Dexter Gordon, 02

Dexter Gordon en Ámsterdam (1980)

De Albert Kok de Wikipedia en inglés - Transferido desde en.wikipedia a Commons por Mind_meal., Dominio público

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A pesar de que Gordon visitó los Estados Unidos de vez en cuando para hacer grabaciones (por ejemplo el disco Gettin 'Around en mayo de 1965, y Clubhouse que permanecería inédito hasta 1979) Dexter encontró en la Europa de los sesenta un lugar mucho más fácil para vivir que en su patria, de hecho siempre comentó que experimentaba menos racismo y un mayor respeto por los músicos de jazz que en los Estados Unidos.

Cambió de Blue Note a Prestige Records (1965-73) y siguió cultivando el hard-bop, grabando álbumes que se convertirían en  clásicos del bop, como The Tower of Power! y More Power! (1969) con James Moody, Barry Harris, Buster Williams y Albert "Tootie" Heath; ¡The Panther! (1970) con Tommy Flanagan, Larry Ridley y Alan Dawson; The Jumpin 'Blues (1970) con Wynton Kelly, Sam Jones y Roy Brooks; The Chase! (1970) con Gene Ammons, Jodie Christian, John Young, Cleveland Easton, Rufus Reid, Wilbur Campbell, Steve McCall y Vi Redd, o Tangerine (1972) con Thad Jones, Freddie Hubbard y Hank Jones. Algunos de los álbumes de Prestige se registraron durante sus visitas a Norteamérica mientras aún vivía en Europa; otros se hicieron en Europa, incluyendo actuaciones en vivo en el Festival de Jazz de Montreux.

Menos conocidos que los álbumes de Blue Note, pero de calidad similar, son los álbumes que grabó durante la década de 1970 para el sello danés SteepleChase (Something Diferent, Bouncin' With Dex, Biting the Apple, The Apartment, Stable Mable, The Shadow of Your Smile y otros) que grabó con sidemen estadounidenses, aunque también con europeos, como el pianista español Tete Montoliu y el contrabajista danés Niels-Henning Ørsted Pedersen.

Who's Who In Jazz Presents: Lionel Hampton With Dexter Gordon. 1977

A. K. A.

Dexter Gordon. The Jazz Masters, 100 Años de Swing

Edición 1996

Grabado el 11 de Noviembre  de 1977 en los Studio 21, de New York City

Créditos

Bajo – George Duvivier

Congas – Candido Camero

Batería – Oliver Jackson

Guitarra – Bucky Pizzarelli

Piano – Hank Jones

Saxos Soprano y Tenor – Dexter Gordon

Vibráfono – Lionel Hampton

Listado de Temas:

 01 - Cute - 07:02  min. 

Autoría: Hefti, Styne 

 02 - They Say That Falling in Love is Wonderful - 07:57  min. 

Autoría: Irving Berlin 

 03 - Lullabye of Birdland - 04:21  min. 

Autoría: Forster, Shearing

 04 - I Should Care - 05:14  min. 

Autoría: Stordahl, Weston, Cahn

 05 - Seven Come Eleven - 06:30  min. 

Autoría: Pearson, Stern 

 06 - Blues For Gates - 08:06  min. 

Autoría: L. Hampton 

6 Temas. Tiempo Total: 00:39:10

flac @ 753 - 205,53 MB

RipBy:Napi#18

Reseñas:

Sello: Who's Who In Jazz ‎– WWLP 21011

Formato: Vinyl, LP, Album 

País: USA Fecha: 1977

Sello: E.F.S.A. Collection ‎– JZ 009,  CD 009

Serie: Jazz Masters

Formato: CD, Album, Reissue 

País: España Fecha: 1997

Género: Jazz - Estilo: Cool Jazz, Hard Bop, Post Bop

Productor – Lionel Hampton

Dirección Artística – Cyd Kilbey

Co-productor – Bill Titone, John Cevetello

Coordinador – Rocco Dellarso

Productor Ejecutivo-– Robert W. Schachner

Notas – Nat Hentoff

Fotografía – Jonathan Greenberg

AllMusic Review

by William Ruhlmann

En esta grabación, que es una de las muchas sesiones de Lionel Hampton organizadas en 1977 para el sello Who's Who in Jazz, se presenta la banda básica de Hampton, él con su vibráfono, Bucky Pizzarelli en guitarra, Hank Jones al piano, George Duvivier en contrabajo, Oliver Jackson en batería y Candido Camero en congas; esta formación es común a muchos de los álbumes pero además, en este caso, se les une Dexter Gordon (destacado alumno de la bigband de Hampton) con sus saxos tenor y soprano. Los temas son en su mayoría estándards, "They Say That Falling in Love Is Wonderful" y "I Should Care". A Hampton y Gordon se les brinda más tiempo en solitario en los arreglos relajados, con Pizzarelli y Jones haciendo también sus turnos ocasionales. El encanto de todas las sesiones de este Who's Who de 1977 es su intimidad: suenan más como algo escuchado después del último set de una actuación en un club, que como grabaciones formales, y eso es uno de sus mejores atractivos.

Dexter Gordon, The Other Side Of Round Midnight. 1986

Grabado en vivo durante los días 1 a 12 de Julio y 20 a 23 de Agosto de 1985

en los Studio Eclair de Epinay Sur Seine y los Studio Davout de Paris.

Mezcla digital efectuada en Studio Phillippe Sarde de Paris.

Herbie Hancock y Wayne Shorter aparecen por cortesía de Columbia Records

y Bobby Hutcherson por cortesía de Landmark Records.

Diseño – Sue Keston

Notas y Producción – Michael Cuscuna

Grabación y mezclas de – William Flageollet

Estilismo – Lisa Silvestri

Fotografías de – Carol Friedman

Intérpretes

Bajo – Mads Vinding (temas: A1 y A5), Pierre Michelot (temas: B2 y B3), Ron Carter (temas: A1 a A3,y B1)

Batería – Tony Williams (temas: A2 y B1), Billy Higgins (temas: A1, A3, A5, B2 y B3)

Piano – Cedar Walton (temas: A5 y B1), Herbie Hancock (temas: A1 a A4, B2 y B4) 

Saxo Soprano – Dexter Gordon (tema: 5) Wayne Shorter (temas: 1, 5)

Saxo Tenor – Dexter Gordon (temas: 1, 6, 7) Wayne Shorter (tema: 3)

Trompeta  – Freddie Hubbard (temas: A2 y B1) Palle Mikkelborg (temas: A1 y A5)

Listado de Temas:

Cara A

01 - Round Midnight - 06:37 min.

