Sting-2016-57th & 9th (Deluxe Edition)

Sting. 57th & 9th (Deluxe Edition) 2016

“57th & 9th” es el duodécimo álbum de estudio en solitario (y el noveno de material original) del cantautor británico Sting y su primer álbum de rock en 13 años, lanzado el 11 de noviembre de 2016.

Personal

Sting - voz, bajo, guitarra, piano, percusión

Dominic Miller - guitarra, 12 cuerdas, shaker

Vinnie Colaiuta - batería

Rhani Krija - percusión

Martin Kierszenbaum - órgano, piano, mellotrón, teclados

Rob Mathes - piano

Lyle Workman - guitarra

Josh Freese - batería

Jerry Fuentes (de The Last Bandoleros) - coros, voces, guitarra

Diego Navaira (de The Last Bandoleros) - coros, voz, bajo

Derek James (de The Last Bandoleros) - coros

Zach Jones - batería

Razan Nassreddine - voces adicionales

Hazem Nassreddine - cítara turca

Marion Enachescu - violín

Jean-Baptiste Moussarie - guitarra

Salam Al Hassan - percusión

Accad Al Saed - percusión

Thabet Azzawi - oud

Nadim Sarrouh - oud

Nabil Al Chami - clarinete

Listado de Temas:

 01 - I Can't Stop Thinking About You - 03:31 min.

Sting

 02 - 50.000 - 04:17 min.

Sting, Dominic Miller, Lyle Workman, Josh Freese

 03 - Down, Down, Down - 03:48 min.

Sting, Miller, Vinnie Colaiuta

 04 - One Fine Day - 03:14 min.

Sting, Miller, Workman, Freese

 05 - Pretty Young Soldier - 03:06 min.

Sting, Miller, Workman, Freese

06 - Petrol Head - 03:32 min.

Sting, Miller, Workman, Freese

 07 - Heading South On The Great North Road - 03:18 min.

Sting

 08 - If You Can't Love Me - 04:34 min.

Sting, Miller, Colaiuta

 09 - Inshallah - 04:56 min.

Sting

 10 - The Epmty Chair - 02:49 min.

Sting, J. Ralph

Deluxe and Super Deluxe editions' Bonus 

 11 - I Can't Stop Thinking About You (LA Version) - 03:39 min.

Sting

 12 - Inshallah (Berlin Sessions Version) - 04:58 min.

Sting

 13 - Next To You  (Live At Rockwood Music Hall with The Last Bandoleros) - 02:56 min.

Sting

13 Temas - Tiempo Total: 00:48:38

flac @ 1097 - 321,26 MB

RipPor Freak37 Para Tijana PIO N.Bg.

Reseñas:

    Diez nuevas pistas fueron anunciadas y reveladas oficialmente el 31 de agosto de 2016 como parte del lanzamiento de “57th & 9th “

    El álbum se grabó durante un período de tres meses. Sting dijo sobre la fecha límite tan ajustada: "Reintroducir artificialmente esa presión le dio al álbum una especie de urgencia que no habría tenido de otra manera". El título es una referencia a la intersección de Nueva York que Sting cruzaba todos los días para llegar al estudio, en Hell's Kitchen, donde se grabó gran parte del álbum.

   Desde finales de 2015 y durante la primera mitad de 2016, se publicaron periódicamente imágenes de Sting trabajando en el estudio en sus diversas redes sociales. El álbum resultante se anunció finalmente el 18 de julio de 2016. En un video teaser publicado posteriormente, Sting describió el álbum como algo espontáneo, con "mucho rock'N'roll y temas de búsqueda, viajes, carretera y tirar de lo desconocido".

    Sting escribió "50.000" la semana de la muerte de Prince, y en memoria de varios músicos famosos que murieron en 2016 además del de Mianneapolis, David Bowie, Glenn Frey y Lemmy.

   "One Fine Day" es un llamada a la cordura con respecto al cambio climático antropogénico.

   Según la revista Rolling Stone del 11 de noviembre de 2016, los dos temas "Heading South on the Great North Road" (con su «balada Chaucery») e "If You Can't Love Me" (con su eco «mordazmente kafkiano del jazz rock que Sting hizo en los años ochenta») constituyen una especie de diario de viaje a través del propio pasado musical de Sting.

   "Inshallah" es la oración, con tintes de Oriente Mediom de un refugiado.  "Inshallah" en árabe significa "Si Dios quiere", o en palabras de Sting: "Si es la voluntad de Dios, entonces será".

   "The Empty Chair" es una canción inspirada en el periodista estadounidense James Foley, que fue secuestrado y asesinado por el ISIS.

   Sting debutó con la versión de estudio de "I Can't Stop Thinking About You", e interpretó la canción en vivo, el 31 de agosto de 2016 en el Red Bull Sound Space de la emisora de radio KROQ de Los Ángeles. En un artículo publicado el 25 de julio de 2016, Roger Friedman escribió que el sencillo principal se lanzaría el 2 de septiembre de 2016.

   Sting interpretó la canción "Fifty Thousand" en vivo por primera vez el 16 de septiembre de 2016 en Later with Jools Holland.

   El 22 de septiembre de 2016, Sting lanzó de forma gratuita en YouTube la versión en audio de "Fifty Thousand".

   Sting interpretó la canción "One Fine Day" en vivo por primera vez el 6 de octubre de 2016 en Deutscher Radiopreis.

   El 27 de octubre de 2016, Sting lanzó de forma gratuita en YouTube una versión acústica de "No puedo dejar de pensar en ti".

   El 3 de noviembre de 2016, Sting lanzó de forma gratuita en YouTube la versión en audio de "Petrol Head".

   Sting realizó dos espectáculos el 9 de noviembre de 2016 en Irving Plaza, un pequeño local de música con capacidad para mil personas en Manhattan, Nueva York, interpretando canciones de "57th y 9th” por primera vez en vivo en un concierto: "HeartRadio Album Release Party" y un espectáculo exclusivo para miembros del club de fans de Sting.com

   Respaldado por una banda de 3 integrantes que incluía a Dominic Miller (guitarra), Vinnie Colauita (batería) y Rufus Miller (guitarra), Sting realizó el 12 de noviembre de 2016 un concierto de una hora y media en París para la reapertura de la Sala Bataclan, interpretando no menos de siete canciones del "57th y 9th”. El ex guitarrista de The Police, el francés Henry Padovani, se unió a la banda en el escenario para "Next to You", uno de los últimos bis.

