Lee Morgan Here's Expoobident

Lee Morgan ¬ Here's Lee Morgan, 1960

Recorded at Bell Sound Studio B, NYC, February 8, 1960.

Liner Notes – Barbara J. Gardner

Photography By – Chuck Stewart

Intérpretes

Bajo – Paul Chambers

Batería – Art Blakey

Piano – Wynton Kelly

Saxo Tenor – Cliff Jordan

Trompeta – Lee Morgan

Foto de arriba. Lee Morgan y Clifford Jordan durante un descanso durante las sessiones de grabación de un Lp de Clifford Jordan, 2 de Junio de 1957, en Van Gelder Studios

Debajo, Lee Morgan en un ensayo de la sesiones de Blue Train, de John Coltrane, en Nueva York, septiembre de 1957, con Paul Chambers y Curtis Fuller al fondo, ambas son fotos de Francis Wolff 

Listado de Temas:

Cara A

01 - Terrible T - 05:16 min.

Composición de Lee Morgan

02 - Mogie - 07:44 min.

Composición de Lee Morgan

03 - Im A Fool To Want You - 05:37 min.

Composición de Frank Sinatra, Jack Wolf, Joel Herron

Cara B

04 - Running Brook - 06:10 min.

Composición de Wayne Shorter

05 - Off Spring - 06:21 min.

Composición de Milt Jackson

06 - Bess - 06:32 min.

Composición de Lee Morgan

6 Temas. Tiempo Total 00:37:40

flac ¬ 880 ¬ 235,89 MB

RipPor ¬ Napi#21

El Cielo Y El Dedo

http://ElCieloYElDedo.blogspot.com

Reseñas

Sello: Vee Jay Records ‎– LP 3007

Formato: Vinyl, LP, Album, Promo, Mono

 País: US Publicado: 1960

Género: Jazz Estilo: Hard Bop

Sello: Vee Jay Records ‎– LP 3007 USA 1960

Formato: Vinyl, LP, Album, Promo, Mono                                                                  

Género: Jazz Estilo: Hard Bop

AllMusic Review

https://www.allmusic.com/album/heres-lee-morgan-mw0000188579

by Scott Yanow

      Esta reedición de Cd tiene sus seis canciones originales expandidas a 11 con la inclusión de cinco tomas alternativas. La música es un buen hard bop sólido que muestra a Lee Morgan (todo un veterano ya a sus 21 años) saliendo de la herencia de Clifford Brown para mostrar su propio estilo en rápido desarrollo. Combinado con Clifford Jordan en el tenor, el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Art Blakey, este álbum de Morgan podría pasar perfectamente por un set de los Jazz Messengers.

Lee Morgan, Expoobident. 1961

Vee Jay Records ‎– LP-3015, VJLP 3015

Chicago, 13 y 14 de Octubre de 1960

at Universal Recorders, Chicago, IL

Intérpretes

Bajo – Art Davis

Batería – Art Blakey

Piano – Eddie Higgins

Saxo Tenor – Cliff Jordan

Trompeta – Lee Morgan

Listado de Temas:

01 - Expoobident - 05:04 min.

Composición de Eddie Higgins

02 - Easy Living - 06:01 min.

Composición de Leo Robin, Ralph Rainger

03 - Triple Track - 05:05 min.

Composición de Lee Morgan

04 - Fire - 04:55 min.

Composición de Wayne Shorter

05 - Just In Time - 03:36 min.

Composición de F. Novak

06 - The Hearing - 03:40 min.

Composición de Clifford Jordan

07 - Lost And Found - 03:34 min.

Composición de Clifford Jordan

7 Temas. Tiempo Total 00:31:55

flac ¬ 953 ¬ 215,28 MB

RipPor ¬ Napi#21

El Cielo Y El Dedo

http://ElCieloYElDedo.blogspot.com

Reseñas

Formato: Vinyl, LP, Album, Mono

País: US Publicado: 1961

Género: Jazz Estilo: Hard Bop

Notas de contraportada – Nat Hentoff

Fotografías de Francis Wolff

Lee Morgan ¬ Expoobident 1961

Notas de contraportada, por Nat Hentoft

      Expoobident es otra contribución al argot del jazz de Babs Gonzales, "el vagabundo", historiador informal de la vida jazz y uno de los neólogos más quijotescos. Como es habitual en las frases del jazz, "expoobident" es de uso elástico y puede relacionarse con muchos tipos diferentes de situaciones y todo tipo de fenómenos: masculino, femenino o inanimado. Sin embargo, su connotación es increíblemente positiva si se gana el primer sorteo, por ejemplo, o si se refiere a enamorarse por "última vez". Un niño dice: "¡Papá, eso es expoobident!". Lexicograficamente y en sentido figurado, la interpretación de Lee Morgan comunica una positividad remanente y persistente. Es natural por temperamento y estilo, un introvertido inquietante. Si bien tampoco es un sentimentalista, Lee tiene un enfoque de liderar con alegría mental a pesar de que se encuentra en una de las vocaciones más competitivas y predecibles ¡es expoobident!

      La primera vez que me fijé en lo que se había convertido, fue cuando estaba con la big band de Dizzy Gillespie. Lee solo tenía diecinueve años entonces, pero se sentaba junto a sus mayores con una seguridad casi traviesa y cuando explotó en ese espectacular solo suyo en Night in Tunisia tocó con tal fuego y autoridad que no había duda de que iba a convertirse en uno de los "mayores", en uno de los principales trompetistas modernos.

      En los años posteriores, el estilo de Morgan ha madurado de manera impresionante. Debido a que se volvió tan fluido desde el punto de vista técnico tan joven y porque creció en un lenguaje musical que los músicos mayores tuvieron que reorganizar para aprender, Lee al principio se entregaba con asiduidad al puro placer de la facilidad de múltiples notas para su propio beneficio. A su tendencia a realizar acrobacias se sumaba su exuberancia natural y su agudo sentido del humor. Sus solos están más estrechamente editados ahora y, en consecuencia, son mucho más fuertes en su cohesión y poder concentrado. Afortunadamente, el ingenio permanece, y en un período durante el cual muchos de los músicos han pasado por alto la posibilidad de que el jazz sea simplemente diversión, la presencia de Lee es gratamente bienvenida sobre la base de su buen humor.

