Aguaviva. Cada vez más cerca 1970 + Apocalipsis 1971. Reup By Request

Aguaviva

   Fue un grupo musical español, que desarrolló básicamente su trayectoria durante los años 1970. Interpretaron poemas de poetas españoles como Blas de Otero, Federico García Lorca, Rafael Alberti o León Felipe, entre otros. Algunas de sus canciones fueron prohibidas por el régimen del dictador Franco (1939-1975).

   Su estilo se caracterizaba por combinar una voz recitando los poemas sobre fondos musicales y un coro cantando. También llegaron a incorporar fondos musicales basados en temas de Lou Reed o los Rolling Stones.

Historia

   Corrían los últimos años sesenta y en España se vivía una ebullición que un régimen, acostumbrado a que nada cambiara, no llegaba a advertir. Las cosas estaban cambiando a gran velocidad, aunque en la superficie todo pareciera atado y bien atado. En un piso de Madrid, cercano a la Avenida de América, un estudiante con ansias literarias, José Antonio Muñoz, ponía las bases del nuevo grupo junto a un joven cantautor asturiano que ya había estado en Mágicos, Polaris y Los Sonor, antes de debutar como intérprete de sus propias canciones. Se llamaba Manolo Díaz y el público le conocía principalmente por su "Postguerra" aunque también había escrito para Massiel o Manolo Pelayo.

   A ambos les movían los mismos ideales. Seleccionaron cuidadosamente los poemas y los autores, y Manolo Díaz les fue poniendo música. Ellos no inventaron lo de musicalizar poetas. Alberto Cortez o Serrat ya habían triunfado con Neruda o Machado. Pero encontraron una fórmula propia que respetaba el texto íntegro, recitado, del poema y además le añadía música, armonía y voces. Firmaron por un nuevo sello discográfico, Acción, ligado a la Cadena SER y grabaron su primer disco con una formación tan abierta que ni siquiera fueron los mismos intérpretes quienes empezaron y terminaron el disco.

   Algunos de los integrantes que cantaron en los primeros temas ya ni aparecieron en la portada de aquel álbum, titulado "Cada vez más cerca", cuya portada presentaba el formato de un periódico lleno de noticias de actualidad. En aquel disco estaba “Poetas andaluces”, un poema del gaditano Rafael Alberti, escrito en 1950, lamentándose de que no se alzara ninguna voz andaluza contra la situación que vivía España en aquel entonces. Pero Aguaviva la grabó en el 70 y Alberti creía que en esa época los poetas andaluces ya habían hablado, y con firmeza, contra la dictadura. Al final todo se solucionó añadiendo al título del poema “Poetas andaluces”, ese año "1950", que señalaba así la fecha de su creación.

   En un primer momento, Aguaviva no fue recibido con demasiado entusiasmo en España. Un veterano crítico de discos, que trabajaba entonces en la radio oficial, llegó a quejarse del contenido del álbum con una frase que define el espíritu de aquella vieja guardia: “No hemos ganado la guerra para que ahora se escuche a Alberti en nuestras radios”. Sin embargo, en los ambientes progresistas se les recibió como una de las voces más valientes de una época especialmente difícil. Donde causaron sensación fue en Europa. La conquista empezó con la VI Mostra de Venecia, en 1970, donde cantaron por primera vez fuera de España con una acogida inesperadamente elogiosa. Luego llegaron las actuaciones de Portugal y el Midem (Muestra Internacional de Discos y Ediciones Musicales) de Cannes del 71, en la que repitieron el triunfo y, tras él, la llamada de televisiones y organizadores de festivales de toda Europa que les reclamaban como auténticas estrellas.

   En 1971 participaron por primera vez en el Festival de San Remo, en una etapa en que las canciones tenían dos defensores, habitualmente uno italiano y otro extranjero. Aguaviva interpretó “13, storia d’oggi” formando tándem con Al Bano y pasaron a la final, quedando en octava posición. Al año siguiente repitieron experiencia, pero ya sin compartir responsabilidades, pues ese año solo había un intérprete por canción, y pasaron también a la final con “Ciao, amico, ciao” (de Minellono y Remigi). Entre tanto recorrieron Europa, casi siempre en un autobús en el que, además de los cantantes y músicos, llegaban a viajar los hijos, todavía bebés, de algunos componentes. Eran como una gran familia que, sin embargo, cambiaba de miembros con enorme velocidad.

   Eso llevó a un periódico italiano a escribir que Aguaviva estaba compuesto por 32 componentes, aunque para el Festival de San Remo habían enviado una formación ¡reducida! de doce miembros. En otro periódico se utilizó la cifra de 64 componentes, pues quizás interpretaban mal la explicación de que por el grupo habían pasado, a lo largo de su historia, dos o tres decenas de miembros. Entre los más duraderos y representativos de esa forma de ser de Aguaviva se podría citar a Carmen Sarabia, Rosa Sanz, Luis Gómez-Escolar, José María Jiménez, Ricardo Duque, Juan Carlos Ramírez Llach, Pepe Egea, además de José Antonio Muñoz y Manolo Díaz, socios fundadores.

   En 1971 Aguaviva editaba su segundo álbum, “Apocalipsis”, con un formato similar al anterior: una selección de poemas que eran recitados, casi siempre, en la voz de José Antonio Muñoz, y cantados por todos sus compañeros. De nuevo el equilibrio en la elaboración de los temas era fundamental: la elección de los textos era tan importante como su puesta en música, y eso hizo que Aguaviva no cometiera el error de ceder la primacía a uno de ambos aspectos, habitual en otras formaciones de ese tipo: los hay que se convierten en excelentes intérpretes de canciones vacías, mientras que otros prefieren densos textos con música de escasa inspiración.

   En el año 1972, con gran regularidad, aparecía “La Casa de San Jamás”, una obra conceptual en la que no se recurría ya a textos ajenos y donde había músicas de varios componentes de Aguaviva, labor que hasta entonces había realizado Manolo Díaz. Son los tres primeros álbumes de un grupo que supo ser diferente, sin alejarse por ello de las exigencias de una sociedad ávida de escuchar verdades como las que ellos cantaban. Su éxito fue tal, que en esos tres primeros años, vieron sus discos editados en toda Europa, y que el primero, “Cada vez más cerca”, llegara a ser publicado en los Estados Unidos con el título “Aguaviva, 12 who sing of revolution” y con la voz de Raúl Juliá recitando en inglés la parte que José Antonio Muñoz había grabado en castellano.

   Los propios Aguaviva grabaron en italiano y sus discos aparecieron con regularidad en Francia, Italia, Holanda, Alemania, Portugal y hasta en Angola, país al que fueron invitados a cantar pocas horas antes de estallar la guerra que les llevaría a la independencia. Cantaron en todos esos países, con estatus de estrella y teniendo como complemento algunos cantantes de esos que nuestras televisiones llaman como grandes atracciones con cheques llenos de ceros. Todavía editarían un álbum más, muy minoritario, en el sello Acción, con el título de “Cosmonauta”. Luego llegó la venta del sello original y pasaría a Ariola, donde editaron un quinto álbum, “Poetas andaluces de ahora” y a EMI donde culminaron su trayectoria con “No hay derecho”.

   El álbum “La invasión de los bárbaros” quedó sin editar en su momento y vería la luz más tarde.