DLuxe Edit

https://1fichier.com/?rsn8hk7fui05blczhze4

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Gong. Love From The Planet Gong. CD 5 BBC Radio 1 Sessions And Edinburgh Live

Gong. Love From The Planet Gong: The Virgin Years 1973-1975

BoxSet Especial 50 Aniversario

12 Cds + 1 DVD. Sonido Surround. Remasterizado

lanzado el 27 de septiembre de 2019

CD 1  Flying Teapot

CD 2  Angel’s Egg

CD 3  You

CD 4  Shamal

CD 5  BBC Radio 1 Sessions And Edinburgh Live

CD 6  Paris Bataclan Live, 20th May 1973, Pt.1

CD 7  Paris Bataclan Live, 20th May 1973, Pt.2

CD 8  Roanne – Club Arc En Ciel Live, 17th Aug 1973, Pt.1

CD 9  Roanne – Club Arc En Ciel Live, 17th Aug 1973, Pt.2

CD 10  London – Hyde Park Live, 28th June 1974

CD 11  London – The Marquee Club Live, 9th & 10th Sept 1975, Pt.1

CD 12  London – The Marquee Club Live, 9th & 10th Sept 1975, Pt.2

Reseña

Gong / Love From The Planet Gong: The Virgin Years 1973-1975 / 13-disc box

https://superdeluxeedition.com/news/gong-love-from-planet-gong-the-virgin-years-1973-1975-13-disc-box/

de Paul Sinclair, News 27 Aug 2019

   Cocinada por Steve Hillage y lanzada con la participación total de los miembros originales, los legendarios surrealistas psicodélicos Gong son el tema de una nueva caja en el lanzamiento de Love From Planet Gong: The Virgin Years 1973-75.

   Este paquete de 13 discos incluye los primeros cuatro álbumes de estudio en Virgin de la banda, con bonus tracks; conciertos completos con múltiples pistas inéditas, las sesiones completas de John Peel de 1973 y 1974; mezclas de Quad Pye y Westlake inéditas de You, de 1974 reformateadas a sonido envolvente 5.1, con los diseños artísticos de los discos que incluyen obras y trabajos raros del difunto Daevid Allen,  nunca antes vistos.

   El audio está remasterizado por el ingeniero original, Simon Heyworth, y las grabaciones en vivo están mezcladas por el bajista de Gong, Mike Howlett. El set viene con un libreto ilustrado de 64 páginas, que incluye las letras de las canciones y el famoso e informativo 'Libro Azul' de Angel's Egg con un nuevo compañero, el 'Libro Verde' de Flying Teapot.

Paul Sinclair

https://superdeluxeedition.com/news/gong-love-from-planet-gong-the-virgin-years-1973-1975-13-disc-box/

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Gong. Love From The Planet Gong.
CD 5  BBC Radio 1 Sessions + Edinburgh Live

Nota: "BBC Radio 1 Sessions" incluye nueva mezcla y remaster digital de los temas "Radio Gnome Invisible", "Oily Way", "Outer Temple" e "Inner Temple", aparecidos en el Lp "Live Etc", de 1977 y otros nueve inéditos 

Mike Howlett, Bajo, Voz

Rob Tate, Batería

Daevid Allen, Guitarra, Voz

Di Stewart, Percusión, Voz

"Bloomdido" Didier Malherbe, Flauta, Saxofón, Percusión

Tim Blake, Sintetizador, Teclados, Voz

Gilli Smyth, Voz Susurro espacial

BBC Radio 1 Sessions [Enero de 1974. Reed. 2019]

Y

Edinburgh Live [Septiembre de 1973. Reed. 2019]

13 Temas ¬ Tiempo Total 01:17:36

Listado:

01 - You Can't Kill Me ¬ 06:56 min.

Composición de Daevid Allen

02 - Radio Gnome Direct Broadcast ¬ 04:20 min.

Composición de Daevid Allen

03 - Other Side Of The Sky ¬ 05:36 min.

Composición de Daevid Allen, Tim Blake

04 - Zero The Hero And The Witch's Spell ¬ 11:07 min.

 Composición de Daevid Allen, Christian Tritsch

Bajo, Voz - Mike Howlett

Batería - Pierre Moerlen

Flauta, saxofón, percusión - "Bloomdido" Didier Malherbe

Guitarra, Voz - Daevid Allen

Guitarra, Voz - Steve Hillage

Sintetizador, teclados, voz - Tim Blake

Voz, Susurro Espacial - Gilli Smyth

05 - Flute Salad ¬ 01:34 min.

Composición de Didier Malherbe

06 - Oily Way ¬ 03:21 min.

Composición de D. B. Allen, Didier Malherbe

Bajo, Voz - Mike Howlett

Batería - Rob Tate

Flauta, saxofón, percusión - "Bloomdido" Didier Malherbe

Guitarra, Voz - Daevid Allen

Guitarra, Voz - Steve Hillage

Percusión, voz - Di Stewart

Sintetizador, teclados, voz - Tim Blake

Voz, Susurro Espacial - Gilli Smyth

07 - Outer Temple ¬ 01:03 min.

Composición de Daevid Allen, Tim Blake, Steve Hillage, Didier Malherbe

Bajo, Voz - Mike Howlett

Batería - Rob Tate

Flauta, saxofón, percusión - "Bloomdido" Didier Malherbe

Guitarra, Voz - Daevid Allen

Guitarra, Voz - Steve Hillage

Percusión, voz - Di Stewart

Sintetizador, teclados, voz - Tim Blake

Voz, Susurro Espacial - Gilli Smyth

08 - Inner Temple ¬ 05:18 min.

Composición de Daevid Allen, Tim Blake, Steve Hillage, Didier Malherbe

Bajo, Voz - Mike Howlett

Batería - Rob Tate

Flauta, saxofón, percusión - "Bloomdido" Didier Malherbe

Guitarra, Voz - Daevid Allen

Guitarra, Voz - Steve Hillage

Percusión, voz - Di Stewart

Sintetizador, teclados, voz - Tim Blake

Voz, Susurro Espacial - Gilli Smyth

09 - Castle In The Clouds ¬ 01:34 min.

 Composición de Steve Hillage

10 - 6X8 Tune ¬ 02:59 min.

Composición de C. O. I. T.

11 - Radio Gnome Invisible ¬ 07:28 min.

 Composición de D. B. Allen

Bajo, Voz - Mike Howlett

Batería - Rob Tate

Flauta, saxofón, percusión - "Bloomdido" Didier Malherbe

Guitarra, Voz - Daevid Allen

Guitarra, Voz - Steve Hillage

Percusión, voz - Di Stewart

Sintetizador, teclados, voz - Tim Blake

Voz, Susurro Espacial - Gilli Smyth

12 - Zero The Hero And The Witch's Spell (Live) ¬ 14:07 min.

 Composición de Daevid Allen, Trisch Christian

13 - Flying Teapot (Live) ¬ 12:13 min.