      Don DeMicheal en un Down Beat reciente describió con precisión al Lee Morgan actual: "... [su interpretación] avanza, no en pirotecnia ascendente y descendente, sino de una manera fácil, contundente, suave, cálida y lógica. Flota alrededor del ritmo, dejando caer acentos por medio". Y Lee contó a DeMicheal cómo sentía que había cambiado en los últimos años: "Tienes que aprender a usar el espacio. Si no hubiera sido por Miles, probablemente todavía estaría tratando de aportar tanto como pudiera. en un coro [...] en este álbum, hay una serie de ilustraciones particularmente apacibles de cómo toca Lee ahora, se ha seleccionado a un grupo vigoroso de acompañantes. En la batería está Art Blakey, erizado y estimulante, con cuyos Jazz Messengers, Lee ha estado desde septiembre de 1958 y el pianista Eddie Higgins, de 29 años, nació en Cambridge, Massachussetts, pero basado profesionalmente en Chicago en los últimos años. El estilo de Higgins es lúcido, melódicamente inventivo y, afortunadamente, no se puede clasificar fácilmente en ninguna "escuela".

Lee Morgan y Hank Mobley dentro del Slugs

         El bajista Art Davis, de 26 años, nacido en Harrisburg. Pensilvania, estudió en Nueva York en Juiliard y en la Manhattan School of Music. Ha impresionado a varios jazmen modernos destacados (particularmente a Max Roach en cuyo grupo ha tocado) con su maestría musical, tono y gusto. El saxofonista tenor Cliff Jordan, de 29 años, nacido en Chicago, donde adquirió su primera experiencia, ha trabajado con Max Roach, Horace Silver y J. J. Johnson, entre otros. Su forma de tocar es identificable por su tono vigoroso, ritmo fuertemente consistente y una capacidad admirable para desarrollar solos lógicos y económicos. Eddie Higgins escribió la apertura "Expoobident" y la línea tiene una sensación contagiosa de bienestar. Lee es característicamente picante y ataca cada nota con firme claridad. Jordan, siempre emocionalmente directo, ha profundizado su "grito" en los últimos dos años. Higgins es otro jazzista moderno que conoce el valor del espacio. También me sorprende la forma en que su ritmo ha ganado en facilidad y plenitud. 

       La urgencia connotada por la línea de "Fire" es característica de su compositor, Wayne Shorter, saxofonista tenor de los Messengers de Art Blakey. Jordan cava con fuerza mientras Lee aporta el solo crepitante y punzante. (Observe aquí, cómo en todo el álbum, Blakey aguijonea continuamente a los solistas con acentos agudos y al mismo tiempo mantiene una pulsación subyacente poderosa). La creciente capacidad de Lee para un lirismo cálido es clara en "Just in Time", donde su enfoque discreto y juicioso recuerda a Miles Davis en cierta medida, aunque superficial. "Me encantan los acordes", le dijo Lee a DeMicheal, "pero quiero tocar líneas y elegir notas bonitas. Me gusta escuchar el grito de una trompeta, y también me gusta escucharlo en el registro medio, como toca Miles. Creo que se debería tocar de manera diferente en cada canción". Este intérprete indica cuán efectivo puede ser Lee en el registro medio, y también cuán capaz es  para adaptar los requisitos particulares de cada melodía con gran estilo.

       "Triple Track", original de Lee, es un tema muy dinámico. El solo de Lee salta del conjunto y es mordazmente indicador de su tono viril y metálico y su deleite en hacer que la trompeta grite. El sonido oscuro y más anhelante de Jordan complementa el brillo de Lee y "la expoobidencia". Higgins mantiene el estado de ánimo de la pieza pero también agrega un toque personal, casi de sentimiento introspectivo. "Easy Livin' demuestra un crecimiento especialmente marcado en la capacidad de Lee para manejar baladas. Su tono abierto es individual, claro y pleno. Tiene una habilidad sensible con la dinámica y es capaz de ser completamente emotivo sin meterse en baños". Cuando el tiempo se acelera, Lee conserva su preocupación por el sombreado y el fraseo dramático (aunque no melodramático). El estado de ánimo permanece intacto cuando vuelve al tempo original y la expresividad general del solo de Morgan es uno de los más satisfactorios en los discos.

       "The Hearing", con su evocadora insistencia, como un comienzo de tren, es de Ciff Jordan, al igual que el "Lost and Found" final. Una vez más, Lee es sorprendentemente intenso mientras que mantiene un control completo de su bocina y proyecta una poderosa "fuerza vital" (para llevarlo a unas notas de folleto de GB Shaw, "Lost and Found" tiene una "especie de línea de empacado y termina apropiadamente la interpretación con un entusiasmo de celebración en  el  todo, con Lee gritando con placer ilimitado).

      En esa entrevista para Down Beat, Lee dijo con su franqueza habitual "Dizzy, Miles, Kenny Dorham, y tal vez Thad Jones, son los únicos modernistas con un estilo original. Me gustan muchos otros nombres de trompetistas ... hay buenos músicos, pero ellos - y me incluyo a mí mismo - tocamos más o menos parecido". Sin reconocer esto, ha ido evolucionando de manera constante con una rapidez particular. Me parece que una de las bases de lo que oigo en estas actuaciones, es que "Lee" está tocando mucho más que "Lee Morgan".

      Aparte de sus valores musicales inherentes, este es un álbum importante para enmascarar una etapa significativa en el ascenso de Lee Morgan.

Nat Hentoft

37168 – LEE MORGAN – Expoobident

https://www.jazzimagesrecords.com/

Lee Morgan tocando como miembro de los

Jazz Messengers de Art Blakey en un concierto en el

Teatro de Los Campos Elyseos de París, el 15 de Noviembre de 1959

Expoobident | Lee Morgan

30 May 2010 Reviewed by Paul Rigby

       Lanzado originalmente en 1960, este lanzamiento de hard bop comienza con una pista de título relajante, particularmente maravillosa, que hace clic con los dedos y que hará que los hombros se balanceen y las caderas se muevan. La madurez emocional de Morgan se ve aquí en la balada Easy Living, en la que sus tonos abiertos reflejan la naturaleza expresiva de su interpretación, sin volverse enfermizamente dulce. El solo de saxo de Clifford Jordan destaca en la composición de Wayne Shorter Fire, pero Morgan siempre está pisándole los talones con un complejo y penetrante solo. Just In Time, por otro lado, es particularmente íntimo, gracias a su estilo de grabación silencioso y cerrado, con Morgan explorando los registros medios como Miles. Al llegar con dos pistas extra, este es un punto culminante de la carrera temprana del trompetista. 

