photos] – Luca d'Agostino
Producer [Produced By] – Manfred Eicher

RITA Y EL FUSIL

Entre Rita y mis ojos... un fusil.

Quien a Rita conoce, se postra
y reza
al Dios de sus ojos de miel.

... Besé a Rita
cuando niña,
aún recuerdo cómo... se pegó
a mí: una trenza preciosa cubrió mi brazo. 

Recuerdo a Rita
como el pájaro a la charca. 

Rita, Rita...
Teníamos un millón de pájaros y de fotos,
y mil citas,
y contra todo abrió fuego... un fusil.

El nombre de Rita le sabía a fiesta a mi boca,
el cuerpo de Rita se desposaba en mi sangre. 

En Rita me perdí... dos años,
durmió en mi regazo dos años,
nos prometimos ante el cáliz más bello,
ardimos en el vino de dos labios,
nacimos dos veces. 

Rita, Rita...
Nada privaba a mis ojos
de los tuyos, si acaso nuestras cabezadas
o alguna nube de miel,
hasta que irrumpió... aquel fusil.

Érase que se era,
oh silencio del atardecer,
una mañana en que mi luna partió
con los ojos de miel. 

La ciudad
barrió a los rapsodas, y a Rita. 

Entre Rita y mis ojos... un fusil.

Mahmud Darwix, 1967

(Tomado de Mahmud Darwix, Poesía escogida (1966-2005), traducción de Luz Gómez García, Valencia, Pre-Textos, 2008; y todo ello, a su vez, recogido de la web arabismo.com: http://www.arabismo.com/biblioteca/darwix/Mahmud_Darwix_rita_y_el_fusil.html)

Review By DAN MCCLENAGHAN, Published: October 21, 2009 http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=34405
The Astounding Eyes of Rita rings to life on four resonant notes from Tunisian oudist Anouar Brahem, joined in short order by the deep, rich tone of Klaus Gesing's bass clarinet. The music sounds ancient, like something from an old civilization, full of past truths that still hold true.
Manfred Eicher, the man in charge at ECM Records, has been known to inspire, from talented artists, consistently beautiful and sometimes eccentric (American ethno-centricity speaking) music from unusual instrumental combinations. His ECM sound—with notable exceptions including Keith Jarrett's Standard Trio and Trio Beyond, to name two—leans toward spaciousness and subtlety with an egalitarian chamber music approach. The Astounding Eyes of Rita fits into that chamber aesthetic, its quartet teaming German bass clarinetist Gesing with Brahem's Middle Eastern oud, backed by Swedish bassist Bjorn Meyer—known best for his groove-heavy Zen-Funk work in Nik Bartsch's Ronin—and Lebanese percussionist Khaled Yassine, to make a tranquil world music that embraces the inspired introspection and organic breathing room that has become de rigueur with the German record label.

The oud, the ancestor to the Western lute, is not your everyday jazz instrument. The pear-shaped, big-bodied string instrument that, to the uneducated ear, doesn't sound hugely different from the acoustic guitar, is sharper in tone, perhaps, and more succinct in its notations. The bass clarinet adds a Western element; introduced to many by Bennie Maupin's dark wood moaning within the sonic conglomeration of Miles Davis' Bitch's Brew (Columbia, 1969), its divine sound, showcased here in a quartet setting, is too seldom heard in jazz. The darbouka—a Middle-Eastern goblet drum with a crisp, resonant pop—bolsters the world music flavor of the set.

"The Lover of Beirut" has a peaceful feeling—restrained, unhurried and spiritual. "Dance With Waves" gives off a glow of peaceful momentum, while "Stopover At Djibouti" evokes images of teaming streets, gregarious interactions and convivial equanimity, the richly mellifluous voice of the bass clarinet punctuated by the concise declarations of the oud and darbouka.
The title tune explores the mysteries and the beauty of "Rita's" eyes, sounding like a celebration of something holy. Indeed, the quartet's musical immersion in things revered gives the Astounding Eyes of Rita a feeling of deep spirituality expressed by these serenely gorgeous sounds.

Listado de Temas:

01 - The Lover Of Beirut - 07:44 min.

02 - Dance With Waves - 03:57 min.

03 - Stopover At Djibouti - 06:34 min.

04 - The Astounding Eyes Of Rita - 08:42 min.

05 - Al Birwa - 04:52 min.

06 - Galilee Mon Amour - 07:17 min.

07 - Waking State - 07:48 min.

08 - For No Apparent Reason - 06:35 min.

8 Temas - Tiempo Total: 00:53:29

flac @ 500 - 217.91 MB
Posted By: Jazzmen
| Date: 26 Dec 2009 17:44:35 |

AB09TAEOR.FL2.1PocodMusica.rar

https://1fichier.com/?62md7vefccunp011pnbo

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Ten Years After - 1969 - Stonedhenge

Stonedhenge

fue el tercer álbum (cuarto, según algunas fuentes) de la banda británica de blues rock Ten Years After, grabado y lanzado en el año 1969. 

