Gong ¬ Live etc. 1977

15 Temas. Tiempo Total 01:17:41

Productores, John Walters (pistas: C1 to C4), Mike Howlett (pistas de A1 hasta B4 y C5 hasta D4) Phil Newell (pistas A1, A2, A3 hasta B4 y de C5  hasta D4)

Notas en el interior del Lp, Angus MacKinnon

  Las pistas 1 y 2 fueron grabadas en la Salle Bataclan de Paris en mayo de 1973, conel sistema Uher Stereo OutOfMix.

    El corte A3 se grabó en el Festival de Edimburgo en septiembre de 1973, en una grabadora portátil de 8 pistas, sin aliento después de una carrera. por mar, carretera y ferrocarril desde el centro de Francia.

  Las pistas 4, 5 y 6, grabadas en el Club Arc-En-Ciel, Roanne, en agosto de 1973 mediante el Manor Mobile de 24 pistas(antes de lanzarnos a una carrera voladora sin aliento por carretera, ferrocarril y mar, etc.).

  Las pistas 7 a 10 fueran grabadas en vivo en los BBC Studios, en enero de 1974. Publicado por acuerdo con BBC Records & Tapes.

   Gong Live Etc. es un álbum en vivo de Gong, grabado entre 1973 y 1975 y lanzado originalmente en 1977. Es un conjunto de grabaciones en vivo, incluidas dos pistas "desechadas", tomas de estudio y grabaciones de sesiones para la BBC, que abarcan los años 1973 a 1975

Cara uno

Temas 1 y 2 grabados en la sala Bataclan, de Paris, Francia, en Mayo de 1973

Tema 3 grabado en el Edinburgh Festival, Escocis, en Agosto de  1973

Cara dos

Temas en directo grabados en el Club Arc-en-Ciel, Roanne, France, en Agosto de 1973

Tema en studio grabado en Junio de 1973, en los Manor Studio, Oxfordshire, England

Cara tres

Temas en BBC, grabados en Enero de 1974 en los BBC Studios, England,

Temas en estudio grabados en el Verano de 1974, en Manor Studio, Oxfordshire, Inglaterra, durante las sesiones de You.

Cara cuatro

Grabada en el Marquee Club, Inglaterra, en September 1975

Intérpretes

Formación A

Daevid Allen - guitarra, voz

Gilli Smyth - susurro espacial

"Bloomdido" Didier Malherbe - flautas, saxos, percusión

Steve Hillage - guitarra, voz

Tim Blake - sintetizador, voz

Mike Howlett - bajo, voz

Pierre Moerlen - batería

Formación B

Daevid Allen - guitarra, voz

"Bloomdido" Didier Malherbe - flautas, saxos, percusión

Steve Hillage - guitarra, voz

Tim Blake - sintetizador, voz

Mike Howlett - bajo, voz

Rob Tait - batería, percusión

Diane Stewart - voz, percusión

Formación C

Steve Hillage - guitarra, voz

Mike Howlett - bajo, voz

Didier Malherbe - saxo, flauta, voz, percusión

Miquette Giraudy - voces yonic

Patrice Lemoine - teclados

Pierre Moerlen - batería, percusión

Mireille Bauer - percusión

Listado de Temas:

01 - You Can't Kill Me - 05:49 min.

Composición de Daevid Allen

02 - Zero The Hero & The Witch's Spell - 11:02 min.

Composición de Daevid Allen, Christian Tritsch

03 - Flying Teapot - 06:28 min.

Composición de Daevid Allen, Francis Moze

04 - Dynamite / I Am Your Animal - 05:40 min.

Composición de Christian Tritsch, Gilli Smyth

05 - 6/8 Tune - 03:45 min.

Composición de C. O. I. T.

06 - Est-Çe Que Je Suis - 04:12 min.

Composición de Daevid Allen

07 - Radio Gnome Invisible - 07:30 min.

Composición de Daevid Allen

08 - Oily Way - 03:17 min.

Composición de Daevid Allen, Didier Malherbe

09 - Outer Temple - 01:00 min.

Composición de Daevid Allen, Tim Blake, Steve Hillage, Didier Malherbe

10 - Inner Temple - 05:11 min.

Composición de Daevid Allen, Tim Blake, Steve Hillage, Didier Malherbe

11 - Where Have All The Flowers Gone - 03:01 min.

Composición de C. O. I. T.

12 - Isle Of Everywhere - 10:21 min.

Composición de C. O. I. T.

13 - Get It Inner - 02:27 min.

Composición de C. O. I. T.

14 - Master Builder - 05:54 min.

Composición de C. O. I. T.

15 - Flying Teapot (Reprise) - 02:04 min.

Composición de Daevid Allen, Francis Moze

15 Temas. Tiempo Total 01:17:41

flac ¬ 855 ¬ 459,69 MB

RipPor ¬ Perseval

https://persevalk.blogspot.com/2010/05/gong-1977-live-etc-progrock.html

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Reseñas y Comentarios

 

Grabado entre Mayo de 1973 y Septiembre de 1975 con Manor Mobile

Ingenieros de sonido, Alan Perkins (pistas D1 to D4) Francis Linon (pistas A1, A2) Simon Heyworth (pista C5)

Ingeniero de Mezclas, Phil Newell

Corte de acetato en Utopia Studios

Portada, Cooke Key

Sello: Virgin VGD 3501, Virgin VGD3501

Formato: 2 x Vinilo, LP, Album, Stereo, Die Cut Sleeve

Publicado en UK Aug 1977

Género: Jazz, Rock Estilo: Jazz-Rock, Psychedelic Rock, Prog Rock

    "Where Have All the Flowers Gone" fue el intento de Gong de hacer un sencillo. Resulta algo corriente, aunque la pieza empuja el sobre para las ondas de radio-fórmula.

   "6/8 Tune" es un magnífico instrumental de jazz de entre las últimas cuatro pistas del Cd, en su mayor parte instrumentales y muy progresivas.

   Las pistas se mezclan para formar el clímax y, lo más destacado de este gran álbum en vivo, exhiben el jazz que se convertiría en un sonido integral en los futuros lanzamientos de la banda.

   Grabado después de la partida de Allen, este es el personal que grabaría a Shamal, aunque aquí no aparecen pistas de ese álbum.

   Live Etc. originalmente terminaba con la melodía "Ooby-Scooby Doomsday", otro intento de un éxito pop, pero a los 79 minutos, el formato Cd no pudo contenerlo, y se agregó a ese formato  disco “You”.

    Las pistas 12 a 15 se grabaron en vivo en el Marquee Club,

en septiembre de 1975 con el estudio Manor Mobile. Tres noches sudorosas y sofocantes tipo lata de sardinas, con la formación que se dividiría mientras la grabación de Shamal, el primer producto post-pixie.