Composición de Thelonious Monk

Saxo Tenor – Dexter Gordon

Saxo Soprano – Wayne Shorter

02 - Berangere's Nightmare #2 - 04:36 min.

Composición de Herbie Hancock

03 - Call Sheet Blues - 06:27 min.

Composición de  Higgins, Hancock, Carte, Shorter

Saxo Tenor – Wayne Shorter

04 - What Is This Thing Called Love - 03:39 min.

Composición de Cole Porter

Voz solista – Bobby McFerrin

05 - Tivoli - 04:16 min.

Composición de Dexter Gordon

Saxo Soprano – Dexter Gordon

Cara B

06 - Society Red - 05:40 min.

Composición de Dexter Gordon

Saxo Tenor – Dexter Gordon

07 - As Time Goes By - 04:28 min.

Composición de Hupfeld

Saxo Tenor – Dexter Gordon

Guitarra – John McLaughlin

08 - It's Only A Paper Moon - 07:47 min.

Composición de Rose, Harburg, Arlen

Vibráfono – Bobby Hutcherson

09 - Round Midnight - 07:47 min.

Composición de Thelonious Monk

9 Temas. Tiempo Total 00:51:17

flac ¬ 733 ¬ 278,08 MB

RipPor ¬ Quintaesencia

http://elsonidodeljazz.blogspot.com/

Reseñas

Sello: Blue Note ‎– BT 85135

Formato: Vinyl, LP, Album, DMM

País: USA Publicado: 1986

Género: Jazz Estilo: Hard Bop

Coordinator [Music Coordinator] – Tony Meilandt

Recorded At – Studio Eclair, Studio Davout

Mixed At – Studio Phillipe Sarde

Pressed By – Allied Record Company

Mastered At – Specialty Records Corporation – △15474

Phonographic Copyright (p) – Manhattan Records

Direct Metal Mastering (DMM)

Audiophile Edition - Premium Quality Vinyl

Este lanzamiento establece la información de licencia para los temas A3, B1 y B4 impresa en la parte superior de las etiquetas, así como la duración de la pista B3 impresa como 7:43, aunque existe otro lanzamiento con el mismo número de catálogo y título ("The Other Side Of Round Midnight")  con toda la información de licencia impresa en la parte inferior de las etiquetas y la duración de la pista B3 impresa como 4:27.

The Other Side of Round Midnight es un álbum del saxofonista de jazz estadounidense Dexter Gordon publicado en 1985 en el sello Blue Note. El álbum fue grabado durante el rodaje de la película de 1986 Round Midnight, de Bertrand Tavernier, quien también co-produjo el álbum de la banda sonora oficial, ganadora de un Oscar. El disco presenta las últimas grabaciones publicadas bajo el nombre de Gordon, producidas y arregladas por Herbie Hancock.

AllMusic Review

by Scott Yanow

Uno de los dos álbumes grabados para el set de la película Round Midnight, The Other Side of Round Midnight presenta al saxo tenor Dexter Gordon (protagonista de la película) interpretando solo cuatro de los nueve números. Sin embargo, las actuaciones cuentan con Wayne Shorter en tenor y soprano, los trompetistas Palle Mikkelborg y Freddie Hubbard, los pianistas Herbie Hancock y Cedar Walton, el guitarrista John McLaughlin, los bajistas Pierre Michelot, Ron Carter y Mads Vinding, los bateristas Billy Higgins y Tony Williams, además de Bobby McFerrin como cantante en el tema "What Is This Thing Called Love". Todos tienen sus momentos, tanto histórica como musicalmente. No es un disco esencial, aunque sí interesante.

DG02

https://1fichier.com/?f06kfk1f3k7u1ygby3mb

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John Zorn. Reup By Request

John Zorn

nacido el 2 de septiembre de 1953 en Queens, Nueva York, es un compositor y saxofonista estadounidense de origen judío que ha asimilado multitud de influencias y siempre ha sentido predilección por la escena underground y las propuestas extremas y arriesgadas. Es a su vez propietario del sello discográfico Tzadik, inaugurado en 1995, a través del cual edita sus discos, que superan el centenar.

https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4954227

De Concertparis - Trabajo propio, Dominio público,

https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4954227

En principio, Zorn aprendió a tocar otros instrumentos antes de tocar el saxofón y aprender composición en 1970. Tiene un método de composición por el cual se crean diversas imágenes y momentos musicales que luego son estructurados y ordenados. Es uno de los máximos exponentes del noise-music, un estilo collage que fusiona el free, sonidos electrónicos, efectos, voces deformadas, etc. Zorn se introdujo en el jazz llevado por su pasión hacia la música contemporánea, tras escuchar a gente como John Cage y Stockhausen, entre otros. En su música descubrimos también influencias de Ennio Morricone y otros compositores de bandas sonoras, reminiscencias de la cultura judía e inspiración en los músicos-compositores Harry Partch, Charles Ives, etc.

 Ha trabajado en múltiples proyectos cada cual más arriesgado. Masada es uno de ellos, un grupo de jazz con influencias muy variadas, abierto a la improvisación. Han editado más de diez discos de estudio y sus respectivos directos. También ha trabajado en el mundo de las bandas sonoras; lleva editados 23 discos de sus filmworks en los cuales recolecta estos temas. Por último, ha grabado discos en solitario y múltiples experimentos musicales para dibujos animados, programaciones imposibles, sonidos abstractos, piezas de cámara, conciertos para piano y un sinfín de ideas desarrolladas junto a diversos músicos.

Opening XXI Jazz Fest Sarajevo February, 2017

Me sentaron y me dijeron: "Zorn, ¿qué quieres hacer con tu carrera? ¿Qué estás intentando hacer?".

Y respondí: "¡Que le den a mi carrera! Estoy intentando crear música y tengo que cumplir con mi deber.

Y al cabo de tres minutos estaba bajando en el ascensor. Aquel tío ni siquiera sabía de qué le estaba

hablando. (...) No soy yo a quien quieren. Quieren a alguien que sea un icono del posmodernismo, y yo no iba a entrar en ese juego.

