Collin Walcott, Don Cherry, Nana Vasconcelos Codona. Vol.02
Termino con la discografía de esta formación. El segundo es un Lp grabado en Mayo de 1980. Mientras deciden qué hacer, el irrepetible trío camina sobre huevos una y otra vez lanzando sonidos guturales que semejan plegarias.
Al igual que su predecesor, CODONA 2 rinde homenaje a Ornette Coleman con la inclusión del más oscuro "Drip-Dry", en gran parte un vehículo de improvisación para trompeta, sitar y percusión. Si bien las comparaciones con los maestros de sitar indios serían injustas, está lejos de ser una hipérbole sugerir que el difunto sitarista abrió una gran cantidad de posibilidades en el instrumento que nunca antes se habían explorado. Tampoco lo fueron después de su trágica muerte en 1984, en un accidente automovilístico mientras estaba de gira por Europa con Oregon. Las dos contribuciones de Walcott a CODONA 2: la animada miniatura "Walking on Eggs" y el tema más relajado y pensativo del álbum; más cercano, "Again and Again, Again", que combina la melódica disonante con el sitar y las contribuciones de Vasconcelos que, como un pájaro por naturaleza, evoca imágenes de la selva amazónica. Una vez más, brinda oportunidades para que el grupo evolucione, tanto sonora como conceptualmente.
CODONA 2 ha sido catalogado críticamente como el álbum menos atractivo del trío y, medido en contexto con el debut innovador y completamente único, quizás sea posible entender por qué, en ese momento, esto fue así. Pero pasaron los años, la distancia y la oportunidad de escuchar el álbum cronológicamente entre sus dos hermanos deja en claro que es un álbum injustamente infravalorado y bien digno de reconsideración.
Walcott agrega tympani, Cherry melódica, Nana talking-drum. Más composiciones de Coleman y Walcott, una pieza tradicional africana, "Godumaduma", y la vital "Malinye" de Cherry. Es un disco absolutamente edificante.
Collin Walcott, Don Cherry, Nana Vasconcelo. Codona, Vol. 3 -VinylRip
Grabación digital en Tonstudio Bauer,
Ludwigsburg, septiembre de 1982
Ingeniero - Martin Wieland
Productor - Manfred Eicher
Portada - Moki Cherry
Diseño - Barbara Wojirsch
Fotografía - Ralph Quinke
El tercer volumen fue una sesión celebrada en Septiembre de1982, con la formación acostumbrada:
Collin Walcott sitar, dulcimer, sanza, tabla, voz
Don Cherry trompeta, órgano, doussn'gouni, voz
Nana Vasconcelos berimbau, percusión, voz
A pesar de que “nunca segundas partes“, el trío rompe con el proverbio y demuestra encontrarse a gusto con estas improvisaciones. La tercera reunión se salda con otros 44 minutos de música para ensoñar.
No quisiera repetirme, pero son discos que se prestan a la colaboración del oyente. Házte con unos bongos y échale pelés a golpearlos: ¡te vas a divertir!
Tracklist:
A1Goshakabuchi 10:52
Tradicional japonés
Arreglado porCodona
A2Hey Da Ba Boom 7:11
Compuesto por Colin Walcott
A3Travel By Night 5:47
Compuesto por Colin Walcott
B1Lullaby 3:30
Compuesto por Colin Walcott
B2Trayra Boia 5:17
Compuesto por Denise Milan, Vasconcelos
B3Clicky Clacky 4:16
Compuesto porDon Cherry
B4Inner Organs 9:18
Compuesto porDon Cherry
7 Temas. Tiempo Total: 00:46:25
flac @ 652 - 221.02 MB
RipBy: Napi#10
En su reseña de AllMusic,Bruce Eder otorgó al álbum 4 estrellas, calificándolo de "lanzamiento sublimemente hermoso" y "un último testamento alegremente impresionante para Walcott, quien murió poco después de que se completaron estas grabaciones".
Robert Palmer comentó que el álbum continuaba con la "singular odisea" del grupo, y afirmó que "amplían su alcance con préstamos del antiguo Japón y un country blues acompañado por el arpa de cazador de África Occidental del Sr. Cherry. El resultado es algo difuso, aunque en su punto mejor, es etéreo y cautivador".
Con respecto a la pista de apertura, John Kelman, escribiendo para All About Jazz, declaró: "CODONA 3, por otro lado, cautiva inmediatamente con la interpretación del trío de "Goshakabuchi", una pieza tradicional japonesa que hace real la afirmación de ECM de que su música es "el sonido más hermoso junto al silencio". La trompeta de Cherry es la voz principal, con el dulcimer martilleado de Walcott creando un telón de fondo espacioso y etéreo donde el espacio vacío es, de hecho, tan profundo y significativo como cualquier cosa que los miembros de el grupo toquen específicamente. De hecho, defiende la idea de que el espacio puede tener una consideración igual en la creación de un paisaje musical, en lugar de simplemente ser los espacios anticipados entre las notas. El poder del silencio es lo que hace que la sección final de la melodía, con Vasconcelos proporcionando un mayor movimiento hacia adelante con su percusión manual, resulte tan vívida y dramática".Kelman también señaló que la melodía de Vasconcelos "Trayra Boia" es "Codona en su forma más experimental, con capas de voces conversacionales intercaladas con melodías con claves y canto en falsete".