Bajo, Voz, Mike Howlett

Batería, Pierre Moerlen (pistas: A1 to B4, C5, D1 to D4), Rob Tate (pistas: C1 to C4)

Flauta, Saxo, Percusión, "Bloomdido" Didier Malherbe (pistas: A1 to C5)

Guitarra y Voz solista, Daevid Allen (pistas: A1 to C5), Steve Hillage

Teclados, Patrice Lemoine (pistas: D1 to D4)

Percusión, Mireille Bauer (pistas: D1 to D4), Pierre Moerlen (pistas: D1 to D4)

Percusión, Voces, Di Stewart (pistas: C1 to C4)

Flauta, Saxo, Percusión, Voz Didier Malherbe (pistas: D1 to D4)

Sintes, Teclados, Voces,  Tim Blake (pistas: A1 to C5)

Voz y Susurro Espacial, Gilli Smyth (pistas: A1 to C5)

Voz [Yonic] Miquette Giraudy (pistas: D1 to D4)

Etcétera

https://1fichier.com/?z26qe8sxzexu4gs1ckmt

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Gordon Giltrap & Rick Wakeman-From Brush & Stone-2009

Producido por Erik Jordan, Gordon Giltrap y Rick Wakeman.

Sesiones de grabación de guitarra diseñadas por Paul White en Malvern Studios.

Sesiones de grabación de teclado diseñadas por Erik Jordan en Pavilion Studios.

Álbum mezclado por Erik Jordan en Jordan Audio Studios.

Un agradecimiento especial a Malcolm "Mad Malc" Welch, quien, durante más de una década, ha querido que esta colaboración ocurriera.

Publicado el 4 de Septiembre de 2009

Arte y diseño de portada: Jan Leytham-Gain

Ingeniero en las sesiones de grabación de guitarra, diseñadas en Malvern Studios, Paul White

Ingeniero en las sesiones de grabación de teclado, diseñadas en Pavilion Studios, Erik Jordan

Notas de contraportada, Gordon Giltrap y Rick Wakeman

Fotografía adicional de Lee Wilkinson

Producción, Erik Jordan, Gordon Giltrap y Rick Wakeman

Intérpretes

Gordon Giltrap, Guitarra y Rick Wakeman, Teclados

Arte y diseño de portada de Jan Letham-Gain

Paul White, ingeniero de guitarra

Lee Wilkinson, Fotografía

Erik Jordan, Teclados

Listado

(temas de 1 a 7) Composiciones de Gordon Giltrap 

7 Temas ¬ Tiempo Total 00:30:27

01 - The Savannah Bird ¬ 03:24 min.

02 - Caesar Augustus ¬ 08:06 min.

03 - The Kiss ¬ 04:20 min.

04 - Hermes ¬ 03:20 min.

05 - The Thinker ¬ 04:45 min.  

06 - David ¬ 03:24 min.

07 - The Discus Thrower ¬ 03:08 min.

(temas de 8 a 14) Composiciones de Rick Wakeman 

7 Temas ¬ Tiempo Total 00:28:31

08 - The Last of England ¬ 05:09 min.

09 - Spring ¬ 02:49 min.

10 - The Death of Chatterton ¬ 05:29 min.

11 - The Light of the World ¬ 03:10 min.

12 - Work ¬ 03:50 min.

13 - By Angle Tarn ¬ 03:53 min.

14 - Maddie Goes West ¬ 04:11 min.

14 Temas. Tiempo Total 00:58:58

flac ¬ 567 ¬ 276,00 MB

RipPor ¬ OrbSter

  07-dic-09 21:34

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Reseñas

Acerca de Rick:

 ………… Gordon Giltrap

¿Qué se puede decir de Rick Wakeman que no se haya dicho ya cien veces?

Rick ha estado en mi conciencia desde principios de los 70 cuando se unió a 'The Strawbs'. Recuerdo que un periodista amigo mío, Steve Turner, lo entrevistó poco después de que dejara The Strawbs por el estrellato con 'Sí'. Steve me dijo que la entrevista había ido bien "y por cierto, Rick envía sus saludos". Obviamente, esto me conmovió mucho, ¡teniendo en cuenta que apenas conocía al hombre!

Nuestros caminos se han cruzado muchas veces desde aquellos primeros días y en 1993 Rick, junto con Brian May, Midge Ure, Neil Murray y el miembro de 'Yes' Steve Howe contribuyeron a mi grabación actualizada de 'Heartsong'.

Con el tiempo se ha construido una fuerte amistad. Lo que se desprende de Rick no es solo su soberbia musicalidad, sino su calidad como un buen ser humano, una cualidad que para mí es igualmente importante. Así que aquí estamos, todos estos años. Finalmente colaborando en una grabación. El proceso me dio mucho placer y también me presentó un gran desafío. Bueno, sería suficiente, ¿no? ¡Especialmente cuando a uno se le presentan siete piezas de piano virtuosas sobresalientes de la pluma de uno de los grandes teclistas de rock de todos los tiempos!

Me gusta pensar que he superado el desafío

 ………… Gordon Giltrap

Acerca de Gordon:

 ………… Rick Wakeman.

Hay muchos grandes guitarristas pero pocos que sean únicos.

Gordon Giltrap es sin duda uno de los pocos que realmente pueden clasificarse en la categoría de "únicos". También pertenece a esa raza aún más rara de guitarristas, ya que en realidad escucha lo que hacen otros músicos a su alrededor.

Cuando Gordon me envió por primera vez sus estantes para trabajar, realmente me inspiraron a escribir mi suite pensando mucho en él, dejando espacio para que su talento brille. Ninguno de los dos nos dio instrucciones sobre qué jugar y eso, para mí, lo hizo tan emocionante cuando recuperé mis pistas de él. Gordon hizo cosas en las que nunca hubiera pensado. "Déjelo en manos del experto" es algo de lo que todos los músicos pueden aprender y yo nunca dejo de aprender, eso es seguro.

Estoy muy orgulloso de cómo ha resultado este disco. No fue encargado; tampoco tenía limitaciones de tiempo. Se hizo porque queríamos hacerlo. Musicalmente evolucionó de la forma más natural.

En otras palabras, se hizo por las razones correctas ... ¡otra rareza en el mundo musical de hoy!

 ………… Rick Wakeman.

Micro sitio web:

http://www.brushandstone.com/

Enlace de podcast de Voiceprint: http://www.voiceprintwebradio.com/podcasts/wakeman_giltrap_interview01.xml

Piedra y cepillo 

https://1fichier.com/?8l7vki7bm7xmyyskw6zc

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Björk, Greatest Hits. 2002

Bjork - 2002 - Greatest Hits

  

Recopilación de 14 sencillos de Björk elegidos por los fans, además de 1 tema inédito. Fue lanzado simultáneamente con la caja "Family Tree", que incluye otra versión del CD "Greatest Hits" con temas elegidos por la propia Björk.

Edición, master y producción en Masterdisk

Master por Howie Weinberg

Mezclado por Mark Spike (las pistas 1, 2, 4 a 7, 10, 11 y 13)

Corte de acetato por MK

Edición Digital por Roger Lian

Gerente de producción Jennifer Quinn

Portada de Gabriela Fridriksdottir, M/M ‹Paris›

Notas

•    La pista #A03 samplea "Go Down Dying" de Antonio Carlos Jobim.
•   La pista #D03 usa samplers de "Die Dinge Des Lebens" interpretada por To Rococo Rot y Gigi Masin; "Clouds" interpretada por Gigi Masin; y "6/3 Parallel" interpretado por Guy Sigsworth.
•    La pista #A01: es la versión original del video.
•    La pista #B04: es la versión de video
•    La pista #C03: auoría atribuida erróneamente a Guy Sigsworth y Mark Bell.
•    En las pistas #A04, #B01 y #C04, el crédito de Sjón pertenece a la co-escritura de letras.
•    La versión de "All is full of love" incluida, es la original producida por Björk y lanzada como single y video musical en 1999.
•    La versión de "Big time sensuality (The Fluke minimix)" incluida, es la versión inédita de 4:56 minutos utilizada para el video musical oficial, a diferencia de la versión de 4:09 lanzada anteriormente en el single de 1993.
• La pista 14 es el Remix de Tim Simenon en 7", que no se menciona en el Cd.
•    Las pistas de este Cd fueron seleccionadas con los votos de los fans en el sitio web de Björk.