Here's Lee morgan

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Expoobiden

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Jorma Kaukonen - 2002 - Blue Country Heart Reup By Request

Jorma Kaukonen - 2002 - Blue Country Heart

Grabado en Masterlink Studio

y mezclado en

17 Grand Studios, Nashville, TN

Intérpretes

Jorma Kaukonen - guitarra, voz

Sam Bush - mandolina, violín, coros

Jerry Douglas - dobro, guitarra hawaiana

Byron House - bajo, coros

Béla Fleck - banjo en "Just because" y "Bread Line Blues"

Listado de Temas: 

 01 - Blue Railroad Train - 03:43 min.

(Lionel Alton Delmore, Rabon Delmore)

 02 - Just Because - 04:13 min.

(Joe Shelton, Sydney Robin, Bob Shelton)

 03 - Blues Stay Away From Me - 03:26 min.

(L. Delmore, R. Delmore, Henry Glover, Wayne Raney)

 04 - Red River Blues - 03:23 min.

(Jimmie Davis)

 05 - Bread Line Blues - 04:39 min.

 (Bernard Slim Smith)

 06 - Waiting For A Train - 03:24 min.

(Jimmie Rodgers)

 07 - Those Gambler's Blues- 03:06 min.

(Rodgers) 

 08 - Tom Cat Blues - 03:06 min.

 (Jelly Roll Morton)

 09 - Big River Blues - 02:59 min.

(L. Delmore)

 10 - Prohibition Blues  - 04:11 min.

(Clayton McMichen)

 11 - I'm Free From The Chain Gang Now - 03:26 min.

(Lou Herscher, Saul Klein)

 12 - You And My Old Guitar - 02:43 min.

(Rodgers, Elsie McWilliams)

 13 - What Are They Doing In Heaven Today - 03:21 min.

(Traditional)

13 Temas - Tiempo Total: 00:45:40

flac @ 740 - 240,49 MB

Rip&Posted By: HDAtall y Knos5

| Date: 31 Mar 2014 13:57:26 |

Personal de producción

Roger Moutenot - productor, ingeniero, mezcla

Yves Beauvis - productor, A&R

Tracy Martinson - ingeniero de sonido, grabación digital

John Hurlbut, K. C. Groves, Rob Clark - asistentes ingenieros de sonido

Ted Jensen - masterización

Jorma Kaukonen - notas del folleto

David Bett - dirección de arte

Danny Clinch, Glen Rose, Gil Gilbert - fotografía

      Blue Country Heart es un álbum de estudio de Jorma Kaukonen lanzado en junio de 2002. Fue su primer álbum en un sello importante desde Barbeque King de 1980. Jorma no escribió ninguna composición nueva para el álbum, y en su lugar tocó principalmente versiones de country-blues. Volvió a confiar en el talento de otros músicos para este esfuerzo en solitario, aunque recurrió a músicos con los que no había trabajado anteriormente en ningún proyecto. Sam Bush, Jerry Douglas, Byron House y Bela Fleck ayudaron a agregar más del sabor country, algo que no estaba presente en anteriores proyecctos en solitario de Kaukonen. El álbum fue nominado a un premio Grammy en 2003 como "Mejor álbum de folk tradicional".

AllMusic Review

by Zac Johnson

   El guitarrista acústico Jorma Kaukonen jugueteó un poco con sus raíces country en Jefferson Airplane y se sumergió un poco más mientras estaba al frente de Hot Tuna, pero su lanzamiento de 2002, Blue Country Heart, es su álbum más de tarde de verano. El álbum se compone de canciones country tradicionales de los años 30 y 40 popularizadas por artistas legendarios como Jimmy Rodgers, Jimmy Davis, Gene Autry y los Delmore Brothers. La banda de countryblues presenta a los virtuosos acústicos contemporáneos Sam Bush en la mandolina, Jerry Douglas en el dobro, el bajista Byron House y el ganador del Grammy Béla Fleck en el banjo, respaldando los ágiles dedos y la voz ronca de Kaukonen.

     Todo el álbum tiene un ambiente relajado, ya sea que Kaukonen esté esperando un tren, cantando a su gato promiscuo o escapando de una banda encadenada, su voz mantiene una sensación relajada y el estilo de grabación "sin overdubs" le da un sonido de "sala de estar". Las grabaciones no son perfectas, pero sí bastante cercanas, y las notas y los crujidos de voz solo ayudan a agregarse a la atmósfera hogareña, lo que lo convierte en una experiencia auditiva cálidamente agradable.

Reseña de Zac Johnson - AMG

      The Graham Weekly Album Review #1285

Jorma Kaukonen: Blue Country Heart

por George Graham

(Columbia Records 86394 As broadcast on WVIA-FM 6/19/2002)

http://georgegraham.com/reviews/kaukonen.html

      El renacimiento actual de bluegrass ha tenido algunas consecuencias interesantes. Ha allanado el camino para una nueva generación de destacados artistas jóvenes que llevan la música a nuevos lugares, gente como Alison Krauss & Union Station y Nickel Creek. También ha visto un renovado interés público en artistas de larga carrera, como Ralph Stanley, haciendo música de estilo tradicional; e inspiró a algunos artistas populares a revisar un estilo que era parte de su fondo musical, como Dolly Parton y Ricky Skaggs.

      Esta semana tenemos otro ejemplo de un artista establecido que regresa a las raíces influenciadas por el bluegrass, quien, aunque a diferencia de la mayoría de las otras personalidades en la última categoría, es alguien cuya popularidad no fue en country, sino en blues y rock y se remonta a los días psicodélicos: Jorma Kaukonen, quien acaba de lanzar Blue Country Heart, una colección de canciones antiguas de country y bluegrass interpretadas por algunos de los MÁS importantes instrumentistas de la escena New Acoustic.