(John Zorn en Downtown Avant-Garde: The Music of John Zorn, BBC-Radio 3)

© Diego Ortega Alonso, 2007

Desalentado por la incomprensión de Elektra ante una de sus mejores y más controvertidas obras, Torture Garden, John Zorn funda en 1995 el sello Tzadik, una de las iniciativas musicales más interesantes y prolíficas de la última década. Con un promedio de cuatro novedades mensuales, el tándem de John Zorn y Kazunori Sugiyama ha dado salida a una miríada de producciones en las que priman la calidad, el riesgo y la independencia. Prácticas cuestionables aparte (una curiosa política de reediciones, un marcado gusto por el autobombo, un estilo publicitario en el que reina más la hipérbole que el realismo,...), un vistazo al catálogo de Tzadik supone asomarse a uno de los oasis más apasionantes que ha dado la cultura estadounidense en los últimos años.

Información artística

Otros nombres Dekoboko Hajime, Rav Tzizit

Género(s)   Experimental, improvisación libre, clásico contemporáneo

Instrumento(s)  Clarinete, piano, saxofón, theremín.

Pellucidar: A Dreamers Fantabula

2015

The Dreamers
Cyro Baptista  Percussion
Joey Baron  Drums

Trevor Dunn Bass
Marc Ribot Guitar
Jamie Saft  Keyboards
Kenny Wollesen  Vibraphone
John Zorn  Arranger, Composer, Conductor, Producer

Heung-Heung "Chippy" Chin Artwork, Design
Kazunori Sugiyama  Associate Producer
Marc Urselli  Engineer, Mixing
Scott Hull  Mastering
Ikue Mori  Photography

Listado de Temas:

 01 - Magic Carpet Ride - 07:36 min.

 02 - Gormenghast - 08:29 min.

 03 - Queen Of Ilium - 05:19 min.

 04 - Once Upon A Time - 05:13 min.

 05 - Flight From Salem - 04:20 min.

 06 - Pellucidar - 03:35 min.

 07 - Atlantis - 04:59 min.

 08 - A Perfume From Cleopolis - 06:09 min.

 09 - Jewels Of Opar - 06:11 min.


9 Temas - Tiempo Total: 00:51:51

Studio album by John Zorn

Recorded February 2015 at Eastside Sound, NYC
Released June 23, 2015

Genre Crossover

Producer John Zorn

John Zorn chronology

The Song Project Live at Le Poisson Rouge (2015) Pellucidar: A Dreamers Fantabula (2015) Forro Zinho (2015)

The Dreamers chronology

A Dreamers Christmas (2011) Pellucidar: A Dreamers Fantabula (2015)

John Zorn Moonchild Trio
Templars In Sacred Blood

2012

Formación:

Mike Patton − voice

John Medeski − organ

Trevor Dunn − bass

Joey Baron − drums

 

Listado de Temas:
(todos compuestos por John Zorn)

01 - Templi Secretum - 05:33

El bajo rumiante de Dunn, el retumbante tambor de Barón y el profundo trabajo de órgano de John Medeski hacen que el álbum comience con premura. Su atmósfera sombría da paso a un ritmo misterioso antes de que Patton emerja a toda velocidad, gritando la palabra "templario" una y otra vez en una sección de metal salvaje. Las horribles vocalizaciones de Patton implican los gritos de los templarios ejecutados. Las palabras "Templi Secretum" se refieren a la leyenda de un núcleo interno secreto dentro de los Caballeros Templarios, un grupo herético que supuestamente fue influenciado por ideas cabalísticas, cátaras y gnósticas.

02 - Evocation Of Baphomet  05:26

"Baphomet" es un término arcaico que significa "diablo". Al final, los templarios fueron juzgados heréticos por la iglesia católica y ejecutados por supuestamente adorarlo. Esta pista comienza a ritmo suave con una  extraña y oscura línea de bajo cortesía de Trevor Dunn. Patton relata sobre los templarios, todo sin aliento y silenciado como un retorcido William Shatner.

03 - Murder Of The Magicians 04:14

Esta canción presenta un sombrío canto gregoriano en capas de Patton, apropiado para un álbum inspirado en la historia católica y una adición más a las habilidades de Patton. El título de la pista se refiere a la tradición suprimida de la magia, por la que Zorn está tan fascinado. El 'asesinato' específico aquí es indudablemente el de los templarios heréticos, pero también resuena con las referencias hechas a la caza de brujas europea y otras opresiones similares discutidas en álbumes anteriores: violencia que dejó 'siglos de silencio', para citar una letra de Zorn's de la primera pista Temáticamente, el proyecto Moonchild es un intento de resucitar las voces silenciadas de las brujas y brujos.

04 - Prophetic Souls 06:20

Las armonías del sombrío órgano de Medeski proporcionan un matiz religioso y repetitivo a esta misteriosa pista. Un extraño sonido de agua goteando, evocador de mazmorras húmedas o criptas monásticas secretas, acompaña la línea de bajo satisfactoria de Dunn, superpuesta a la recitación latina de Patton. La pista lleva al oyente de una sección más suave y más tonal a un asalto de metal  bastante seco. 

05 - Libera Me  03:20

"Libera Me" comienza con un riff de rock golpeando pesadamente. La intensidad casi no se detiene y la pista se cierra con Patton garabateando vocalmente las palabras latinas "libera me". El título se refiere a una obra litúrgica católica romana que se ora habitualmente junto al ataúd de una persona fallecida, solicitando a Dios que tenga piedad de su alma en el día del juicio final.

06 - Second Sanctuary 05:06

Patton susurra sus letras ligeramente cursis, como de las pelis de horror de la Hammer de los 50, antes de entrar en modo de grito rocoso en la segunda mitad. El tema de un santuario indicado en el título enfatiza el interés de Zorn por las tradiciones ocultas, los linajes ocultos. 

07 - Recordatio  03:53

Mientras que las palabras establecen el tema, Patton todavía es capaz de gritos inhumanos, como se evidencia aquí. En un repentino cambio de género, familiar para los oyentes de Moonchild, interviene una línea de bajo bebop, acompañada por improvisación de jazz en el órgano de Medeski. A esto le sigue una traca de sonido de metal, que luego alterna con una sección más suave en la que Patton susurra. Recordatio es una palabra latina que significa 'recuerdo'; Zorn exhorta a los oyentes a recordar las tradiciones místicas pasadas suprimidas por la ortodoxia.