Listado de Temas:

01 - All Is Full of Love - 04:46 min.

Composición y Producción Björk

(versión original producida por Björk y

lanzado como single y video musical en 1999)

02 - Hyperballad - 05:22 min.

Composición de Björk

Producción - Björk, Nellee Hooper

03 - Human Behaviour - 04:13 min.

Composición de Björk, Nellee Hooper

Producción - Nellee Hooper

04 - Joga - 05:07 min.

Composición de Björk, Sigurjon Birgir Sigurdsson

Producción - Björk, Mark Bell

05 - Bachelorette - 05:16 min

Composición de Björk, Sigurjon Birgir Sigurdsson

Producción - Björk

06 - Army of Me - 03:56 min.

Composición de Björk, Graham Massey

Producción - Björk, Graham Massey, Nellee Hooper

07 - Pagan Poetry - 05:16 min.

Composición y Producción de Björk

08 - Big Time Sensuality (The Fluke Minimix) - 04:54 min.

Composición de Björk, Nellee Hooper

Producción - Nellee Hooper

Producción adicional del Remix - Fluke

09 - Venus as a Boy - 04:42 min.

Composición de Björk

Producción - Nellee Hooper

10 - Hunter - 04:17 min.

Composición de Björk

Producción - Björk, Mark Bell

11 - Hidden Place - 05:28 min.

Composición de Björk, Guy Sigsworth, Mark Bell

Producción - Björk

12 - Isobel - 05:47 min.

Composición de Björk, Marius De Vries, Nellee Hooper, Sigurjon Birgir Sigurdsson

Producción - Björk, Nellee Hooper

13 - Possibly Maybe - 05:07 min.

Composición de Björk, Marius De Vries, Nellee Hooper

Producción - Björk, Nellee Hooper

14 - Play Dead ["Tim Simenon 7" Remix"] - 03:57 min.

Composición de Björk, David Arnold, Jah Wobble

Producción Danny Cannon, David Arnold

Producción adicional del Remix - Tim Simenon

15 - It’s in Our Hands - 04:18 min.

Composición de Björk

Intérprete "6/3 Parellel" - Guy Sigsworth

Intérprete "Clouds" - Gigi Masin

Intérprete "Die Dinge Des Lebens" - Gigi Masin, To Rococo Rot

Producción - Björk, Drew Daniel

15 Temas. Tiempo Total: 01:12:26

flac @ 936 - 463,25 MB

1PocodMusica.com

https://www.1PocodMusica.com/

Björk – Greatest Hits

Sello Polydor – 065 135-1

Formato 2 x Vinilo, LP, Compilation

País Europe Publicado 2002

Género Electronic. Estilo Progressive House, House, Downtempo

   Hubo dos encuestas on-líne antes del lanzamiento de Greatest Hits. La encuesta que dio la lista de canciones fue una en la que los fans votaron por sus sencillos favoritos. Otro se llevó a cabo simultáneamente donde los fans pudieron votar por su canción favorita, las pistas del álbum y las caras B. Esto a veces es la causa de cierta confusión sobre la autenticidad del concepto de lista de pistas seleccionadas por los fans, porque los resultados de la encuesta de una sola pista no siempre coinciden con la encuesta general. Por ejemplo, "Hyperballad" fue la canción que recibió más votos de los fans de Björk en la encuesta general, pero aparece como la segunda canción en Greatest Hits. Los resultados de ambas encuestas se pueden ver en el sitio web de Björk.

   Varias de las canciones se presentan en sus formas de radio (o single) remezcladas, más notablemente "Big Time Sensuality" (la versión de Fluke que aparece en el video promocional, y no la más corta "Minimix" como aparece en el single). "Possbly Maybe" incluye los famosos sonidos electrónicos que fueron temporalmente eliminados de la versión Post de la pista, y "All Is Full of Love" se presenta en su versión single.

   Al igual que con muchos álbumes recopilatorios de grandes éxitos, algunos de los sencillos más importantes de Björk estaban ausentes. La omisión más obvia es "It's Oh So Quiet", su éxito más alto en el Reino Unido. También faltan "Alarm Call", "I Miss You", "Cocoon" y "Violently Happy", así como cualquier material previo al debut.

   Las pistas "Human Behavior", "Big Time Sensuality" y "Venus as a Boy" están extraídas del álbum Debut, de 1993. "Play Dead" se lanzó originalmente en la banda sonora de la película Young Americans (1993), pero se incluyó en algunas ediciones de Debut. "Hyperballad", "Army of Me", "Isobel" y "Possibly Maybe" son del álbum Post de 1995. "All Is Full of Love", "Jóga", "Bachelorette" y "Hunter" son de su álbum Homogenic de 1997. Finalmente, "Pagan Poetry" y "Hidden Place" se encuentran en su álbum Vespertine de 2001.

   La obra de arte del CD fue realizada en colaboración con la artista contemporánea islandesa Gabríela Fridriksdóttir. Es la única de las portadas de álbumes de Björk que incluye tanto un logotipo como un título.

   Greatest Hits se lanzó el mismo día que la caja del árbol genealógico de Björk, que contenía un disco de "grandes éxitos" en el que Björk eligió las canciones. "Greatest Hits" y  "Greatest Hits elegidos por Björk", tienen siete pistas en común.

   El álbum Greatest Hits se incluyó en los "500 Cds que debieras tener", de la revista Blender.

Björk's Greatest Hits, Reseña

por Heather Phares

   Björk cerró su primera década como solista con la retrospectiva Björk's Greatest Hits. A pesar de su título y enfoque algo pedestre (especialmente considerando algunas de sus intrincadas colecciones de importación y conjuntos de cajas), aún logró encontrar una manera de darle un giro a la colección: dejó que sus fans votaran por los temas que querían incluir en la lista de canciones. . En general, hicieron un buen trabajo; con la notable excepción de "It's Oh So Quiet", que es probablemente su mayor sencillo, la colección toca la mayoría de las canciones más importantes de cada uno de sus álbumes. El disco pone la mayor parte de su enfoque en la parte media de su carrera hasta la fecha, seleccionando cuatro pistas de Post y Homogenic, pero aún deja espacio para viejos favoritos como "Venus as a Boy" y "Human Behavior" de Debut. como singles más nuevos como "Pagan Poetry" y "Hidden Place" de Vespertine. Una pequeña decepción es la falta de canciones de su excelente banda sonora Dancer in the Dark, aunque el disco de grandes éxitos que aparece en la caja del árbol genealógico, que compiló la propia Björk, incluye "Scatterheart" y "I've Seen" de ese álbum. "It All" (así como otras grandes canciones de su carrera, como "Unravel" y "You've Been Flirting Again"). Sin embargo, la inclusión de "Play Dead", algo difícil de encontrar, que apareció en la banda sonora de Young Americans y anteriormente estaba disponible con mayor facilidad en un sencillo japonés, y una nueva pista, la encantadora "It's in Our Hands", ayudan a compensar las omisiones sobre las que los aficionados podrían quejarse. Podría decirse que, dado que Björk no es realmente una artista que vive y muere según las listas de éxitos, prácticamente cualquiera de sus canciones podría considerarse un juego justo para su inclusión en una colección como esta; su trabajo es tan consistente que las pistas de su álbum son casi siempre tan interesantes (si no más) como las canciones que se consideran singles. Y, de hecho, Björk's Greatest Hits cumple uno de los objetivos principales de una colección de grandes éxitos: presenta los diferentes lados de su sonido, desde lo lúdico hasta lo agridulce y lo experimental, lo que lo convierte en una buena introducción para aquellos que no están familiarizados con su música y un colección conveniente para sus fans, donde los más acérrimos de Björk pueden querer una colección de caras B o rarezas disponibles en el país, pero Björk's Greatest Hits es posiblemente el primer paso en esa dirección, y una buena manera de celebrar el comienzo de otra década de su música innovadora.