 Composición de Daevid Allen, Francis Moze

13 Temas. Tiempo Total 01:17:36

flac ¬ 936 ¬ 471,27 MB

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Grabado mediante Manor Mobile

Grabado en los BBC Radio 1 Studios y en el Edinburgh Festival

Corte de acetato original en Utopia Studios

Reseña de Live Etc.

por David Ross Smith

   El disco esencial de los Gong, Live Etc. tiene increíbles versiones en vivo de material de cuatro álbumes de Gong (Camembert Electrique, Flying Teapot, Angel's Egg, You) y una pista de estudio que se había grabado en 1974 como un intento de single. El material en vivo, grabado entre 1973 y 1975, consta de actuaciones de varias encarnaciones diferentes de la banda, lo que lo convierte en un excelente punto de partida para cualquier persona interesada en samplear a Gong. 

   Abundante y rebosante de infusiones de space, progresivo y jazz, esta banda crisol destaca en su entrega ecléctica de los temas como producto. Las pistas se mezclan para formar el clímax y, lo más destacado de este gran álbum en vivo, exhiben el jazz que se convertiría en el sonido integral de los futuros lanzamientos de la banda. Grabado después de la partida de Allen, este es el personal que grabaría a Shamal, aunque aquí no aparecen pistas de ese álbum. 

   Los aspectos más destacados incluyen el solo de percusión de Moerlen en "Flying Teapot", el solo de saxo de Malherbe en "Zero The Hero And The Witch's Spell" y el trabajo de guitarra de Hillage en el espacial "Radio Gnome Invisible".

   "6/8 Tune" es un magnífico instrumental de jazz, una especie de presagio de las últimas cuatro pistas del CD, que son en su mayor parte instrumentales y muy progresivas.

    Live Etc. originalmente terminaba con la melodía "Ooby-Scooby Doomsday", otro intento de éxito pop, pero el Cd no pudo contenerlo en sus 79 minutos, de modo que se agregó al lanzamiento del disco “You" en ese formato.

Comentario

CD 5 del set “13 DiscBox Gong. Love From The Planet Gong The Virgin Years 1973-1975” lanzado el 27 de septiembre de 2019.

  Audio remasterizado por el ingeniero original, Simon Heyworth.  Grabaciones en vivo mezcladas por el bajista de Gong, Mike Howlett.

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Sesiones parte 1

https://1fichier.com/?dsyyfmvphtr7dg1xcq7p

Sesiones parte 2

https://1fichier.com/?n0mefv0b2jr4ysqa0hsf

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Henri Salvador. Salvador Plays The Blues. 1956

Henri Salvador

Salvador Plays The Blues. 1957

Reed. 2003|VinylRip Flac HD 24bit - 192kHz

Grabado en París, el 18 de abril de 1956.

Sello Universal. Año de edición original 1956

Fecha del relanzamiento 28 de enero de 2004

http://www.cduniverse.com/productinfo.asp?pid=5833623&style=music

Este Cd contiene ocho temas del cantante francés originario de Cayenne.

Es una reedición digital remasterizada del álbum original.

Incluye cuatro cortes que no se habían publicado antes.

Productor - Boris Vian

Boris Vian, su gato y su guitarra lira, a la que amó y sobre la que compuso

numerosas canciones en 1956.

(Archivos de fotos de Cohérie Boris Vian)

Intérpretes:

Contrabajo - Pierre Michelot

Batería - Jean-Baptiste "Mac Kac" Reilles

Guitarra, Voz - Henri Salvador

Listado de Temas: 

 01 - Salvador Plays The Blues - 07:06 min.

Composición de Henri Salvador

 02 - Don't Blame Me - 03:27 min.

Composición de Dorothy Fields, Jimmy McHugh

 03 - Stompin' At The Savoy - 03:40 min.

Composición de Andy Razaf, Benny Goodman, Chick Webb, Edgar Sampson

 04 - You Go To My Head - 03:07 min.

 Composición de Haven Gillespie, J. Fred Coots

 05 - What Is This Thing Called Love - 03:31 min.

Composición de Cole Porter

 06 - What Is This Thing Called Love (Alt.take) - 03:22 min.

Composición de Cole Porter

 07 - Speak Low - 04:29 min.

Composición de Kurt Weill, Ogden Nash

 08 - Speak Low (Alt.take) - 02:52 min.

Composición de Kurt Weill, Ogden Nash

8 Temas - Tiempo Total: 00:31:34

HDFlac ¬ 5085 ¬ 1,10 GB

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Reseñas

Info VinylRip

 Record: VG+

Moth Mk II cleaning machine

Turntable: Roksan Xerxes turntable

Tonearm: SME IV arm

Cartridge: Ortofon Jubilee cartridge (retipped with new profile diamond by the Expert Stuylus Company in the UK)

Mitchell Cotter Verion step-up transformer

Pre-Amp: Rotel RHQ-10 "Michi"

M-Audio Audiophile 192 > capture via Audacity @ 32-bit float > manual click removal > 24bit - 192kHz

    Henri Salvador

Nombre de pila Henri, Gabriel Salvador

Nacido el 18 de julio de 1917 en Cayena y

fallecido el 13 de febrero de 2008, fue un notable

cantante y guitarrista que cultivó los géneros 

Chanson Française, Pop, Jazz, Bossa nova.

Sitio Web Oficial http://www.henri-salvador.com/

   Llegó a Francia junto con toda su familia desde la Guayana francesa cuando tenía 12 años, el 16 de agosto de 1929.

   Su padre, Clovis, y su madre, Antonine Paterne, hija de un indio caribeño, eran ambos nativos de Guadalupe: su padre de Morne-à-l'Eau y su madre de Puerto-Luis. Tuvo una hermana, Alice, y un hermano, André, con el cual cantaba a dúo al principio de su carrera. André Salvador llegó a ser galardonado con el Grand prix du Disque de 1947 con "Hey-ba-ba-re-bop", acompañado de la orquesta de André Ekyan.

   Henri obtuvo en 1933 sus primeros trabajos en los cabarets parisinos y su talento como músico y humorista le hacen ganarse el aprecio del público. En 1935, actúa en el Jimmy’s Bar, famoso cabaret de la época. Django Reinhardt le acoge entonces como acompañante.

   En 1941, huye de Francia donde la guerra se va extendiendo. No volverá hasta la capitulación de Alemania. De diciembre de 1941 a diciembre de 1945 formó parte de la orquesta de Ray Ventura durante una estancia en América del Sur, en la que recorrió países como Brasil, Argentina, Colombia o Uruguay. Destacó ya entonces por su talento como guitarrista y cantante, además de por su habilidad cómica para imitar al personaje de Popeye.

   Más adelante, ya como cantante profesional, empezó a combinar en su repertorio canciones originales con temas más románticos y tradicionales, siendo bien considerado más habitualmente con las primeras, dado que en las segundas la competencia era muy fuerte con cantantes como André Claveau y Jorge Ulmer.