Aguaviva - 1970 - Cada Vez Más Cerca

Grabado en Estudios Celada, Madrid

Productor, Manolo Díaz

Técnico de Sonido, Seuba

Letras de José Antonio Muñoz.

Poemas de Rafael Alberti, Constantine Bertolo,

 León Felipe y Federico García Lorca.

 Músicas de Manolo Díaz.

Arreglos de Juan Carlos Calderón y Raúl Ferrán.

Listado de Temas

Cara A

 01 - Robot - 01:32 min.

José Antonio Muñoz, Manolo Díaz

 02 - Cantaré - 03:04 min.

Manolo Díaz

 03 - Mía es la voz - 03:40 min.
León Felipe, Manolo Díaz

Incluye Diario Hablado (sólo en la edición española)

 04 - Los cuentos - 02:45 min.

León Felipe, Manolo Díaz

 05 - Rolling Stones - 01:23 min.

Const. Bertolo, Manolo Díaz

 06 - La Nada - 00:26 min.

Manolo Díaz

 07 - Creemos el  Hombre Nuevo - 03:12 min.

Rafael Alberti, Manolo Díaz

Cara B

 08 - Límtes - 02:06 min.

Manolo Díaz

 09 - La unión del mundo - 02:18 min.

Manolo Díaz

 10 - Ay Amor - 00:51 min.

Federico García Lorca, Manolo Díaz

 11 - Federico - 02:26 min.

Manolo Díaz

 12 - Luna, luna, luna - 01:36 min. 

Federico García Lorca, Manolo Díaz

 13 - Veinticuatro Bofetadas - 01:28 min.

Federico García Lorca, Manolo Díaz

 14 - Poetas andaluces - 03:35 min.

Rafael Alberti, Manolo Díaz

 15 - Bla, bla, bla - 01:38 min.

Manolo Díaz

 16 - Bla, bla, bla versión extendida (Bonus-CD) - 03:10 min.

Manolo Díaz

16 Temas - Tiempo Total: 00:35:10

VinyloRipPor: Napi#10

Aguaviva - 1971 - Apocalipsis

Música, Pepe Nieto, Manolo Díaz

Arreglos, Pepe Nieto

Producción, Manolo Díaz

Listado de Temas:

Cara A

A  #01 - Primer Jinete, El Hambre - 09:31 min.

1 - Y Nace el Sol [A. Mañas, Manolo Díaz]

2 - Los Jinetes [José Antonio Muñoz, Manolo Díaz]

3 - El Hambre [José Antonio Muñoz, Manolo Díaz]

4 - La Ciudad es de Goma [Gabriel Celaya, Manolo Díaz]

5 - El Niño ha Muerto [Anónimo, Manolo Díaz]

 A  #02 - Segundo Jinete, La Guerra - 07:20 min.

1 - La Guerra [José Antonio Muñoz, Manolo Díaz]

2 - La Guerra que Vendrá [B. Brecht, Manolo Díaz]

3 - Cuando mi Hijo Nació [Nazim Hikmet, Manolo Díaz]

Cara B

B #03 - Tercer Jinete, La Muerte - 08:20 min.

1 - La Muerte [José Antonio Muñoz, Manolo Díaz]

2 - Me Queda la Palabra [Blas de Otero, Manolo Díaz]

3 - No Nos Dejan Cantar[Nazim Hikmet, Manolo Díaz]

B  #04 - Cuarto Jinete, La Peste - 07:05 min.

1 - La Peste [José Antonio Muñoz, Manolo Díaz]

2 - La Niña de Hiroshima [Nazim Hikmet, Manolo Díaz]

3 - Masa [Cesar Vallejo, Pepe Nieto]

4 - Himno [Manolo Díaz]

4 Ciclos, 15 temas - Tiempo Total: 00:32:16

VinyloRipeao por: Napi#10

Anexo Podcasts

Concierto Segovia 2011

http://www.rtve.es/alacarta/audios/discopolis/discopolis-7700-aguaviva-concierto-folk-segovia-2011-08-07-11/1149260/

José Miguel López. Discópolis 7700  08 jul 2011

Aguaviva: concierto de Folk Segovia

   Hay grupos seminales en la historia de la música popular española. Aguaviva es uno de ellos. Se fundaron en 1969 y duraron una década, pero ¡que década!. Editaron siete discos elepés y tuvieron hasta treinta componentes. Su lenguaje consistió en cantar poetas españoles contemporáneos con musicalizaciones muy creativas. El grupo surgió del feliz encuentro de Jose Antonio Muñoz (más tarde fue mi jefe cuando entré en RNE en 1977) y Manolo Díaz. El primero pertenecía al mundo del teatro, el segundo era cantante-protesta. Su estética musical era mucho más progresista que la que entonces encarnaban Nuestro Pequeño Mundo o el Nuevo Mester de Juglaría. No venían del grupo de Caravana Musical de Ángel Álvarez como los primeros, ni tenían ganas de hacer folclore como los segundos. Se distanciaban de Paco Ibáñez u otros cantautores que musicalizaban poemas porque tenían un componente teatral diferenciador. El primer disco lo editaron en el sello independiente español Acción tan próximo a Radio Madrid que tenía la sede social en la Calle Gran Vía 32 de Madrid, sede de la entonces SER. Manolo Diaz hizo sus primeros pinitos como gestor en la industria de la música justamente allí. Luego llegaría a la cima como director general de CBS (Sony), Universal, Emi... Es un hombre íntegro que como buen asturiano siempre confió en los amigos y trató de que la industria trabajara para él y no viceversa. Suyo es, por ejemplo, el disco Poetas en Nueva York entre tantas cosas mas. Manolo Díaz y Jose Antonio Muñoz lanzaron Aguaviva internacionalmente (San Remo, Venecia, Lisboa, Zagreb, USA....) ya que aquí la censura no les dejó muchas oportunidades. A partir de 1975 Pepe Egea asumiría la dirección musical. Folk Segovia 2011 les ha resucitado, no a Jose Antonio Muñoz que falleció en 1993, pero sí al grupo y sus canciones. El concierto tuvo lugar el domingo 3 de julio terminando la edición de este año. ¡Es fantástico! Si queréis toda la información del grupo visitad www.aguaviva.tk. Allí se indica que en julio de 1972 estuvieron en el Parque de Atracciones de Madrid con un "happening". Yo estaba allí. He invitado al grupo a que vengan un día al programa. Cuando lo hagan compartimos todos la anécdota que es de armas tomar: la censura solo les permitió cantar una única canción. ¿Cómo se las maravillaron? ¿Qué hicimos nosotros jóvenes radicales de la época?. Síguenos en Twitter @discopolis3

 "Discópolis 7700 - Aguaviva: concierto Folk Segovia 2011 - 08/07/11"

Podcast Entrevista Aguaviva

http://www.rtve.es/alacarta/audios/discopolis/discopolis-7702-aguaviva-12-07-11/1151913/

