ZZ Top, Tres Hombres

D. E. P.

ZZ Top - 1973 - Tres Hombres

WB/Rhino Reissue 180g; HDFlac @ 2718 - 640,11 MB

Master de Kevin Gray & Steve Hoffman

Grabado en los estudios Robin Hood Studios (por Robin Brian) y en Ardent Studios (por Terry Manning) de Memphis, Tennessee, a inicios de 1973.

producción Bill Ham

Master por Kevin Gray & Steve Hoffman 

Bill Narum diseño de portada

Galen Scott fotografía

El álbum salió al mercado el 26 de julio de 1973.

Personnel

Billy Gibbons - guitarra, voz

Dusty Hill - bajo, coros, segunda voz en “Beer Drinkers” and “Hell Raisers”

Frank Beard - drums, batería, percusión

https://youtu.be/Gg9cNGHl-bg

Listado de Temas:

Cara A

 1 - A1-Waitin' For The Bus - 02:53 min.

Billy Gibbons, Dusty Hill

 2 - A2-Jesus Just Left Chicago - 03:29 min.

Gibbons, Hill, Frank Beard

 3 - A3-Beer Drinkers & Hell Raisers - 03:25 min.

Gibbons, Hill, Beard

 4 - A4-Master Of Sparks - 03:31 min.

Gibbons

 5 - A5-Hot, Blue And Righteous - 03:17 min.

Gibbons

Cara B

 6 - B1-Move Me On Down The Line - 02:31 min.

Gibbons, Hill

 7 - B2-Precious And Grace - 03:09 min.

Gibbons, Hill, Beard

 8 - B3-La Grange - 03:52 min.

Gibbons, Hill, Beard

 9 - B4-Shiek - 04:06 min.

Gibbons, Hill

 10 - B5-Have You Heard  - 03:14 min

Gibbons, Hill

10 Temas - Tiempo Total: 00:33:27

HDFlac @ 2718 - 640,11 MB

El Cielo Y El Dedo

https://elcieloyeldedo.blogspot.com/

Reviews:

ZZ Top ‎– Tres Hombres

Sello: London Records ‎– XPS 631 USA 1973

Formato: Vinyl, LP, Album, Terre Haute Press, Gatefold

Género: Rock, Blues

Estilo: Blues Rock, Classic Rock, Texas Blues, Electric Blues

Steve Apple (Posted: Sep 13, 1973)

https://web.archive.org/web/20071002002340/http://www.rollingstone.com/artists/zztop/albums/album/111205/review/5945357/tres_hombres

   Además de engendrar dos increíbles hermanos albinos de rock & blues y una difunta primera dama del boogie, Texas se está convirtiendo en un lugar increíble para decir que eres. Todo el sonido del rock & roll sureño parece ponerse de moda tan rápido como un trago de licor de patata llega al cerebro.

   ZZ Top no dudan en ser vaqueros que solían estar en la escena de la música psicodélica y que recientemente han descubierto el placer de beber cerveza y conducir sus bicicletas y autos a 110 millas por hora. Tres Hombres es un paso definitivo hacia sus raíces de blues blanco. Su segundo álbum, Rio Grand Mud, tuvo un toque inglés al final de la producción con melodías tipo Rolling Stones como "Chevrolet" y "Francene" de Brown Sugarish. ZZ Top ha mostrado en sus tres grabaciones los ritmos dinámicos que solo la mejor de las bandas de tres integrantes puede cocinar. Billy Gibbons interpreta un sabroso liderazgo tipo Duane Allman con Dusty Hill y Frank Beard golpeando el fondo funky.

   Tres Hombres fue grabado pensando en sus presentaciones en vivo. Eco mínimo y mucha interferencia con sonido en vivo. "Waiting for the Bus" es una pista mezquina y confusa que recuerda a los primeros Canned Heat que se completa con la habitual repetición de tres acordes. Vocalmente, ZZ tiene una ventaja sobre la mayoría de los rockeros blancos en los que sureños suenan  como negros de todos modos, con líneas como ... "No tienes que preocuparte, porque cuidar de los negocios es su nombre", cantada por Gibbons en un acento tan grueso que haría justicia a Leadbelly.

    ZZ Top parece ser al menos uno de los más inventivos de los grupos rockeros de tres piezas, pero son solo una de las varias bandas de rock sureñas competentes. Me pregunto cuándo se cansará el público de escuchar lo mismo ... el golpeteo de "Poot yawl hans together".

Steve Apple (Posted: Sep 13, 1973)

ZZ Top Tres Hombres

https://pitchfork.com/reviews/albums/zz-top-tres-hombres/

   El lanzamiento de ZZ Top en 1973 fue una combinación magistral de estilos complementarios, que abarrotaba el rock sureño y el blues boogie a través del filtro idiosincrásico de la banda.

   “El sonido de la guitarra de Billy Gibbons no es como es porque use una moneda de veinticinco centavos como púa o algo tan simple como eso, es porque está en contacto con un sector diferente del cosmos del que no sabemos nada". Eso dijo el músico de ruido experimental Kevin Drumm, en una entrevista de 2003 con Pitchfork. También puede encontrar foros de mensajes en los que se discute si Gibbons realmente usa un Peso para elegir. Pero cuando se trata del testimonio del larguirucho líder de ZZ Top, la verdad siempre viene con un lado de Texas Tall Tale.  Esta es una banda que chapoteó en un pantano cerca de la exclusiva subdivisión Tanglewood de Houston en su segundo álbum y lo llamó Rio Grande Mud. Desde el principio, dominaron la imagen y la mística. Vea, si no, el nombre de la banda en sí: el trío del guitarrista Gibbons, el bajista Dusty Hill y el baterista Frank Beard rinden homenaje a su herencia de blues sureño (combinando BB King y ZZ Hill) o bien a una herencia "verde" (combinando dos marcas de papeles de liar) la historia permanece resbaladiza, eones después.

   Tal elusividad ha servido bien a la banda, ha permitido que un dinosaurio del blues-rock de finales de los 60 sobreviva y prospere hasta bien entrada la década de 1970 y luego en la década de MTV, de modo que sus contemporáneos pasaron de Jimi Hendrix a Michael Jackson, de Molly Hatchet a Virgen. O como lo expresó su antiguo roadie David Blayney en su libro de 1994 Sharp-Dressed Men: “la banda con los tonos de medianoche, las barbas del padre del tiempo y el contrapunto de los martinetes… para muchos amantes del rock, es como si siempre hubieran estado allí".

   ¿Cómo es posible que una banda que alcanzó el éxito junto con el rock sureño y el arquetipo del vaquero urbano supere las tendencias y se convierta en un paradigma de lo cool para gente como los punks incondicionales Steve Albini y Black Flag, los habitantes de Chicago Kevin Drumm y Tortoise, un grupo al que hace referencia la vanguardia? ¿Raros de la guitarra y gilipollas por igual? ¿Cómo esa autoproclamada "pequeña banda de Texas" rompió récords de asistencia a conciertos y llegó a significar el cosmos? Seguro que no habría sucedido en base a los dos primeros discos de ZZ Top, que están llenos de una producción turbia, lamidos por turnos punzantes y descuidadas canciones (además de algunos aspectos destacados) como si fueran convocados desde un blues británico de finales de los sesenta ¿Power Rock de trio resaca? No, la respuesta se puede encontrar en su tercer álbum, Tres Hombres de 1973.