   En 1949, obtuvo el gran premio musical de la Académie Charles-Cros y entró a trabajar en el ABC, templo de los music-halls parisinos, en la revista de Mistinguett Paris s’amuse.

Bajo el seudónimo de Henry Cording, cantó en 1956 temas de rock and roll en francés, escritos por Borís Vian y  musicados por Michel Legrand y él mismo.

Youtube Henry Cording - Hiccough Rock

Youtube Henry Cording & Seine Original Rock & Roll Boys-Deutsche PHILIPS-1956

Paralelamente, grabó un disco de jazz como guitarrista titulado Salvador plays the blues. Su carrera tomó un rumbo determinante en los años sesenta, en gran parte gracias a las emisiones de variedades de Maritie y Gilbert Carpentier, en las que él interpretaba canciones de humor que le consagrarían como cantante popular: "Faut rigoler", "Zorro est arrivé", "Juanita Banana", "Le travail c'est la santé", etc. Como consecuencia de este éxito, consiguió su propio programa de radio vespertino titulado «Salves d'Or».

En 2000, regresó al primer plano de la actualidad con el disco Chambre avec vue.

Youtube Henri Salvador - Jardin d'Hiver

Salvador fue también un jugador de petanca de alto nivel, llegando a publicar un tebeo sobre el tema: Passion... Pétanque y a inventar también bolas para el mismo que llegaron a comercializarse. Fue también doblador de películas de animación, como hizo en 1990 en La Petite Sirène, de los Estudios Disney, haciendo de Sebastián. En 2006, con motivo de la edición en DVD de la película, grabaría también los diálogos de la secuela La Petite Sirène 2 : Retour à l'océan.

Con las botas puestas

Henri Salvador puso fin a su carrera artística un par de meses antes de fallecer, con una actuación en el Palacio de Congresos de París el 21 de diciembre de 2007.

PlayB parte 1

https://1fichier.com/?7h9llirr2b9nuaqu92f5

PlayB parte 2

https://1fichier.com/?pimowfcb9urylpf41qgf

PlayB parte 3

https://1fichier.com/?dwrfhte7g81ah8agukmm

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Astor Piazzolla y su Quinteto-Adios Nonino [HDFlac@2524] 1969

Dedicado a Vicente "Nonino" Piazzolla

Quinteto de Astor Piazzolla:

 Dante Amicarelli, Antonio Agri, Kicho Diaz,

Oscar Lopez Ruiz y  Astor Piazzolla

7 Temas. Tiempo Total 00:39:32

 HDFlac 25-24 ¬ 683,57 MB

The iconic concerto in Utrecht, October, 27th, 1984, when the master of the bandoneon Astor Piazzolla performed on his artistic pinnacle, with his Quinteto Tango Nuevo;  completed by

Fernando Suárez Paz (violin), 
Pablo Ziegler (piano), 
Oscar Lopez Ruiz (guitar), and 
Hector Console (bass)

Recorded for a live audience in the Vredenburg Music Hall, Utrecht, Netherlands
by Ferry Sluiter, André Uniken, Jack Bodewes (sound), 
Jochgem van Dijk, David Claessen, Erik Zuiderhof (camera), 
Tjerk Boersma (video-editor), 

Mazzo Video and VBC (video equipment) 
-produced by Luis Aravena for Lane Productions. 
Ruud Backx (executive producer)
Staged and directed by Theo Uittenbogaard ©  for the Dutch public broadcast company VPRO-tv.

    Durante la presentación del concierto de 1984 en Utrecht, Astor Piazzolla comentó: '"solo me interesa el futuro. Esta es nuestra música del Buenos Aires de hoy. Hemos estado tocando esta música con este grupo desde 1960 y cuando comenzamos, la gente no la entendía. Hoy, 25 años después, todavía no se entiende esta música. Esto no es una broma, es la verdad. Pero hay muchos jóvenes que nos comprenden. Son los jóvenes los que piensan y miran hacia el futuro. La gente que siempre mira hacia atrás nunca entenderá mi música ni la de los demás. Solo me interesa el futuro. Creo en el futuro de mi país, Argentina, y en el futuro del nuevo tango. Si amas nuestra música, te amamos. Si no te gusta nuestra música, también te queremos".

VinylRip: Trova – TLS-5027 (Original Argentinian pressing 1969)

Adiós Nonino, es una composición de tango argentino del bandoneísta Ástor Piazzolla, escrita en Octubre de 1959 (aunque su melodía está basada en otra anterior, "Nonino", de 1954 y de Ástor también) escrita en New York City, unos días después del fallecimiento de su padre, Vicente "Nonino" Piazzolla, y en su memoria.

Fue grabada entre Marzo y Junio de 1969, en los Estudios ION, S.A.

de Buenos Aires, con producción de Alfredo Radoszynski

y  publicado originalmente en 1969 por Trova Records (ARG)

LP - TL-27/TLS-5027

Género, Nuevo Tango

Dante Amicarelli - piano

Antonio Agri - violín

Kicho Diaz - contrabajo

Oscar Lopez Ruiz – guitarra

Astor Piazzolla - bandoneón

Producción de Alfredo I. Radoszynski

Master de Luis A. Quinteros

Técnicos de sonido, Juan Carlos Manojas, Osvaldo Acedo

Supervisión de grabación, Oscar López Ruiz

Fotografía de Juan Mestichelli

Notas de contraportada, Astor Piazzolla

   Composiciones de Astor Piazzolla

Listado

01 - Adios Nonino - 07:59 min.

02 - Otoño Porteño - 05:06 min.

03 - Michelangelo 70 - 03:19 min.

04 - Coral - 05:51 min.

Tangata Silfo y Ondina, Tango Suite: Fugata, Soledad y Final

05 - Tango Suite 1, Fugata - 02:50 min.

06 - Tango Suite 2, Soledad - 06:48 min.

07 - Tango Suite 3, Final - 07:39 min.

7 Temas. Tiempo Total 00:39:32

HDFlac ¬ 2524 ¬ 683,57 MB

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Reseñas

 Adios Nonino  A. K. A. Tangata, Suite Dal Balletto "Silfo Y Ondina". Astor Piazzolla E Il Suo Quintetto

Sello: Carosello CLN 25034

Formato: Vinilo, Lp, Álbum, Reissue, Italy 1974

Composiciones de Astor Piazzolla

Produzione A Cura Di – Aldo Pagani

Género: Latin Jazz, Estilo: Tango

En 1959, Piazzolla se encontraba de gira por América hispanohablante cuando, durante una presentación en Puerto Rico con Juan Carlos Copes y María Nieves Rego, recibió la noticia de la muerte de su padre, Vicente Piazzolla, apodado Nonino, debido a un accidente de bicicleta. en su ciudad natal de Mar del Plata. Esta noticia, sumada al fracaso de la gira, los problemas económicos y la nostalgia, llevaron a Piazzolla a la depresión. Allí, tras recibir tan devastadora noticia, compuso esta obra en unos 30 minutos como homenaje a su padre, basada en "Nonino", otro tango que Astor había compuesto cinco años antes en París, también dedicado a Vicente Piazzolla.