Tyran Grillo, en un artículo para ECM Reviews, escribió: "El tradicional japonés 'Goshakabuchi' ... gira el espejo justo así, destellando en nuestros ojos desde la distancia. El éter cobrizo de Cherry gotea con un efecto de simpatía; el dulcimer martillado arroja su hipo delicado e insecticida, vidas incalculables se burlan de nosotros con sus posibilidades. Esta es quizás la pista más inquietante de la colección y muestra al trío en el apogeo de su sinergia característica. Sanza y doussn'gouni respaldan el canto pesado 'Hey Da Ba Boom', que se adherirá a tu mente mucho más que cualquier palabra que pueda usar para describirlo aquí.' Travel By Night 'marca su camino con berimbau, sitar y trompeta silenciada. Los tonos de arco de Walcott crean una narración tranquila. El firmamento oscurecido, prácticamente flota con los pasos practicados de una modesta caravana que huye de sus propias historias. Sigue un trío de paradas de descanso más cortas, de las cuales 'Lullaby', el único momento con Walcott solo, nos da una visión alentadora de la mente del centro neurálgico creativo del grupo. 'Clicky Clacky' proporciona una pizca de fantasía, una joya de blues de la mente y boca de Cherry, completada con un silbido de tren. El jadeo final proviene de los 'Órganos Internos', donde los ecos de la trompeta y, como era de esperar, el órgano se mueven en concierto como una medusa y sus zarcillos hacia un cierre abierto".
De Dmitry Scherbie New York - Pharoah Sanders, Iridium, New York, Dec. 2006, CC BY-SA 2.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=5157881
https://es.wikipedia.org/wiki/Pharoah_Sanders
Los trastornos sociales y políticos de la década de 1960 se han citado como un factor importante en el surgimiento de una nueva tendencia estilística en el jazz, con un énfasis muy diferente a las formas de la música que surgieron antes. Muchos de los artistas que participaron en la creación de esta nueva música, denominada "free jazz", "lo nuevo" o "música energética", grabaron para laetiqueta Impulse!. Ashley Kahn escribe que varios músicos, a menudo aquellos que habían tocado con John Coltrane o habían sido influenciados por él, como su viuda Alice Coltrane, Archie Shepp, Pharoah Sanders y Leon Thomas, comenzaron a explorar nuevas ideas temáticas y musicales, a menudo no asociadas con tradiciones religiosas y musicales occidentales. Aunque la tensión ideológica fue mucho más obvia en la música de Shepp que en la de Sanders, la influencia musical fue igual de pronunciada: prácticamente todas sus grabaciones como líder de este período de finales de los sesenta y principios de los setenta contienen algún tipo de percusión africana y otras rasgos no occidentales, como el característico canto de Leon Thomas, aparentemente aprendido de los pigmeos africanos.
Karma! es la tercera grabación de Sanders como líder, y se encuentra entre una serie de álbumes de temática espiritual lanzados en el sello discográfico Impulse! a finales de los sesenta y principios de los setenta. Aunque le sigue el breve "Colors", la pieza principal del álbum es "The Creator Has a Master Plan", de treinta y dos minutos de duración, compuesta por Sanders y Leon Thomas. Algunos ven esta pieza como una especie de secuela de la legendaria grabación de 1964 del mentor de Pharoah, John Coltrane, A Love Supreme, cuya apertura resuena aquí en un "preludio" musculoso aunque lírico, con Sanders tocando sobre un telón de fondo suspendido y no rítmico, antes de la entrada de una figura de bajo que apuntala gran parte de la pieza. El disco cuenta con Sanders al saxo tenor, junto con dos de sus colaboradores más importantes, el mencionado Leon Thomas y el pianista Lonnie Liston Smith, así como un elenco de músicos de apoyo que fueron músicos importantes por derecho propio: el flautista James Spaulding, el trompa Julius Watkins, el bajista Reggie Workman, que había tocado con Coltrane a principios de la década de 1960, el segundo bajista Richard Davis, el baterista Billy Hart y el percusionista Nathaniel Bettis. Si bien las versiones posteriores grabadas de la melodía, algunas de las cuales incluían a Sanders y Thomas, se volvieron más cortas y líricas, este original contiene secciones instrumentales extendidas en clave free, particularmente la tercera sección, donde el saxofonista demuestra algunas de las técnicas que construyen su sonido distintivo, incluyendo una técnica de lengüeta partida, con profusión de armónicos y multifónicos, que proporcionan un sonido chirriante.
En general, sin embargo, la sesión fue bastante relajada y accesible para ser un disco de free-jazz (en comparación con, digamos, el álbum Ascension de 1966 de Coltrane), con su canto y melodía similar a un mantra, con un ritmo irregular (que desde entonces ha sido sampleado y versionado por otros artistas, el mismo Sanders lo reutiliza en "Heart Is a Melody of Time (Hikoro's Song)" de su álbum Heart is a Melody y con letras optimistas de temática espiritual. Las texturas inusuales también dan una impresión de exótico, con el empleo de trompa francesa y flauta, agregando un tinte cuasiorquestal que no se encuentra a menudo en el jazz, así como el característico yodelo de Leon Thomas y una variedad de instrumentos de percusión.