   Tres Hombres (español para "tres hombres", refiriéndose a los tres miembros de la banda) es el tercer álbum de la banda de rock estadounidense ZZ Top. Fue lanzado en 1973. El álbum fue el primero de muchas veces que la banda trabajó con Terry Manning como ingeniero. Fue una combinación exitosa ya que el lanzamiento fue el primer avance comercial de la banda. En los Estados Unidos, el álbum entró en el top ten mientras que el sencillo "La Grange" alcanzó el número 41 en las listas de singles (mientras tanto, "La Grange" debutó en el puesto 33 en la emisión del Top 40 estadounidense el 29 de junio de 1974).

   Luego de su publicación obtuvo positivas reseñas por parte de la prensa especializada. Steve Apple de la revista Rolling Stone mencionó en 1973: «ZZ Top parece ser uno de los power trios roqueros más innovadores, pero son solo una de varias bandas de rock sureño competentes» y además consideró que fue grabado con las presentaciones en vivo en mente, porque suena bastante bien.

   En el apogeo del éxito de ZZ Top a mediados de la década de 1980, se lanzó una versión remezclada digitalmente de la grabación en CD y la mezcla original de 1973 ya no se publicó más. La versión remix generó controversia entre los fans porque cambió significativamente el sonido de los instrumentos, especialmente la batería. La versión remix se usó en todas las primeras copias de CD y fue la única versión disponible durante más de 20 años. Una edición remasterizada y ampliada del álbum fue lanzada el 28 de febrero de 2006, que contiene tres pistas extra en vivo. La edición de 2006 es la primera versión en CD que utiliza la mezcla original de 1973 de Manning. Los lanzamientos posteriores en plataformas digitales también han utilizado la mezcla original.

   En 2003, el álbum ocupó el puesto 498 en la lista de la revista Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. En 2012, el álbum ocupó el puesto 490 en una lista revisada. El álbum alcanzó el puesto número 8 en el Billboard 200.

Cuarenta años después de su lanzamiento, Andrew Dansby de Houston Chronicle lo consideró como «un álbum lleno de personajes y hechos tan cargados de caricaturas, pero presentados de frente, como para evitar el escepticismo», y enfatizó que «está lleno de color y sabor». De igual manera, Andy Beta de Pitchfork Media lo citó como uno de los discos más grandes de la banda y mencionó: «el avance de ZZ Top en 1973 fue una fusión magistral de estilos, abarrotando el rock sureño, blues y boogie a través de la idiosincrasia propia de la banda».

   En julio de 2013, 40 años después de su lanzamiento, el álbum fue descrito por Andrew Dansby en el Houston Chronicle como "... lleno de personajes y hechos tan impregnados de caricatura, pero presentados con seriedad, que invitan al escepticismo. lleno de color y sabor, muy parecido a su famosa foto doblada en el interior de la portada: un par de platos de comida que revientan las entrañas del muy querido pero ahora cerrado Leo's Mexican Restaurant en Lower Westheimer".

    Dos pistas "Waitin 'for the Bus" y "Jesus Just Left Chicago" se mezclan entre sí, pero no por diseño, el ingeniero del álbum estaba empalmando cinta y cortó demasiado, por lo que una canción en tiempo 4/4 y otra en 6/8 terminó en el álbum sin ningún espacio entre ellas.

    El único sencillo lanzado del álbum fue "La Grange" (con "Just Got Paid" como cara B, del segundo álbum de la banda, Rio Grande Mud) que alcanzó el puesto 41 en el Billboard Hot 100.

Ediciones posteriores

   En la década de los 80, el trío se convirtió en estrellas de MTV, por lo que aprovechando su popularidad, lanzaron una versión remezclada de Tres Hombres, la cual no fue del agrado de su público, ya que los temas se escuchaban diferentes, en especial la batería, que fue enfatizada.

   En el 2006 se estandarizó la mezcla que hoy está disponible en CD y plataformas digitales, que tuvo en cuenta la versión original. El tracklist incluye tres versiones en vivo de temas del álbum.

AllMusic Review

by Stephen Thomas Erlewine

   Tres Hombres es el disco que trajo a ZZ Top su primer  éxito Top Ten, convirtiéndolos en estrellas en el proceso. No podría haberle sucedido a un récord mejor. El grupo consiguió su Blooze-N-Boogie alegremente sórdido y bajo en este, su tercer álbum. A medida que su sonido se solidificó, el productor Bill Ham descubrió cómo grabar el trío de manera tan simple que sonaran indestructibles, y el grupo trajo a la mesa el mejor conjunto de canciones que jamás hubieran tenido. En la superficie, no hay nada realmente especial en el disco, ya que es solo un disco de blues-rock de una banda de bar de Texas, pero eso es lo que tiene de especial. Tiene un ritmo sucio y una sensación contagiosa, gracias al gruñido de las guitarras de Billy Gibbons y la propulsión constante de la sección rítmica de Dusty Hill y Frank Beard. Obtienen la mezcla de blues shuffles, rock desde las tripas y humor fuera de ritmo, a la perfección. La propia identidad de ZZ Top proviene de este sonido terrenal y canciones tan absolutamente contagiosas como "Waitin 'for the Bus", "Jesus Just Left Chicago", "Move Me on Down the Line" y el boogie de John Lee Hooker "La Grange". En cierto sentido, siguieron intentando rehacer este disco a partir de este momento: ¿qué es Eliminator sino Tres Hombres con secuenciadores y sintetizadores? Pero nunca lo hicieron mejor que aquí.

parte 1

https://1fichier.com/?0jjhwiyh1ry5xcknrn5m

parte 2

https://1fichier.com/?kxy9ire50mxoz5te68oq

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Charles Baudelaire - London Bridge Trio, The Leipzig Circle, Volume 1

Charles Baudelaire

9 de abril de 1821 París, Francia. Fallecido el 31 de agosto de 1867

Años de activdad 1844 a 1866

Romanticismo, Parnasianismo, Simbolismo

Woodburytype of a portrait of Charles Baudelaire by Étienne Carjat - Source of original: Gaston Schéfer (ed.), Galerie contemporaine littéraire, artistique (Paris, 1876-84), vol. 3 part 1British Library:  Image; Metadata, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=23531150

   “Mis vacaciones de verano fueron largas, a menudo lluviosas como para muchos en el norte de Francia y, como resultado, un retrato baudelaire en el estudio”. 

El Retrato de Charles Baudelaire es una pintura de Gustave Courbet realizada en 1848.

    A menudo se le acredita el haber acuñado el término «modernidad (modernité)» para designar la experiencia fluctuante y efímera de la vida en la metrópolis urbana y la responsabilidad que tiene el arte de capturar esa experiencia.

Charles BAUDELAIRE - Retrato Grabado en Aguafuerte

Magnífico retrato grabado del poeta, aquí representado de cuerpo entero, con las manos en los bolsillos. Inspirado en la famosa fotografía de Nadar, tomada a finales de 1860, este retrato fue creado por Roger Favier para la ilustración de las Obras de Baudelaire, por Editions Louis Conard en 1922.

"Charles Baudelaire por Courbet, 1848"

El retrato de Charles Baudelaire es una pintura de

Gustave Courbet realizada en 1848.