Papá nos pidió que lo dejáramos solo por unas horas. Entramos en la cocina. Primero hubo un silencio absoluto. Después de un rato, escuchamos a papá tocar el bandoneón. Era una melodía muy triste, terriblemente triste. Estaba componiendo "Adiós Nonino".

- Daniel Piazzolla, su hijo. Astor, Diana Piazzolla, 1986.

Por su melodía melancólica y el hecho de que Piazzolla la escribió tan lejos de su país natal mientras padecía una depresión severa, Adiós Nonino evoca un fuerte sentido de nostalgia y se ha convertido en un símbolo de la diáspora argentina.

La pieza se basó en el tango anterior de Piazzolla Nonino, compuesto en París en 1954, del que mantuvo la parte rítmica y reorganizó el resto con algunos añadidos. Resultó ser una de las composiciones más conocidas y populares de Piazzolla, y ha sido grabada muchas veces con muchos arreglos diferentes y con varios instrumentos.

Nonino es una variación argentina de la palabra italiana Grandfather (Nonno) usada en diminutivo (Nonnino). La pieza fue escrita en honor al padre recientemente fallecido de Piazzolla, quien era abuelo y, por lo tanto, se llama familiarmente Nonino.

La pieza fue interpretada en la boda real de Willem-Alexander de Holanda y su consorte Máxima Zorreguieta en homenaje a sus raíces argentinas. La música ha sido utilizada por varios patinadores artísticos prominentes para sus programas. Chen Lu lo usó como su programa musical corto en la temporada de patinaje artístico 1997–98, que incluyó su interpretación de la medalla de bronce en los Juegos Olímpicos de Invierno de 1998. Los campeones olímpicos de 2010 y 2018, los bailarines canadienses Tessa Virtue y Scott Moir utilizaron la pieza para su baile libre de la temporada 2004-05, lo que les permitió ganar la medalla de plata en el Campeonato Mundial Juvenil de Patinaje Artístico de 2005. Jeffrey Buttle lo usó como su programa musical corto para las temporadas de patinaje artístico 2006-07 y 2007-08, que incluyó su victoria en el Campeonato Mundial de 2008. La campeona olímpica de 2010, Yuna Kim, también usó esta pieza como su música de patinaje libre para la temporada de patinaje artístico 2013-14, que incluyó su actuación por la medalla de plata en los Juegos Olímpicos de Invierno de 2014. Satoko Miyahara, la medallista de bronce mundial de 2018, usó esta pieza para su patinaje libre durante la temporada de patinaje artístico 2018-19.

Astor Piazzolla: cronología de una revolución

Texto: Jorge Pessinis y Carlos Kuri

Traducción al inglés y diseño de página: Francisco Luongo

Selección de música y gráficos: César Luongo

https://web.archive.org/web/20131130014251/http://www.piazzolla.org/biography/biography-english.html

   Astor Pantaleón Piazzolla nació el 11 de marzo de 1921 en Mar del Plata, Argentina, hijo único de Vicente “Nonino” Piazzolla y Asunta Mainetti. En 1925, la familia se traslada a la ciudad de Nueva York hasta 1936 con un breve regreso a Mar del Plata en 1930.

   En 1929, cuando Astor tenía 8 años, su padre le regala su primer bandoneón que había comprado en una casa de empeño por 19 dólares. Astor estudia bandoneón durante un año con Andrés DÁquila y realiza su primer disco, Marionette Spagnol, un disco de fonógrafo (no comercial) en el Radio Recording Studio de Nueva York el 30/11/1931.

   En 1933 estudia con la pianista húngara Bela Wilda, discípula de Rachmaninov, y de quien Astor diría más tarde “Con ella aprendí a amar a Bach”. Poco tiempo después conoce a Carlos Gardel, quien se convierte en un buen amigo de la familia y con quien participa en la película “El día que me quieras”, interpretando un breve papel como chico de periódico. Este largometraje juega un papel monumental en la historia del Tango.

   En 1936, regresa con la familia a Mar del Plata, Argentina para siempre, donde Astor comienza a tocar en algunas orquestas de tango. Es aquí donde hace su segundo gran descubrimiento (después de Bach con Bela Wilda), cuando escucha en la radio el sexteto de Elvino Vardaro, Elvino se convertiría más tarde en el violinista de Astor. Esa forma alternativa de interpretar el Tango lo conmueve profundamente y se convierte en un admirador de Elvino. El amor de Astor por el Tango, y especialmente por ese estilo de Tango, lo conmueve profundamente y le da el valor de mudarse a Buenos Aires en 1938. Tenía solo 17 años.

   Actúa en algunas orquestas de tango de segunda hasta 1939, cuando realiza su sueño de tocar el bandoneón en una de las más grandes orquestas de tango de la época; la orquesta de Anibal Troilo. “Pichuco” fue uno de los mejores bandoneones, y Astor siempre lo consideró uno de sus maestros.

   Astor siente la necesidad de avanzar musicalmente, y siendo ya el arreglista de la orquesta de Troilo, comienza sus estudios musicales con Alberto Ginastera en 1941, y posteriormente en 1943, estudia piano con Raúl Spivak. En 1942 se casa con Dedé Wolff y de este matrimonio tiene dos hijos: Diana en 1943 y Daniel en 1944. Sus obras están demasiado avanzadas para la época y Troilo las edita para no asustar a los bailarines.

   En 1943 inicia sus obras “clásicas” con la “Suite para Cuerdas y Arpas” y en 1944 deja la orquesta de Troilo para dirigir la orquesta que acompaña al cantor Francisco Fiorentino, toca con Firoentino hasta 1946, cuando forma su primera orquesta. que luego se disuelve en 1949. Con esta orquesta, con una formación similar a las demás orquestas de la época, comienza a desarrollar sus impulsos creativos con sus obras y orquestaciones de gran contenido dinámico y armónico. Ese tango, del joven y atrevido director, más moderno y diferente, comienza a incitar las primeras polémicas entre los tangueros tradicionales.

   En 1946 compone “El Desbande”, considerado por Piazzolla como su primer tango formal, y poco tiempo después comienza a componer partituras musicales para películas - - - - - - 

AdiosNonino

parte 1

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parte 2

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Manglis Compás Machine. Mandala. 2006

Manglis Compás Machine-2006-Mandala

por Ferri

Manglis Compás Machine en el Festival Blues de Antequera

 Mi Año Manglis

-- Por  Luis

http://gatoandaluz.com/2008/11/30/manglis-compas-machine-en-el-festival-blues-de-antequera/

   Este año debe ser "Mi Año Manglis". No hago más que llevarme sorpresas agradables con este fabuloso músico andaluz.