A pesar de su duración, en realidad logró difusión en la radio FM convencional, seguramente fue lo más cerca que estuvo el movimiento avantgarde de un "hit" comercial, aparte del clásico de culto A Love Supreme, y su popularidad entre los artistas de acid jazz y hip-hop da fe de su continuo estatus popular. La influencia del movimiento del "jazz espiritual", y la participación de Sanders en particular, se puede ver en la letra de Sarah Webster Fabio de 1976 en "Jujus: Alchemy of the Blues":
Profetizaste el regreso de las mandolinas
y panderetas y campanillas,
y triángulos y platillos,
y se pusieron del lado de las vigas de Pharoah Sanders mientras yo dormía
tomándomedesprevenido, tropezando,
volando mi mente.
— Sarah Webster Fabio, 1976
You prophesied the return of mandolins
and tambourines and tinkling bells,
and triangles and cymbals,
and they sided in on beams from Pharoah Sanders as I slept
taking me unaware, tripping,
blowing my mind.
— Sarah Webster Fabio, 1976
Comentarios
"The Creator Has A Master Plan" fue grabado el día 14 de febrero de 1969,
"Colors" se grabó el día 19 de febrero de 1969.
Ingeniero de sonido Bob Simpson.
Masterizado en Longwear Plating.
Producido para Flying Dutchman Productions, Ltd.
Fotos de portada Charles Stewart .
Productor Bob Thiele.
Intérpretes
Bajo - Reggie Workman, Richard Davis, Ron Carter
Batería: William Hart, Frederick Waits
Flauta - James Spaulding
Cuerno francés - Julius Watkins
Percusión - Leon Thomas, Nathaniel Bettis
Piano - Lonnie Liston Smith
Voz - Leon Thomas
Nota
Las etiquetas centrales y la lista desplegable interior
presentan la cara B como si fuera solo la pista 'Colors'.
Aunque la pista no listada que comienza en la cara B
es en realidad la segunda parte de 'The Creator Has A Master Plan'.
Realmente, la pista 'Colors' tiene solo 5:43 minutos de duración.
Listado de Temas:
01 - The Creator Has a Master Plan - 32:47 min.
Composición de Pharoah Sanders, Leon Thomas
* Part 1 - 19:20
Letra de Amosis Leontopolis Thomas
Música de Pharoah Sanders
Bajo Reggie Workman, Richard Davis
Batería William Hart
Flauta James Spaulding
Cuerno francés Julius Watkins
Percusión Nathaniel Bettis
Piano Lonnie L. Smith Jr.
Saxofón tenor Pharoah Sanders
Voz, Percusión Leon Thomas
* Part 2 - 13:27
Letra de Amosis Leontopolis Thomas
Música de Pharoah Sanders
Bajo Reggie Workman, Ron Carter
Batería Frederick Waits
Cuerno francés Julius Watkins
Piano Lonnie L. Smith Jr.
Saxofón tenor Pharoah Sanders
Voz, Percusión Leon Thomas
02 - Colors - 05:38 min.
Composición de Pharoah Sanders, Leon Thomas
Bajo Ron Carter
Batería Frederick Waits
Cuerno francés Julius Watkins
Percusión Leon Thomas
Piano Lonnie Liston Smith
2 Temas. Tiempo Total 00:38:25
flac ¬ 969 ¬ 263,49 MB
Reseñas
Pharoah Sanders – Karma
Sello: Impulse! – AS-9181, Impulse! – A-9181,
ABC Records – AS-9181, ABC Records – A-9181
US - 1969. Formato: Vinylo, LP, Album, Gatefold
Diseño de portada – Robert & Barbara Flynn
Diseño – Joe Lebow
Género: Jazz - Estilo: Modal, Post Bop, Avant-garde Jazz, spiritual jazz, free jazz
AllMusic Review
by Thom Jurek
El tercer álbum de Pharoah Sanders como líder es el que lo define como músico hasta la actualidad. Después de la muerte de Coltrane, aunque hubo muchos que buscaban hacer una música espiritual que abarcara sus ideas y anhelos mientras avanzaban, a nadie se le ocurrieron los productos hasta Sanders en esta cita de 1969. Solo hay dos pistas en Karma, una de más de treinta y minutos "The Creator Has a Master Plan" y otra de cinco minutos y medio "Colors". La banda es una de las mejores de Sanders y cuenta con el vocalista Leon Thomas, el bateriía Billy Hart, Julius Watkins, James Spaulding, un pre-funk Lonnie Liston Smith, Richard Davis, Reggie Workman en el bajo y Nathaniel Bettis en la percusión. "Creator . . . " comienza con una cita de "A Love Supreme", como guiño a la continua influencia de Coltrane enPharoah.
Pero en estas sesiones también surge algo más: el profundo compromiso de Sanders con el lirismo y su conocimiento, ahora inherente, de la respiración oriental y las técnicas modales. Su habilidad para usar el ostinato no se convirtió en una forma de mantener la melodía en su lugar mientras el intérprete improvisa hacia adelante. Manteniendo su rango limitado (aún así y todo, son sobre ocho los minutos en que aparece) Sanders explora todos los colores alrededor de las figuras clave, construyendo gradualmente la dinámica a medida que la banda compone el tema de dos acordes detrás, con diversos grados de invención tímbrica. Cuando entra Thomas a los nueve minutos, la pista comienza a abrirse con su tema a la tirolesa, que libera el tema, y con la sección rítmica brindando invención a su alrededor. A los 18 minutos estalla, precipitándose en un silencio tan profundo como ruidoso en su aproximación.