José Miguel López. Discópolis 7702 -12 jul 2011

   Ya os he contado lo importante que es el grupo Aguaviva en la historia de la música popular española. Hoy concretamos una entrevista para conocer sus opiniones en primera persona. Vienen tres componentes del grupo a la entrevista: Carmen Sarabia, Jose Luis Heras y Juan Carlos Ramírez. Los chicos son del equipo inicial. Jose Luis conoció a Manolo Díaz haciendo las milicias universitarias en 1968. Juan Carlos conocía a Jose Antonio Muñoz de andanzas universitarias meses antes. Ambos estuvieron con Aguaviva una par de temporadas y luego se dedicaron a otras cosas para poder vivir. Ramírez es uno de los técnicos de sonido españoles mas reputados. Trabajó en los Estudios Celaya y en Kirios y tiene su propia empresa. Carmen es la componente mas longeva. Estuvo desde el principio hasta 1980 cuando se disolvieron. Ha sido compañera en TVE y está prejubilada desde hace mas de un lustro. Como os podéis imaginar las anécdotas fluyen, pero lo importante es que nos documentan en primera persona sus inicios, evolución y significado del grupo. Un placer histórico ameno, desenfadado y riguroso. Jose Luis estaba dudoso al iniciar la entrevista de poder estar sentado toda la hora. A los 40 minutos de programa comentó fuera de micro "qué pronto se pasa el tiempo, esto se va a acabar" y todavía quedaban veinte minutos.

No hay duda que estaba a gusto. Nosotros también.

Síguenos en Twitter @discopolis3

José Miguel López. Discópolis 7702 - Entrevista Aguaviva - 12/07/11

Fuentes:

http://aguaviva.myartsonline.com/

http://www.zafara.com/aguaviva/entrada/index.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Aguaviva_(banda)

http://lafonoteca.net/grupos/aguaviva

http://www.rtve.es/alacarta/audios/discopolis/discopolis-7700-aguaviva-concierto-folk-segovia-2011-08-07-11/1149260/

http://www.rtve.es/alacarta/audios/discopolis/discopolis-7702-aguaviva-12-07-11/1151913/

Cielo y Dedo Original de 2019: Aguaviva. Dos En Uno Cada Vez Más Cerca 1970 + Apocalipsis 1971

https://elcieloyeldedo.blogspot.com/2019/02/aguaviva-cada-vez-mas-cerca-1970.html

CercaDelApocalipsis

https://1fichier.com/?4h44jfo6i224woyfp0mk

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Glen Velez. Internal Combustion, 1985

Glen Velez - 1985 - Internal Combustion

Disco grabado en mayo de 1985 en The Studio Zee Ztudio, en Zerkall por Walter Quintus, grabación digital producida por Kurt Renker y Mark Nauseef con diseño de portada de de Ulf von Kanitz. Fotografía de Glen Velez por Layne Redmond. Notas de contraportada, Glen Velez.

   Un agradecimiento especial a Remo Belli y Tom Minor de Remo Drum Co. por hacer que el Bodhran se use en esta grabación.

Layne Redmond, panderos (tambores de marco) y voz

Glen Velez, panderos (tambores de marco) [y voz en "Internal Combustion" y "Bendir"]

Panderos utilizados en la grabación:

Adufe, Bendir, Bodhrán, Doira, Duff, Gaval

Autor de todos los temas, Glen Velez.

Listado:

 01 - Pyramid - 05:56 min.

Doira y Adufe, Glen Velez

 02 - Bendir - 15:12 min.

Batería, Gaval, Bendir y Voz – Layne Redmond

Bendir, Voz Entonada (cante de garganta) – Glen Velez

 03 - Rain - 09:33 min.

Duff – Glen Velez

 04 - Internal Combustion - 16:17 min.

Gaval, Bendir y Voz – Layne Redmond

Bendir  – Glen Velez

 05 - Bodhran - 06:39 min.

Bodhrán, Voz – Glen Velez

5 Temas. Tiempo Total: 00:53:37

flac @ 656 - 277.06 MB

Rip & Post By IntoTheRhythm

|Date: 15 Dec 2009 10:50:56|

Notas de contraportada, 

por Glen Velez

Pyramid

pieza para Doira y Adufe

   Doira, pandereta afgana con cabeza de piel de ciervo y anillos metálicos adheridos al interior de la concha, un tambor con una cabeza de piel de becerro sintonizable de 20". Adufe, tambor de marco cuadrado del norte de España, de dos cabezas con cascabeles de perdigones en el interior. Una invocación de los tres elementos Tierra, Agua, Fuego.

Bendir

para dos Bendires y voz, con Layne Redmond

   El Bendir es un pandero norteafricano con trampas y parche de piel de cabra. La música de Hamza el-Din, el maravilloso músico nubio, inspiró esta pieza. El uso del canto armónico es una parte importante de esta pieza y sirve para establecer un marco de tiempo dual, entre un movimiento rápido de la batería y el otro, el del sentimiento fuera de tiempo del canto.

Rain

para Duff

   Para pandereta de Oriente Medio con cabeza de piel de pescado y cinco juegos de cascabeles de disco. Improvisación en ciclo rítmico de 12, subdividido 5-4-3, utilizando tres de los estilos de ejecución árabes para este instrumento.

Internal Combustion

para dos panderos, con Layne Redmond

   Al incorporar las dos cualidades de fuerza y  flexibilidad, esta pieza proporciona un formato cómodo para la improvisación mientras mantiene una fuerte lógica interna.

Bodhran

para Bodhran y voz

   El Bodhran es un tambor de marco irlandés, en este caso uno especialmente grande, de 23" de diámetro con una cabeza de plástico. Al explorar los movimientos de las manos de las tres ciudades exóticas de El Cairo, Madrás y Nueva York, espero limpiar la atmósfera un poquito.

   La inspiración para todas estas piezas proviene de mi participación y atracción por la familia de instrumentos conocidos como “panderos” (o tambores de marco). Nuestro moderno tambounne occidental es un miembro de esta familia, pero el grupo completo incluye todos los tambores cuyo diámetro de cabeza es igual o mayor que la profundidad de la caja.

   La simplicidad de construcción, de este tipo de tambores, junto con su claridad de voz, me proporciona una fuente inagotable de sonido y movimiento.

Glen Vélez

CdUniverse.Com

http://www.cduniverse.com/search/xx/music/pid/5868822/a/Internal+Combustion.htm

   Glen Velez es un maestro percusionista que lleva el arte de los panderos en direcciones previamente inimaginables. Ha tocado en conjuntos con el legendario compositor Steve Reich e incluso ha tenido una pieza escrita para él por John Cage. Internal Combustion es el segundo álbum en solitario de Vélez y reúne tambores del norte de España, Afganistán, Marruecos e Irlanda. Los ritmos de percusión crean un staccato hipnótico en pistas largas como "Pyramid" y "Bodhran". Especialmente sorprendente es la capacidad de Vélez para doblar el sonido del tambor mucho después de su golpe inicial. La claridad precisa y los intrincados movimientos de los dedos atraerán a los aficionados al techno. Aphex Twin ha defendido durante mucho tiempo esta grabación. Vélez es también un consumado cantante de garganta (throat singer) 

https://en.wikipedia.org/wiki/Throat_singing,  mostrando este talento en "Bendir".

  Este disco es una muestra de batería en su forma más inspirada y extática, lo que hace de este álbum una verdadera grabación histórica.