    Este tema, Hello Gurtu 5×8, grabado en directo (como debe de ser) en Antequera, supongo que en el Festival Blues de 2006, cuando Luis Cobo “Manglis” acudió rodeado de su pequeña Manglis Compás Machine: Antonio Mesa (saxo soprano y flauta) Manuel Sutil (percusión) y Ávaro Ramos (bajo), además de él mismo a la guitarra.

    Te dejo con ese hipnotizante tema, la música no se habla, se escucha. Gracias.

Género, Electronic, Folk, World, & Country, Jazz, Rock

Estilo, Blues Rock, Fusion, Experimental

Músicos:

Luis Cobo Manglis, guitarra clásica, eléctrica y de 12 cuerdas, programacion y secuencias.

Jesus Arispont, Bajo

Nantha Kumar, Percusión

Jorge Pardo, Saxo

Polo Ort, Teclados

Listado de Temas:

Cd

 01 - Mandala - 03:17 min.

 02 - Blues De Falla - 06:14 min.

 03 - Selva - 08:44 min.

 04 - Machucas Nana - 01:55 min.

 05 - Hello Gurtu (A Trilok Gurtu) - 03:17 min.

 06 - Solea Del Manglis - 05:06 min.

 07 - Indian Wind - 02:14 min.

 08 - Morgan (Seguirilla) - 01:32 min.

 09 - Universo 6 Cuerdas (A John McLaughlin) - 05:09 min.

 10 - Mojácar - 09:15 min.

 11 - Amazonia - 03:05 min.

 12 - Marinelli Blues (A Manuel Marinelli) - 03:19 min.

 13 - Mandala (1ª Version) - 02:35 min.

13 Temas - Tiempo Total: 00:55:42

flac @ 856

EAC.By Napi#13

El Cielo Y El Dedo

http://ElCieloYElDedo.blogspot.com/

Reseña

Nombre de pila Luis Cobo. Seudónimo “Manglis”.

Nacido en Sevilla 12 de noviembre de 1951

Ocupación, músico instrumentista, compositor, productor musical

Instrumento, guitarra

Géneros, rock andaluz, blues rock, rock fusión

Publicado en España en 2006

Format: Cd, Álbum

Género Electronic, Folk, World, & Country, Jazz, Rock

Estilo: Blues Rock, Fusion, Experimental

Página web de Luis Cobo “Manglis”

Página web de Andrés Olaegui http://www.andresolaegui.net/

http://www.guadalquivir-rockandaluz.com/biografia.html

http://www.discogs.com/Manglis-Compas-Machine-Mandala/release/3274032

http://www.redaragon.com/agenda/fichaevento.asp?id=26304

pagina diseñada y realizada por Pedro Ontiveros © 2007

Luis Cobo, El Manglis

   Vive en Sevilla hasta los 22 años en los que se instala en Madrid donde trabaja acompañando a numerosos artistas como Noel Soto, Cecilia,El Grupo alcatraz, Albert Hammond, Miguel Ríos, con quien participa en su disco Al-Andalus como músico y como compositor, realizando varias giras por todo el país.

   Colabora en otras grabaciones con Pata Negra, Martirio, Kiko Veneno, Manzanita, Pedro Ruy Blas, Enrique Morente (en Televisión). Ha recorrido la geografía española junto a grandes músicos de Jazz como Jorge Pardo, Carlos Carli, Toni Moreno, Jose Antonio Galicia, Pedro Ruy Blas, el grupo Puente Aéreo.

   Fundó el grupo de Rock Andaluz Guadalquivir, junto con Luis Cobo (Manglis) con el que graba tres discos y actúan por toda la península durante varios años y una gira por Polonia junto al grupo Crash.

   Su formación académica (Guitarra Clásica) tuvo lugar en el Conservatorio Superior de Música de Madrid y en la Escuela de Música Soto Mesa, también  estudió teoría y armonía de Jazz con Félix Santos con el que trabajó posteriormente como profesor de guitarra y  Armonía. También trabaja como profesor de guitarra en la Escuela de Música La factoría, y en el Taller de Músicos de Madrid. Tambien ha estado trabajando como profesor de guitarra y dirigiendo la Coral Polifónica de Becerril de la Sierra.

   Actualmente vive en Chiclana de la Frontera donde forma su nuevo grupo Andres Olaegui Tierravirgen con el que trabaja ahora.

   Guadalquivir nace como idea, primero, de la unión y del trabajo musical de dos guitarristas sevillanos, Andres Olaegui y Luis Cobo “Manglis”, ambos pertenecientes a la vanguardia musical del rock que se forjó en la ciudad hispalense a finales de los 60 y que por puro azar del destino coincidieron ambos músicos haciendo el servicio militar en Cerro Muriano y más tarde en sus repectivos destinos, la Banda de cornetas y tambores del Cuartel de Artilleria nº 14 de Sevilla, reemplazo del 72. Por cierto, en ese mismo cuatel compartieron destino con Marcos Mantero, teclista del grupo Imán Califato Independiente, Eduardo Castro, periodista granandino, y Rafael Alvarez “El Brujo”, actor, entre otros entrañables compañeros de filas.

   Es ahí donde se fragua una gran e inseparable amistad y a su vez el duo de guitarras preludio de la idea futura del grupo Guadalquivir, y bajo las influencias de Jazz Rock de la Mahavisnu Orchesta de John Mclaughlin, de Miles Davis  y Weather Report, entre otros, empienzan a desarrollar ideas y a trasformar sus estilos de guitarristas de Rock / Blues, hacia las fuentes del Jazz / Rock, y es ahí donde comienzan a componer música y a desarrollar sus temas, formando en plena mili el grupo Manantial junto con los geniales músicos americanos Willy y Tony Trujillo, hermanos ambos, batería y bajista, junto con el flautista puertorriqueño David Rodríguez, llegando a grabar unas maquetas y una actuación en TVE sobre la Música Sevillana en el Popgrama, desde Sevilla, y dirigido por el productor y presentador Gonzalo García Pelayo. Este fue el primer plasmado del grupo que tenían en mente realizar Manglis y Olaegui.

   En 1977, tras la grabación del disco Al-Andalus, de Miguel Ríos, en la cual Olaegui y Manglis participan como compositores, y a su vez  como guitarristas, Luis Cobo “ Manglis” se marcha junto con Pedro Ontiveros y José Antonio Galicia a tocar en trío a Ibiza, y Andrés Olaegui se queda en Madrid y forma parte de la banda que acompañaria a Miguel Ríos en esa gira veraniega. En Ibiza Manglis conoce al bajista del grupo alemán Embryo, Uwe Mulrich, que le invita a ir a Munich a colaborar con la banda. A final del verano de 77, Manglis se marcha a Munich a colabarar con el grupo Embryo y es allí donde coincide con el percusionista indio Trilok Gurtu.