Sanders está tocando microfonías y soplando hacia los cielos mientras que Thomas grita. Están abandonando el mundo material por completo y, cuando llegan al siguiente plano, libres de restricciones modales y de intervalos, surge un nuevo tipo de lirismo, uno que no depende del tiempo sino del ritmo, y Thomas y Sanders no son más que dos improvisadores en un universo sonoro de ritmo y dimensión mundiales. No hay nada que describa la euforia que se siente cuando termina esta melodía, excepto que "Colors", con Ron Carter uniéndose a Workman en el bajo, fue la única pista que pudo seguirla. No podrás creerlo hasta que lo escuches.
Don Cherry, Collin Walcott,Naná Vasconcelos. Codona. 1978
VinylRipPorNap&@m@d3o#10
En 1980 llegaron a mis manos un par de discos muy especiales que sonarían miles de veces en "nuestros tocatas". Aún no estaba de moda el término “WorldMusic” y no nos preocupaba encontrarle acomodo de estilo al nuevo sonido, era algo tan rústico como emocionante y venía avalado por la impagable labor del sello ECM Records, especialista en“el sonido más bello después del silencio”y manatial inagotable de increíbles músicas.
El Lp era una amable invitación a unirse al meeting con cualquier instrumento a mano y, de esa manera, recuerdo tardes en casa (¿no es cierto, PePeÑo?) tocando bongós, guitarra, clave, palmas o incluso la mesa camilla percusiva . . . Disfrutábamos como niños con juguete nuevo y ¡nunca se quejaron los vecinos!
Este ripeo es el disco que lleva 30 años conmigo. Como heridas del campo de batalla, se oyen los clicks en algunos pasajes en los que me ha sido imposible reducirlos sin romper el sonido original, pero creo que incluso le aporta un sabor especial a la audición. Sobre todo a mi melancólica memoria emocional.
Se publicaron tres discos con el nombre de CODONA para el sello ECM en los años 1978, 1980 y 1982. CODONA lo integraban: Don Cherry (trompeta, melódica, flauta, etc.) Collin Walcott(sitar, dulcimer, sarod, tabla, timbales, etc.) y Naná Vasconcelos (berimbau y otros intrumentos amazónicos de percusión) En 2009 se publica The Codona Trilogy(ECM 2033-35) reedición de los tres Lps en estuche.
Collin Walcott(24 de Abril de 1945, en New York City, US
fallecido el 8 de Noviembre de 1984 (a sus 39 años) en Magdeburg, Alemaia del Este, fue un percusionista norteamericano, especializado en sitar, instrumento que estudió con destacados maestros de la música tradicional de la India como Ravi Shankar y Vasant Rai. Pionero en la introducción de la
WorldMusic, dominaba varios instrumentos (clarinete, violín, guitarra, piano, etc.) Colaborador, entre otros, de Miles Davis, Paul Winter Consort y Oregón, falleció en accidente de coche en Alemania, durante una gira con este último grupo. Publicó tres discos en solitario, otros tres con Codona y aparece en diecisiete discos de Oregón y dos de la Paul Winter Consort,además de infinidad de sesiones como “sideman”.
Don Cherry, nacido en Oklahoma el día18 de noviembre de 1936 y fallecido enMálaga el19 de octubre de 1995, fue un trompetista estadounidense, representante del vanguardismo jazzístico, el avant-garde jazz. Después de sus inicios en grupos de blues, en
Los Ángeles conoce a Bill Higgins y Ornette Coleman y con ellos (además de Paul Bley y Charlie Haden) forma quinteto de éxito. Al desaparecer el grupo, pasó por el de Sonny Rollings y, junto a Archie Shepp, en el New York Contemporary Five. En los 70’s toca con un grupo mexicano (Detrás del Cosmos) y se interesa por la etnomusicología. Fue duramente criticado (dicen que hasta por Miles Davis) por ser demasiado puntillista, aunque su influencia fue grande entre los músicos de los 70’s. De entre su amplía discografía cabe destacar el Lp de 1961 “The Avant-Garde".
Naná Vasconcelos. Juvenal de Holanda Vasconcelos,más conocido como Naná Vasconcelos, nacido enRecife, Brasil el 2 de Agosto de 1944, fallecido a sus 71 años en Recife, Brasil el día 9 de Marzo de 2016, fue un músicobrasileño, afamado percusionista. Durante toda su carrera siempre tuvo preferencia por los instrumentos de percusión y en los años 1960 se hizo conocido por su gran talento con el berimbau. A partir de 1967, actúa como percusionista al lado de diversos músicos de peso como Jon Hassel, John Zorn,
Ralph Towner, Pat Metheny, Jan Garbarek y Egberto Gismontientre otros. Formó entre los años 1978 y 1982 el grupo de jazzCodona, junto a Don Cherry y Collin Walcott, con quienes ha editado 3 discos. Además, tiene publicados un gran número de discos.
Codona – 1978 – Codona
Listado de Temas:
Cara A
01 - Like That Of Sky - 11:10 min.
Autoría: Collin Walcott
02 - Codona - 06:17 min
Autoría: Collin Walcott, Don Cherry, Nana Vasconcelos
03 – Colemanwonder - 03:44 min.
3a)Race Face, Ornette Coleman
3b)Sortie, Ornette Coleman
3c)Sir Duke, Stevie Wonder
Cara B
04 - Mumakata - 08:19 min.
Autoría: Collin Walcott
05 - New Light - 13:23 min.