08 - Secret Ceremony 09:15

Suena algo como llaves que giran cerraduras en criptas escondidas, voces misteriosas en una catedral oscura pueblan esta siniestra pista. Estos efectos de sonido metálicos se reproducen con el trabajo de los platillos de Barón cuando Patton entonan "sanctus" una y otra vez. El título final de la pista enfatiza el tema de una tradición religiosa o ritual secreta, un concepto clave para los templarios.

8 Temas. Tiempo Total: 00:43:14

flac @ 822 - 261,54 MB

Heung-Heung

Créditos:

John Zorn fue el arreglista, compositor, director de orquesta y productor, e ideó el concepto del álbum. Marc Urseli trabajó como ingeniero y proporcionó mezclas. Scott Hull dominó el álbum. Kazunori Sugiyama fue productor asociado.


Portada
Al igual que con todos los álbumes anteriores de Moonchild, el diseño de la portada fue proporcionado por Heung-Heung

1PocodMusica.com

https://www.1PocodMusica.com/

Reseñas:

https://en.wikipedia.org/wiki/Templars:_In_Sacred_Blood

Templars: In Sacred Blood es un álbum de John Zorn

lanzado en mayo de 2012 en el sello Tzadik.

Es el sexto álbum del proyecto Moonchild de Zorn.

Allmusic dijo que "de todos los lanzamientos de Moonchild, Templars: In Sacred Blood, es fácilmente el más accesible, aunque relativamente oscuro, es muy divertido. Incluso las letras de Zorn están entre las más poéticas que jamás haya escrito; siguen su trayectoria de temas históricos y espirituales y todavía ofrece guiños con su ácido sentido del humor. Las composiciones son ajustadas; rara vez ceden a los excesos en los que algunos de los otros proyectos de Moonchild, casi se han revolcado con alegría. Templars: In Sacred Blood es una explosión de de arriba a abajo ". Martin Schray declaró" Templars In Sacred Blood ofrece todo lo que esperas, especialmente Mike Patton muestra lo gran vocalista que es. Con el apoyo de una cruda mezcla musical de metal de corte salvaje ("Templi Secretum") líneas de bajo oscuras ("Evocation of Baphomet"  "Libera Me") cantos gregorianos ("Murder of the Magician") y rock progresivo ("Secret Ceremony") Patton ofrece narrativas habladas, además gritos y gritos de su voz, murmullos de barítono o susurros misteriosos. ¡Gran diversión!"

AllMusic Review

by Thom Jurek

https://www.allmusic.com/album/templars-in-sacred-blood-mw0002352263

La sexta entrega de la serie Moonchild de John Zorn se centra en el misterioso culto monástico de guerreros conocidos como los Caballeros Templarios, que fueron establecidos y reconocidos por la Iglesia Católica en algún lugar cerca de 1128 y fueron excomulgados por el Papa Clemente V en 1312 por herejía (supuestamente por adorar abiertamente a Baphomet, es decir, Satanás). Si bien el trío Moonchild ha sido una constante (el vocalista Mike Patton, el baterista Joey Baron y el bajista Trevor Dunn) se han incrementado de vez en cuando, y aquí, el órgano de John Medeski los convierte en un cuarteto y es un buen toque; La música de Zorn para este ciclo, aunque está llena de explosiones dinámicas de rock, jazz y vanguardia, también evoca la música litúrgica católica romana con gran efecto. La presencia de Medeski aquí pinta estados de ánimo y temas (ver "Almas proféticas") maravillosamente mientras Baron y Dunn crean las arquitecturas necesarias de tensión dinámica y drama. Patton, sin embargo, nunca ha estado mejor que aquí. Desde tensas narrativas habladas, gritos espeluznantes, murmullos de barítono, susurros e incluso cantos gregorianos en capas ("Asesinato de los magos", que lo fusiona con la música occidental de espagueti al estilo de Morricone) él es un catalizador formidable para estos procedimientos. Otro ejemplo es "Libera Me", donde usa una asombrosa variedad de habilidades en una pista. Como tal, de todos los lanzamientos de Moonchild, Templars: In Sacred Blood, es fácilmente el más accesible, aunque relativamente oscuro, es muy divertido. Incluso las letras de Zorn se encuentran entre las más poéticas que jamás haya escrito: siguen una trayectoria suelta de temas históricos y espirituales, y ofrecen guiños a su ácido sentido del humor. Sus composiciones son compactas, rara vez ceden a los excesos en los que algunos de los otros proyectos de Moonchild se han regodeado casi con alegría. Templarios: In Sacred Blood es una explosión de arriba a abajo.

Templars: In Sacred Blood – John Zorn (2012) 2012-05-01 

https://pattonfanatic.com/templars-in-sacred-blood-john-zorn/

Cada entrega de esta serie cuenta con el trío formado por Mike Patton en la voz, Trevor Dunn en el bajo y Joey Baron en la batería. Aquí, al unirse John Medeski en el órgano, son cuarteto, y su trabajo crea una rica textura de fondo para la interacción dramática del trío. A diferencia de otras ofertas anteriores, como Six Litanies for Heliogabalus (2007), The Crucible (2008) e Ipsissimus (2010), Zorn no figura como instrumentista en este álbum.

Aunque Patton no prescinde de los diabólicos chillidos, gruñidos y lamentos familiares de los álbumes anteriores de Moonchild, Templars lo escucha en su forma más verbal, narrando la historia del ascenso de 200 años y la caída ignominiosa de los Caballeros Templarios en una mezcla de francés, Latín e inglés. Zorn continúa buscando temas ocultos y místicos en este álbum. Aunque su título se refiere a los Caballeros Templarios, una asociación de monjes guerreros formada en 1129 que jugó un papel importante en la violencia de las Cruzadas en nombre del poder católico, este grupo fue posteriormente perseguido por la misma autoridad, acusado de culto al diablo. .