      Jorma Kaukonen es famoso por ser co-fundador de la banda de rock de San Francisco, Jefferson Airplane. Pero su educación musical fue en los días folckies de finales de la década de 1950 y principios de los sesenta, cuando la música folk significaba material tradicional. Kaukonen tuvo una infancia en varios lugares, cuando su padre trabajaba para el Servicio Exterior de los Estados Unidos. Uno de sus primeros intereses musicales fue en una slide guitar llamada "veena". Después de regresar a los Estados Unidos a los 16 años, en el momento del auge de la música folk de finales de 1950, comenzó a interesarse por la música country antigua de artistas como la Familia Carter. En 1961, se trasladó a la Universidad de Santa Clara en California, donde eventualmente conoció a Paul Kantner, y los dos decidieron formar una banda de rock, que llegó a buen término en 1965, y adoptó un nombre sugerido por Kaukonen, Jefferson Airplane. Es interesante notar que en el segundo álbum del grupo, Surrealistic Pillow, Kaukonen grabó lo que probablemente fue el primer tema instrumental de solo guitarra acústica en un álbum de rock pop, el clásico Embryonic Journey.

      Kaukonen siguió con su interés en el country blues acústico, en la tradición del Reverendo Gary Davis (uno de los primeros héroes de Kaukonen) al lanzar Hot Tuna, junto a su amigo y compañero Jeffersoniano, Jack Casady, originalmente como proyecto paralelo en 1970. El  Hot Tuna ha continuado hasta el presente, aunque a menudo ha sido bastante eléctrico después de sus inicios acústicos.

      Kaukonen escribe en sus notas de Blue Country Heart, que la idea de este CD ha estado en su cabeza durante unos años: reunirse en Nashville con algunos instrumentistas destacados que se han convertido en sus amigos, para hacer algunas de las viejas canciones del country con las que creció, según sus palabras, "cuando el país tomó muchos préstamos de su cómplice, el blues, a través del ferrocarril". 

      Hay bastantes canciones que aquellos que vivieron en la escena de música folk original de la década de 1960 pueden recordar las versiones de la época, y las interminables actuaciones, aunque son canciones que, en su mayor parte, no se han escuchado demasiado, mientras que se convirtieron en casi clichés en la década de 1960. 

      Pero el paso del tiempo los ha tratado bien, y tratarlos aún mejor es lo que hacen los músicos reunidos. Unirse en Blue Country Hear a Kaukonen es un "quién es quién" en la New Acoustic Music: el fundador de New Grass Revival, Sam Bush, en mandolina y violín, el omnipresente Jerry Douglas en dobro, el bajista Byron House y el extraordinario banjo Béla Fleck, quien aparece en dos temas. El CD también sirve como recordatorio de que el guitarrista Kaukonen no se queda atrás en su instrumento y hace todas las voces principales para las generaciones de fans de Hot Tuna.

       Una colección de potentes temas musicales como esta tiene el potencial de ser un ejercicio de autocomplacencia, nostalgia o ambas cosas, pero la calidad de la maestría musical es tan buena que es difícil regatear con la idea de desenterrar las canciones antiguas. Y son 14 de ellas, desde clásicos de Jimmy Rodgers y Delmore Brothers, hasta un par de piezas antiguas, a los que se acercan con interpretacines novedosas. Y todos trabajan con muy buen gusto, tomándose muy pocas libertades con las canciones, aparte de algunos solos instrumentales.

      El CD también imparte la inconfundible sensación de que los músicos reunidos se están divirtiendo. Así que, aunque realmente no estén transmitiendo nada particularmente nuevo, el CD es completamente contagioso, lo que hace que quieras cantar como en los viejos tiempos de la música folk.

Graham Weekly Album Review #1285

por George Graham

Pass

1PocodMusica

Blue Country Heart

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Joe Henderson.01 Kicker Tetragon For Joe

Joe Henderson, Mode For Joe (RVG Edition) 1966

Grabado el 27 de enero de 1966 por Rudy Van Gelder

en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ

remaster de 2003 por Rudy Van Gelder

Dirección de arte reedición - Michael Boland

Director creativo reedición - Gordon H Jee

Diseño Portada - Reid Miles

Notas del folleto Original - Leonard Feather

Notas del folleto Reedición - Bob Blumenthal

Fotografía de Portada, Fotografías de la sesión real en el folleto - Francis Wolff

Productor - Alfred Lion

Productor de la reedición - Michael Cuscuna

• Todas las transferencias de analógico a digital se realizaron con una resolución de 24 bits
• Las pistas #01 a #06 se publicaron originalmente con ref. BLP 4227 y BST 84227.
• La número #07 es un bonus que no formaba parte del Lp original.

Intérpretes

Bajo - Ron Carter

Batería - Joe Chambers

Piano - Cedar Walton

Saxo tenor - Joe Henderson

Trombón - Curtis Fuller

Trompeta - Lee Morgan

Vibráfono - Bobby Hutcherson

Listado de Temas:

01 - A Shade Of Jade - 07:08 min.
Composición de Joe Henderson

02 - Mode For Joe - 08:01 min.
Composición de Cedar Walton

03 - Black - 06:52 min
Composición de Cedar Walton

04 - Caribbean Fire Dance - 06:42 min.
Composición de Joe Henderson

05 - Granted - 07:20 min.
Composición de Joe Henderson

06 - Free Wheelin' - 06:39 min.
Composición de Lee Morgan

07 - Black (Alternate Take) - 06:48 min.
Composición de Cedar Walton


7 Temas. Tiempo Total 00:49:30
flac ¬ 887 ¬ 303,34 MB

Blue Note ‎– BLP 4227  USA 1966 
Vinylo, Lp, Album, Mono
Blue Note ‎– 7243 5 91894 2 0  Remastered: 2003 
CD, Album, Reissue Serie: RVG Edition
Género: Jazz – Estilo: Hard Bop, Post Bop, Modal

Reseña de AllMusic

por Eric Starr 

      Dada la fecha de grabación de Mode para Joe y la formación de la banda, es fácil asumir que este es un álbum de hard bop. Sin embargo, este disco de 1966 de Joe Henderson, con el trompetista Lee Morgan, el trombonista Curtis Fuller, el vibrafonista Bobby Hutcherson, el pianista Cedar Walton, el bajista Ron Carter y el baterista Joe Chambers, es un gran ejemplo del jazz moderno en su máxima expresión. Fue grabado durante una época de cambios musicales radicales debido a los desarrollos en el free jazz, el soul-jazz e incluso los primeros experimentos con la fusión. Fue una época en la que las inclinaciones blues y funky de los hard boppers estaban dando paso a enfoques contemporáneos más individualizados.