Algunos tipos de panderos  (Tambores de Marco)

https://en.wikipedia.org/wiki/Frame_drum

   Adufe (Portugal) Bendir (North Africa, Turkey) Bodhrán (Ireland)  Buben (Russia) Crowdy-crawn (Cornwall) Daf (Iran, Kurdistan, Azerbaijan, Turkey, Middle East) Daires (Greece) Duff, daff, daffli (India) Epirotiko Defi (Greece) Dayereh (Iran, Central Asia, Balkans) Dob (Hungary) Doyra (Uzbekistan) Dhyāngro (Nepal) Ghaval (Azerbaijan) Gumbe (Sierra Leone, Caribbean) Kanjira (India) Kaval (Armenia) Lag-na (Tibet) Mazhar (Egypt) Pandeiro (Brazil) Pandereta plenera (Puerto Rico) Pandereta (tuna, rondalla, estudiantina - Spain, Philippines and Latin America) Pandero cuequero (Chile) Pandero jarocho (Mexico)Parai (India, Sri Lanka) Patayani thappu (India) Ramana (Thailand) Rapa'i (Aceh, Indonesia) Ravann (Mauritius) Rebana (Southeast Asia) Riddle drum (England) Riq (Arabic world) Sámi drum (Nordic and Russia) Sakara drum (Nigeria)  Shaman's drum Tamborim (Brazil) Tambourine (Europe, USA) Tamboutsia (Cyprus) Tamburello (Italy) see tambourine Tammorra (Italy) Tar (Middle East, North Africa) Thappu (India) Timbrel Toph, Tupim (Israel) Uchiwa daiko (Japan) Yike (Cambodia)

QueMeQuemo

https://1fichier.com/?euicicx5ep89h1ccz3vm

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Gong Love From The Planet Gong.Cd 6 y 7, Paris Bataclan Live 1973

Gong. Love From The Planet Gong: The Virgin Years 1973-1975

BoxSet Especial 50 Aniversario

12 Cds + 1 DVD. Sonido Surround. Remasterizado

lanzado el 27 de septiembre de 2019

CD 1  Flying Teapot

CD 2  Angel’s Egg

CD 3  You

CD 4  Shamal

CD 5  BBC Radio 1 Sessions And Edinburgh Live

CD 6  Paris Bataclan Live, 20th May 1973, Pt.1

CD 7  Paris Bataclan Live, 20th May 1973, Pt.2

CD 8  Roanne – Club Arc En Ciel Live, 17th Aug 1973, Pt.1

CD 9  Roanne – Club Arc En Ciel Live, 17th Aug 1973, Pt.2

CD 10  London – Hyde Park Live, 28th June 1974

CD 11  London – The Marquee Club Live, 9th & 10th Sept 1975, Pt.1

CD 12  London – The Marquee Club Live, 9th & 10th Sept 1975, Pt.2

13 (DVD)  You Quad Surround Sound

Reseña

Gong / Love From The Planet Gong: The Virgin Years 1973-1975 / 13-disc box

https://superdeluxeedition.com/news/gong-love-from-planet-gong-the-virgin-years-1973-1975-13-disc-box/

de Paul Sinclair, News 27 Aug 2019

   Cocinada por Steve Hillage y lanzada con la participación total de los miembros originales, los legendarios surrealistas psicodélicos Gong son el tema de una nueva caja en el lanzamiento de Love From Planet Gong: The Virgin Years 1973-75.

   Este paquete de 13 discos incluye los primeros cuatro álbumes de estudio en Virgin de la banda, con bonus tracks; conciertos completos con múltiples pistas inéditas, las sesiones completas de John Peel de 1973 y 1974; mezclas de Quad Pye y Westlake inéditas de You, de 1974 reformateadas a sonido envolvente 5.1, con los diseños artísticos de los discos que incluyen obras y trabajos raros del difunto Daevid Allen,  nunca antes vistos.

   El audio está remasterizado por el ingeniero original, Simon Heyworth, y las grabaciones en vivo están mezcladas por el bajista de Gong, Mike Howlett. El set viene con un libreto ilustrado de 64 páginas, que incluye las letras de las canciones y el famoso e informativo 'Libro Azul' de Angel's Egg con un nuevo compañero, el 'Libro Verde' de Flying Teapot.

Paul Sinclair

https://superdeluxeedition.com/news/gong-love-from-planet-gong-the-virgin-years-1973-1975-13-disc-box/

SuperDeluxeEdition.com

Gong. Love From The Planet Gong CD 6 Pt.1. CD 7 Pt.2

Paris Bataclan Live, 20th May 1973

Gong ¬ Bataclan Live, Paris 1973

Editado en 1990. Reed 2019

18 Temas ¬ Tiempo Total 01:52:22

Comentarios

 Grabado en directo en la sala Le Bataclan de Paris, Mayo de 1973

Mezclado por Venux Deluxe

Título del disco en el lomo: Live in Paris - Bataclan 73

Disco para la venta Exclusiva en el Store Day 2019.

Edición Limitada a 2500 copias.

Doble LP en rosa y verde, portada desplegable.

Intérpretes

Bajo, Mike Howlett

Batería, Pierre Moerlen

Guitarra, Steve Hillage

Guitarra y Voz solista, Daevid Allen

Saxo, Flauta, Didier (Bloom-Dido) Malherbe

Sintetizadores, Tim Blake

Voz y Susurro Espacial, Gilli Smyth

Portada, Daevid Allen

 

Listado de Temas:

Cd 1

#101 a  #104, descritos como 'Por primera vez en CD oficial'

101 - Other Side Of The Sky ¬ 11:34 min.

Composición de Daevid Allen, Tim Blake

102 - Dynamite + I Am Your Animal ¬ 05:57 min.

Composición de Gilli Smyth, Christian Tritsch

103 - 6X8 Tune ¬ 02:11 min.

Composición de C.O.I.T.

104 - I Never Glid Before ¬ 06:47 min.

Composición de Steve Hillage

105 - Zero The Hero And The Witch's Spell   (publicado anteriormente) ¬ 12:55 min.

Composición de Daevid Allen, Submarine Captain Christian Tritsch

106  a  #110, descritos como 'Por primera vez en CD oficial'

106 - Ooby Scooby Doomsday Or The D Day DJ's Got The D.D.T. Blues ¬ 05:42 min.

Composición de Daevid Allen

107 - Est-ce Que Je Suis? ¬ 05:18 min.

Composición de Daevid Allen

108 - I've Bin Stone Before ¬ 04:46 min.

Composición de Daevid Allen

109 - Mr Longshanks + Oh Mother ¬ 02:30 min.

Composición de Daevid Allen

110 - I Am Your Fantasy ¬ 04:51 min. 

Composición de Gilli Smyth, Submarine Captain Christian Tritsch

111 - You Can't Kill Me    (publicado anteriormente) ¬ 07:22 min.

Composición de  Daevid Allen, sin acreditar

Cd 2

#201 a  #207 Descritos como 'Por primera vez en CD oficial'

201 - Flute Salad ¬ 05:20 min.

Composición de Didier Malherbe

202 - Oily Way ¬ 05:06 min.

Composición de Daevid Allen, Didier Malherbe

203 - Outer Temple ¬ 00:21 min.

Composición de Tim Blake, Steve Hillage

204 - Flying Teapot ¬ 06:36 min.

Composición de Daevid Allen. Francis Moze

205 - Fohat Jam + Dynamite Reprise ¬ 10:10 min.