Zorn escribió la letra impresionista, sin duda inspirada, por su amado Antonin Artaud, el poeta y dramaturgo al que está dedicada la serie Moonchild, junto con sus otros héroes, el mago de principios del siglo XX Aleister Crowley y el compositor de 'sonido organizado' Edgard Varèse. El uso intensivo de letras hace que el álbum sea más conceptual y dramático que los trabajos de Moonchild hasta ahora.

El álbum se encuentra en la intersección de muchos géneros. Además de los sabores habituales de rock, metal y free jazz, Zorn da rienda suelta a sus influencias medievales aquí, con una clara inspiración de la música litúrgica católica romana. El álbum también se acerca al rock progresivo.

JZ12MTTISB+15PADF.1902.rar

https://1fichier.com/?9o5brnqfcw4z0h1yktxg

Fuentes y enlaces externos

http://www.tomajazz.com/perfiles/tzadik_1.htm

https://pattonfanatic.com/templars-in-sacred-blood-john-zorn/

Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre John Zorn.

https://es.wikipedia.org/wiki/Wikimedia_Commons

Tzadik.com

http://www.tzadik.com/

Tzadik myspace

https://web.archive.org/web/20081009174146/http://www.myspace.com/tzadikrecords

John Zorn en Rey Por Un Día (español) - Página dedicada a Mike Patton

https://web.archive.org/web/20070928081145/http://reyporundia.phplibre.com.es/modules/news/article.php?storyid=61

Patrice Roussel's John Zorn Discography (to Mar. 2000)

http://web.archive.org/web/http://www.wnur.org/jazz/artists/zorn.john/discog.html

Mailing List

http://www.browbeat.com/zornlist.html

Zorn Mailing List Archives

https://web.archive.org/web/20061017075910/http://www.gogdog.com/zorn-list/

Art of the States: John Zorn

https://web.archive.org/web/20050220003101/http://artofthestates.org/cgi-bin/composer.pl?comp=60

John Zorn's biography and discography by Scott Maykrantz

https://web.archive.org/web/20070818071728/http://www.scottmaykrantz.com/zorn01.html

Unofficial John Zorn Homepage maintained by Jamie Graves.

http://members.tripod.com/~JFGraves/zorn-index.html

Deconstruction in Music by Marcel Cobussen. Interactive dissertation on deconstruction in the music of John Zorn and others.

https://web.archive.org/web/20070717075309/http://www.deconstructioninmusic.com/

John Zorn interview (Hungarian)

http://www.improv.hu/index.php?option=com_content&task=view&id=360&Itemid=40

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John Zorn - 2009 - Alhambra Love Songs. Reup By Request

John Zorn

Me sentaron y me dijeron: "Zorn, ¿qué quieres hacer con tu carrera? ¿Qué estás intentando hacer?". Y respondí: "¡Que le den a mi carrera! Estoy intentando crear música y tengo que cumplir con mi deber. Y al cabo de tres minutos estaba bajando en el ascensor. Aquel tío ni siquiera sabía de qué le estaba hablando. (...) No soy yo a quien quieren. Quieren a alguien que sea un icono del posmodernismo, y yo no iba a entrar en ese juego.

(John Zorn en Downtown Avant-Garde: The Music of John Zorn, BBC-Radio 3)

John Zorn (2 de septiembre de 1953, Queens, Nueva York) es un compositor y saxofonista estadounidense de origen judío que ha asimilado multitud de influencias y siempre ha sentido predilección por la escena underground y las propuestas extremas y arriesgadas. Es a su vez propietario del sello discográfico Tzadik, inaugurado en 1995, a través del cual edita sus discos, los cuales son ya más de cien.
Ha trabajado en múltiples proyectos cada cual más arriesgado. Masada es uno de ellos, un grupo de jazz con influencias muy variadas, abierto a la improvisación. Han editado más de diez discos de estudio y sus respectivos directos. También ha trabajado en el mundo de las bandas sonoras; lleva editados 23 discos de sus filmworks en los cuales recolecta estos temas. Por último, ha grabado discos en solitario y múltiples experimentos musicales para dibujos animados, programaciones imposibles, sonidos abstractos, piezas de cámara, conciertos para piano y un sinfín de ideas desarrolladas junto a diversos músicos.
 

 

¡A saber en lo que Zorn estará estos años después! 

Información personal
Nacimiento 2 de septiembre de 1953, en New York, Estados Unidos
Ocupación Músico, compositor, productor.
Alias Dekoboko Hajime, Rav Tzizit
Género(s) Experimental, improvisación libre, clásico contemporáneo
Instrumento(s) Clarinete, piano, saxofón, theremín.
Discográfica(s) Tzadik, Avant, DIW, Elektra Nonesuch, Earache, Hat Hut, Shimmy-Disc, Eva, Toy's Factory, Nato, Lumina, Black Saint, Subharmonic, Parachute, Yukon, Rift.
Sitio web http://www.tzadik.com

Músico de gran creatividad que ha asimilado multitud de influencias y siempre ha sentido predilección por la escena underground y las propuestas extremas y arriesgadas. Es a su vez dueño de un sello discográfico (Tzadik) inaugurado en 1995 a través del cual edita sus discos, los cuales son ya más de cien.
Ha trabajado en múltiples proyectos cada cual más arriesgado. Masada es uno de ellos, un grupo de jazz con influencias muy variadas, abiertos a la improvisación. Han editado más de diez discos de estudio y sus respectivos directos. También ha trabajado en el mundo de las bandas sonoras; lleva editados 23 discos de sus filmworks en los cuales recolecta estos temas. Por último, ha grabado discos en solitario y múltiples experimentos musicales para dibujos animados, programaciones imposibles, sonidos abstractos, piezas de cámara, conciertos para piano y un sinfin de ideas desarrolladas junto a diversos músicos.

 

Zorn nació en Nueva York en 1953, aprendió a tocar otros instrumentos antes de comenzar a tocar el saxofón y aprender composición en 1970.
Tiene un método compositivo por el cual se crean diversas imágenes y momentos musicales que luego son estructurados y ordenados. Es uno de los máximos exponentes del noise-music, un estilo collage que fusiona el free, sonidos electrónicos, efectos, voces deformadas, etc. Zorn se introdujo en el jazz llevado por su pasión hacia la música contemporánea y tras escuchar a gente como John Cage y Stockhausen, entre otros. En su música descubrimos también influencias de Ennio Morricone y otros compositores de bandas sonoras, reminiscencias de la cultura judía e inspiración en los músicos-compositores Harry Partch, Charles Ives, etc.