      Uno de los mejores ejemplos de este cambio, Mode for Joe, suena más al trabajo experimental de Branford Marsalis que a las maravillosas reflexiones de Art Blakey & the Jazz Messengers. La última pista de este disco, "Free Wheelin'", es la única melodía de hard bop testarudo que se escucha aquí. Aparte de eso, las canciones en su mayoría uptempo de este set, sirven como vehículos para los solos. El propio Henderson demuestra que la plantilla de intérpretes como Marsalis, Joe Lovano y Joshua Redman se inventó una generación antes, como se evidencia en "A Shade of Jade", "Black" y otros, lo que lo convierte al álbum en uno de los temas más intrigantes de los discos de leyenda del saxo.

01-Mode for Joe
https://1fichier.com/?thug5unq8h91wcj2vbr0

Joe Henderson, Tetragon. 1968

Grabado en Plaza Sound Studios (Nueva York) 

los días 16 de mayo de 1968 y 27 de septiembre de 1967

Ingeniero Elvin Campbell

Masterizado en Madison Sound Studios

Ingeniero de masterización - Ray Hagerty

Notas y Producción - Orrin Keepnews

Diseño - Asterisk Associates, Inc.

Fotografía - Charles Stewart

Intérpretes

Bajo - Ron Carter

Batería: Jack DeJohnette (pistas: A1 a A3, B2),

Louis Hayes (pistas: B1, B3, B4)

Piano - Don Friedman (pistas: A1 a A3, B2),

Kenny Barron (pistas: B1, B3, B4)

Saxo Tenor]- Joe Henderson

Listado de Temas:

A

01 - Invitation - 06:16 min.
Composición de  Bronislau Kaper

02 - 'R.J.' - 05:37 min.
Composición de Ron Carter

03 - The Bead Game - 08:39 min.
Composición de Joe Henderson

B

04 - Tetragon - 05:40 min.

Composición de Joe Henderson

05 - Waltz For Zweetie - 04:25 min.
Composición de Walter Bishop

06 - First Trip - 05:16 min.
Composición de Ron Carter

07 - I've Got You Under My Skin - 05:01 min.
Composición de Cole Porter


7 Temas. Tiempo Total 00:40:54
flac ¬ 806 ¬ 247,65 MB

Reseñas
Sello: Milestone ‎– MSP 9017 USA  1968
Formato: Vinyl, LP, Album
Género: Jazz Estilo: Bop, Hard Bop, Modal

AllMusic Review

by Scott Yanow

       La segunda grabación de Joe Henderson para Milestone presenta al gran tenor con dos secciones rítmicas separadas: Kenny Barron o Don Friedman al piano, el bajista Ron Carter y Louis Hayes o Jack DeJohnette a la batería. Los cortes más destacados de este álbum incluyen la canción principal,  "I've Got You Under My Skin" e "Invitation".

02-Tetragon
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Joe Henderson Sextet ¬ The Kicker. 1968

Fecha de grabación 10 de agosto de 1967 en Plaza Sound Studios,

de Nueva York City, NY

Ingeniero - Elvin Campbell

Notas del folleto - Jack Springer

Fotografía del folleto Bert Andrews

Fotografía de portada - Charles Stewart

Productor - Orrin Keepnews

Diseño - Studio Grafica Ltd.

Intérpretes

Bajo - Ron Carter

Batería - Louis Hayes

Piano - Kenny Barron

Saxo tenor - Joe Henderson

Trombón - Grachan Moncur III

Trompeta - Mike Lawrence

Sección rítmica en pista B3 - Joe Henderson

Listado de Temas:

Cara a

01 - Mamacita - 03:24 min.

Composición de Joe Henderson

02 - The Kicker - 04:09 min.
Composición de Joe Henderson

03 - Chelsea Bridge - 04:41 min.

Composición de Billy Strayhorn

04 - If - 05:37 min.
Composición de Joe Henderson

Cara B

05 - Nardis - 04:43 min.
Composición de Miles Davis

06 - Without A Song - 06:03 min.

Composición de Rose, Eliscu, Youmans

07 - O Amor Em Paz (Once I Loved) - 05:35 min.

Composición de Antonio Carlos Jobim

08 - Mo' Joe - 04:11 min.

Composición de Joe Henderson

8 Temas. Tiempo Total 00:38:23

flac ¬ 907 ¬ 239,97 MB

Reseñas

Sello Milestone ‎– MSP 9008 USA 1968

Formato: Vinyl, LP, Album, Stereo, Green Label

Género: Jazz Estilo: Hard Bop, Modal

AllMusic Review

by Scott Yanow

           

      La primera grabación de Joe Henderson para Milestone fue en gran medida una continuación de la música acústica aventurera que había grabado anteriormente para Blue Note. Este Cd sencillo es un buen lugar para comenzar a investigar su música de media época. Henderson aparece en un sexteto con el trompetista Mike Lawrence, el trombonista Grachan Moncur III, el pianista Kenny Barron, el bajista Ron Carter y el baterista Louis Hayes en un set destacado por "Mamacita", "Chelsea Bridge", "If", "Without a Song" y "Nardis".

 

03-Kicker

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Andrew Hill 5y6

Andrew Hill, Grass Roots - 1968.08.05

Grabado por Rudy Van Gelder el 5 de agosto de 1968.

En los Van Gelder Studio

Corte de acetato por Van Gelder en

Van Gelder Studio, de Englewood Cliffs, NJ

Intérpretes

Bajo - Ron Carter

Batería - Freddie Waits

Saxo tenor - Booker Ervin

Trompeta - Lee Morgan

Piano - Andrew Hill

Composiciones de Andrew Hill

Listado

Cara A

01 - Grass Roots - 05:41 min.