   De vuelta a Madrid en enero de 1978, estando un día en el club Raíces, cuna del Jazz Rock de la capital, José Varela, manager del grupo Triana, le propone a Manglis y Olaegui montar un grupo para intervenir en un festival  de grupos andaluces que se iba a celebrar en Móstoles con Triana como cabeza de cartel, entrando a formar parte del grupo Pedro Ontiveros, Larry Martin y Jaime Casado. Es ahí donde se les brindó la oportunidad de realizar el sueño de grupo tan ansiado y es ahí donde realmente nace Guadalquivir, que hizo su debut frente a 7.000 personas en el “Festival de Mostoles” en febrero de 1978, junto con Imán, Storm, y Triana.

   Meses más tarde Miguel Ríos organiza la gran gira de verano “La Noche Roja” con los grupos más punteros de la época, con Triana como cabeza de cartel nuevamente y Guadalquivir se incluye en la gira, tanto como grupo de acompañamiento de Miguel Ríos, y como artistas en el mismo Festival y gira ” La Noche Roja”, que se celebró con gran éxito en el verano de 1978.

   A finales de 1978 Guadalquivir comienza la grabación entre Barcelona y Madrid de su emblemático primer disco, “Guadalquivir”, indispensable en la discografía del Rock Andaluz. El Disco Verde, como se le llamó, por ser de color verde la pasta de vinilo del LP, es muy apreciado y valorado por coleccionistas.

   Tras un año de intenso trabajo en directo donde llegaron a realizar un total de 90 conciertos, de los que habría que destacar los del Festival de Móstoles, Festivales de Marbella Rock, Selva Rock, Festival de Jazz de Vitoria, San Juan Evangelista, La gira de la Noche Roja,Teatro Monumental de Madrid, Teatro Lope de Vega de Sevilla. Guadalquivir es elegido Grupo Revelación del Año 1978, entre otros galardones.

   En 1980 graban su 2º Lp, “Camino del Concierto”, con abundantes y excelentes colaboraciones de amigos músicos y artistas invitados. Tras la gira de Camino del Concierto, Manglis abandona Guadalquivir y emprende una etapa en solitario, a la vez que es requerido por el grupo Triana como guitarrista invitado en sus conciertos.

   Manglis es sustituido por el teclista Javier Mora, un año más tarde Pedro Ontiveros deja la banda y es sustituido por Jaime Muela, y en algunas ocasiones colaboran en la banda Jorge Pardo y Pedro Ojesto, entre otros.

   En 1983 Guadalquivir graba su 3º Lp, “Después del Silencio”, ya sin Manglis y sin Ontiveros. Los tiempos iban cambiando y la moda de la movida madrileña se imponía, y tras las galas del verano de 1983 y una gira por Polonia, a finales de año Guadalquivir decide separarse dejando atrás 3 discos memorables y la humilde aportación que se hizo a la historia de la música contenporánea y de Fusión de este país, y por supuesto al Rock Andaluz.

pagina diseñada y realizada por Pedro Ontiveros, 2007

Luis Cobo y la SGAE

    Cobo adquirió una nueva proyección como consecuencia del escándalo de la SGAE y la detención de Teddy Bautista y José Luis Rodríguez Neri, ya que en 2007 denunció ante la asamblea de socios de la SGAE la existencia de graves irregularidades en la gestión de la Sociedad y sus negocios con Microgénesis, apuntando ya la conexión que esta empresa tenía con los directivos de la gestora de derechos y dando origen a las investigaciones que desembocaron en la caída de la cúpula de la SGAE, en 2011. La SGAE lo sancionó por esta denuncia. Previamente, en 2006, había presentado una denuncia ante un juzgado mercantil por hechos similares. En el proceso electoral para elegir a la directiva, celebrado en junio de 2011 y que fue ganado por la lista que apoyaba a Eduardo Bautista, Cobo se presentó como candidato independiente, con el objetivo de desmontar la estructura denunciada. Unos pocos días después de estas elecciones, la cúpula directiva de SGAE-SDAE fue detenida por la policía en la llamada «Operación Saga».

MCM.Mandala

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Incredible String Band ¬ The 5000 Spirits Or The Layers Of The Onion. 1967

Incredible String Band ¬ The 5000 Spirits. 1967

Elektra, K 42001, UK

VinylRip HDFlac 24-96 y Transfer de Son-Of-Albion

octubre de 2012

13 Temas. Tiempo Total 00:49:56

flac ¬ 2942 ¬ 1,02 GB

Comentarios

Grabado por John Wood en Sound Techniques Studios,

Chelsea. Londres, 1967. Publicado en Julio de 1967

Diseño y arte de portada Simon & Marijke

Fotografía de Iain Skinner

Productor Joe Boyd

The 5000 Spirits Or The Layers Of The Onion, segundo álbum del grupo de folk psicodélico escocés, The Incredible String Band (ISB), fue lanzado en julio de 1967 por Elektra Records. Fue grabado tras la reforma de la banda y conversión en dúo por Robin Williamson y Mike Heron. El álbum supuso un cambio en la dirección musical para ellos dos a medida que transitaban desde sus estructuras de música folk más convencional, a complejas composiciones psicodélicas influenciadas por el folk británico y la música hindú.

https://en.wikipedia.org/wiki/The_5000_Spirits_or_the_Layers_of_the_Onion

VinylRip 24/96, by Son-Of-Albion

Rip Technicals

Knosti RCM.

Michell GyroDec full version.

Funk Firm FXR II Tonearm.

Audio Technica AT33PTG/II MC Cartridge.

Harman Kardon HK990 Integrated Amplifier.

Gold Interconnects. E-MU 0204 Audio Interface.

Recording, split and manual declick, with Adobe Audition 3.0.1

and Click Repair 3.8.4.

Intérpretes

Robin Williamson - voz, guitarra, mandolina, oud, gimbri con arco bajo, flauta, percusión batería, sonajeros, sitar

Mike Heron - voz, guitarra, armónica

Licorice McKechnie - voz, percusión

Danny Thompson - contrabajo

John Hopkins - piano

Nazir Jairazbhoy (acreditado como Soma) - sitar, tanpura

Composiciones de

Mike Heron (pistas: A1, A3, A5, B2, B4, B6),

Robin Williamson (pistas: A2, A4, A6, B1, B3, B5, B7)

Listado

Cara A

01 - Chinese White - 03:40 min.

Composición de Mike Heron

Guimbri  inclinado - Robin Williamson

Voz solista, guitarra: Mike Heron

02 - No Sleep Blues - 03:52 min.

Composición de Robin Williamson

Contrabajo - Danny Thompson

Voz solista, guitarra - Mike Heron

Voz solista, guitarra, flauta - Robin Williamson

03 - Painting Box - 04:02 min.