 

John Zorn - 2009 - Alhambra Love Songs 

País: USA Publicado: 19 May 2009

Grabado y mezclado por Marc Urselli, el día 27 de Octubre de 2008

Masterizado en Masterdisk por Scott Hull

Productor Ejecutivo  Kazunori Sugiyama

Fotografías de Scott Irvine

Productor John Zorn

Diseño Heung-Heung Chin

 

Créditos

Bajo Greg Cohen

Batería Ben Perowsky

Piano Rob Burger

Composiciones y arreglos de John Zorn

Uploader original: ruskaval

 

The Dreamers - Marciac, 2010

Álbum fácil de escuchar, "Alhambra Love Songs" es una conmovedora y lírica oda de Zorn al Área de la Bahía de San Francisco y a los maravillosos artistas que han hecho de ella su hogar. Incluyendo homenajes a artistas tan diversos como: Vince Guaraldi, Clint Eastwood, David Lynch, Mike Patton y Harry Smith, la música es una de las más bellas y relajantes que Zorn haya escrito nunca. Tocando en los tríos jazz/pop/funk de Vince Guaraldi y Ramsey Lewis, la música está escrita para el notable piano trío de Rob Burger (acompañante de Rufus Wainwright, Marianne Faithfull, Laurie Anderson) Greg Cohen (conocido de Ornette Coleman, Masada, Burt Bacharach) y Ben Perowsky (curtido en las formaciones de Uri Caine, Steve Bernstein, John Lurie). Evocador y audible sin fin, este es, quizás, el más hechicero CD de entre todo el catálogo de Zorn.

Listado de Temas:

 01 - Mountain View (for Vince Guaraldi) - 05:08 min.

 02 - Novato (for Mike Patton) - 03:52 min.

 03 - Pacifica (for Harry Smith) - 03:58 min.

 04 - Benicia (for Paul Canales) - 03:48 min.

 05 - Half Moon Bay (for Lyn Hejinian) - 04:39 min.

 06 - Moraga (for Clint Eastwood) - 04:17 min.

 07 - Tamalpais (for Elissa Guest) - 04:08 min.

 08 - Larkspur (for Willie Winant) - 03:37 min.

 09 - Alhambra Blues (for Mo Siegel) - 04:27 min.

 10 - Miramar (for Terry Riley) - 01:19 min.

 11 - Tiburon (for David Lynch) - 05:20 min.

11 Temas - Tiempo Total: 00:44:33

flac @ 698 - 246,02 MB

Posted By: ruskaval

|Date: 24 Jan 2010 11:45:42|

https://1fichier.com/?08f4fys9dsjk9q9rzmex

Fuentes consultadas:

http://es.wikipedia.org/wiki/John_Zorn

http://www.tomajazz.com/perfiles/tzadik_1.htm

http://www.tzadik.com/

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Neil Diamond - 1973 - Jonathan Livingstone Seagull (Juan Salvador Gaviota) Reup By Request

Jonathan Livingstone Seagull

     "[. . . . ]Empapado, pensó al fin que la clave debia ser mantener las alas quietas a alta velocidad; aletear, se dijo, hasta setenta por hora, y entonces dejar las alas quietas.

      Lo intentó otra vez a setecientos metros de altura, descendiendo en vertical, el pico hacia abajo y las alas completamente extendidas y estables desde el momento en que pasó los setenta kilómetros por hora. Necesitó un esfuerzo tremendo, pero lo consiguió. En diez segundos, volaba como una centella sobrepasando los ciento treinta kilómetros por hora. ¡Juan había conseguido una marca mundial de velocidad para gaviotas![. . . . ]"  ~ Richard Bach ~

Original Motion Picture Sound Track
Words and music by Neil Diamond
A Film By Hall Bartlett

Musical Director: Tom Catalano
Adapted for Orchestra by: Lee Holdridge
Sound Enginered by: Armin Steiner

Tracklist:

Side A

01 Prologue
And here begins the story - the sky, the sea, the flock

02 Be
Introduction of Jonathan - his flight and fall

03 Flight of the Gull
Jonathan is carried to the heights of his ambition, and to near catastrofe

04 Dear Father
Battered, and near death, Jonathan ask for reasons

05 Skybird
Returning home to show what he has learned, his acrobatic noly serve to anger the flock elders.
He is put on trial, and forever . . . outcast.

06 Lonely Looking Sky
Alone and adrift

Side B

07 The Odyssey [Be-Lonely Looking Sky-Dear Father]
And so begins a journey, an odyssey, a test of the spirit.

08 Anthem
"Transcend, purify, glorious".

09 Be
Jonathan returns to teach the flock

10 Skybird
The lesson

11 Dear Father
Rebuked again by the elders, Jonathan attemps to rally the flock

12 Be
Recapitulation and farewell to Fletcher

12 Temas. Tiempo Total 00:42:15

flac ¬ 708 ¬ 220,42 MB

GanyaVinylFlac By Napi#10

Neil Diamond es un gran compositor responsable de muchos éxitos de los 60's y 70's. Como compositor e intérprete de varios de los temas de The Monkees, se le puede considerar tan Monkee, o más, que los que ponían la cara. Con su propio nombre tuvo unos cuantos Lp's más que decentes,  Hot August Night, Just For You, Serenade. . .

Uno de los mejores discos del señor Diamond (bajo mi muy subjetivo punto de vista) es este Juan Salvador Gaviota, premio Grammy a la mejor banda sonora original, que alcanzó más renombre que la propia película.

Concebido como ilustración musical del increíble cuento de Richard Bach, Neil crea una composición orquestal evocadora que enriquece la visión del vuelo de las gaviotas en el film y es una delicia para el relax que a mi me acerca al recuerdo de nuestra amiga Aitana,

profesora de danza, que preparó una montaje con selección musical de este disco porque era su disco preferido; parece que la estoy viendo por un agujerito en la pared, como en la peli Érase una vez en América de Leone, con su tutú y entre sus chicas, preparando el estreno en el Aula de Cultura de La Caja . . .

Cambré.   Tendu.   Soutenu.  Croisé.  Derrière.
Écarté.   Piqué.   Pirouette.   Relevé.  Glissade . . .