Composición de Gilli Smyth, Christian Tritsch

206 - You Can't Kill Me (Reprise) ¬ 04:01 min.

Composición de  D. Allen sin acreditar

207 - I Never Glid Before (Reprise) ¬ 10:55 min.

Composición de Steve Hillage

18 Temas. Tiempo Total 01:52:22

flac ¬ 758 ¬ 739,28 MB

¡Disfrútalo!

Reseñas

AllMusic Review

Live in Paris at Bataclan, 1973

https://www.allmusic.com/album/live-in-paris-at-bataclan-1973-mw0000885253

by David Ross Smith

  Se grabó en mayo en la Salle Bataclan de París. La grabación (también conocida como Live in Paris) consta principalmente de composiciones del Camembert Electrique (1971) y The Flying Teapot (1973), este último recién lanzado en el momento de la actuación de Bataclan. 

   El rock progresivo espacial y con jazz de Gong está en buena forma aquí. Blake, Hillage, Howlett y Moerlen acababan de unir fuerzas con Allen, Smyth y Malherbe unos meses antes, pero su actuación en Bataclan suena bien aceitada, como si fueran compañeros de banda desde mucho tiempo atrás. Y esta alineación es, de hecho, una de las mejores cualificadas en la historia de Gong, con cada nuevo miembro colocando rápidamente su huella distintiva en la música.

   En Bataclan, las canciones están llenas del característico "susurro espacial" de Smyth, del sintetizador atmosférico y el trabajo de guitarra de Blake y Hillage, del saxo y la flauta de vanguardia de Malherbe, y la percusión fluida del JazzRock de Moerlen. Es digna de mención la entrega suave, aunque fuerte, de Smyth (bastante diferente a ella) y la actuación cálida y relajada de Moerlen. "You Can't Kill Me" cuenta como jazz-rock psicodélico supercargado (era un elemento básico en el repertorio en vivo de Gong) "Flute Salad" presenta el alegre solo de flauta de Malherbe .

 

   Lo más destacado de Bataclan es el ingenioso solo de batería de cuatro minutos de Moerlen durante "Flying Teapot", composición que exhibe cierta influencia de King Crimson. El trabajo de Moerlen aquí es a la vez abrasador y fluido, en su solo, presenta las etapas iniciales de lo que más tarde se convertiría en "Percolations I y II", su larga exhibición de batería en Gazeuse! (1976).

Bataclan Live parte 1

https://1fichier.com/?s8bta96tn9xc6w9qik9a

Bataclan Live parte 2

https://1fichier.com/?4iqfd4q1euzwuihmykok

Bataclan Live parte 3

https://1fichier.com/?8r7dzntg5zfe9zs2lqwi

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Paul Winter Consort. Road, 1970

Grabado en 1969, y en Conciertos de 1970 en

Royce Hall, U.C.L.A . CA; Kilbourn Hall, Escuela de Música Eastman,

en Rochester, Nueva York, y en Whisky A Go Go, de Hollywood.

Grabación remota: Wally Heider, Fedco.

Lanzado originalmente en 1969 como A&M SP 4279

Ingenieros de sonido, Dave Greene, Phil Ramone

Ingeniero de sonido del Consort, Bobby Greene

 CD diseñado por, Rudy Van Gelder

Fotografía de Slick Lawson

Productor, Phil Ramone

Master digital en Van Gelder Recording Studio, en Noviembre de 1988.

Productor de la reedición digital John Snyder

Dirección artística, Tom Wilkes

Diseño gráfico, Abe Gurvin

Caligrafía, Barbara Vosse

   Los astronautas del Apolo 15 se llevaron el álbum "Road", del Consort, a la luna y nombraron dos cráteres como "Ghost Beads" e "Icarus" por las respectivas canciones.

Intérpretes:

Bajo - Glen Moore

Violonchelo - David Darling

Guitarra clásica, Guitarra de doce cuerdas - Ralph Towner

Oboe, corno inglés - Paul McCandless

Saxofón - Paul Winter

Tabla, Congas, Surdo, Tambores, Pandereta - Collin Walcott

Listado

 01 - Icarus     -     04:26 min.

Composición de Ralph Towner

 02 - Fantasy, Fugue, and Ghost Beads     -     06:53 min.

2.1 Fantasy

Canción Tradicional Mudarra. Arreglos de Ralph Towner

2.2 Fugue

Composición de J. S. Bach, Arreglos de Winter, McCandless

2.3 Ghost Beads

Composición de Ralph Towner

 03 - Um Abrace     -     04:20 min.

Composición de Ralph Towner

 04 - Ave Maria Stella + Andromeda     -     08:16 min.

4.1 Ave Maria Stella

Composición de Dufay. Arreglos de Winter, McCandless

4.2 Andromeda

Composición de Winter

 05 - General Pudson's Entrance     -     05:49 min.

Composición de Ralph Towner

 06 - Come to Your Senses     -     06:40 min.

Composición de Walcott, Darling, Moore, McCandless, Winter, Towner

 07 - Requiem     -     07:29 min.

Composición de Darling

 08 - Africanus Brasileiras     -     06:38 min.

8.1 Kalagala Ebwembe

Composición Tradicional Amadinda Ugandesa

Arreglos de Winter

8.2 Aza Branca

Música de Luis Gonzaga

Letra en inglés, Louis Oliveira

Letra en portugués, Humberto Teixeira

8 Temas - Tiempo Total: 00:50:31

flac @ 795 - 262.51 MB

Sello: A&M Records – CD 0826 / US 1989

Serie: A&M Records Jazz Series

Formato: CD, Album, Reissue, Remastered

Género: Jazz, Folk, World, & Country

Estilo: Space-Age, Fusion, Contemporary Jazz

Road Review

https://www.allmusic.com/album/road-mw0000893679

-- Scott Yanow, All Music Guide

    Paul Winter, un pionero en tocar world music y lo que después se convertiría en  new age, está un poco subestimado como buscador de talentos. Esta versión de su Winter Consort consta del violonchelista David Darling (futura estrella de ECM) y cuatro músicos que pronto se separarían para formar Oregon: el guitarrista Ralph Towner, Paul McCandless, escuchado aquí en oboe y corno inglés, el bajista Glen Moore y Colin Walcott en tabla y percusión; con lo que podría decirse que fue su mejor grupo quienes están en este Cd, ahora reedición, del Consort, Paul Winter toma algunos buenos lugares con su alto y soprano, liderando los coloridos conjuntos orientados hacia el folk. Es una lástima que no pudiera mantener esta banda unida por más tiempo.

Reviews on Amazon:

http://www.amazon.com/Road-Paul-Winter-Consort/dp/B00008EO1I

La Huerta de Fulcano

https://ixarano.blogspot.com/2014/02/the-winter-consort-road-1970.html

Publicado por Fulca, sábado, 8 de febrero de 2014, 10:00

   A inicios de los 60's, Paul Winter configuró su Paul Winter Sextet, junto al pianista de jazz Warren Bernhardt, sacando algunos discos donde se mezclan la música brasileña y el jazz de forma muy elegante. A finales de 1967, Paul Winter formaría su Consort, desarrollando sus recreaciones musicales con variedad de  instrumentos étnicos y modos alejados de la cultura occidental. Es decir, fueron uno de los grupos pioneros de la posteriormente llamada "WorldMusic", con varios pies también en el amplio campo del JazzFussion, y sin que fuesen ajenos a muchos de los elementos estéticos de las corrientes más avanzadas de los años 70's, que de vez en cuando integraban en sus álbumes.