http://pitchfork.com/reviews/albums/731-greatest-hits/

Muchos consideran el pasado perdurable de Björk como una prueba de la genialidad en el trabajo, pero en una ciudad luterana con una población de 110.000 habitantes y sin una industria musical interna de la que hablar, es considerablemente más fácil hacer new wave en Reykjavik que, por ejemplo, en la ciudad de Nueva York. Agregue a esto una prensa musical del Reino Unido obsesionada con la novedad en la era post-punk, y tiene una receta de microondas para la compartimentación a través de la adoración xenófila.

Björk estuvo indisolublemente ligada a ese apodo algo menospreciador durante más de una década, tratada como un juguete inadaptado, adorada por su vestuario, comportamiento y entrega, en lugar de las letras apasionantes y la música revolucionaria que componía. Compuesto, debo agregar, con un poco de ayuda de sus amigos: por mucho que los críticos adularan a Björk, los compañeros músicos descendieron como arpías de alabanza una vez que dejó The Sugarcubes, ansiosos por apuntalar sus propias carreras a través de su deslumbrante belleza y su voz desgarradora.

  Pocos artistas disfrutan del tipo de aclamación universal que Björk ha disfrutado desde el comienzo de su carrera en solitario. La prensa elogió las producciones de vanguardia de Björk, pero la mayoría se centró en sus pipas únicas; A medida que su éxito expuso, o, algunos dirían, creó, otros actos islandeses (Sigur Rós, Múm), su voz se volvió cada vez más familiar, un producto reconocible de su entorno. El resultado: el resto del mundo se ha inmunizado a la cadencia islandesa y Björk ya no es sobrenatural. Aunque es principalmente en contraste con su definición de Homogenic que su último larga duración, Vespertine, tuvo una recepción algo tibia, por fin pudimos concentrarnos en la música, que para su lanzamiento en 2001, Björk había estado ignorando durante demasiado tiempo. . Para levantar una cita con respecto a su último sencillo "It's in Our Hands" (incluido en Greatest Hits): "Fue agradable hacer una canción pura después de hacer un álbum completo que no tenía sangre".

   Puede que no haya tenido la sangre para dar: después de Homogenic, Björk se sumergió de cabeza en la distracción, protagonizando la película alabada por la crítica Dancer in the Dark, por la que ganó el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Cannes (increíblemente, fue abucheada por gran parte de la audiencia). La banda sonora fue una puesta en escena olvidable de Homogenic, en gran parte ignorada por críticos y fans (aunque la última clase ciertamente abrazó sus pistas de apertura y cierre). Ella siempre había jugado con los diseñadores elegantes, pero lo llevó a un nivel completamente nuevo en los Oscar, vistiendo ese vestido de cisne infamemente absurdo, que acaparía los titulares para lanzar a Vespertine en una cuestionable apropiación de su celebridad. Ella usó el vestido en la portada del álbum, pero no fue filmado hasta semanas después de la ceremonia. Dada su intachable historia de independencia, es seguro asumir que el motivo del cisne del álbum se determinó mucho antes del vestido de curandero de Marjan Pejoski, pero es un montón de tonterías que Björk preferiría dejar atrás. Es un momento perfecto para revisar la razón por la que tiene acceso a los canales de medios globales: su música.

Islandia

https://1fichier.com/?vcthvb246og9lsdc0y3z

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Mina Agossi. Fresh, 2014

10 Temas. Tiempo Total 00:40:51

Grabado y mezclado en Aéronef Paris, Mayo de 2014

Mezclado por Antoine Karacostas, Mina Agossi y Patrick Chenais

Master por Eric Chevet en Masterdisk Europe

Fotografía de Jean Baptiste Millot

Producción, Mina Agossi

Arte de portada, Clément Aubry y Mina Agossi

Comentario 

de Jamie Cullum

   El décimo álbum de Mina Agossi, repasa sus 20 años de carrera revisando algunas de sus canciones originales en nuevos arreglos. Combinando sonidos acústicos y electrónicos alrededor del latido del contrabajo, la batería y la percusión, fusionando el jazz y la música mundial con las sensibilidades del soul urbano y el rock, el álbum revela más de las raíces beninesas de Mina Agossi en estas nuevas adaptaciones inspiradas de sus canciones. "Escuchar a Mina Agossi es como andar en moto por París: emocionante, bonito y con muchos baches. Aunque no esperes salir con vida".

Intérpretes:

Mina Agossi, Voz solista

Eric Jacot, Bajo

Philippe Combelle, Batería y Percusión en pistas 1 y de 5 a 8 y 10

Simon Bernier, Batería y Percusión en pistas de 2 a 6 y de 8 a 10

Stéphane Guery, Guitarra

Phil Reptil, Guitarra Sampleada

Alexei Aigui, Violín en pistas 1, 5, 6 y 10

Composiciones de Mina Agossi, excepto donde se indica.

Listado

01 - Fridge - 03:37 min.

02 - Fresh - 03:50 min.

03 - La Vallee - 05:13 min.

04 - Accident - 04:32 min.

05 - Rewind - 04:26 min.

06 - Mina Waltz - 03:49 min.

07 - Funny - 03:13 min.

Letra Mina Agossi. Música Eric Jacot

08 - Need Love - 03:47 min.

09 - La Lucha - 04:17 min.

10 - Alkemi - 04:07 min.

Letra Mina Agossi. Música Philippe Combelle

10 Temas. Tiempo Total 00:40:51

flac ¬ 685 ¬ 228,82 MB

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Club Jazz Sant Cugat

Gran concierto de Mina Agossi Quartet en el Festival San Miguel Mas i Mas

en el Jamboree, 15 de Agosto de 2014

Mina Agossi, Voz solista

Eric Jacot, Bajo

Philippe Combelle, Batería y Percusión 

Stéphane Guery, Guitarra 

Sello: Plus Loin Music PL4576 / bEurope 12 sept 2014

Formato: CD, Album

Género: Jazz. Estilo: Contemporary Jazz, Smooth Jazz, Soul-Jazz

    Mina Agossi presentó el 28 de agosto de, 2014, su álbum Fresh, que la cantante describe como "una nueva imagen en mi carrera de 20 años." En él vuelve a visitar algunas de sus composiciones y propone nuevas.