02 - Venture Inward - 04:46 min.

03 - Mira - 06:20 min.

Cara B

04 - Soul Special - 08:23 min.

05 - Bayou Red - 07:46 min.


 Bonus tracks on CD reissue

06 - “MC” (bonus track) - 09:12 min.

07 - Venture Inward (First Version) (bonus track) - 04:34 min.

08 - Soul Special (First Version) (bonus track) - 08:51 min.

09 - Bayou Red (First Version) (bonus track) - 05:59 min.

10 - Love Nocturne (bonus track) - 07:34 min.



10 Temas. Tiempo Total 01:09:06
flac ¬ 790 ¬ 430,56 MB

 
Sello: Blue Note ‎– BST 84303 USA 1968

Formato: Vinylo, LP, Album, Stereo, All Disc Press
Género: Jazz. Estilo: Post Bop, Soul-Jazz

Notas del folleto - Nat Hentoff

Foto de portada - Jordan Malek

Productor - Francis Wolff

      El álbum original presenta al quinteto de Hill interpretando cinco composiciones originales al que la reedición de 2000 del Cd agregó como pistas extra tres tomas alternativas y dos composiciones adicionales grabadas en sexteto en una sesión anterior.

AllMusic Review

by Stephen Thomas Erlewine

      A medida que los sesenta llegaban a su fin, Blue Note dedicaba menos tiempo que nunca a la música aventurera, ya que no se vendía tan bien como el soul-jazz o el hard bop convencional. De modo que puede parecer un poco extraño que el sello invitara a Andrew Hill a grabar en 1968, dos años después de la última vez que cortó una sesión para el sello. 

      El trabajo de Hill para el Blue Note se encuentra entre los post-bop cerebrales más desafiantes de los años 60, aunque había otro lado de Hill que no se mostró en esos discos: también tenía un don para el ritmo y la melodía, como lo indica su composición "The Rumproller", un clásico del hard-bop que se hizo famoso por el trompetista Lee Morgan. Ese era el lado que Blue Note quería mostrar en Grass Roots. Hill y su banda estaban trabajando desde la plantilla básica de hacer un álbum comercial de hard-bop, pero sin embargo se empujaron a un territorio desafiante. A pesar de todo, Blue Note se sentó sobre la sesión y Hill regresó al estudio cuatro meses después con un nuevo grupo de músicos: el trompetista Lee Morgan, el saxofonista tenor Booker Ervin, el bajista Ron Carter y el baterista Freddie Waits. 

      Este grupo fue tan aventurero como el anterior, pero dejaron un ritmo sólido sin comprometer la música. El resultado final puede no ser tan estimulante como los trabajos anteriores de Hill, pero es un placer escucharlo en un estado de ánimo tan cordial y acogedor. Además, el disco no es nada insustancial musicalmente, las canciones tienen melodías fuertes, incluso ganchos, para atraer a los oyentes casuales, pero le brinda a los músicos la libertad de encontrar una voz distintiva en sus solos. De hecho, es lo mejor de ambos mundos: accesible, como quería Blue Note, sin comprometer la integridad de Hill.

[La reedición del Cd de Blue Note en 2000 contiene el primer borrador completo del álbum como bonus.]

Apéndice a las Notas del folleto original, de Nat Hentoff,

por Michael Cuscuna, 1999

      Grass Roots es el disco que reconcilia al hombre que grabó álbumes tan desafiantes como Black Fire, Smoke Stack y Point Of Departure con el hombre que escribió "The Rumproller". Una vez pregunté a Andrew si Alfred Lion le había encargado que escribiera The Rumproller "para Lee Morgan” Andrew dijo que había sido una de las muchas composiciones que había tocado para Lion. Cuando llegó a "The Rumproller", Lion declaró que era un desarrollo perfecto. Freddie tampoco deja que la técnica se interponga en el camino de la expresión real, como Ron, también está notablemente diversificado, puede tocar bien todo tipo de estilos. "Bayou Red" es un tributo de Hill a las "gens de couleur", los criollos y mulatos de Nueva Orleans y sus alrededores, quienes, sostiene, "fueron tan importantes para contribuir a la herencia negra. La gente está siendo humillada, pero hicieron mucho para ayudar en la construcción de la cultura negra". El tema de la canción es intrigante y Hill y sus colegas la desarrollan evocativamente mezclando ecos de pérdida y plenitud.

Grass Roots

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Andrew Hill, Dance With Death - 1968.10.11

Cita de las notas originales de contraportada

de Nat Hentoff

 "No hay refugio. No hay donde esconderse.

No importa por donde mires, TÚ sigues mirando”.

      Hill tampoco se dejó asimilar. Antes de que "black"  suplantara a "Negro" en el uso, Hill solía hablar del "legado de la tradición Negro". Y una vez escribió una composición que llamó "Premonición", donde explicaba como "no solo es una mirada hacia adelante, sino también una mirada reveladora hacia atrás para que realmente puedas comenzar a saber lo que puede suceder. Espero que este tipo de conciencia se extienda entre la gente “Negro” porque de lo contrario, a medida que avanzara el “American Negro”, perdería de vista sus propias tradiciones y se mezclaría con la clase media, olvidando los valores distintivos de su propia cultura".

Nat Hentoff

Grabado el 11 de octubre de 1968 por Rudy Van Gelder

En los Van Gelder Studio, de Englewood Cliffs, NJ

Ingeniero de Remezcla - Tony Sestanovich

Intérpretes

Bajo - Victor Sproles

Batería - Billy Higgins

Piano - Andrew Hill

Saxos tenor y soprano - Joe Farrell

Trompeta - Charles Tolliver

Composiciones de  Andrew Hill

Listado

A

01 - Yellow Violet [4029 (tk 4)] - 05:33 min.

02 - Partitions [4030 (tk 8)] - 05:52 min.

03 - Fish 'N Rice [4032 (tk 22)]  - 07:32 min.

B

04 - Dance With Death [4031 (tk 14) ]   - 06:41 min.