   Tras sus primeros "The Winter Consort" (1968) y "Something in the wind" (1969), sería en el tercero, "Road" (1970), donde se perfilaría una de las formaciones más importantes dentro de este campo musical de fusión WorldMusic, Oregon, ya que Towner, Walcott, McCandless y Moore, junto a Winter y Darling, fueron los músicos que formaron el Consort en "Road". En su siguiente publicación, "Icarus" (1971), Herb Bushler sustituyó a Moore, y un montón de artistas provenientes del jazz aportarían su granito de arena.

Camino

https://1fichier.com/?bzqxd1as9ndx3fy8i602

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Terence Blanchard with The E-collective & Turtle Island Quartet. Absence, 2021

Terence Blanchard with The E-collective & Turtle Island Quartet. Absence

Publicado en Blue Note el 27 de Agosto de 2021

12 Temas ¬ Tiempo Total 01:04:56

@ 707 ¬ 347,56 MB

“Jazz es luchar. La palabra "jazz" significa para mí un

"te reto ¡saltemos a lo desconocido!"

Wayne Shorter

TerenceBlanchard.Com

http://www.terenceblanchard.com/epk/

David Kunian, Downbeat

   “Terence Blanchard siempre ha tenido visión de futuro, pero con E-Collective dispara directamente al mañana añadiendo todo tipo de diferentes tipos de electricidad y actitud a un nuevo conjunto de melodías. El concepto continúa  ahora mismo: con un toque y sonido más modernos, hasta con voz y todo, pero sigue siendo el tono único, duro aunque tierno, atemporal pero vital, que marca a la trompeta de Terence como uno de los verdaderos grandes y clásicos del jazz.

Producido por Terence Blanchard y Robin Burgess.

Fotografías de Mr. Blanchard, por Katie Sikora

Formación

Terence Blanchard, trompeta

Con

The E-collective:

Fabián Almazan, piano.

Charles Altura, guitarra.

Oscar Seaton, batería

Y

Turtle Island Quartet:

David Balakrishnan, violín y violín barítono

Benjamin von Gutzeit, viola

Malcolm Parson, violonchelo

Gabriel Terracciano, violín

Listado

01 - Absence ¬ 06:55 min.

Composición de David Theodore Ginyard, Jr.

02 - The Elders ¬ 06:03 min.

Composición de Wayne Shorter

03 - Fall ¬ 05:38 min.

Composición de Wayne Shorter

04 - I Dare You (Intro) ¬ 01:36 min.

Composición de Terence Blanchard

05 - I Dare You ¬ 07:47 min.

Composición de Terence Blanchard

06 - Envisioned Reflections (Intro) ¬ 01:32 min.

Composición de David Theodore Ginyard, Jr.

07 - Envisioned Reflections ¬ 02:36 min.

Composición de David Theodore Ginyard, Jr.

08 - The Second Wave ¬ 10:44 min.

Composición de David Balakrishnan

09 - When It Was Now ¬ 05:22 min.

Composición de Wayne Shorter

10 - Dark Horse ¬ 07:17 min.

Composición de Charles Altura

11 - Diana ¬ 07:06 min.

Composición de Wayne Shorter

12 - More Elders ¬ 02:20 min.

Composición de Wayne Shorter

12 Temas. Tiempo Total 01:04:56

flac ¬ 707 ¬ 347,56 MB

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Reseñas

Terence Blanchard “Absence”

https://www.newyorker.com/goings-on-about-town/night-life/terence-blanchard-absence

by Steve Futterman

NewYorker.Com / Night Life

   El saxofonista Wayne Shorter es considerado una deidad del jazz moderno, una luz guía para generaciones de músicos. Su brillo es solo un tono menos radiante que, digamos, el de John Coltrane u Ornette Coleman. Con "Absence", el trompetista Terence Blanchard rinde homenaje al influyente compositor octogenario en un proyecto que reconsidera un puñado de obras de Shorter (incluidas las emblemáticas "Fall" y "Diana") junto con originales dedicados al icónico patriarca.

   Empleando su unidad E-Collective enchufada, con amplias contribuciones del Turtle Island Quartet, y despojándose de cualquier instrumento de viento adicional, Blanchard evita deliberadas insinuaciones estilísticas del propio trabajo clásico de Shorter, o de sus colaboraciones con Miles Davis y Weather Report. a favor de un paisaje sonoro exuberante y dramático que recuerda la carrera de Blanchard como compositor cinematográfico de éxito. Un proyecto directo como “Ausence” rinde homenaje al Shorter incondicionalmente emprendedor que siguió su propio camino.

Terence Blanchard E-Collective

   Desde que el jazz de primer nivel y el trompetista y compositor ganador de varios premios Grammy, Terence Blanchard, se embarcó en su carrera como solista con su álbum homónimo de Columbia Records en 1991, el artista nacido y radicado en Nueva Orleans ha recorrido muchos caminos musicalmente, incluyendo la entrega de jazz acústico aventurero y provocativo. salidas de material original, componiendo más de 50 bandas sonoras e incluso, en 2013, debutando Champion: An Opera in Jazz. También, en el espíritu de su membresía anterior en la escuela de jazz de Jazz Messengers de Art Blakey, ha sido mentor de varios músicos en sus bandas que han pasado a tener importantes carreras de grabación propias, como Lionel Loueke, Aaron Parks, Kendrick Scott y uno. de los miembros de su banda actual Fabian Almazan. Como líder y co-líder (significativamente cuatro álbumes al principio de su carrera con el también artista de Crescent City, el saxofonista Donald Harrison), Blanchard ha grabado más de 30 álbumes que a menudo desafiaban géneros, pero aún así fueron aclamados por la crítica.

 Pero para su último álbum de Blue Note Records, Breathless, Blanchard viaja poderosa y juguetonamente a otro reino del jazz con su nuevo quinteto, The E-Collective, una zona emocionante de fusión estriada repleta de colores funk, R&B y blues.

   Producida por el trompetista, su manager Robin Burgess y la producción ejecutiva del presidente de Blue Note, Don Was, la aventurera grabación de 13 melodías se centra en varios originales de Blanchard, una pieza épica de Almazan y una variedad de versiones, cantadas por calmantes y conmovedoras. el vocalista PJ Morton (miembro de la banda Maroon 5), que incluye una emocionante versión del estándar moderno "Compared to What", que Les McCann y Eddie Harris hicieron famoso, y la versión lírica y con vibraciones del alma de "I Ain't Got Nothin 'But Time ”escrito por Hank Williams. Además, Morton canta la convincente canción de estilo pop, "Shutting Down", escrita por el talentoso hijo de Blanchard, T. Oliver Blanchard Jr., también conocido como JRei Oliver, quien también contribuye con extractos hablados de otros.