Créditos: 

Alvin Lee - Guitarra , voz piano
Chick Churchill - órgano Hammond, piano
Ric Lee - batería, tympani
Leo Lyons - Bajo, bow-bass, string bass, percusión

Personal adicional:
Roy Baker - efectos de sonido en "No Title"
Martin Smith - efectos de sonido de tren en "Speed Kills"
Simon Stable (acreditado como "Count Simon (Stable) de la Bedoyere") - bongos en "Going to Try"
Mike Vernon - coros en "Hear Me Calling"

Ten Years After 

fue una banda británica de blues formada en 1967 por Alvin Lee (19-12-1944) guitarra y voz, Chick Churchill (2-1-1949) teclados, Leo Lyons (30-11-1944) bajo, y Ric Lee (20-10-1945) batería. 

Se separaron en 1974, aunque llevaron a cabo varias reuniones posteriores (1983, 1988, 1999). La consagración les vino en el festival de Woodstock, donde ejecutaron la canción "I'm Going Home", 1o que colocó a Alvin Lee entre los líderes de guitarra de su tiempo. La película que se hizo sobre el memorable festival muestra una impresionante actuación de Ten Years After con este tema aunque extendido a 9 minutos de duración. "Going Home" fue lanzado originalmente en 1968, pero fue la grabación en vivo en Woodstock (agosto de 1969) la que llegaría a las listas en 1971.

Al comienzo de su carrera, firmaron contrato con Decca y su primer disco no tuvo mucho éxito, aunque el segundo, el directo "Undead" (1968) contenía la canción "I'm Going Home" blues de seis minutos con una impresionante digitación de Alvin Lee, que constituiría su mayor éxito a ambos lados del Atlántico unos años después. El Lp que traemos aquí, "Stonedhenge" de 1969, tuvo gran aceptación y alcanzó una muy buena situación en el Top Ten de Inglaterra en 1969. El siguiente álbum, "Ssssh", entró el Top 20 de U.S.A. y "Cricklewood Green" de 1970, tuvo el single de gran impacto "Love Like a Man", con el que alcanzarían el número cuatro. Ese mismo año publicaron "Watt" y finalizaron el contrato con Decca, tras lo cual firmaron con Columbia y comenzaron un cambio en el estilo musical que les acercaría a posiciones "pop" con éxitos de ventas tales como el que les brindó el Lp "A Space in Time" con el single "I'd Love to Change the World". Sin embargo, esta etapa no fue muy efectiva y se separaron después de la publicación del Lp "Positive Vibrations" en 1974.
Después de varias posteriores reunificaciones, en 2001, cuando Ric Lee preparaba unas reediciones, descubrió las cintas de la  grabación del que terminaría siendo el Lp "Live at the Fillmore East", grabado en 1970, y propuso a Alvin el regreso de la banda para apoyar el lanzamiento, pero éste se negó, por lo que la banda estuvo de gira, una vez más, aunque ahora con el guitarrista Joe Gooch sustituyendo a Alvin Lee y fruto de ese trabajo apareció, después de 15 años, nuevo material de la banda, publicándose el doble Cd "Roadworks" en 2005.

En cuanto al Lp "Stonedhenge", comentar que fue remasterizado en 2002 (aunque no es esta la edición que presentamos aquí, sino la del Lp original) añadiéndose las siguientes canciones:
Hear Me Calling (Single Version) (Alvin Lee) - 3:44
Women Trouble (US Version) (Alvin Lee) - 4:48
I'm Going Home (Single Version) (Alvin Lee) - 3:34
Boogie On (Alvin Lee) - 14:44

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Listado de Temas:

01 - Going To Try - 04:36 min. 

02 - I Can't Live Without Lydia - 01:23 min. 

03 - Woman Trouble - 04:39 min. 

04 - Skoobly-Obbly-Doobob - 01:45 min. 

05 - Here Me Calling - 05:43 min. 

06 - A Sad Song - 03:22 min. 

07 - Three Blind Mice - 00:59 min. 

08 - No Title - 08:13 min. 

09 - Faro - 01:11 min. 

10 - Speed Kills - 03:36 min.

10 Temas - Tiempo Total: 00:35:27

ape @ 715 - 183,37 MB

VinyloRipeao PorNapi#11

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Fuentes consultadas:

http://www.allmusic.com

http://es.wikipedia.org

http://www.discogs.com

Buscad . . . . . . . . . . . . . 

TYA69S (AVR).1PocodMusica.com.rar

https://1fichier.com/?qla87kszkp

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