   Agossi dice refiriéndose a sus fuentes de inspiración:2​ «De todo en la vida. Reuniones, comida, películas... Lo que me hace feliz. Y antes que nada, la música: Caruso, Alpha Blondy, Billie Holiday, Björk...». Como puede apreciarse hace referencia a un cantante de ópera, uno de reggae, una de jazz y una de pop. Su estilo recuerda a las divas del jazz, los ritmos étnicos y la chanson francesa. Ella dice al respecto: «Utilizo un montón de influencias en mi música, así que se puede sentir cualquier cosa con ella. Sale de mis diferentes experiencias».

Fresquita

https://1fichier.com/?usx29y0xj2txdlovhlev

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The Concert for Bangladesh, 1971 Cincuenta años

George Harrison and Friends. The Concert for Bangladesh

Picture of sign outside Madison Square Garden box office, advertising tickets for The Concert for Bangladesh

By 2005 Concert for Bangladesh album booklet credits

Fair use, https://en.wikipedia.org/w/index.php?curid=39213591

"Un concierto celebrado la tarde y la noche del 1 de agosto de 1971 en el Madison Square Garden de Nueva York"

20 Temas. Tiempo Total 01:39:34

    Álbum lanzado originalmente en 1972. La pista 2-10 es un tema extra adicional que solo se encuentra en el lanzamiento del Cd remasterizado.

   Incluye imágenes, no mostradas antes, de la interpretación de Bob Dylan en “Love Minus Zero / No Limit”, durante el 'Concert For Bangladesh'

Grabado en el Madison Square Garden

Re-master de Steve Rooke

Producción de George Harrison y Phil Spector

Intérpretes

Sitar - Ravi Shankar

Sarod - Ustad Ali Akbar Khan

Tabla - Ustad Alla Rakah

Tambura, Kamala Chakravarty

Guitarra acústica - Joey Molland, Tom Evans

Coros: Claudia Linnear, Dolores Hall, Don Nix, Jeanie Greene, Jo Green, Marlin Greene

Bajo: Carl Radle, Klaus Voormann, Leon Russell (pistas 2-04 a 2-07)

Batería - Jim Keltner

Guitarra eléctrica - George Harrison (pistas 2-04 a 2-07, 2-10)

Guitarra solista - Eric Clapton (pistas 1-03, 1-04, 1-06, 1-10)

Guitarra Rítmica - Jesse Ed Davis

Guitarra, coros - Don Preston

Sección de viento: Allan Beutler, Chuck Findley, Jackie Kelso, Jim Horn, Lou McCreary, Ollie Mitchell

Percusión - Mike Gibbins

Saxofón - Jim Horn (pistas 1-03, 1-08, 2-09)

Pandereta - Ringo Starr (pistas 2-04 a 2-07, 2-10)

Voz - Leon Russell (pistas 1-08, 2-01, 2-02, 2-07)

The Concert For Bangladesh  Año 1971

Listado

Cd 1

 101 - Introduction por George Harrison y Ravi Shankar ¬ 05:18 min.

 102 - Bangla Dhun por Ravi Shankar ¬ 16:39 min.

Composición de Ravi Shankar 

Intérpretes:

Sitar, Ravi Shankar

Sarod, Ustad Ali Akbar Khan

Tabla, Ustad Alla Rakah

Tambura, Kamala Chakravarty

 103 - Wah-Wah por George Harrison ¬ 03:30 min.

Composición de George Harrison

 104 - My Sweet Lord por George Harrison ¬ 04:36 min.

Composición de George Harrison

 105 - Awaiting On You All por George Harrison ¬ 03:00 min.

Composición de George Harrison

 106 - That's The Way God Planned It por Billy Preston ¬ 04:20 min.

Composición de Billy Preston

 107 - It Don't Come Easy por Ringo Starr ¬ 03:01 min.

Composición de Ringo Starr

 108 - Beware Of Darkness por George Harrison ¬ 03:36 min.

Composición de George Harrison

 109 - Band Introduction por George Harrison ¬ 02:39 min.

 110 - While My Guitar Gently Weeps por George Harrison ¬ 04:54 min.

Composición de George Harrison

Comentario: Solos de Guitarra  Eric Clapton y George Harrison

Cd 2

 201 - Medley: Jumpin' Jack Flash + Young Blood por Leon Russell ¬ 09:27 min.

Composición de Mick Jagger, Keith Richards + Leon Russell

Comentario: Bajo Carl Radle. Guitarra solista y Voz Don Preston

 202 - Here Comes The Sun por George Harrison ¬ 02:59 min.

Composición de George Harrison

Comentario: Guitarra Acústica Pete Ham

 203 - A Hard Rain's A-Gonna Fall por Bob Dylan ¬ 05:44 min.

Composición de Bob Dylan

 204 - It Takes A Lot To Laugh It Takes A Train To Cry por Bob Dylan ¬ 03:07 min.

Composición de Bob Dylan

 205 - Blowin' In The Wind por Bob Dylan ¬ 04:07 min.

Composición de Bob Dylan

 206 - Mr. Tambourine Man por Bob Dylan ¬ 04:45 min.

Composición de Bob Dylan

 207 - Just Like A Woman por Bob Dylan ¬ 04:49 min.

Composición de Bob Dylan

 208 - Something por George Harrison ¬ 03:42 min.

Composición de George Harrison

 209 - Bangla Desh por George Harrison ¬ 05:02 min

Composición de George Harrison

 210 - Love Minus Zero + No Limit (Bonus Track) por Bob Dylan ¬ 04:19 min.

Composición de Bob Dylan

Comentario: Bajo Leon Russell

20 Temas. Tiempo Total 01:39:34

flac @ 709 ¬ 608,38 MB

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Reseñas

George Harrison And Friends The Concert For Bangladesh

Sello: Sony BMG Music Entertainment

Formato: 2 × CD, Album, Remastered

Reissue 2005

Género: Rock. Estilo: Acoustic, Classic Rock

Joe Taysom @ josephtaysom

Tuesday 21st April 2020 19.00 BST

   

   El "Concierto para Bangladesh" de George Harrison fue un punto de inflexión en la cultura popular, marcando el primer evento benéfico repleto de estrellas que continuaría y sentaría un precedente para futuros conciertos benéficos. Con lo bueno y grandioso de la música, todos juntos para arrojar luz sobre una causa más que digna, todo se originó a partir de la iniciativa original del ex guitarrista de los Beatles, donde Bob Dylan realmente se robó el espectáculo.

   Los dos espectáculos del Concert For Bangladesh, especialmente seleccionados del 1 de agosto de 1971, seguirían adelante y sentaron un precedente para los conciertos benéficos para siempre. El día de las estrellas vería a gente como Bob Dylan, Billy Preston, Eric Clapton, Badfinger y Ringo Starr subir al escenario para unirse por una causa más grande que ellos.

   Los espectáculos se produjeron después de que el ex hombre de los Beatles mantuviera conversaciones con su amigo cercano Ravi Shankar, quien, al detallar los problemas durante una cena, inicialmente planeó recaudar $ 25.000 dólares para ayudar a la causa de Bangladesh. Sin embargo, después de poner a Harrison de su lado, los modestos planes se convirtieron rápidamente en algo bastante extraordinario.