   En 1848, Gustave Courbet pintó el retrato de Baudelaire "Charles Baudelaire por Courbet 1848".  Hay un pasaje de una carta, e incluso fragmentos en las crítica de Stendhal, donde se ensalza el carácter profético impreso ya en la década de 1820. El propio artista lo fechó equivocadamente en 1840, el tiempo solo se puede olvidar usándolo, porque parece que en su mayoría se pintó alrededor de 1847, año en el que el poeta y el pintor se encontraban con frecuencia.  Personalmente, siempre me han seducido sus poemas.

Henri Ibara. Portrait, Una Pintura De Charles Baudelaire, 2013

   Nació el poeta francés Charles Baudelaire el 10 de junio de 1819. Sea siempre poeta, incluso en prosa. El poeta es pariente de las nubes.

   No siempre se dedica una exposición a Gustave Courbet. Lo mismo ocurre con Baudelaire, su contemporáneo. Aunque se hizo con motivo de la reedición del libro sobre Courbet de Gros-Kost, Philippe Sollers, en 1994. También mira hacia atrás el libro de Nadar sobre Baudelaire y se pregunta sobre el extraño malentendido que el pintor y el poeta pudieron haber tenido al respecto de aquellos que aparentemente eran tan cercanos a ellos. La historia de un malentendido "amistoso" (y ¿tal vez "progresista"?) que tendía a confundir la ya difusa imagen social de los dos artistas con su arte en sí.

«Elevación», un poema de Charles Baudelaire

https://blogdecee.blogspot.com/2016/03/elevacion-un-poema-de-charles.html

Elevación,

De Las flores del Mal [1857] 

Traducción: Nydia Lamarque. Editorial Losada.

 

Por encima de valles, por encima de lagos,

De bosques y montañas, de nubes y de mares,

Más allá de los soles, más allá de los éteres,

Más allá de los lindes de estrellas a millares.

Como un buen nadador que se goza en el agua,

alma mía, te mueves con toda agilidad,

y alegremente surcas la inmensidad profunda,

con una indecible y viril voluptuosidad.

¡Escápate bien lejos de estos mórbidos miasmas!

Sube a purificarte al aire superior,

y el fuego claro que hinche los límpidos espacios

bebe tal como un puro y divino licor. 

Detrás de los enojos y los hondos pesares

que cargan con su peso la existencia brumosa,

¡feliz quien a regiones lúcidas y serenas

lanzarse puede con un ala vigorosa!

Aquel cuyas ideas, cual si fueran alondras,

al cielo, de mañana, arrójanse desnudas...

¡Que sobre el mundo vuela y entiende sin esfuerzo,

la lengua de las flores y de las cosas mudas!

    ¿El último de los románticos, el primero de los modernos? Queda fuera de cualquier clasificación. Podríamos ubicarlo dentro del parnasianismo o el simbolismo ¿oscuramente  romántico?

Courbet, Baudelaire - D 24 Octobre 2007 A Par Albert Gauvin

https://www.pileface.com/sollers/spip.php?article323

Portrait De Charles Baudelaire Courbet

Jeanne Dite Duval Femme Debout from s.rfi.fr

London Bridge Trio ¬ The Leipzig Circle, Volume 1

Chamber Music By Fanny, Clara, Robert And  Felix. 2019

Grabado en el Royal Birmingham Conservatoire,

el día 17 de Abril de 2018

Rip Date, 2020-01-22, 22:58:19

El London Bridge Trio:

Violín: David Adams

Cello: Kate Gould

Piano: Daniel Tong 

presenta piezas de los compositores:

Fanny Mendelssohn (Piano Trio en RE Minor, Op. 11)

Clara Schumann (Three Romances, Op. 22- III)

Robert Schumann (Piano Trio No. 1 en RE Minor, Op. 63)

Felix Mendelssohn (Songs Without Words, Op. 109) 

Listado de Temas:

01 - Piano Trio In D Minor, Op. 11- I. Allegro Molto Vivace - 11:04 min.

Composición de Fanny Mendelssohn

02 - Piano Trio In D Minor, Op. 11- II. Andante Espressivo - 06:10 min.

Composición de Fanny Mendelssohn

03 - Piano Trio In D Minor, Op. 11- III. Lied, Allegretto - 02:00 min.

Composición de Fanny Mendelssohn

04 - Piano Trio In D Minor, Op. 11- IV. Finale, Allegretto Moderato - 06:25 min.

Composición de Fanny Mendelssohn

05 - Songs Without Words, Op. 109 - 04:46 min.

Composición de Felix Mendelssohn

06 - Piano Trio No. 1 In D Minor, Op. 63- I. Mit Energie Und Leidenschaft - 11:35 min.

Composición de Robert Schumann

07 - Piano Trio No. 1 In D Minor, Op. 63- II. Lebhaft, Doch Nicht Zu Rasch - 04:57 min.

Composición de Robert Schumann

08 - Piano Trio No. 1 In D Minor, Op. 63- III. Langsam, Mit Inniger Empfindung - 06:58 min.

Composición de Robert Schumann

09 - Piano Trio No. 1 In D Minor, Op. 63- IV. Mit Feuer - 08:12 min.

Composición de Robert Schumann

10 - Three Romances, Op. 22- I. Andante Molto - 02:54 min.

Composición de Clara Schumann

11 - Three Romances, Op. 22- II. Allegretto, Mit Zartem Vortrage - 02:59 min.

Composición de Clara Schumann

12 - Three Romances, Op. 22- III. Leidenschaftlich Schnell - 04:08 min.

Composición de Clara Schumann

12 Temas. Tiempo Total 01:12:08

flac ¬ 587 ¬ 310,25 MB

|¡ Disfrútalo!|

Reseñas

   El London Bridge Trio es uno de los conjuntos de cámara más importantes de Gran Bretaña. El trío se formó originalmente en 2002 como London Bridge Ensemble.

Sítios: londonbridgetrio.co.uk

Miembros:

Daniel Tong, David Adams, Kate Gould

AllMusic Review

by Blair Sanderson

   The Leipzig Circle, Volume 1 es la presentación al medio musical que el London Bridge Trio realiza sobre Fanny Mendelssohn, Clara Schumann, Felix Mendelssohn y Robert Schumann, quienes se conocieron durante un tiempo en Leipzig y formaron lazos de amistad que influyeron profundamente en sus vidas.

   En este álbum se pone un énfasis merecido y muy necesario sobre Fanny Mendelssohn y Clara Schumann, cuyas obras han languidecido bajo las  sombras de Felix y Robert, muy a pesar, por ejemplo, de la producción de más de 460 composiciones de Fanny, y de la gran fama internacional de Clara como compositora y pianista. A este fin, el original Piano Trio en Re Menor Op.11 de Fanny Mendelssohn abre el programa con un flujo creciente de enérgico reparto, donde la intensidad de la actuación en vivo del London Bridge Trio sugiere dejarse llevar por las apasionadas emociones de la música. La obra final para violonchelo y piano, de Felix Mendelssohn, fue Canción sin palabras, Op. 109, que proporciona un respiro lírico antes de que los músicos se sumerjan de cabeza en el turbulento y a menudo oscuro Trío Para Piano En Re Menor, Op. 63 de Robert Schumann. Con Clara Schumann y sus Tres romances Op. 22 se cierra el programa, otra obra lírica en la línea de Canción Sin Palabras, solo que esta vez para violín y piano.