Va por ti, Lucía

VersiónVinylRipByNapi#10

https://1fichier.com/?rw4z45bt80hbhqjrgw11

VersiónCdRipByArend#13

https://1fichier.com/?omob4skr7btjiyhsp2jv

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Bill Frisell - 1996 - Bill Frisell Quartet. Reup By Request

Bill Frisell

guitarandmusicinstitute.com

William Richard Frisell, más conocido como Bill Frisell 

(18 de marzo de 1951) es un guitarrista y compositor estadounidense.

Carrera

Es uno de los guitarristas más conocidos de jazz desde finales de los años 1980, que ha compuesto una obra ecléctica integrada por folk progresivo, música clásica, música country, noise y muchos más. Es conocido por usar una multitud de efectos (delay, distorsión, reverb, octavadores y pedales de volumen, por mencionar algunos) con el fin de crear sonidos únicos con su instrumento.

Frisell nacido en Baltimore, pasa la mayor parte de su juventud en los alrededores de Denver, Colorado y estudia música en la Universidad de Nord Colorado. Su profesor fue Dale Bruning, con quien Frisell grabó un álbum en dúo. Frisell va después a estudiar al Berklee College of Music en Boston donde recibe la enseñanza de Jim Hall que ha influenciado enormemente su manera de tocar y su sonoridad.

La carrera de Frisell se consolidó cuando Pat Metheny, indisponible para una grabación, lo recomienda a Manfred Eicher del sello ECM. Frisell graba desde entonces para el sello y participa en los álbumes Paths, Prints et Wayfarer, de Jan Garbarek. Este último es particularmente seducido por la imaginación y los verdaderos paisajes sonoros que despliega Frisell.

Su primer álbum fue In Line, album solo, con la participación del bajista Arild Andersen en algunas pistas.

Su primer grupo, constituido por Kermit Driscoll al bajo, Joey Baron a la batería y Hank Roberts a violonchelo, recibió muy buena acogida. Rápidamente el grupo fue reducido e un trío (Frisell/Baron/Driscoll) que tuvo auténtico éxito con un repertorio muy amplio que iba del tango al free jazz, del rag al rock duro y de Wess Montgomery a Jimi Hendrix.

En los años 80, vive en New York y participa activamente en la escena musical de la ciudad. Colabora en particular con John Zorn, y forma parte de su grupo Naked City. También colabora con Paul Motian,​ y después entra en la formación del trío Motian/Frisell/Lovano que tiene un gran éxito.

En 1988 se establece en Seattle. En los años 90 publica dos de sus álbumes más importantes en los que destaca su fraseo peculiar que recuerda a los viejos maestros del country, al mismo tiempo que dibuja paisajes sonoros llenos de mágia:

Have a Little Faith un conjunto de músicas norteamericanas, de Charles Ives y Aaron Copland a Bob Dylan y Madonna.

This Land un conjunto de composiciones originales muy influenciadas par el folklore americaino.

En 1995 publica los dos volúmenes que ha grabado, inspirados por las viejas películas del cómico Buster Keaton y que constituyen un buen resumen de su manera de interpretar.4

En 1997 Bill Frisell vuelve a sorprender con el álbum Nashville, fruto de su interés por el country, en su acepción más abierta. El disco evoca un lugar indeterminado e idílico donde reina la armonía de la música tradicional. Junto a temas originales, propone temas clásicos de Neil Young (One of these days) y Skeeter Davis (End of the world). El grupo estaba formado por Robin Holcomb (voz), Pat Bergeson (armónica), Adam Steffey (mandolina), Ron Block (banjo y guitarra), Jerry Douglas (dobro) y Victor Krauss (bajo).

Entre 2003 y 2005 Frisell es el director musical de Century of Song, unas series de conciertos en el marco del German Ruhrtriennale arts festival (producido por Lee Townsend). Frisell invita a artistas como Rickie Lee Jones, Elvis Costello, Suzanne Vega, Arto Lindsay, Loudon Wainwright III, Vic Chesnutt, Van Dyke Parks, Buddy Miller, Ron Sexsmith y Chip Taylor a tocar sus canciones favoritas con nuevos arreglos.

En 2003 su álbum The Intercontinentals fue nominado a un Grammy award. Ganó en 2005 el Grammy Award para Best Contemporary Jazz Album por su álbum Unspeakable. En 2009 su álbum History, Mystery fue nominado a un Grammy award para Best Jazz Instrumental Album.

En 2008 Frisell toca como invitado en el álbum de Earth, The Bees Made Honey in the Lion's Skull.

En 2009 Frisell toca una versión del clásico de Leonard Cohen, "Hallelujah" con el cantautor Sam Shrieve en su primer álbum Bittersweet Lullabies.

En 2010 Frisell comienza a grabar para el sello Savoy Jazz y publica Beautiful Dreamers en agosto, seguido de Sign of Life en abril de 2011. También en enero de 2011, Frisell y Vinicius Cantuária publican Lágrimas Mexicanas en el sello E1.

En septiembre de 2011 Frisell publica All We Are Saying, con interpretaciones de temas de John Lennon.​ Su quinteto incluye a la violinista Jenny Scheinman, al pedal steel y guitarra acústica Greg Leisz, el bajo Tony Scherr y el batería Kenny Wollesen.

En 2016 publica el álbum When you wish upon a Stareste que presenta un conjunto de canciones cinematográficas que incluyen títulos como Matar a un ruiseñor, Pinocho, Psicosis, El padrino, La bella y la bestia, Moon River... y divertimentos como la sintonía de Bonanza.

***   ***

Bill Frisell - 1996 - Bill Frisell Quartet

Hace unos meses ya que Bab me pasó este flipante disco y más o menos acordamos publicarlo (bueno, quizá no llegué a decírselo, aunque la cosa estaba ahí) pero la multitud de eventos De Chinguels Colechion y Demás Leñes Weberas hicieron que quedara aparcado en la cocina de Cielo y Dedo hasta estas fechas en que la costumbre de hacer recuento me ha reavivado la memoria.

La poco usual instrumentación (guitarras y una muy personal sección de viento) confiere a esta grabación una extraña unidad con su particular aura sonora. Se suceden, de forma aparentemente espontánea, diversas estampas a lo largo de los trece descriptivos temas instrumentales, a veces como de rústica feria aldeana a la que asistimos como invitados de excepción desde dentro mismo de la escena.