05 - Love Nocturne [4033 (tk 27)] - 06:45 min.

06 - Black Sabbath [4034 (tk 29)] - 06:25 min.

07 - Dance With Death  [(tk 10) alt] - 07:13 min.

7 Temas. Tiempo Total 00:46:01

flac ¬ 911 ¬ 310,21 MB

Reseñas

Sello: Blue Note ‎– LT-1030

Serie: Blue Note Classic – USA 1980

Formato: Vinyl, LP, Album

Género: Jazz Estilo: Post Bop

Dirección de arte, diseño - Bill Burks

Notas del folleto - Nat Hentoff

Fotografía de - Jane O'Neal

Sesión original producida por - Frank Wolff

Productor - Michael Cuscuna

AllMusic Review

by Thom Jurek

      Dance of Death, de Andrew Hill, grabado en 1968 con una banda estelar, no se publicó hasta 1980. A fines de la década de 1960, Blue Note ya no era el sello de jazz más aventurero. Si bien ciertos títulos lograron salir adelante (Ghetto Music de Eddie Gale lo hizo pero solo porque Francis Wollf lo financió personalmente)  muchos no pudieron. El sello estaba firmemente sujeto al ritmo del soul-jazz para entonces y la música de Hill, siempre al límite, se consideraba demasiado ajena a la lista de la casa.

      Musicalmente, este es Hill en su forma más visionaria. De los marcos hard y post bop surgen consultas modales y tonales de asombrosa complejidad.

      Acompañado por el trompetista Charles Tolliver, el saxofonista Joe Farrell, el batería Billy Higgins y el bajista Victor Sproles, Hill involucra, aparentemente, a todas sus musas a la vez. Echa un vistazo, si no, al siniestro blues modal que es "Fish 'N' Rice" con su blues con tintes orientales y líneas de corneta alrededor de los nudosos rellenos de Hill en la cabecera y coros. En "Partitions", la cabecera humeante está tan enredada que es sólo el contrapunto del piano de Hill lo que hace posible una salida, con profundas bases de blues y un estridente y swingueante soul.

      El corte que presta título baila afrocubano en la cabecera, aunque el piano de Hill está en un groove modal menor, con Higgins tocando un texturizado cuatro por cuatro sincopado mientras Sproles golpea el dos y el cuatro y propicia que los solos comiencen a pasar por modos, trayendo de vuelta las etiquetas del blues. Dance of Death es un disco fenomenal, que lleva bien su aventura y autoridad.

Dance of Death

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Ornette Coleman 4tet This Is Our Music

Ornette Coleman 4tet, This Is Our Music 1960

Comentario

Grabado en los Atlantic Studios de Nueva York City, NY,  los días

19 de julio, 26 de julio de 1960 y 2 de agosto de 1960 de 1960

Ingeniero de grabación Phil Iehle, Tom Dowd

Supervisado por Nesuhi Ertegun

Masterizado en Atlantic Studios

Saxo alto - Ornette Coleman

Bajo - Charlie Haden

Batería - Ed Blackwell

Corneta - Don Cherry

NYC, July 19, 1960 (#A1, #A3) 

NYC, July 26, 1960  (#B1, #B3)

NYC, August 2, 1960 (#A2, #B2,# B4)

The Ornette Coleman Quartet - This Is Our Music

Atlantic LP 1353, SD 1353

Listado de Temas:

Cara A

01 - Blue Connotation - 05:17 min.

727 Untitled No. 5 (as Blues Connotation)

NYC, July 19, 1960

Composición de Ornette Coleman

02 - Beauty Ia A Rare Thing - 07:13 min.

4773 Beauty Is A Rare Thing
NYC, August 2, 1960

Composición de Ornette Coleman

03 - Kaleidoscope - 06:36 min.

4724 Untitled No. 2 (as Kaleidoscope)

NYC, July 19, 1960

Composición de Ornette Coleman

Cara B

04 - Embraceable You - 04:55 min.

4741 Embraceable You (LP SD)

NYC, July 26, 1960

Composición de G. Gershwin & I. Gershwin

05 - Poise - 04:41 min.

4767 Poise

NYC, August 2, 1960

Composición de Ornette Coleman

06 - Humpty Dumpty - 05:24 min.

4736 Untitled No. 3 (as Humpty Dumpty)
NYC, July 26, 1960

Composición de Ornette Coleman

07 - Folk Tale - 04:45 min.

4765 Folk Tale

NYC, August 2, 1960

Composición de Ornette Coleman

7 Temas. Tiempo Total 00:38:51

flac ¬ 902 ¬ 240,26 MB

Reseñas

Sello: Atlantic ‎– 1353

Formato: Vinyl, LP, Album, Mono, MGM Pressing

País: US Publicado: 1961

Género: Jazz, Estilo: Free Jazz

Fotografía de portada Lee Friedlander

Diseño de Portada Loring Eutemey

Notas del folleto Ornette Coleman

      This Is Our Music es el quinto álbum del saxofonista Ornette Coleman, grabado en 1960 y lanzado por Atlantic Records en marzo de 1961. Es el primero con el baterista Ed Blackwell reemplazando a su predecesor Billy Higgins en el Coleman Quartet, y es el único de Coleman Los álbumes de Atlantic incluirán un estándar, en este caso una versión de "Embraceable You" de George e Ira Gershwin.

       Dos sesiones de grabación del álbum tuvieron lugar en julio y una en agosto de 1960 en Atlantic Studios en la ciudad de Nueva York. Las siete selecciones para este álbum lo fueron de entre 23 masters grabados en las tres sesiones. Las 16 tomas descartadas de las dos sesiones de julio aparecerían más tarde en las compilaciones de la década de 1970 The Art of the Improvisers, Twins y To Whom Who Keeps A Record, junto con la caja de 1993 Beauty Is A Rare Thing, que lleva el nombre de una pista de este álbum. Evidentemente, Coleman estaba satisfecho con las grabaciones, afirmando: "En julio de 1960 [...] hicimos treinta canciones en tres semanas. Todas originales, solo una pieza mía. Hasta que escuché estas últimas cintas, no me había dado cuenta de todos los diferentes enfoques que habíamos estado desarrollando en los últimos meses. Creo que los nuevos álbumes le darán al público y a los músicos una idea más precisa de lo que estamos tratando de hacer ".