   Había un gran respeto bidireccional entre Harrison y Dylan, tanto a nivel personal como a nivel más profesional, donde buscaban inspiración uno en el arte del otro. En una entrevista en Melody Maker en 1975, Harrison dijo: “Bob Dylan es el artista más consistente que existe. Incluso sus cosas que la gente detesta, me gustan".

   Harrison luego alabó aún más a su contemporáneo y agregó: “Cada cosa que hace representa algo que es él. Puede que escriba mejores canciones mañana, que cante alto en este álbum y bajo en otro, que se vuelva eléctrico o acústico, raro o lo que sea, pero lo básico que causa todo este cambio es un personaje increíble llamado Bob Dylan. Es la persona más loca que conozco", concluyó.

   El dúo, por supuesto, pasarían a formar juntos The Travelling Wilbury's en 1988. Sin embargo, en 1990, una vez que la banda se disolvió, Harrison y Dylan, lamentablemente, nunca volverían a tener la oportunidad de compartir el escenario juntos.

   Tras el fallecimiento de Harrison, con Dylan incapaz de hacer un concierto homenaje dedicado, en su lugar cantó su propia versión de 'Something' que en su gira de Nueva York, le dijo a la multitud de la costa este: "Solo quiero hacer esta canción para George, porque éramos tan buenos amigos".

   Dylan se tomó un tiempo de su apretada agenda para ayudar a un amigo que necesitaba que alguien de su perfil apareciera en el concierto después de que su antigua banda se negara a reunirse para la ocasión, pero eso no era necesario ya que Harrison ya había adquirido una buena factura con la actuación de Bob Dylan la tarde de 'Love Minus Zero / No Limit' siendo la crema de la cosecha (the cream) y, de hecho, la de todas las edades.

The Concert For Bangladesh. 25 Photos

https://www.needsomefun.net/concert-bangladesh-photos-20-photos/

Fotos (25 fotos) 1 de agosto de 1971

4 de enero de 2016

   El Concierto para Bangladesh fue el primer concierto benéfico de este tipo, ya que reunió a un grupo extraordinario de artistas importantes que colaboraron por una causa humanitaria común, sentando el precedente de que la música podría usarse para servir a una causa superior.

   El concierto agotó las entradas del Madison Square Garden y junto con la caja de tres álbumes ganadora de Grammy, y el largometraje, el evento ha generado millones de dólares para UNICEF y ha creado conciencia para la organización en todo el mundo, así como entre otros músicos y sus fans. Por lo tanto, se reconoce como la inspiración y el precursor de los principales eventos mundiales de recaudación de fondos de los últimos años.

   Para citar al exsecretario general de las Naciones Unidas, Kofi Annan: “George y sus amigos fueron pioneros”.

   The Concert for Bangladesh (o Bangla Desh, como se deletreaba originalmente el país) fue el nombre de dos conciertos benéficos organizados por el ex guitarrista principal de The Beatles, George Harrison, con Ravi Shankar, celebrados a las 2.30 y a las 8 pm del Domingo 1 de Agosto de 1971, tocando para un total de 40.000 personas en el Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York.

   Los espectáculos se organizaron para aumentar la conciencia internacional y financiar los esfuerzos de socorro para los refugiados del este de Pakistán (ahora Bangladesh) luego del genocidio relacionado con la Guerra de Liberación de Bangladesh. Los conciertos fueron seguidos por un álbum en vivo superventas consistente una caja de tres discos y el documental del concierto de Apple Films, que se estrenó en los cines en la primavera de 1972.

   El evento fue el primer concierto benéfico de tal magnitud y contó con un supergrupo de artistas que incluía a Harrison, el ex Beatle Ringo Starr, Bob Dylan, Eric Clapton, Billy Preston, Leon Russell y la banda Badfinger. Además, Shankar y Ali Akbar Khan, ambos con raíces ancestrales en Bangladesh, interpretaron un primer set de música clásica india.

   Los conciertos recaudaron cerca de US $ 250.000 para ayuda a Bangladesh, que fue administrado por UNICEF, el Concierto para Bangladesh es reconocido como un proyecto de ayuda humanitaria muy exitoso e influyente, que genera conciencia y fondos considerables, además de brindar valiosas lecciones e inspiración para proyectos que siguieron, notablemente los Live Aid.

   En 1985, gracias a los ingresos recaudados por el álbum en vivo y la película Concert for Bangladesh, se había enviado un estimado de $ 12 millones a Bangladesh como ayuda.

Fuentes

https://www.discogs.com/George-Harrison-George-Harrison-And-Friends-The-Concert-For-Bangladesh/release/1157221

https://en.wikipedia.org/wiki/The_Concert_for_Bangladesh

https://www.georgeharrison.com/videos/the-concert-for-bangladesh/

https://faroutmagazine.co.uk/rare-bob-dylan-footage-george-harrison-bangladesh/

Cincuenta años-parte 1

https://1fichier.com/?ojor44zvm9ljdo11gnh6

Cincuenta años-parte 2

https://1fichier.com/?sr59seuybxg5iptv7ni0

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Pau Riba. Jo, La Donya i El Gripau 1971

Pau Riba ¬ Jo, La Donya i El Gripau

Álbum de 1971

13 Temas. Tiempo Total 00:47:23

Comentario

Grabado en directo en Formentera, al aire libre

en la casa de Pau Riba durante octubre de 1971.

Asistente de Producción, Mario Pacheco

Fotografía, Ferran Freixa

Portada y diseño, Pau Riba

Intérpretes:

Mario Pacheco – Bongos, Maracas

Jordi Soler – Guitarra, Violonchelo, Kalimba

Martí Soler – Guitarra, Kalimba, Guitarra Afghana

Pau Riba – Guitarra, Ocarina, Guimbri, Ukulele

Xavier Riba – Violín

Composiciones de Pau Riba 

Listado

01 - La Lluna, La Pruna - 03:44 min.

Composición Tradicional, Arreglos de Pau Riba

02 - Mesquinet - 04:39 min.

03 - La Marramua - 03:51 min.

04 - Mel - 03:04 min.

05 - Mama Nen - 03:30 min.

06 - L'avioloncel - 04:56 min.

07 - Donya Mixeires (Maquieres O No Maquieres, Taquiero Donya Mixeiro) - 03:24 min.

08 - Jo, La Donya i El Gripau - 00:43 min.

09 - La Vella Del Fons Del Pou - 05:04 min.

10 - Ora Catalina - 04:47 min.

11 - La Dansa De La Terra - 01:05 min.

12 - Llàgrimes i Petons - 05:56 min.

13 - La Lluna, La Pruna - 02:40 min.