Autoría: Collin Walcott
5 temas, Tiempo Total: 00:41:46
VinylRipPor Nap&@m@d3o#10
Reseñas:
Sello: ECM Records – ECM 1132, ECM Records – 2301 132
Formato: Vinyl, LP, Album
País: Germany Publicado: Apr 1979
Género: Jazz, Latin, Funk / Soul
Estilo: Free Jazz, Soul-Jazz, Fusión
AllMusic Review
by Michael G. Nastos
Debut rotundo del trío donde Walcot agrega dulcimer y sanza, Nana berimbau y cuica, y Cherry con flautas étnicas. El lado dos es sólido con los cánticos de Walcott en "Mumakata" y "New Light". El lado uno tiene un popurrí de Ornette Coleman y una corta melodía del Sir Duke de Stevie Wonder. Estos tres músicos se comunicaban.
Max Roach, We Insist! Max Roach's Freedom Now Suit. 1960
(Candid CJM 8002)
"Se está desarrollando una revolución, la revolución inacabada de Estados Unidos. Se está desarrollando en los mostradores del almuerzo, en los autobuses, bibliotecas y escuelas, donde se niega la dignidad y el potencial de los hombres. La juventud y el idealismo se despliegan. Multitudes de negros están marchando hacia el escenario de la historia exigiendo su libertad !ya!"
- Philip Randolph
Lo que este álbum está diciendo es que el Día de la Libertad está llegando en muchos lugares y aquellos que trabajan para él quieren que se mantenga. En 1937, un negro que todavía recordaba la esclavitud habló de cómo era en 1865: "Estalló el aleluya ... Todos se volvieron locos. Todos nos sentimos como héroes y nadie nos había hecho de esa manera excepto nosotros mismos". Y ¡está ocurriendo otra vez!
Max Roach's Freedom Now Suite
Grabado en los Nola Penthouse Sound Studios, de
Nueva York, los días 31 de agosto y 6 de septiembre de 1960
Ingeniero Bob d'Orleans
Supervisado por Nat Hentoff
Fotografía de Hugh Bell, Paul Bacon
Arte de portada Frank Gauna
Notas A. Philip Randolph, Nat Hentoff
Intérpretes
Bajo James Schenck (pistas: A1, A2, B1, B2)
Congas Michael Olatunji (pistas: B1, B2)
Batería Max Roach
Percusión Raymond Mantillo (pistas: B1, B2), Tomas du Vall (pistas: B1, B2)
We Insist! Max Roach's Freedom Now Suite, co-escrito por Max Roach y Oscar Brown, Jr., fue un trabajo fundamental en el movimiento de protesta afroamericano de principios de los 60, y sigue siendo relevante en su mensaje y tenacidad. Representa una lección de vida sobre cómo los cientos de años anteriores fueron un ejemplo innecesario de la manera en que la opresión mantuvo a los esclavos, e inmigrantes en general, en su lugar. La vocalista Abbey Lincoln expresa esta opresión tan eficazmente como cualquiera podría con su voz sin palabras basada en el teatro y letras escritas por Oscar Brown que cuentan la triste historia de la lucha de los afroamericanos durante demasiado tiempo. Musicalmente, Roach reunió a una de las mejores bandas, desde su propio conjunto emergente que contaba con desde el trombonista Julian Priester y el sobresaliente trompetista Booker Little, hasta el legendario Coleman Hawkins y el saxofonista tenor menos conocido y subestimado Walter Benton.
Los percusionistas Ray Mantilla y Michael Olatunji dieron a las piezas poéticas cantadas por Abbey suficiente sustancia y sabor para referirse también al prejuicio y la urgencia de cambios afrocubanos y sudamericanos. Hawkins es particularmente impresionante, ya que su rango emocional durante la profunda y severa canción esclava a 5/4 "Driva' Man" claramente se alimenta del blues de la Lincoln cantando sobre el momento de dejar de fumar. "Triptych; Prayer / Peace / Protest" es la obra maestra del set, presentada por los movimientos de batería característicos de Roach, una voz operística espeluznante o gritos de Lincoln de angustia oprimida, durante un compás 5/4 del percusionista contra un componente vocal más tranquilo, todo escrito para danza interpretativa. Del jazz moderno por el que Roach es famoso, los metal y madera saltan al furioso hard bop con solos de Little, Benton y Priester en "Freedom Day" después de que Lincoln te invite silenciosamente a "susurrar / escuchar", mientras el oscuro bajista James Schenck lidera en ostinato6/8 y 5/4 sobre los tonos sostenidos de Lincoln en "Tears for Johannesburg", con las lengüetas en capas de armonías dentro y fuera bien trabajadas que dan paso a otra tríada de solos instrumentales. "All Africa" tiene letras de deportes sobre estar en la playa, o tal vez la cabeza de playa en la batalla por la libertad, mientras los cánticos de nombres tribales hacen eco de ritmos de aldea similares. Este es un trabajo fundamental en la discografía de Roach y la música afroamericana en general, su importancia crece en relevancia y en producción emocional real, oportuna y postulada. Cada hombre, mujer y niño moderno podría aprender exponencialmente escuchando esta grabación, un sello distintivo para vivir la vida.
¡Insistimos! (subtituladoMax Roach's Freedom Now Suite) es un álbum de jazz lanzado en Candid Records en 1960. Contiene una suite que el compositor y baterista Max Roach y el letrista Oscar Brown habían comenzado a desarrollar en 1959 con miras a su interpretación en 1963 en el centenario de la Proclamación de Emancipación. La portada hace referencia al movimiento de sentadas del Movimiento de Derechos Civiles.