   Volumen de inicio de lo que se puede esperar que sea una colección generosa, este disco marca el debut del London Bridge Trio en el sello Somm y es muy prometedor sobre este repertorio romántico subestimado aunque merecido.

Algunas Fuentes:

EL BLOG DE CEE https://blogdecee.blogspot.com

gdecee.blogspot.com/2016/03/elevacion-un-poema-de-charles.html

https://manahil-mohamed.blogspot.com/2021/04/portrait-de-charles-baudelaire-courbet.html

 The Leipzig Circle Vol 1

https://1fichier.com/?yaow8m93fhuzshwmhoz4

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Music in Private. Las 0leadas de Suzanne Ciani

0la, 0leada, 0nda

SARS-CoV-2. Más de un año de pandemia y repetimos curso

  Un nuevo virus llevaba varios meses paseándose por los cinco continentes cuando, sobre el 30 de Diciembre de 2019, las autoridades de la ciudad china de Wuhan informaban de 27 casos de una neumonía desconocida tras haber visitado el mercado de animales vivos de esa localidad. Pocos días después se puso nombre al culpable de la infección, el SARS-CoV-2.

   La noche del día 31 de Enero 2020 se conoció que, de un grupo de turistas alemanes en Canarias, uno había dado positivo, convirtiéndose en el primer caso de coronavirus en España. Fue el primero de los más de 2,7 millones de casos que desde entonces se han diagnosticado en este país. El 13 de febrero de 2020 se produjo la primera de las más de 58.000 muertes por Covid en España. Los mismos días en que desde el Ministerio de Sanidad y el Centro de Coordinación de Alertas y Emergencias Sanitarias, se aseguró que el riesgo de que el nuevo coronavirus llegara a España era "muy bajo" y que en el caso de que lo hiciera, el país estaría preparado "para actuar ante cualquier eventualidad".

    Parece que muy preparado no se estaba en La Piel De Toro, a juzgar por la evidencia. Después de vivir la declaración del estado de alarma, sus doce semanas de durísimo confinamiento, una primera ola despiadada. Tras la apertura de un hospital en IFEMA y la construcción de otro nuevo en Madrid. Después de la emisión publicitaria, casi a tiempo real, del desarrollo de las vacunas, las secuelas por la nueva forma de vivir. A pesar del inicio de la vacunación, las varias oleadas de infecciones comunitarias (la última golpea fuerte en el verano de 2021, como si fuera un falso recuerdo lo del 20); después, decía, de soportarlo todo, el país sigue sumido en el contagio, tercera, cuarta, quinta ola . . . ¿olas o tsunami?

   Bien sabíamos que el Covid crece con los agrupamientos humanos, saluda con alegría cada reunión de masas y se lleva muy bien con La Parca. Dada la sociedad occidental y su dinamismo de sectores económicos basados en impetuosos golpes de gente apiñada, con repentino intercambio de gran cantidad de aire  . . .  solo cabe inferir que no podemos juntarnos, por mucho que nos duela. Y va para largo. Dejémonos del "jalea que te jalea, que si las libertades y tal y cual".

   Reconsiderando, que es gerundio. En una 0leada puede distinguirse la Periodicidad, su Amplitud, su Frecuencia. Entre Cresta y Valle se puede medir la Longitud de 0nda.

   Como tomado en sentido "antropomórfico", las olas se muestran bidireccional y gráficamente, siempre en relación a sus efectos sobre los seres humanos como si estuvieran paraditos y apiñados en una playa (¡que sí, que también! Pero eso es otra historia). 

    Sin conocimientos de sociología como para saber si las estadísticas son estas o las otras, parece que todo lo que se hace es pura recogida de datos, y no por  conspiro-paranoia, simplemente constato que no ha habido prueba serológica, al grueso de la población, ni previa ni posterior al inicio de la pandemia, solo datos de infecciones, entradas en UCI y salidas o hacia el alta o la morgue ¿para estadística, a posteriori?

   Y sin embargo, se mueve, la peña y el virus, se mueven. Y se produce un aumento de la frecuencia de incidencia para los observadores hacia los que se dirige la 0la, al mismo tiempo que una aparente disminución para los observadores de los que se aleja. Mr. Doppler nos facilita sentir seguridad, aun en pleno diluvio (¡si por  aquí  no moja la 0la, ya puedo arrejuntarme y que se j0da el de allá!).

   Embate en movimiento, impetuoso golpe de gente apiñada, repentino intercambio de gran cantidad de aire . . . ¡diana de y en la sociedad consumista!

   Más bien "suena" a que estamos en un lago y las 0leadas son c0r0nas circulares que br0tan desde n0s0tr0s una, otra, y otra más, hacia los b0rdes ¡dondequiera que estén, que más que bordes son chaflanes!

0leada

Cresta, Periodo, Amplitud, Frecuencia, Valle, Longitud de onda, Efecto Doppler. ¡Joé, funciona!

Cuenta las 0las . . . ¿o tsunamis?

Music in Private - Waves Of Suzanne Ciani

Nacida el 4 de junio de 1946, en Indiana, EE. UU.

Profesiónes Músico, compositor, diseñador de sonido. ejecutivo de sello discográfico

Géneros Electrónico. Vanguardia, New Age

Instrumentos sintetizador, teclados, piano

Años activa 1974 - presente

Website www.sevwave.com

1 Anthem - History Of My Heart  3:54

2 Ondine - Hotel Luna 3:52

3 Italia - Hotel Luna 3:22

4 Berceuse - Pianissimo 4:10

5 Hotel Luna - Hotel Luna 4:11

6 Mozart - History Of My Heart 4:00

7 The Fifth Wave - Seven Waves 5:48

8 The Velocity Of Love - The Velocity Of Love 4:27

9 Sailing To Byzamtium - new track 4:00

10 Inverness - History Of My Heart 4:48

11 Neverland - Neverland 3:53

12 Tuscany - Neverland 3:37

13 Drifting - History Of My Heart 4:58

14 Go Gently – new track 4:00

15        The Eighth Wave (Bonus, From The Velocity Of Love)   5:07

The Eighth Wave", from Suzanne Ciani's album, Velocity of Love.  Composed, arranged, produced, and performed by Suzanne Ciani, a five-time Grammy nominee.  http://sevwave.com

Tracks 9 and 14 are new tracks.

Suzanne Ciani: Prophet V, Prophet Sequencer, Profet T-8, Voyetra, Yamaha DX-7, Bode Vocoder, Eventide SP-2016, Lexicon 224X
Rob Zantay: Lyricon/Korg MS-20/Oberheim X-Pander

Los Hermanos Calatrava - Vino Una Ola

Provided to YouTube by The Orchard Enterprises

https://youtu.be/mVceZVfVtHQ

Suzanne Ciani (nacida el día 4 de Junio de 1946)

   es una músico estadounidense, diseñadora de sonido, compositora y ejecutivo de  sello discográfico, que obtuvo un éxito temprano en la década de 1970 con su música electrónica en efectos de sonido para películas y comerciales de televisión. Su carrera ha incluido trabajos con sonido cuadrafónico. Fue nominada a premio Grammy al Mejor Álbum New Age cinco veces. Por su éxito en la música electrónica se le ha apodado "Diva de los Diodos" y la "Primera Heroína Sintetizadora de los Estados Unidos".