   Es una primera incursión en el grooveland puro para Blanchard, y está encantado con la fiesta llena de bailes que él y su quinteto (e invitados) han preparado. "Breathless es el álbum que he querido hacer durante bastante tiempo", dice. “Al crecer, escuchaba Head Hunters y Weather Report, lo que tuvo un gran efecto en mí. Siempre escuché música basada en groove: Jimi Hendrix, Parliament Funkadelic y luego escuché a Prince y D’Angelo y luego lo que estaba haciendo [el trompetista de jazz] Russell Gunn. Pero hasta este momento, nunca lo había explorado”.

The E-Collective

  Fabián Almazan encontró sus raíces musicales cuando era niño en su tierra natal de La Habana, donde se involucró por primera vez con el piano clásico.

   En 2009, recibió su maestría en Manhattan School of Music, donde estudió con Jason Moran. Desde 2012, este pianista y compositor ha realizado numerosas giras con Terence Blanchard. El segundo álbum de Fabian, Rhizome, fue lanzado en Blue Note en 2014.

   Charles Altura es un joven guitarrista inusualmente dotado con un enfoque sensible en la guitarra. 

   Nativo de California ha estado de gira con Chick Corea & the Vigil desde 2012, y aparece en el álbum Vigil. A Altura también se le puede escuchar en el último álbum de Ambrose Akinmusire, “The Imagined Savior Is Far Easier To Paint”.

   Oscar Seaton consiguió su primera oportunidad importante tocando con Ramsey Lewis en 1996.

  Desde Lewis, Oscar ha tocado, grabado y realizado giras con artistas como Grover Washington Jr., David Sanborn, Joe Sample, Kirk Whalum, Phil Upchurch, Yolanda Adams, George Benson, Lionel Richie y Mike Post, por nombrar algunos. La impecable sincronización de Oscar le ha valido el nombre de "Seatpocket".

Turtle Island Quartet

Malcolm Parson, David Balakrishnan

Benjamin von Gutzeit, Gabriel Terracciano

Photo By Ceheaney - Own work, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=73706983

Ausencia

https://1fichier.com/?y0qympv8y9eetzpmk6rx

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Maria Schneider. The Thompson Fields

Publicado el 22 de junio de 2015

Grabado en Avatar Studios, Room C, Nueva York,

entre el 26 y el 30 de Agosto de 2014

Grabado y mezclado por Brian Montgomery

Asistente de grabación, Thom Beemer, Tyler Hartman

Máster de Gene Paul en G&J Audio

Productor, mezclado por, Maria Schneider, Ryan Truesdell

Diseño Cheri Dorr

Fotografía de Briene Lermitte

"A Potter's Song" está dedicado a la memoria de Laurie Frink, una trompetista que había actuado en todos los álbumes anteriores de la Maria Schneider Orchestra

Intérpretes

Acordeón - Gary Versace

Saxo alto y sopranino, clarinete, flauta y flauta alto - Steve Wilson

Saxo alto y  sopranino, clarinete, flauta, flauta alto, bajo y piccolo - Dave Pietro

Saxo barítono, clarinete, clarinete bajo y alto - Scott Robinson

Bajo - Jay Anderson

Trombón bajo - George Flynn

Batería - Clarence Penn

Guitarra - Lage Lund

Percusión - Rogerio Boccato (pista 8)

Piano - Frank Kimbrough

Saxofón tenor - Rich Perry

Saxofón tenor, clarinete, flauta - Donny McCaslin

Trombón: Keith O'Quinn, Marshall Gilkes, Ryan Keberle

Trompeta, fliscorno - Augie Haas, Greg Gisbert, Mike Rodriguez, Tony Kadleck

Composición y dirección de Maria Schneider

Listado

 01 - Walking By Flashlight - 05:01 min.

Solista Clarinete Alto, Scott Robinson

 02 - The Monarch And The Milkweed - 12:08 min.

Solista Fliscorno, Greg Gisbert

Solista,Trombón, Marshall Gilkes

 03 - Arbiters Of Evolution - 14:00 min.

Solista saxo barítono - Scott Robinson

Solista saxo - Donny McCaslin

 04 - The Thompson Fields - 10:00 min.

Solista Guitarra - Lage Lund

Solista piano - Frank Kimbrough

 05 - Home - 07:46 min.

Solista Saxo Tenor – Rich Perry

 06 - Nimbus - 09:30 min.

Solista Saxo Alto – Steve Wilson

 07 - A Potter's Song - 05:29 min.

Solista Acordeón – Gary Versace

 08 - Lembrança - 13:30 min.

Solista bajo - Jay Anderson

Solista Trombón - Ryan Keberle

Percusión - Rogerio Boccato

8 Temas - Tiempo Total: 01:17:24

flac @ 634 - 395.98 MB

El Cielo Y El Dedo

http://ElCieloYElDedo.blogspot.com/

Reseñas

Sello Artist Share AS0137 / US 2015

Formato CD, Album

Género Jazz. Estilo Contemporary Jazz, Big Band

Maria Lynn Schneider

Ocupación Compositora, directora de orquesta, música

Instrumentos Piano

Géneros Jazz, big band, vanguardia, clásica contemporánea

Años de actividad, 1980-presente

Sitio web www.mariaschneider.com

https://en.wikipedia.org/wiki/Maria_Schneider_(musician)

   Nacida el 27 de noviembre de 1960 en Windom, Minnesota, EE. UU., Maria Lynn Schneider es una compositora estadounidense y directora de orquesta de jazz que ha ganado varios premios Grammy.

   Estudió teoría musical y composición en la Universidad de Minnesota, se graduó en 1983, luego obtuvo una maestría en Música en 1985 de la Eastman School of Music, estudiando también durante un año en la Universidad de Miami. Después de dejar Eastman, Gil Evans la contrató como su copista y asistente.

   Con Evans colaboró durante los siguientes años, trabajando con él en la música para una gira con Sting y ayudándolo a componer la música de la película The Color of Money. Antes de convertirse en una de las compositoras y líderes de banda más aclamadas de su generación, Schneider recibió una Beca de Aprendizaje NEA para estudiar con Bob Brookmeyer, en 1985.

   En 1988, formó su primera banda en colaboración con su entonces esposo, el trombonista de jazz John Fedchock, y ese grupo apareció en el Club Visiones, en  Greenwich Village. Tanto ese grupo como su matrimonio se disolverían, pero Schneider siguió en 1992 formando la Maria Schneider Jazz Orchestra, que aparecería semanalmente en Visiones desde 1993 hasta que el lugar cerró en 1998. Los álbumes del grupo han sido lanzados como Orquesta Maria Schneider desde 2000.

   De 2005 hasta 2019, la Orquesta Maria Schneider realizó un concierto anual de una semana de Acción de Gracias en el Jazz Standard de Nueva York City. La orquesta también se ha presentado en festivales de jazz y salas de conciertos en Europa, América del Sur y Asia. Schneider ha actuado con más de 80 grupos en más de 30 países y ha enseñado en universidades de todo el mundo. En 2013, recibió un doctorado honorario de la Universidad de Minnesota.

   Aunque tres de los álbumes de la orquesta habían sido nominados anteriormente, Concert in the Garden de Schneider (2004) fue el primero en ganar un premio Grammy. También fue el primer álbum galardonado producido por ArtistShare, una plataforma financiada por fans que, a partir de 2017, recibió 30 nominaciones y 10 premios Grammy.