La música consta de cinco selecciones relacionadas con la Proclamación de Emancipación y los crecientes movimientos independentistas africanos de la década de 1950. Solo Roach y la vocalista Abbey Lincoln actúan en las cinco pistas, y una pista cuenta con una aparición especial del saxofonista Coleman Hawkins.
Éste es un disco de avant-garde jazz, además de suite vocal-instrumental sobre temas relacionados con el Movimiento por los Derechos Civiles. Incorpora aspectos de las tendencias de vanguardia durante la década de 1960, incluido el uso de un conjunto sin piano, voces gritando en "Protest" y momentos de improvisación colectiva, como al final de "Tears for Johannesburg". Max Roach colaboró con el letrista Oscar Brown Jr. en el álbum y escribieron canciones que tocaron variaciones sobre el tema de la lucha de los afroamericanos para lograr la igualdad en los Estados Unidos. Abbey Lincoln, colaboradora frecuente y posterior esposa de Roach, interpretó la voz en el álbum. Mientras que las letras de Brown eran verbales, Lincoln cantó voces sin palabras en sus cortes.
Brown y Roach comenzaron a colaborar en 1959 en una pieza más larga que planeaban interpretar en el centenario de la Proclamación de Emancipación en 1963. Sin embargo, la urgencia de las cuestiones de derechos civiles los condujo hacia un nuevo proyecto en 1960, el álbum que se convertiría en la Suite ¡Libertad Ya!. Esta urgencia fue provocada por las sentadas de Greensboro, Carolina del Norte, y por el impulso del movimiento de derechos civiles que se estaba extendiendo rápidamente con la ayuda de la Conferencia de Liderazgo Cristiano del Sur (SCLC) y el Congreso de Igualdad Racial (CORE).
"Driva' Man"
Escrito por Max Roach y Oscar Brown, cuenta la historia explícita de la esclavitud a través de su letra y acompañamiento. Nat Hentoff, quien estuvo presente en las sesiones de grabación del álbum, escribió que <"Driva 'Man"es una personificación del supervisor blanco en tiempos de esclavitud que a menudo obligaba a las mujeres bajo su jurisdicción a tener relaciones sexuales". También en la letra hay "pater ollers">. En las notas de Hentoff, incluye una descripción de los patrulleros por parte de un antiguo esclavo que dice que son hombres "que te atraparían desde casa y te desgastarían y te enviarían de regreso a tu amo ... La mayoría de los patrulleros eran gente blanca pobre ... Los pobres blancos tenían que apresurarse para ganarse la vida, por lo que se alquilaron a propietarios de esclavos y recorrieron los caminos de noche y te azotaban si te atrapaban en su plantación sin un pase ".
Esta pista utiliza varias tácticas para evocar sus imágenes de esclavitud. Alisa White describe cómo el compás de 5/4 de la pista agrega un golpe de percusión intenso, tocado por una pandereta o como un rimshot, en el primer tiempo de cada compás. La pista no se desvía de este patrón, que White escribió, "evoca imágenes de trabajo forzado", específicamente un látigo roto. Además, la pista se reproduce en forma de blues que tiene solo seis compases de duración, sin embargo, esto se encuentra en pares, de modo que cada coro tiene en realidad doce compases de duración. Abbey Lincoln es la primera en entrar en la melodía, cantando la melodía a capella y acompañándose con pandereta. Coleman Hawkins luego entra con la melodía de saxo tenor, junto con los tres cuernos que lo apoyan. Después de un coro de melodía instrumental, Hawkins toma un solo de 4 coros.Mientras tanto, Roach mantiene la marca de tiempo inusual de 5/4 con el golpe en el primer tiempo de cada compás. Melódicamente, "Driva 'Man" es la melodía más simple del álbum, basada en una escala pentatónica de Do menor.
Coleman Hawkins hace acto de presencia aquí, e "interpreta a la contraparte masculina de Abbey Lincoln", como señala Hentoff en sus notas. Hawkins se quedaba muy lejos de su parte en la grabación, y se volvía hacia Max Roach asombrado y le preguntaba: "¿De verdad escribiste esto, Max?" En sus notas, Hentoff escribió sobre una interacción entre Hawkins y Abbey Lincoln después de un chirrido en el solo de apertura de Lincoln en "Driva 'Man": "No, no empalmes", dijo Hawkins. "Cuando todo está perfecto, especialmente en una pieza como esta, hay algo muy mal".
"Día de la Libertad"
La segunda pista del álbum, una pista que es una extensión del "Driva 'Man" impulsado por la esclavitud. Esta pista es una respuesta a Emancipation, que se convirtió en ley oficial en 1865. Esta pista también fue escrita y arreglada por Max Roach.
Aunque el tema se titula Freedom Day, Max Roach le confesó a Ingrid Monson que "nunca pudimos terminarlo", porque la libertad en sí era muy difícil de comprender: "realmente no entendemos lo que realmente es ser libre. El último sonido que escuchamos de lo que se hizo en 'Día de la Libertad', terminó con un signo de interrogación". Esta tensión entre expectación e incredulidad también se refleja en la técnica musical de la pista. Hentoff escribió, "'Freedom Day' logra capturar tanto la anticipación como la ansiedad del momento de la Emancipación al colocar sus solos menores de blues sobre una sección rítmica de ritmo febril". Las capas conflictivas de los instrumentos en la pista ayudan a expresar este conflicto de creencias en la pieza.