   Ciani nació en un hospital militar en Indiana. Se crió en Quincy, Massachusetts, un suburbio del sur de Boston. Tiene raíces italianas y cuatro hermanas. Su padre era médico y ella empezó a tocar el piano a los seis años. [. . .] 

    De 1964 a 1968, estudió artes liberales tradicionales en Wellesley College en la cercana Wellesley, donde recibió formación en música clásica. También tomó clases nocturnas, una de las cuales fue en el MIT, Instituto de Tecnología de Massachusetts. [. . .] cursó master en composición en la Universidad de California, en Berkeley, de 1968 a 1970. En su primer año, conoció al inventor del sintetizador y pionero Don Buchla mediante su novio de ese momento, y quedó muy influenciada por su sintetizador modular analógico, el Buchla, entonces competidor directo del Moog de Bob Moog. Ciani se convirtió en devota del instrumento, trabajando para Buchla. "Llamo a Don el Leonardo Da Vinci del diseño de instrumentos". [. . .] 

Suzanne Ciani en 2012

By Andiemusik1986 - Own work, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=47676673

   Después de graduarse en Berkeley, Ciani comenzó a trabajar en Buchla and Associates para ganar suficiente dinero para comprarse su propio Buchla 200.  [. . .]  Su primer trabajo remunerado como compositora fue en 1969, produciendo sonido para 10 anuncios navideños de Macy's. Por esta época trabajó en instalaciones de sonido para galerías, películas, exposiciones y espectáculos de danza. En 1970, lanzó su disco de debut, Voices of Packaged Souls (1970), una colaboración con el escultor Harold Paris, y elaborando  técnicas de música concreta para la emisora de radio KPFA en Berkeley durante el turno de noche. El álbum tuvo un lanzamiento inicial de 50 copias. [. . .] 

   En 1978 fundó Ciani Musica. Inc. para producir jingles para anuncios de compañías como Coca-Cola, Merrill Lynch, AT&T y General Electric. Disfrutó de libertad creativa, porque pocas personas entendían lo que podía hacer la Buchla. El sonido de una botella de Coca-Cola al abrir y verter, fue una de las obras más reconocidas de Suzanne, que se utilizó en comerciales de radio y televisión a fines de la década de 1970. También es responsable de los sonidos de "logo" pertenecientes a Energizer y ABC.  [. . .]

Fifth Wave: Water Lullaby (1982)

   El año 1977 proporcionó efectos de sonido para Star Wars y Other Galactic Funk, una versión disco de la banda sonora de Star Wars Episode IV: A New Hope, de Meco. También compuso los logotipos temáticos de Columbia Pictures y Columbia Pictures Television de 1976.  [. . .] 

   En 1979, recibió el encargo de proporcionar sonidos al juego de máquinas de pinball Xenon. En 1981 compuso la banda sonora de la película de Lily Tomlin The Incredible Shrinking Woman y en 1982 lanzó  Seven Waves, su primer álbum de estudio, caracterizado por ser música electrónica y new age. Más tarde dijo que grabar álbumes era algo que siempre había querido hacer, "mi destino" lo llamó [. . .] 

   Su álbum de 1986, The Velocity of Love, lanzado por RCA Records, presenta la canción homónima que se convirtió en el tema más conocido. [. . .] En 1994, Ciani fundó su propio sello discográfico independiente, Seventh Wave. [. . .] 

   En junio de 2018, lanzó LIVE Quadraphonic, un álbum en vivo que documenta su primera actuación en solitario en 40 años, con un sintetizador Buchla, tuvo lugar en Gray Area en San Francisco el 5 de marzo de 2016, presentado en sonido cuadrafónico, cuatro canales. Una grabación de esta interpretación fue uno de los primeros lanzamientos cuadrafónicos en LP de vinilo en más de 30 años, donde se utilizó un proceso de codificación basado en el sistema QS Regular Matrix inspirado en el módulo de salida cuádruple Buchla 227. [. . .] En junio de 2019, Finders Keepers Records lanzó un álbum inédito de Ciani, titulado Flowers of Evil, que se grabó en 1969. Cuenta con un recital del poema "Élévation", del poeta francés Charles Baudelaire, con Ciani actuando al sintetizador Buchla.

Suzanne Ciani ¬ The Private Music Of Suzanne Ciani, 1992

The Eighth Wave (From The Velocity Of Love) 

https://youtu.be/F4--In2AwhE

Temas extraídos de los Cds

1, 6, 10, 13 - History Of My Heart

1 Anthem - 3:54

6 Mozart - 4:00

10 Inverness - 4:48

13 Drifting - 4:58

2, 3, 5 - Hotel Luna

2 Ondine - 3:52

3 Italia - 3:22

5 Hotel Luna - 4:11

4 – Pianissimo

4 Berceuse - 4:10

7 - Seven Waves

7 The Fifth Wave - 5:48

8 - The Velocity Of Love

8 The Velocity Of Love - 4:27

15        The Eighth Wave - 05:07

11, 12 – Neverland

11 Neverland - 3:53

12 Tuscany - 3:37

AllMusic Review

por Jim Brenholts

    Suzanne Ciani lanzó sus primeros seis álbumes con el sello Private Music de Peter Baumann. The Private Music of Suzanne Ciani es una colección de algunas de sus composiciones favoritas de esos álbumes con un par de piezas nuevas ¡puro CianiVintage! Combina su formación clásica y sus actitudes románticas con sensibilidades de new age, electrónica moderna y experiencia en diseño de sonido , para crear atmósferas sensuales y paisajes sonoros seductores. Este es un Cd para cenas a la luz de las velas y paseos románticos en el parque, en la playa o, mejor aún, en las escaleras. Paul McCartney tiene un don para escribir "canciones de amor tontas", como las llamó John Lennon, y Ciani tiene una habilidad similar para crear música ambiental romántica. Esta colección clásica atraerá a los fans del género, al estilo de Lisa Lynne, Nancy Rumbel y Patricia Spero.

by Jim Brenholts

Listado de Temas:

01 - Anthem - History Of My Heart - 03:59 min.

Composición de Suzanne Ciani

Cello – Paul Rhodes

Drums, Horn – Tamara Kline

Viola – Meg Eldridge

Violin – Dawn Dover, Steve Kindler

02 - Ondine - Hotel Luna - 03:55 min.

Composición de Suzanne Ciani

String Quarter Arrangements – Corey Allen

Strings – Armadillo String Quartet

Flute – Peter Gordon

Oboe – John Riley

Percussion [Additional] – Kurt Wortman

Synthesizers – Suzanne Ciani

03 - Italia - Hotel Luna - 03:27 min.

Composición de Suzanne Ciani

Flute – Peter Gordon

Mandolin – Corey Allen

Synthesizer – Suzanne Ciani

Violin [Solo Synth Violin] – Dominic Frontiere

04 - Berceuse (Keyboard Solo) - Pianissimo - 04:20 min.

Composición de Suzanne Ciani

Performer, Producer By Suzanne Ciani

This album was recorded live in May, 1990 at Yamaha Corporation, Buena Park, CA., using two 9-foot Disklavier Midi Grand Pianos

Engineer – Peter Kelsey

Mastered By Bernie Grundman, Chris Bellman

Art Direction – Melanie Penny

Design – Margo Chase

05 - Hotel Luna - Hotel Luna - 04:15 min.