   Además de sus trabajos orquestales de jazz, el álbum Winter Morning Walks (2013) de Schneider contó con la soprano Dawn Upshaw, las orquestas de cámara de Saint Paul y Australia, el bajista Jay Anderson, el pianista Frank Kimbrough y el multi instrumentista Scott Robinson. El álbum acompañó la poesía escrita por el laureado poeta estadounidense Ted Kooser y fue financiado por ArtistShare. Schneider ganó un premio Grammy a la mejor composición clásica contemporánea. Dawn Upshaw también ganó un Grammy por su interpretación vocal, mientras que el premio Grammy al mejor diseño de álbum premio clásico, fue para David Frost, Tim Martyn y Brian Losch.

Defensa de los músicos

   Schneider ha sido una firme defensora de los derechos de autor de los músicos. Ha testificado ante el Congreso y se le ha pedido que participe en varias mesas redondas realizadas por la Oficina de Copyright de los Estados Unidos. Schneider se ha manifestado abiertamente contra YouTube y los llamados modelos de transmisión "freemium". Ha publicado varias cartas abiertas y libros blancos sobre estos temas.

   Schneider ha sido miembro de la junta de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación para el capítulo local de Nueva York y ha estado involucrada en muchas de las iniciativas de defensa de NARAS, incluidos los Grammys on the Hill. En abril de 2014, en nombre de NARAS, Schneider testificó sobre la Sección 512 de la Sección 17 ante el Subcomité de Tribunales, Propiedad Intelectual e Internet de la Cámara de Representantes.

  La defensa de Schneider contra las empresas de big data y su impacto en la música, la cultura y la privacidad se refleja en algunas de sus composiciones de finales de la década de 2010, incluidas piezas tituladas "Data Lords", encargadas por la Biblioteca del Congreso de EE. UU. (2016) "No seas malvado" y "Sputnik". Varias de estas composiciones aparecieron en el álbum Data Lords de 2020.

   El 2 de julio de 2020, Maria Schneider presentó una demanda colectiva ante Pirate Monitor Ltd contra YouTube argumentando que los músicos más pequeños no pueden acceder al sistema de identificación de contenido de YouTube, lo que les permitiría publicar, monetizar o bloquear material infractor. Maria Schneider y Pirate Monitor Ltd reclaman contra YouTube que tanto a ellos como a los pequeños titulares de derechos de autor se les niega el acceso a Content ID y deben pasar por un proceso que requiere mucho tiempo para administrar ellos mismos sus derechos de autor. También argumenta que la falta de cancelación de la cuenta de Content ID como castigo alienta a los usuarios a continuar cargando contenido infractor. Además, YouTube no debería calificar para el puerto seguro de la DMCA, ya que tiene una política de infractores reincidentes de 3 advertencias por 90 días con contenido no cubierto por Content ID.  Pirate Monitor Ltd se retiró voluntariamente de la demanda colectiva el 8 de marzo de 2021, mientras Maria Schneider continúa con el caso.

The Thompson Fields - Briene Lermitte

The Thompson Fields

https://en.wikipedia.org/wiki/The_Thompson_Fields

es un álbum de la Orquesta Maria Schneider que ganó el premio Grammy Best Large Jazz Ensemble Album en 2017. Schneider fue la compositora, directora y coproductora de la obra, autobiográfica. El título proviene de la granja de Minnesota donde se crió.

   En la revista Stereo Review, el crítico de música Fred Kaplan calificó el álbum como una obra maestra y clasificó a Schneider con los compositores de big band Duke Ellington, Billy Strayhorn y Gil Evans, y agregó que trabajó como asistente de Evans y Bob Brookmeyer al principio de su carrera. El crítico Kevin Whitehead de NPR elogió el álbum, aunque dijo que la grandeza del álbum podría volverse "demasiado púrpura". En All About Jazz, Dan Bilawsky llamó al álbum "impresionante". Dijo que la cita de Theodore Roosevelt en las notas de contraportada encaja con gran parte de la música de Schneider: "No hay nada más práctico al final que la preservación de la belleza, que la preservación de cualquier cosa que atraiga las emociones superiores de la humanidad". En The New York Times, Nate Chinen escribió que está tomando prestados los métodos utilizados por Duke Ellington y Wynton Marsalis, pero que tiene su propia manera de "utilizar el timbre y la armonía para aportar una presencia táctil a las dimensiones del sonido". Chinen agregó que su orquesta planeaba interpretar esta composición pastoral en el club Birdland en la ciudad de Nueva York. Doug Ramsey de Arts Journal llamó a The Thompson Fields una suite debido a "su unidad de estilo y su estado de ánimo de reflexión".

   En el Reino Unido, Ivan Hewett de The Daily Telegraph comenta sobre la importancia de las notas de contraportada, las pinturas de aves de Audubon y de cómo la música imita la "calidad de ser enorme e íntimo" del paisaje de Minnesota. En The Guardian, John Fordham comentó que, aunque The Thompson Fields es reflexivo, también es swingueante.

   The Thompson Fields ganó el premio al mejor álbum de jazz del año en la encuesta de lectores de la revista Down Beat.

Maria Schneider: reseña de Thompson Fields

una suite de jazz alentadora que es demasiado buena para perderse

https://www.theguardian.com/music/2015/dec/17/maria-schneider-the-thompson-fields-review

John Fordham

17 de diciembre de 2015 18.00 GMT

   La majestuosa colección de la compositora estadounidense de jazz orquestal Maria Schneider está dedicada a su amada campiña de Minnesota, nutrida durante una década, en parte financiada por fans y autoeditada en el verano con una ausencia de influencia de los medios que hizo que fuera fácil pasarla por alto. La composición principal, que lleva el nombre de una granja local importante para su infancia, equilibra las voces instrumentales escogidas astutamente (desde los comienzos de la guitarra silenciosamente al estilo de Bill Frisell sobre un acordeón tarareante, hasta armonías de piano que recuerdan al mentor de Messiaen y Schneider, Gil Evans) construcción lenta, ups, improvisación sensible y metal y caña ricas en capas. Una melodía melancólica de clarinete guía al frágil Walking By Flashlight; los barridos de flauta y los valses de acordeón preceden a la voluble improvisación de trompeta y trombón en El monarca y el Algodoncillo; y aunque gran parte de esta música alentadora es reflexiva, una sección rítmica formidable y la fe de Schneider en su larga formación de buenos improvisadores también encienden mucha música expansivamente swing.

St Albert Today

Home Entertainment News

La compositora internacionalmente aclamada Maria Scheider se codea con la Edmonton Jazz Orchestra

 31 de enero de 2018 a las 7:30 p.m. Teatro Triffo Universidad MacEwan 11110 - 104 Ave.

https://www.stalberttoday.ca/entertainment-news/internationally-acclaimed-composer-maria-scheider-rubs-shoulders-edmonton-jazz-orchestra-1297735

Por Anna Borowiecki

27 de enero de 2018 12:00 AM

    La ganadora de cinco premios Grammy, Maria Schneider, conoce la alegría inimaginable de crear música con personas de todo el mundo y se deleita en conmover a sus oyentes con composiciones originales que los críticos han calificado de "majestuosas, mágicas, deslumbrantemente hermosas".

LosCampos

https://1fichier.com/?2puwdt9j7fnt3dd2pb4p

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