"Triptych: Prayer, Protest, Peace"
es la tercera, y la del medio del disco, pista del álbum. La pista se divide en tres secciones, "Oración", "Protesta" y "Paz". Según las notas de Hentoff, la pieza se compuso originalmente para formar parte de un ballet, en el que la mayor parte de la coreografía sería improvisación. Esta pista vincula las historias de la esclavitud en América con las luchas por la esclavitud y la libertad en Sudáfrica, en las que se centrarán las dos pistas que siguen a "Triptych", "All África" y "Tears for Johannesburg". Esta pista culminante es un dúo dinámico entre Abbey Lincoln y Max Roach que se mueve a través de voces sin palabras y percusión en "Prayer", hasta la sección de gritos de Lincoln en "Protest", y finalmente de regreso a "Peace". En las notas de la edición, Nat Hentoff escribió que "Triptcyh" es un "desencadenamiento final e incontrolable de rabia e ira que se han comprimido en el miedo durante tanto tiempo que la única catarsis puede ser el desgarro extremadamente doloroso de toda la furia acumulada ..."
La primera sección, "Prayer", expone Abbey Lincoln en su momento más inquietante, mientras lentamente aumenta de bajo a alto en llamada y respuesta con los tambores de Roach, que están afinados para igualar la tonalidad de la voz de Lincoln". El gemido bajo de Lincoln significa "el grito del pueblo oprimido, de todos y cada uno de los pueblos oprimidos de cualquier color o combinación de colores". La segunda sección de la pista, "Protest", demuestra la más vanguardista de las tres secciones, la mayoría representada por un minuto y veinte segundos de gritos de Abbey Lincoln acompañada por Max Roach en la batería.
La sección "Protest" del álbum, sacó la mayor parte del calor de todo el álbum debido a su mensaje político explícito. Los críticos interpretaron esta sección como un rechazo explícito a la filosofía de protesta no violenta de Martin Luther King con un mensaje muy claro de Max Roach. La sección final de Triptych, "Peace", lleva el tono de la pista a un lugar diferente.
La "Paz", como Max le explicó a Abbey antes de la toma, "es la sensación de cansancio relajado después de haber hecho todo lo posible para reafirmarse. Ahora puedes descansar porque has trabajado para ser libre. Es una sensación realista de tranquilidad: sabes por lo que has pasado". "Peace" es la primera vez en la pista en la que Max Roach toca un ritmo constante detrás de Lincoln, cuya parte vocal pasa de scatting a un tono gutural y termina con una exhalación exhaustiva. "Si esto es Paz, es paz con matices góticos, como si los fantasmas del pasado pudieran apaciguarse por un momento pero nunca se exorcizarsen en su totalidad".
"Toda África"
La cuarta pista del álbum, lleva el álbum a los temas de los derechos civiles en África, comenzando con una celebración del nacionalismo africano. El baterista nigeriano Babatunde Olatunji, una fuerza principal en la popularización de la percusión africana en América, toca la batería en este corte. En la introducción, Olatunji acompaña a Abbey Lincoln con dirección polirrítmica.
Junto con el nuevo personal de esta pista, incluidos los músicos afrocubanos Mantillo y DuVal, se agrega un nuevo conjunto de percusión, ostinatos rítmicos y marcos modales abiertos para señalar al oyente más específicamente sus influencias africanas, cubanas y caribeñas. Además, comenta Monson, "una sensibilidad diaspórica africana se representa musicalmente en el solo de percusión extendido que sigue a la recitación, mediante el uso de un conocido patrón de siete campanas que se encuentra no solo en África Occidental sino también en la música sacra del Caribe y Brasil".
Abbey Lincoln se suma a esta influencia africana con su parte vocal, que comienza con la recitación de los nombres de varias tribus africanas. A lo largo de los tres coros de la pieza, Lincoln canta los nombres de las tribus africanas en medio de las respuestas de Olatunji con dichos de libertad de su tribu. La segunda mitad de All Africa está llena de un extenso solo de percusión que conduce a la pista final, Tears for Johannesburg.
"Lágrimas por Johannesburgo"
La quinta y última pista del álbum continúa el enfoque del álbum en cuestiones de derechos civiles en África. Tears for Johannesburg fue una respuesta a la masacre de Sharpeville en Sudáfrica en 1960, el mismo año en que se grabó Freedom Now Suite. El crítico del San Francisco Examiner, C. H. Garrigues lo llamó un "canto fúnebre hermoso y conmovedor".
Andrew Hill(Chicago, 30 de junio de 1937 - 20 de abril de 2007) fue un pianista y compositor estadounidense de jazz encuadrado dentro de la vanguardia jazzística, avant-garde jazz. También es uno de los representantes del jazz modal y un explorador de las posibilidades rítmicas y armónicas del bop y hard bop.
Como compositor, fue autor de melodías laberínticas y de temas rítmica y armónicamente complejos, como en "New Monastery", dentro de su disco Point of Departure.
Andrew Hill
De Jimmy Katz - http://www.nea.gov/about/NEARTS/2008_v1/story.php?id=p06_hill, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4457916
El crítico de jazz John Fordham describió a Hill como un "compositor, pianista y educador excepcionalmente dotado", aunque "su estatus se mantuvo en gran parte dentro del conocimiento del mundo del jazz durante la mayor parte de su carrera".