Composición de Suzanne Ciani

Acoustic Guitar – John Wheelock

String Quarter Arrangements – Corey Allen

Cello – Matt Cooker

Electronic Wind Instrument – Peter Gordon

Strings – Armadillo String Quartet

Synthesizers – Suzanne Ciani

Viola – Rat Tischer

Violin – Barry Socher, Steve Scharf

06 - Mozart - History Of My Heart - 04:01 min.

Composición de Suzanne Ciani

Cello – Paul Rhodes

Viola – Meg Eldridge

Violin – Dawn Dover, Steve Kindler

07 - The Fifth Wave: Water Lullaby - Seven Waves - 05:50 min.

Composición de Suzanne Ciani

Engineer and Mixed By Leslie Mona

Mastered By – Bob Ludwig

Illustration [Cover Illustration] – Martine Kupciunas

08 - The Velocity Of Love - The Velocity Of Love - 04:31 min.

Composición de Suzanne Ciani

Arranged, Producer, Performer By Suzanne Ciani

Recorded At Ciani Studios And Clinton Recording Studio

Engineer – Leslie Mona

Mixed At A&R Studios And RPM Studios

Art Direction – J. J. Stelmach

Sello: RCA Red Seal ‎– AML1-7125 US 1986

09 - Sailing To Byzantium (bonus track) - 05:46 min.

Composición de Suzanne Ciani, Jeremy Lubbock 

Electronic Wind Instrument [Ewi] – Jeremy Lubbock

Flute – Jane Rutter

10 - Inverness - History Of My Heart - 04:51 min.

Composición de Suzanne Ciani

Vocals – Leslie Miller

Recorded and mixed in January 1988 at C/M Studios, New York, N.Y.

Engineer Leslie Mona-Mathis, Steven Hart

Mixed By Leslie Mona-Mathis At C/M Studios, San Rafael, CA

Disc mastering By Bill Kipper at Masterdisk, New York, N.Y.

Composed, Arranged Producer & Performer By Suzanne Ciani

Co-Arranged By Tamara Kline

Engineer – Kevin Scott

Programmed By – John Francombe

Electronic Instruments played by SUZANNE CIANI - Yamaha - TX 816, TX 802, Midi Grand Piano, C-1 Computer. Roland - MKS 20 Digital Piano, MKS 30 Planet-S, MKS 70 Super JX, D-550, MKB-1000 Keyboard. Korg - M-1. E-mu - Proteus. Waveframe - Audio Frame. Apple Macintosh SE.

11 - Neverland - Neverland - 03:56 min.

Composición de Suzanne Ciani

Arranged By [Additional], Programmed By – Gordon Minette

12 - Tuscany - Neverland - 03:43 min.

Composición de Suzanne Ciani

Arranged By [String], Programmed By – Mitch Farber

13 - Drifting - History Of My Heart - 05:03 min.

Composición de Suzanne Ciani

Arranged By [String] Programmed By – Mitch Farber

Acoustic and Electric Guitar – Teja Bell

Cello – Paul Rhodes

Lyricon – Rob Zantay

Vocals – Leslie Miller

14 - Go Gently (bonus track) - 04:58 min.

Composición de Suzanne Ciani, Jeremy Lubbock 

Flute – Jane Rutter

15-The Eighth Wave (Bonus, From The Velocity Of Love)   - 05:07 min.

Composición de Suzanne Ciani

Recorded At Ciani Studios And Clinton Recording Studio US 1986

Mixed At A&R Studios And RPM Studios

arranged, produced, and performed by Suzanne Ciani, http://sevwave.com/

Arranged By [Co-arranger] – Mitch Farber

Synthesizer [Lyricon / Korg Ms-20 / Oberheim Expander] – Rob Zantay

15 Temas. Tiempo Total 01:07:42

flac ¬ 695 ¬ 333,46 MB

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Reseñas

Suzanne Ciani ‎– The Private Music Of Suzanne Ciani

Hints for a release date approximately 1996.

Private Music P2 2103, Private Music P2-2103 | US 1992

Formato: CD, Compilation

Sello: Private Music 01005-82103-2

Formato: CD, Compilation, Reissue 

Género: Electronic, Classical Estilo: Contemporary, Ambient

 

Créditos

Electronic Wind Instrument [Ewi] – Jeremy Lubbock (tracks: 09)

Flute – Jane Rutter (tracks: 09, 14)

Arranged By, Performer – Suzanne Ciani

Composed By – Jeremy Lubbock (tracks: 09, 14), Suzanne Ciani

Executive-Producer Peter Baumann

Mastered By Chris Bellman

Producer Jeremy Lubbock (tracks: 09, 14), Suzanne Ciani

Suzanne Ciani ‎– The Private Music Of Suzanne Ciani

Sello: Private Music 01005 8210, Private Music NM 000 | Spain 1995

Serie Las Nuevas Músicas

Formato: CD, Compilation

Género: Electronic, Classical, Folk, World, & Country

Estilo: Ambient

0leadas

https://1fichier.com/?uhlwsqg4entbgx4h47e8

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Gerardo Nuñez. Travesía

Gerardo Nuñez. Travesía, 2012

Grabado por El “Cepillo” con Basi como asistente de sonido,

en los Estudios El Gallo Azul, de Madrid

y por Ramón Salazar en los Estudios La Azotea, de Cádiz.

Mezclas de Pablo Martínez y Daniel Pradillos en Musigrama, de Madrid.

Master de Klaus Scheuermann

Producción de Gerardo Núñez

2nd Productor El “Cepillo” 

Colabora con los artistas:

Digital Album Streaming + Download

https://gerardonunez.bandcamp.com/album/travesia

Includes unlimited streaming via the free Bandcamp app, plus high-quality download in MP3, FLAC and more.

https://gerardonunez.bandcamp.com/album/travesia

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Released June 22, 2012

2012, ACT Music + Vision GmbH & Co. KG

Gerardo Núñez, guitarra flamenca

Ángel Sánchez González el “Cepillo”, percusión, palmas y voz

Carmen Cortés e Isabel Núñez Cortés, percusión, palmas y voz

Pablo Romero, guitarra eléctrica

Albert Sanz y Pepe Rivero, piano

Mariano Díaz, teclados

Pablo Martín & Antonio Ramos El “Maca”, bajo eléctrico

Perico Sambeat, saxo

Carlota Passos-Pereira Cortés, Carmen Cortés García,

Coral Cortés García y Mario Cortés, voces

Bilal Demiryurek, Juan Luis Cano, Luky Oyegue y

Christians Lorys, voces

Música compuesta por Gerardo Núñez

excepto #04 Chicken Dog, de John Scofield

Listado: 

 01 - Ítaca - 03:24 min.

 02 - No Ha Podio Ser - 05:06 min.

 03 - Compás Interior - 01:27 min.

 04 - Chicken Dog - 07:05 min.

Composición de John Scofield

 05 - Tío Pepe - 02:55 min.

 06 - A Rumbo - 05:45 min.

 07 - Tío Perico - 01:05 min.

 08 - Travesía - 09:31 min.

8 Temas - Tiempo Total: 00:36:18

mp3 @ 320

Reseñas:

   En Travesía, Gerardo se manifiesta más libre que nunca y da un paso más allá de su escuela jerezana de toque, su conocimiento del jazz y su maestría técnica. Imprime un carácter narrativo dando un sentido e historia a cada pieza. Es como la banda sonora de la tragedia de la emigración africana que desesperados solo buscan un futuro mejor.