Composición Tradicional, Arreglos de Pau Riba

13 Temas. Tiempo Total 00:47:23

flac ¬ 796 ¬ 286,56 MB

RipPor ¬ DarkMan

31-Ene-12 20:24

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Reseñas

Sello Edigsa – CPS 265

Formato Vinilo, LP, Album

País Spain Publicado 1971

Género Folk, World, & Country

Estilo Folk, Catalan Music

Afluencia de Pau Riba

Del rock romántico a la electrónica post-actual

ElPais.ComQuaderncat 

https://elpais.com/diario/2006/11/23/quaderncat/1164246317_850215.html

23 Nov 2006 - 07:00 Cet

   El Demonio Pau Riba canta bien y no desentona, tiene una voz a veces un punto agrietada y un punto, cuando quiere, de regadera, pero entona bien y le pone mucha intención; la voz tiene personalidad y él da mucho carácter a lo que dice, lo dice bien, sabe modular los matices o matizar las modulaciones... y los agudos los clava, a veces muy tensos o intensos, y cuando los grita, cuando les da volumen tiene mucha potencia, como cuando hace rebotar el última a de asesinato en la canción He asesinado mi amor, que se puede sentir en el Disco duro (1993). El anuncio de su primer disco, Taxista (1967), decía: "Tiene voz de regadera pero una regadera hace florecer todo un jardín". Y sabe ser dulce y frágil, si conviene, como en la última canción de Licors (1977), Orenella i Gladiol. Y tiene esa marca del artista que incluso una canción violenta y estremecedora como Asesinato, que hemos oído hace poco en directo, sea un placer escucharla.

 Pau Riba es un músico y un aunador de experimentos musicales muy variados y diversos. No es provocador por el solo gusto de provocar, que también, sino porque dice y hace lo que le parece. 

   Tiene repertorio en directo funcionando con cinco formaciones distintas. El cantante Pau Riba escribe, por ejemplo, una canción hablando del universo, sobre el conocido tema del surgido de la nada, que tiene muy poco que ver con la Biblia de Yahvé o con el Dios de Santo Tomás y más bien tira a ninguna en la guerra de las galaxias, que en el caso de Riba no es una bronquina entre banditas de humanos perdidos por la naturaleza (estelar), sino una epopeya en la que los personajes son las estrellas, los soles, los planetas, las partículas elementales y los agujeros negros, como dice  en el disco Cosmosoma (1997), de canciones de Pau y arreglos de Pastora.

   Los humanitos no somos protagonistas pero sin embargo, hacemos un papel en esta historia: "Nuestro destino fue programado | dentro del oscuro código genético | de esta raza de titanes | que vive en danza con las estrellas" (en el contexto se entiende que tales titanes son los planetas), y fuimos creados para cubrir "la gran necesidad | que tiene la Tierra de conocer, | sin nosotros no existe | o no sabe nada de la existencia, | a través de nosotros descubre |de qué depende la independencia". La tierra es el gran tema, y nosotros "somos sus ojos y su espejo, | somos el grillo de la conciencia para ella".

   Esta visión o idea es central, y no sólo en la obra de Pau Riba, lo es en el mundo de hoy en nuestra situación moral y cósmica de vida o muerte. El Cosmosoma, que no es de ciencia ficción, sino de mitología ficción (o no tan ficción) galáctica, comienza con una cita de la Balada Del Zapatero De Ordis, del gran poeta ampurdanés Fages de Climent (1902-1968).

  El fabricante de canciones Pau Riba tiene una manera trovadoresca y muy suya de tocar la pera en las palabras, de inventar señales (nombres nuevos para llamar a las enamoradas), de encontrar entremezclados dementes de palabras cercanas o remotas.

   En muchas de sus canciones, y de sus poemas, hay verdaderos descubrimientos de los juegos que las palabras mismas se juegan entre sí.

   Un solo ejemplo: el libro que recoge las letras de canciones que tenía escritas hasta el momento, en 1997, se llama Lletrarada. Esta pasión por la fonética y por la morfología, siempre persiguiendo y encontrando el sentido (porque lo que escribe, incluso si en algún caso roza el absurdo, siempre tiene sentido), la locura por el lenguaje, para ver si el lenguaje nos puede explicar o aclarar algo, le ha llevado a publicar interesantísimos trabajos de etimología, parte de los cuales se encuentra reunida en el volumen Al·lolàlia, publicado por Proa en 1999, donde muestra nuevas maneras de descubrir el origen de muchas palabras y expresiones.

   Si Pau Riba ha saqueado y sacudido la fonética del rock, la del folk, la de la canción (tradicional y no), la de la poesía pura y la de la prosa (desde la novela hasta el ensayo político), es porque le interesa la fonética del amor, y por eso le preocupa la fonética de nuestro destino, del vivir y del morir, del nacer y del crecer y del tener hijos. Y "fonética" lo digo en el sentido amplio ¡desde lo más simple, ah, hasta los rompecabezas más emocionantes del significar!

   El escritor Pau Riba no se pasa el día sentado en la mesa de escribir: es hombre en cierta medida, y en su modo de acción y su acción se nota. Pau Riba no es provocador por el solo gusto de provocar, que también, sino sobre todo porque dice y hace lo que le parece que debe hacer e, inevitablemente, a menudo, rompe las previsiones de los organizadores, revienta la burbuja del público y despierta con escalofríos el sopor de los mundos político-culturales, que sin embargo no cuidan y enseguida vuelven a hacer piel muerta, porque les interesa más la insensibilidad. Pau Riba, provocador infiltrado en el mundo del espectáculo, monta números que producen extrañas urticarias y canta coñas que irritan a unos y escandalizan a otros.

   Una de las más sonadas fue en el Canet del 77: con un solo tema de más de media hora, el poema casi épico Astarot Universdherba, tres músicos y un narrador (los Perucho's y Pau Riba vestido de gala con una capa de alas de gallina) organizaron un cacao descomunal de gritos y de ruido que rozaba el umbral psico y audio de lo soportable, si tenemos que hacer caso de los comentarios de la época.

   Pero si lo escuchamos hoy, en la espléndida edición que se ha hecho a los veinte años, en 1998, en la discográfica G3G (que funciona con distribución vanguardista y ya tiene un catálogo muy considerable), resulta que no es más (¡ni menos!) que una obra de arte: un poema grandioso dicho o vomitado por Pau Riba con la ayuda de los Perucho's (Oriol Ponsdevall alias Gínger en el saxo, Jordi Graells en la guitarra eléctrica y Oriol Perucho batería, y faltaba otro saxofonista, el pintor-poeta-músico Albert Subirats, que aquel 30 de julio de 1977 estaba, contra su voluntad, haciendo el servicio militar).

LosTresDePau

https://1fichier.com/?crpff8f48hs74yxdvufr

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Robert Wyatt-1974-Rock Bottom Vinyl Rip

HD 24-Bit-96-kHz flac @ 2935

VinylRip By 77ausy

Grabado en febrero de 1974 en Delfina's Farm, Little Bedwyn,

Wiltshire, las pistas básicas

y entre abril y mayo de 1974, las sobregrabaciones

en The Manor Studio, Oxfordshire y CBS, Londres,

Personal de producción

Steve Cox y Dick Palmer – Ingenieros de sonido

Toby Bird - Ingeniero asistente

Nick Mason - Productor

Personal

Robert Wyatt - voz, teclados, percusión, guitarra slide (#02)

Mike Oldfield - guitarra (#06)

Gary Windo - clarinete bajo, saxo tenor (#05)

Ivor Cutler - voz (#03 y #06), concertino barítono, armonio (#06)

Alfreda Benge - voz (#05)

Mongezi Feza - trompetas (#03)

Fred Frith - viola (#06)

Hugh Hopper - bajo (#02, #04 y #05)

Richard Sinclair - bajo (#01, #03 y #06)

Laurie Allan - batería (#02 y #06)

Listado de Temas:

Cara A

 01 - Sea Song - 06:31 min.