Las principales influencias de Hill fueron los pianistas Thelonious Monk, Bud Powell y Art Tatum. "Monkes como Ravel y Debussy para mí, en el sentido de que puso mucha personalidad en su interpretación [...] es la personalidad de la música la que lo hace, finalmente", dijo en una entrevista de 1963 con A. B. Spellman. Powell fue una influencia aún mayor, aunque Hill pensó que su música era un callejón sin salida: "Si te quedas con Bud demasiado, siempre sonarás como él, incluso si estás haciendo algo que él nunca hizo". A Tatum se refirió con el epítome de "toda la interpretación moderna del piano".
Grabó para Blue Note Records durante casi una década, produciendo una docena de álbumes.
Ampliando su sección rítmica del bajista Richard Davis y el batería Elvin Jones con el vibrafonista Bobby Hutcherson, el pianista Andrew Hill graba un excelente conjunto de post-bop tenue aunque aventurero en Judgment. Sin viento, el ambiente de la sesión es más tranquilo que el de Black Fire, pero las composiciones de Hill corren más riesgos que antes. Una escucha atenta revela cómo subvierte la estructura del hard bop y aporta elementos rítmicos y armónicos del jazz modal y el avant-garde. La estructura armónica de cada composición es bastante compleja, fluctuando entre acordes disonantes e improvisaciones melódicas ágiles. Naturalmente, la interpretación de Hill brilla en este contexto de creación propia, pero Hutcherson iguala al pianista con sus complejos y provocativos solos y sus inesperadas yuxtaposiciones melódicas. Jones cambia los ritmos con estilo y sus solos son excepcionalmente musicales, al igual que el bajo fluido de Davis. La combinación de la intrincada interacción de la banda y las estimulantes composiciones hacen de Judgement otro lanzamiento importante en la carrera de Hill. Puede que requiera una escucha atenta, pero los resultados valen la pena.
01-Andrew Hill-1964, 01 08,-Judgment
https://1fichier.com/?n6hqia1up71bagbmcey1
Andrew Hill ¬ Andrew! 1964
Originally issued as Blue Note BST 84203
Comentarios
Grabado el 25 de junio de 1964 por Rudy Van Gelder
en los Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey.
Corte de acetato en Van Gelder Studio por Rudy Van Gelder
Notas Don Heckman
Intérpretes
Piano - Andrew Hill
Bajo - Richard Davis
Batería - Joe Chambers
Saxo tenor - John Gilmore
Vibráfono - Bobby Hutcherson
Todos los temas compuestos por Andrew Hill.
Listado:
01 - The Griots - 06:03 min.
02 - Black Monday - 08:54 min.
03 - Duplicity - 06:09 min.
04 - Le Serpent Qui Danse - 06:53 min.
05 - No Doubt - 04:21 min.
06 - Symmetry - 07:06 min.
Bonus Tracks on 2005 Europe Reissue Cd
07 - The Griots (alternate take) - 05:04 min.
08 - Symmetry (alternate take) - 06:32 min
8 Temas. Tiempo Total 00:51:02
flac ¬ 806 ¬ 311,85 MB
Reseñas
Sello: Blue Note – BST 84203, Blue Note – BST 4203
Formato: Vinyl, LP, Album, Stereo
País: US Publicado: Apr 1968
Sello: Blue Note 0946 3 11438 2 3
Serie: Blue Note Connoisseur Series
2005 Europe Reissue, Remastered
Género: Jazz Estilo: Post Bop
Diseño y fotografía de portada - Reid Miles
Notas Don Heckman
Masterizado en 24 bits por - Ron McMaster
Productor - Alfred Lion
Productor y notas de la reedición - Michael Cuscuna
https://en.wikipedia.org/wiki/Andrew!!!
Andrew!!! es un álbum de estudio del pianista de jazz estadounidense Andrew Hill grabado para Blue Note Records en 1964. Fue lanzado por primera vez en abril de 1968 y posteriormente reeditado en Cd en 2005 con dos tomas alternativas.
Cualquiera que esté familiarizado con la música de Andrew Hill encontrará la portada de Andrew !!! un poco extraña, por decir lo mínimo. Hill fue uno de los músicos más intensos y cerebrales de la agenda de Blue Note, incorporando técnicas vanguardistas y modales en su aventurero post-bop.
La portada de Andrew!!! aparentemente es un intento de humanizar a Hill: un primer plano de enfoque suave de un sonriente Andrew Hill, que parece más un ídolo adolescente que un músico de jazz serio, y el título del nombre está adornado con tres exclamaciones, no menos, y un subtítulo, "La música de Andrew Hill", que sugiere que es un álbum de estándards románticos y fáciles de escuchar. Y no lo es. Andrew!!! es tan aventurero y desafiante como cualquiera de sus otros álbumes, lo cual es mérito de Hill. El pianista guía al saxo tenor John Gilmore, al vibrafonista Bobby Hutcherson, al bajista Richard Davis y al batería Joe Chambers, a través de un conjunto de seis canciones originales. A menudo, la música tiene una cualidad flotante e hipnótica, que solo hace que la disonancia, las voces inusuales y los arreglos complejos de Hill sean más convincentes de lo habitual. Andrew!!!, en todo caso, es incluso menos accesible que el anterior Point of Departure, pero su calidad inquieta, de búsqueda, y su música infinitamente provocativa lo hacen igual de exitoso.
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