   "Quise contar una historia, la de mis amigos Ahmed y Khaleb, que cumplieron su sueño de emigrar a Europa, ese El Dorado que al final resultó pan de oro”.

Gerardo Nuñez

   Hicieron una larga travesía por el desierto para emprender otra dura travesía por el mar y luego otra y otra alejándose de su origen.

   Entonces me di cuenta de que la mía era también una travesía y recordé el poema de Luis Ríus que nos descubrió Morente: Cada vez que me pongo a caminar, hacia mí pierdo el rumbo, me desvío. Quise contar una historia, y la historia me contó a mí".

   Cuando el guitarrista flamenco Gerardo Núñez pone la pluma sobre el papel, normalmente solo tiene una cosa en mente: la música. Sin embargo, cuando comenzó a trabajar en su más reciente disco “Travesía” (“Crossing”), la tan esperada secuela de “Andando El Tiempo” de 2004, quiso contar una historia en particular que lo había conmovido; la historia de sus amigos Ahmed y Khaleb. Era domingo y tenía planeado pasar una tarde relajante en la playa tomando el sol y nadando con su familia. De repente vieron algo inesperado en el horizonte: un barco abarrotado. A medida que el desvencijado barco se acercaba, todos pronto comprendieron con qué estaban lidiando. Gerardo Núñez junto con su familia y muchos otros en la playa miraron los rostros demacrados de los refugiados africanos. “Eran personas que habían abandonado sus países de origen subsaharianos en busca de felicidad y una vida mejor. Europa era algo así como El Dorado para ellos”, dice Gerardo Núñez y niega con la cabeza. “Me sorprendió lo útiles que fueron mis compañeros españoles. Inmediatamente atendieron a los africanos e incluso los ayudaron a esconderse o huir. Si la policía los hubiera encontrado, los habrían enviado de regreso a sus países de origen sin demora”. Gerardo Núñez se hizo amigo de dos hombres del barco Ahmed y Khaleb.

   Hoy, el virtuoso del flamenco incluso trabaja con ellos; en invierno organiza regularmente conciertos en una bodega de Andalucía y los dos africanos le ayudan en los preparativos. “En 'Travesía' cuento su historia. De hecho, su historia también tiene algo en común con la historia del flamenco. Este estilo musical español es especialmente popular entre los gitanos, los romaníes españoles. Las raíces de estas “personas errantes” están en la India y desde allí se han trasladado a todas partes del mundo. El flamenco surgió en Andalucía de varias influencias”, relata Gerardo Núñez. Con esto se refiere al estado de Al-Andalus, en el que los conquistadores de Mauricio vivieron en paz con cristianos y judíos durante mucho tiempo y crearon una cultura única y floreciente. “También hay paralelismos con el jazz. Evidentemente el jazz tiene formas distintas al flamenco, pero también se beneficia de diversas influencias”.

   El jazz fue una de las primeras aficiones musicales de Gerardo Núñez. Quedó fascinado por la música de, entre otros, Charlie Parker, Thelonious Monk y John Coltrane, interpretada por una estación de radio de la base aérea estadounidense cercana a su ciudad andaluza, Jerez de la Frontera. En su juventud, el aspirante a guitarrista flamenco se mantuvo fiel a la tradición de su música, mientras actuaba junto a famosos cantantes y bailarines. Sin embargo, cuando estaba junto a sus amigos, era libre de combinar todo tipo de inspiraciones musicales. Para los puristas esto es un absoluto no-go, están a favor de la pureza en el flamenco pero, a pesar de estos tradicionalistas, Gerardo Núñez es hoy considerado el más importante virtuoso innovador del flamenco después del gran Paco de Lucía.

   La personalidad de Gerardo Núñez ha sido influenciada por colaboraciones con músicos de todo el mundo y de todos los géneros imaginables. No solo ha trabajado con Plácido Domingo y Julio Iglesias, sino también con Eberhard Weber, Richard Galliano y Enrico Rava. Además, fue una de las figuras destacadas de “Jazzpaña II” (estrenada en 2000 junto a Michael Brecker, Chano Domínguez, Jorge Pardo, Perico Sambeat, Renaud-García-Fons, etc.). “Travesía” es una prueba más de su forma de pensar musical que traspasa fronteras. Pop, funk, jazz y latín refrescan el flamenco de Gerardo Núñez, que combina con una técnica extraordinaria y una gran pasión. En esta grabación, su esposa, la famosa bailarina Carmen Cortéz (para quien ha escrito algunas canciones), y su hija Isabel, se unen con las manos y los pies dando palmadas y golpecitos. También se presentan prestigiosos músicos de jazz, incluidos los el saxofonista Perico Sambeat, el pianista Albert Sanz y los legendarios percusionistas “Cepillo”, coproductores del disco. Su empresa común es “la travesía”, el cruce; Mientras que los africanos navegan a través del mar Mediterráneo hacia su nuevo hogar, estos músicos están cruzando fronteras en la música.

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Terence Blanchard and Donald Harrison. Eric Dolphy & Booker Little Remembered

Terence Blanchard and Donald Harrison. Eric Dolphy & Booker Little Remembered. Fire Waltz Live at Sweet Basil Vol. II. 1988

Grabado en vivo en Sweet Basil, Nueva York, NY, el día 3 de octubre de 1986

Mezclado en los King Studio, Tokio, octubre de 1987

Formato: Vinyl, LP, Album

 Género: Jazz. Estilos Post-Bop, Straight-Ahead Jazz

    Terence Blanchard y Donald Harrison continuaron su homenaje al dúo Eric Dolphy Booker Little con una segunda serie de actuaciones grabadas en Sweet Basil. Presentaron "Fire Waltz" y "Bee Vamp", dos melodías más que el dúo inmortalizó durante sus presentaciones en el Five Spot. Sus versiones son bien intencionadas, con frecuencia emocionantes y magníficamente interpretadas. Pero no son trascendentes por la sencilla razón de que Harrison carece de la fluidez de Dolphy en el saxo alto o en el clarinete bajo, y Blanchard no posee el dominio de Little del registro superior o de su embocadura. Eso no es un golpe, ciertamente encajaron con la sección rítmica del pianista Mal Waldron, el bajista Richard Davis y el baterista Ed Blackwell, quienes sí tocaron en los originales. Ambos volúmenes son muy recomendables, aunque si no ha escuchado los originales, haga lo que sea necesario para conseguirlos.

By Don Snowden

MAY 8, 1994 12 AM PT

    Grabados en 1986 y lanzados solo en Japón hace seis años, estos Cds complementarios son una recreación del aniversario de plata de la célebre grabación de Eric Dolphy-Booker Little Quintet en el Five Spot de Nueva York. La sección rítmica original de 1961 Mal Waldron-Richard Davis-Ed Blackwell estimula y apoya impecablemente a la primera línea de jóvenes leones de Blanchard y Harrison, en ese momento liderando su propio quinteto poco después de dejar Jazz Messengers de Art Blakey.

    El veloz y fluido saxo alto de Harrison y la enérgica trompeta de Blanchard apuntan sabiamente a poner sellos personales en un repertorio extraído exclusivamente de la cita de 1961 en lugar de imitar a Dolphy y Little. El piano de Waldron brilla en "Number Eight" y en "Fire Waltz" todavía suenan particularmente frescos y vitales después de casi 35 años.