      En sus notas del folleto, Coleman tuvo cuidado de ubicar su música en un contexto histórico, escribiendo: “la parte más importante de nuestra música es la improvisación, que se hace de la manera más espontánea posible, y cada hombre aporta su expresión musical para crear la forma. Ahora, miremos atrás, la improvisación en grupo no es nueva. En el jazz temprano, ese tipo de interpretación en grupo se conocía como Dixieland. En la era del swing, el énfasis cambió y la improvisación tomó la forma de solos basados ​​en riffs. En el jazz moderno, la improvisación es melódica y armónicamente progresiva. Ahora estamos fusionando los tres juntos para crear y dar más libertad al intérprete y más placer al oyente”.

      También rindió homenaje a sus compañeros de banda, escribiendo: "La experiencia de tocar con estos hombres es inexplicable y solo sé que lo que saben va más allá de una explicación técnica para que pueda transmitirles". Concluyó las notas escribiendo: "Como no hay mucho que no les haya contado sobre mi música, realmente les hablé de mí a través de ella. La otra autobiografía de mi vida es como la de todos los demás. Nacido, trabajo, tristeza y feliz, bla, bla, blá... Esperamos que disfrutes de nuestra música".

      Escribiendo para All About Jazz, C. Michael Bailey definió This Is Our Music como "el punto de partida expresado militantemente ... en el camino hacia el Free Jazz de época", y afirmó que Coleman "toma una posición aquí, impulsando su visión de libertad musical más lejos que en cualquier lanzamiento anterior", y" salta por completo el borde de la tradición hacia el futuro caótico y sublime que él mismo estaba forjando". Según Bailey, "This is Our Music es Coleman a punto de dejarse llevar por completo. Él y sus seguidores más comprensivos habían evolucionado a través de diferentes perímetros musicales hasta el punto de que estaban dispuestos a renunciar a cualquier cantidad o calidad limitante de su creación e interpretación. Coleman estaba presentando lo que Coltrane perfeccionaría antes de finales de la década de 1960, Coleman interpretando a Vivaldi en el Bach de Coltrane".

      El pianista y compositor Ethan Iverson dijo de la versión de "Embraceable You" en el álbum "probablemente la prueba definitiva de Rorschach para los fans y escépticos de Ornette", y escribió: "En estos días ya no escucho la forma como si se estuviera perdiendo constantemente, sino como una improvisación colectiva compuesta por completo. Ornette usa melodía pura para dar forma a su solo. Haden está ahí, abstrayendo los cambios de la melodía y sirviendo humildemente la mancha de corazón roto de Ornette. Los mazos de Blackwell son perfectos ... La ardiente introducción compuesta por Coleman puede ser mejor que la melodía de Gershwin. Es una actuación que requiere compasión para ser entendida”.

      Jake Cole, que escribe para Spectrum Culture, declaró que "el título del álbum es una confrontación, una declaración de propósito que se preparó para agitar a las hordas de resistencias incluso dentro de los círculos del jazz. Sin embargo, la militancia del nombre del álbum y el legado del impacto de Coleman desmiente la pura belleza de las composiciones". Con respecto a las pistas de tempo más rápido, escribió que son "ejemplos agudos de la trayectoria de la historia del jazz que atraviesa el trabajo de Coleman, en particular lo mucho que se apoya en las primeras interpretaciones al estilo de Dixieland. Si esto es Dixie jazz, no obstante, es Dixie del futuro. El  saxo de Coleman swinguea, se precipita y desafía mientras Cherry se lanza a su alrededor y, a veces, se sincronizan en una armonía aterradora. En todo momento, Haden y el baterista Ed Blackwell no proporcionan  no solo ritmo si no aún más instrumentos en colusión y oposición simultáneas con los demás, empujando adelante en una composición a través del desgaste". Cole concluye: "Coleman estaba, y permanece, principalmente absorto en la inmediatez de la emoción humana y su impresionismo sigue siendo el punto culminante en la transposición de un sentimiento".

AllMusic Review

by Steve Huey

      Con dos álbumes emblemáticos en su haber, el Ornette Coleman Quartet pasó casi un año fuera del estudio antes de volver a reunirse para This Is Our Music. Esta vez, Billy Higgins es reemplazado en la batería por Ed Blackwell, quien tiene una habilidad similar para anticipar la dirección del conjunto y demuestra una presencia más ardiente en temas como "Kaleidoscope" y "Folk Tale". La sesión también se destaca por contener el único estándar (o, para el caso, el único no original) que Coleman grabó durante su mandato con Atlantic: "Embraceable You" de Gershwin, al que se le da una interpretación lírica e incluso un estilo bastante antiguo. tiempo, intro sentimental, que puede o no ser sarcástico, pero realmente es bonito. En general, sin embargo, Coleman desaprobaba la renuncia a su propia voz y veía las normas como concesiones al gusto popular; como deja claro el título sin complejos del álbum, quería que lo tomaran (o lo dejaran) en sus propios términos. Y esa palabra "nuestro" también deja en claro cuán importante era el concepto de improvisación grupal para los objetivos de Coleman. Cualquiera puede improvisar cuando le apetezca, y los intérpretes comparten tal empatía que cada uno sabe cómo contribuir al sentimiento del conjunto sin socavar su sentido igualitario de dar y recibir. Sus texturas rígidas y delgadas eran muy distintivas, y tanto Coleman como Cherry eligieron instrumentos (respectivamente, un alto hecho de plástico en lugar de latón y una trompeta de bolsillo o corneta en lugar de una trompeta estándar) para acentuar esa cualidad. Todo se muestra con el mejor efecto aquí en la vibrante "Connotación de Blues" y la inquietante "La belleza es una cosa rara", aunque casi todas las composiciones tienen algo que recomendar. Con todo, This Is Our Music mantiene una de las mejores rachas creativas en la historia del jazz.

jazzdisco.org

https://www.jazzdisco.org/ornette-coleman/discography/

Atlantic LP 1353, SD 1353   The Ornette Coleman Quartet - This Is Our Music

This Is Our Music

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