Bass Guitar – Richard Sinclair

Voice, Keyboards, Drum [James' Drum] – Robert Wyatt

 02 - A Last Straw - 05:44 min.

Bass Guitar – Hugh Hopper

Drums – Laurie Allan

Voice, Keyboards, Guitar, Other [Delfina's Wineglass] – Robert Wyatt

 03 - Little Red Riding Hood Hit the Road - 07:34 min.

Bass Guitar – Richard Sinclair

Trumpet – Mongezi Feza

Voice – Ivor Cutler

Voice, Keyboards, Drum [James' Drum], Other [Delfina's Tray And A Small Battery] – Robert Wyatt

Cara B

 04 - Alifib - 06:55 min.

Bass Clarinet, Other [Tenor] – Gary Windo

Bass Guitar – Hugh Hopper

Voice – Alfreda Benge

Voice, Keyboards, Drum [James' Drum] – Robert Wyatt

 05 - Alife - 06:32 min.

Bass Clarinet, Other [Tenor] – Gary Windo

Bass Guitar – Hugh Hopper

Voice – Alfreda Benge

Voice, Keyboards, Drum [James' Drum] – Robert Wyatt

 06 - Little Red Robin Hood Hit the Road - 06:10 min.

Bass Guitar – Richard Sinclair

Drums – Laurie Allan

Guitar – Mike Oldfield

Viola – Fred Frith

Voice, Concertina [Baritone Concertina] – Ivor Cutler

Voice, Keyboards – Robert Wyatt

6 Temas - Tiempo Total: 00:39:26

flac @ 2935 - 805,05 MB

24-Bit-96-kHz VinylRip By 77ausy

Portada alternativa de la reedición de 1998

Reseñas:

Álbum de estudio de Robert Wyatt, lanzado el 26 de Julio de 1974 en Virgin Records.

https://en.wikipedia.org/wiki/Rock_Bottom_(album)

Géneros: rock progresivo, sonido Canterbury, jazz fusión, avant-rock

Etiqueta Virgin 2017

   Rock Bottom es el segundo álbum en solitario del ex baterista de Soft Machine, Robert Wyatt. Fue lanzado el 26 de julio de 1974. Aunque Rock Bottom es técnicamente el segundo LP en solitario de Wyatt, ha declarado en varias entrevistas que considera a su predecesor, The End of an Ear, como "juvenilia" y no como parte del reconocido "canon" de los discos solistas de Wyatt. El álbum fue producido por el baterista de Pink Floyd, Nick Mason.

   La banda Matching Mole se disolvió poco después del lanzamiento de Little Red Record en 1972, y Wyatt comenzó a componer el material que luego apareció en Rock Bottom. La preparación del álbum fue interrumpida por un accidente la noche del 1 de junio de 1973. Durante una fiesta estridente, en Vale Court, Hall Road, Maida Vale, en Londres, Wyatt ebrio se cayó de la ventana de un baño del tercer piso y quedó paralizado desde la cintura. Wyatt ha usado una silla de ruedas desde entonces. Más tarde llamó al evento el comienzo de su madurez y en el hospital continuó trabajando "en trance" en las canciones que aparecerían en Rock Bottom. "Me sentí aliviado de poder hacer algo desde una silla de ruedas", confiesa Wyatt "en todo caso, ser parapléjico me ayudó con la música porque estar en el hospital me dejó libre para soñar y pensar realmente en la música".

    En seis meses estaba de vuelta en el trabajo en el estudio de grabación y apareció en el escenario del Rainbow Theatre de Londres con Pink Floyd y Soft Machine, quienes le prestaron apoyo financiero al tocar en un concierto benéfico para él. Aunque la música en sí es intensa y a menudo desgarradora, y la letra de las canciones es densa y profundamente personal por obviedad, Wyatt ha negado que el material fuera el resultado directo del accidente y el largo período de recuperación. De hecho, gran parte del álbum se había escrito mientras estaba en Venecia a principios de 1973, antes del accidente de Wyatt, donde su pareja y futura esposa (la poeta Alfreda Benge) trabajaba como editor asistente en la película Don't Look Now de Nicolas Roeg.

   La obra de arte de la portada del álbum, tanto el delicado dibujo del original de 1974 como la colorida pintura de la reedición de 1998, fueron de Alfreda Benge.

   Al reclutar amigos y luminarias como Fred Frith, Ivor Cutler y Nick Mason de Pink Floyd (quien produjo el álbum) Wyatt grabó la mayor parte del álbum poco después de su salida del hospital. En julio de 1974, el álbum fue publicado con gran éxito de crítica. La interpretación de Cutler (recitando una narración semi-absurda por sobre la mitad de "Caperucita Roja en marcha" y entonando el mismo poema con voz de barítono plano al final de "Robincito Hood Rojo en marcha" para cerrar el álbum) fue celebrada por su brillantez, lo que resultó en que se le ofreciera un contrato de tres álbumes con Virgin Records.

   Los bocetos abstractos de dolor, pérdida y sufrimiento del disco están llenos de vívidos destellos de amor y renovación, inspirados como estaba en su relación con Alfreda Benge, con quien se casó el día de la publicación de Rock Bottom. Benge proporcionó la obra de arte para todas las portadas de sus álbumes y una considerable ayuda lírica.

   Rock Bottom contiene seis canciones, algunas de las cuales tienen estructuras de canción más tradicional (por ejemplo, la de apertura, "Sea Song" o "Alifib")  mientras que otras son piezas menos definidas y más expresionistas que muestran  influencia de jazz (como en "Alife", o la pieza central del álbum "Caperucita Roja en marcha"). La cara B comienza con una especie de popurrí ("Alifib / Alife"), con Wyatt primero cantando y luego recitando de manera inconexa letras aparentemente dedicadas a Benge, quien responde con su propia voz al final de "Alife". El cierre del Lp, "Little Red Robin Hood Hit The Road", se divide en dos partes; la primera es una canción de rock progresivo melódico con guitarras eléctricas prominentes, predominantemente con múltipistas de Mike Oldfield, y un estribillo vocal similar a un canto, mientras que la segunda parte, que tiene poca semejanza con la primera, presenta solo un armonio zumbante, un raspado con dureza al violín y el vocalista invitado, Ivor Cutler, recitando letras extrañas con voz monótona.

   Rock Bottom se vendió mejor de lo esperado y fue lanzado con elogios de la crítica; el disco y su buena publicidad concomitante (incluida su única aparición importante en vivo como solista en el Theatre Royal de Londres en septiembre de 1974) establecieron a Wyatt como un artista solista respetado independientemente de su historia con Soft Machine. Al mismo tiempo, Wyatt también lanzó un sencillo que no formaba parte del álbum, una versión directa de "I'm a Believer" de The Monkees, que alcanzó el Top 30 británico. Después de la casi inmediata continuación, Ruth Is Stranger Than Richard (de la que compuso muy poco, concentrándose en letras y arreglos) Wyatt no lanzaría otro álbum de estudio con su propio material hasta Old Rottenhat de 1985. Pitchfork Media incluyó el disco Rock Bottom como el 98 ° mejor álbum de la década de 1970.

RockDeFondo.parte 1

https://1fichier.com/?byl6kopwrhymyuypkyt6

RockDeFondo.parte 2

https://1fichier.com/?msv92bam3k46b4e7h5g1

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