    Esta grabación trata sobre el recuerdo y la renovación, la afirmación y la tradición, el hoy y el mañana. Todo está ahí en la música, que abarca veinticinco años, mirando hacia atrás y hacia adelante al mismo tiempo.

    Un agradecimiento muy cordial a la dirección de Sweet Basil, Mel Lidt, Phyllis Weisbart, Horst Liepolt y al personal de este gran club de jazz de Greenwich Village.

Intérpretes

Bajo – Richard Davis

Batería – Eddie Blackwell

Piano – Mal Waldron

Clarinet Bajo – Donald Harrison

Saxo Alto – Donald Harrison

Trompeta – Terence Blanchard

Listado de Temas:

01 - Number Eight - 15:57 min.

Composición de Eric Dolphy

02 - Fire Waltz - 17:29 min.

Composición de Mal Waldron

03 - Bee Vamp - 14:06 min.

Composición de Booker Little

3 Temas. Tiempo Total 00:47:32

flac ¬ 894 ¬ 301,83 MB

El Cielo Y El Dedo

http://ElCieloYElDedo.blogspot.com

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Reseñas

Grabado por Kazunori Sugiyama en Sweet Basil,

New York City, NY, los días 3 y 4 de octubre de 1986.

Mezclado por Hatsuro Takanami en King Record Studio

Concepto de Judy Sneed

Ingeniero [Master] Akira Makino

Ingeniero [Mezcla] Hatsuro Takanami

Ingeniero [Grabación] Kazunori Sugiyama

Fotografía de David Tan

Productores - Horst Liepolt, Shigeyuki Kawashima

Director del producto Horst Liepolt

    Eric Dolphy y Booker Little fueron dos jóvenes músicos que murieron demasiado pronto. Quizás su salida más memorable fue una semana en el Five Spot, un club de jazz en Nueva York en julio de 1961. Little, de poco más de veinte años, había muerto a fines de ese año y Dolphy, de treinta y tantos, murió en 1964. Ambas muertes supusieron grandes pérdidas para el mundo del jazz. Afortunadamente, la música de su cita en Five Spot se grabó y luego se lanzó en un conjunto de tres discos. En 1986, veinticinco años después de la grabación original, dos jóvenes trompistas, Donald Harrison y Terence Blanchard, hicieron un concierto conmemorativo en Sweet Basil en conmemoración del concierto de Dolphy-Little. Pudieron reunir a los tres integrantes originales de la sección rítmica; Mal Waldron al piano, Richard Davis al bajo y Eddie Blackwell a la batería y aunque no intentaron recrear los originales, tocaron casi los mismos números. Fue un evento memorable y afortunadamente también fue grabado y lanzado en dos CD separados. Hace unas noches escuché el primero de tres discos de la interpretación original. Esta noche estoy escuchando el primero de los dos CD de Harrison / Blanchard. Las canciones están organizadas en diferentes órdenes, por lo que solo un corte de este CD estaba en el primer disco de Dolphy / Little.

    Lo que me llamó la atención incluso antes de escuchar la música fue el paso del tiempo. La grabación de Dolphy / Little siempre me ha parecido historia antigua porque sucedió antes de que yo naciera (menos de un año ...) El concierto en memoria de Harrison / Blanchard siempre me ha parecido jazz contemporáneo porque salió cuando estaba entrando por primera vez en el jazz y los CD han estado en mi colección desde entonces. Pero aquí está el hecho sorprendente / aleccionador que llamó mi atención esta noche mientras me preparaba para escuchar esta música nuevamente. Ha pasado más tiempo desde que Harrison y Blanchard hicieron el concierto conmemorativo (¡treinta y tres años!) Del que separa el original del concierto conmemorativo (veinticinco años). Sí, por más cliché que parezca, me acuerdo de la edad que estoy adquiriendo y de cómo mis percepciones del paso del tiempo están extrañamente desincronizadas con la realidad. Pero quizás lo más importante es que estoy ansioso por escuchar esta música nuevamente para ver si realmente suena tan vieja. Debo admitir que la grabación de 1961 suena vieja, aunque principalmente por razones tecnológicas. La calidad del sonido simplemente no está ahí, por lo que no es tan fácil para el oyente ser transportado a otro espacio y tiempo ... Así que veamos cómo suena hoy esta "nueva" grabación de hace apenas treinta y tres años.

    Escuchar este CD definitivamente me hace desear haber estado allí en Sweet Basil. Una actuación animada con una combinación asombrosa de dos intérprtes jóvenes y prometedores respaldados por tres veteranos sólidos como roca. Y todo en el contexto de otra actuación histórica de un cuarto de siglo atrás. ¡Maldita sea! ¡Desearia haber estado alli! Pero esta es la siguiente mejor opción ... en la comodidad de mi propia sala de escucha, sentardo en un sillón reclinable más lujoso que cualquier silla de un club bebiendo una IPA artesana mejor que la mayoría de las cervezas que se sirven en la mayoría de los clubes de jazz y escucharlo a través de mi bonito sistema de sonido… sí, tengo que admitirlo; esto no está mal ... ¡nada mal! Habiendo comprado y escuchado repetidamente muchas cosas de Harrison y Blanchard, tengo que decir que la interpretación de Harrison en esta grabación es realmente agradable. En otros discos, a veces tengo la sensación de que es demasiado rápido para ir al inframundo cuando hace un solo; pero en esta salida mantuvo las cosas más cerca del hueso. Eso en realidad podría ser sorprendente considerando que Dolphy, definitivamente era propenso a aventurarse en el inframundo por largo tiempo. Blanchard está bastante apagado en esta grabación; pero de una manera satisfactoria. Estoy tan contento de que estos dos chicos se hayan tomado el tiempo de rendir homenaje a Dolphy y Little, y aún más contento de que sigan vivos, más de treinta años después.

https://jimsjazznotes.wordpress.com/2019/03/24/donald-harrison-and-terence-blanchard-dolphy-little-remembered-projazz-king-records-1987/

AllMusic Review

by Michael G. Nastos

   En memoria del gran tándem del saxo alto, flautista y clarinetista bajo Eric Dolphy y el trompetista Booker Little, Blanchard y Harrison se unen con la misma sección rítmica: Mal Waldron al piano, Richard Davis al bajo, Ed Blackwell a la batería, quienes respaldaron a los modernos pioneros del jazz, que tocaron 25 años antes en el Five Spot (El gran concierto de Eric Dolphy en Prestige). Estas sesiones en Sweet Basil de Nueva York hacen gran justicia a esa coyuntura histórica mientras crean un poco de historia propia en el proceso. Hay tres selecciones largas. La banda captura una fanfarronería de masa madre y blues. El solo de Harrison es menos nervioso pero tan frenético como el de Dolphy, mientras que Blanchard es Blanchard, capturando el melodismo pero no el mordisco de Little. Blackwell duplica espontáneamente el tiempo durante el solo del trompetista, lo tranquiliza y luego deja que Waldron y Davis descansen en un ritmo sólido. 

   A pesar de eventuales comparaciones estilísticas, que en verdad son menores, las intenciones de esta grabación y su ejecución producen resultados más que deliciosos. Es un gran golpe para Blanchard y Harrison. Más pruebas se encuentran en el disco complementario, Fire Waltz. Recomendado.

Vol. 2  Fire Waltz-331 Mb

https://1fichier.com/?sft8bhsrtn22v08dxlld

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