Décimo segundo disco de Bill Friesell, "Quartet" fue lanzado en 1996 y presenta piezas que el artista preparó para diversas bandas sonoras. Los temas 1, 5, 6, 7, 9 y 12 son de la peli animada para Tv. "From the Far Side" (1994) creada por Gary Larson.  Los número 3 y 13 son de un film italiano, "La Scuola" (1995) dirrigida por Daniele Luchetti. En cuanto a los cortes 4 y 10 fueron escritos para el film de Buster Keaton "Convict 13" (1920).

Los temas 5 y 9 han sido "tomadas prestadas" del himno "Deep in the Heart of Texas".

Frisell nació en Baltimore, Maryland, el 18 de Marzo de 1951, aunque pasó la mayor parte de su juventud en  Denver, Colorado. Estudió clarinete con la Orquesta Sinfónica de Denver, se graduó en la Denver East High School y fue a la Universidad del North Colorado para estudiar guitarra. Después de graduarse allí, Frisell asistió al Berklee College of Music de Boston, donde estudió con Jon Damian y Jim Hall.

Cuentan que Pat Metheny se sintió incómodo en 1982 durante la grabación del Lp "Psalm" de Paul Motian, y recomendó a Frisell para la sesión, lo que supuso que éste se convirtiera en guitarrista de la casa en ECM, y trabajara en varios álbumes memorables, dando paso a una más que notable carrera.

El debut discográfico en solitario de Frisell  fue en 1983, con el Lp "In Line", a dúo con el bajista Arild Andersen, para ECM, y desde entonces ha publicado 34 discos a su nombre, además de aparecer en registros de colaboraciones con Paul Motian y Joe Lovano, John Zorn, Naked City, y un sinfín de nombres de entre lo más florido de la escena del Jazz.

En la grabación del "Quartet", Bill Frisell presenta esta

Formación▼

Bill Frisell – guitarras eléctrica y acústica 

Ron Miles – trompeta, trompeta piccolo

Eyvind Kang – violín, tuba

Curtis Fowlkes – trombón

Listado de Temas▼  

Todos los temas compuestos por Bill Frisell excepto la indicada

 01 - Tales From The Far Side - 06:32 min.

 02 - Twenty Years - 02:57 min.

 03 - Stand Up, Sit Down - 05:40 min.

 04 - Convict 13 - 05:39 min.

 05 - In Deep - 03:11 min.

 06 - Egg Radio - 04:31 min.

 07 - The Bacon Bunch - 04:28 min.

 08 - Prelude - 01:37 min.

(Frisell, Miles) 

 09 - Bobs Monsters - 08:47 min.

 10 - The Gallows - 06:15 min.

 11 - What - 03:28 min.

 12 - Dead Ranch - 04:28 min.

 13 - Coffaros Theme - 04:27 min.


13 Temas - Tiempo Total: 01:02:00

Créditos▼

Producido por Lee Townsend
Grabado en el Möbius Music de San Francisco, California
Ingeniero de Grabación: Oliver DiCicco
Asistente: Christian Jones
Mezclado en Bad Animals de Seattle, Washington
Ingeniero de Mezclas: Judy Clapp
Asistente: John Burton
Master por Greg Calbi en Masterdisk, New York.

Diseño por Terpstra Design, San Francisco, California

Ilustración de Portada: The Boy por Thomas Hart Benton

Reseñas▼

Bill Frisell Quartet
http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=1436

By CRAIG JOLLEY, Published: March 8, 2004


Country music and jazz, musical cousins barely on speaking terms, both came of age in the 1920's. They have not really affected each other until lately, although their early histories have much in common. They emerged through back doors and depended heavily on irony and parody inherited through the blues. The phonograph record spread their popularity. They struggled for acceptance by legitimate musicians. While jazz continued to evolve musically country reached a musical dead end due to inbreeding and had to borrow from and fuse with other musics for a semblance of freshness. (A commercially viable formula derived in part from country, performed by unmusical pretty boys, and marketed as "Modern Country" or "The Nashville Sound" was perfected in high-tech recording studios—mostly in Nashville, Hollywood, and New York.) These days traditional country music, a dying art, is practiced by a few. The future of country appears to lie in hybrids such as Bill Frisell's quartet, a band whose sound derives mostly from the country tradition, although there is enough jazz flavor to keep it moving.

Presented as a part of a "Gershwin and Beyond" series, Frisell began with brief, but worthy versions of four Porgy and Bess tunes. He chose not to piggyback on the classic Miles Davis - Gil Evans treatments that have more or less redefined the pieces for the jazz world over the last forty years. "Summertime" began with a free segment and evolved into a Frisell - Wolleson duet with Frisell emulating a steel pan before gradual disintegration. Frisell rendered "Someone to Watch Over Me," "It Ain't Necessarily So" (as a mazurka), and "My Man's Gone Now" in close-to-the-vest melodic variations over subtly shifting rhythms. Leisz switched to mandolin for a pre-WWI flavored "Swanee" (in cut time) that ended with a reference to "Old Folks at Home."

The remaining tunes, original compositions, evoked a variety of moods: an old-time blues; a New Orleans-tinged piece with two-way guitar interplay; a quiet Mexican folk song (near "La Paloma") with Frisell on six-string acoustic guitar, Wolleson accenting with fingers (left hand) on snare drum and a brush (right hand) on cymbals; a groove tune with an "In A Silent Way" feel warmed up by Frisell; and a couple of continually evolving Texas-flavored numbers.

The two guitarists often played subtly interwoven variations, relying heavily on sonic variation achieved through electronics. Frisell frequently adjusted his guitar amplifier settings, some of which appeared to be hooked into programmed loops. Wolleson, the jewel of the band, freely danced around the string players. Relying entirely on instinct he provided the dynamic yang. Bassist David Piltch has gigged with Tom Harrell and other swing-informed jazz musicians but he to play with a static, predictable feel to fit the music's humble mood. He bowed simple lines during his occasional solos.

James Carney (February 2) and Steve Coleman (February 23) are scheduled to continue the jazz concerts at the Skirball.

 Password:

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https://1fichier.com/?x7dsxka9g161hk4puyv7

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