Composición de Heron

Contrabajo - Danny Thompson

Voz solista, guitarra - Mike Heron

Voz solista, guitarra, flauta - Robin Williamson

Voces, Platillos de dedo - Licorice McKechnie

04 - The Mad Hatter's Song - 05:38 min.

Composición de Williamson

Contrabajo - Danny Thompson

Piano - John Hopkins

Sitar, Tambura - Soma

Voz, Guitarra - Robin Williamson

05 - Little Cloud - 04:04 min.

Composición de Heron

Batería, sonajeros, voz - Robin Williamson

Voz solista, guitarra - Mike Heron

06 - The Eyes of Fate - 04:01 min.

Composición de Williamson

Voz solista, guitarra - Robin Williamson

Voces, Guitarra solista - Mike Heron

Voces - Licorice McKechnie

Cara B

07 - Blues for the Muse - 02:48 min.

Composición de Williamson

Contrabajo - Danny Thompson

Voz solista, guitarra - Robin Williamson

Voz, Guitarra solista - Mike Heron

08 - The Hedgehog's Song - 03:29 min.

Composición de Heron

Batería, voces - Robin Williamson

Voz solista, guitarra - Mike Heron

09 - First Girl I Loved - 04:53 min.

Composición de Williamson

Contrabajo - Danny Thompson

Voz, Guitarra - Mike Heron

10 - You Know What You Could Be - 02:45 min.

Composición de Heron

Contrabajo - Danny Thompson

Voz solista, guitarra - Mike Heron

Oud, mandolina, batería, flauta, voces - Robin Williamson

11 - My Name is Death - 02:45 min.

Composición de Williamson

Voz, Guitarra - Robin Williamson

12 - Gently Tender - 04:47 min.

Composición de Heron

Batería, Guimbri Bajo, Flauta, Voz - Robin Williamson

Voz solista, guitarra - Mike Heron

Voces - Licorice McKechnie

13 - Way Back in the 1960's - 03:12 min.

Composición de Williamson

Contrabajo - Danny Thompson

Voz solista, guitarra - Robin Williamson

Voz, Guitarra solista - Mike Heron

13 Temas. Tiempo Total 00:49:56

flac ¬ 2942 ¬ 1,02 GB

HD 24/96 VinylRipPor  Son-Of-Albion,

October 2012

|¡ Disfrútalo!|

Reseñas

Recording first published 1967

Sello: Elektra EUKS 7257 - K 42001

Formato: Vinilo, LP, Album, Stereo / UK 1967

Formato: Vinyl, LP, Album, Reissue  / UK 1976

Género: Rock, Folk, World, & Country

Estilo: Psychedelic, Folk Rock

The 5000 Spirits or the Layers of the Onion

AllMusic Review by

https://www.allmusic.com/album/the-5000-spirits-or-the-layers-of-the-onion-mw0000111286

Thom Jurek

   En 1967, Joe Boyd había firmado, para Elektra, con la Incredible String Band, que luego se reducían a Robin Williamson, Mike Heron y Licorice McKechnie. The 5000 Spirits o Layers of the Onion se había elaborado en una casa de campo en Glasgow, pero Boyd quería un estudio adecuado para grabarlo y eligió el estudio del ingeniero John Wood en Chelsea para las sesiones. Utilizando una máquina de cuatro pistas, Boyd y Wood procedieron a capturar lo mejor de las docenas de canciones que hicieron Williamson y Heron.

   Influenciado en gran medida por la época (después de todo, este fue el verano del amor) y la música del norte de África debido al reciente viaje de Williamson a Marruecos, el set es uno de los álbumes más ambiciosos del catálogo de la banda.

    El trío también estuvo acompañado por Danny Thompson al contrabajo en siete pistas, así como por Nazir Jarazbhoy al sitar. Son pistas destacadas "First Girl I Loved", más tarde versioneada por Judy Collins y Jackson Browne, y el folk-blues cósmico "The Mad Hatter's Song". En este álbum, la gente británica a menudo se enfrenta a la fascinación de Williamson por los sonidos del Medio Oriente, echa un vistazo, si no, al gimbri arqueado flotando y revoloteando sobre la guitarra acústica en "Chinese White" y los bongos subrayando la guitarra acústica slide en "The Hedgehog Song. . ." El bajo de Thompson y la armónica de Williamson son los únicos elementos que mantienen el corte "Blues for the Muse" en el suelo, apenas un blues, debido a la forma en que empuja la envolvente de los 12 compases. El breve "My Name Is Death" comienza como un zumbido de un acorde antes de regresar a una canción tradicional del siglo XVIII construida a la manera más formal. La combinación de todas las influencias de ISB se escucha en "Gently Tender", una hermosa melodía aunque algo anárquica, donde se emplean flautas,  sonidos de blues acústico, bongos, bajo, gimbri y sitar. El álbum se erige como una de las verdaderas obras maestras del catálogo del grupo.

   El álbum estableció a la banda dentro de la escena folk británica, al mismo tiempo que les ganó una presencia clandestina en los Estados Unidos. En el momento de su lanzamiento, el álbum fue reconocido por ser ambicioso y por crear un sonido contrastante con otros actos musicales que también utilizaban instrumentos similares en ese momento.

   La ISB saltó a la fama en el Reino Unido en junio de 1966, como resultado del lanzamiento de su álbum debut homónimo, que incorporó pistas de folk muy convencionales en comparación con sus trabajos posteriores. Se le otorgó al grupo el premio "Álbum Folk del Año" en la encuesta anual de Melody Maker, pero los miembros Robin Williamson y Clive Palmer dejaron Inglaterra después de su lanzamiento. A finales de 1966, Williamson regresó de una licencia, tiempo en el que se embarcó en un viaje por Marruecos con su entonces novia, Licorice McKechnie. Con su vuelta, Williamson recuperó una amplia variedad de instrumentos exóticos de origen norafricano y de Oriente Medio. Mike Heron, también, había comenzado a ampliar sus horizontes musicales experimentando con el sitar en ausencia de Williamson. Éste reformó la ISB, con Heron pero sin Palmer, el miembro fundador, que todavía estaba viajando por Afganistán. Como dúo, ensayaron las primeras versiones del material que configuraba su segundo álbum. Grabados crudamente en una grabadora de cuatro pistas con un solo micrófono, los ensayos tuvieron lugar en Balmore entre octubre de 1966 y febrero de 1967, en un período que estuvo cargado de extensas discusiones entre Williamson y Heron sobre los arreglos instrumentales del nuevo material.

   Poco después, a principios de 1967, este ISB De Dos Piezas se convirtió en habitual en la escena folclórica de Londres en ámbitos locales, con una lista de canciones que incluía las del siguiente álbum. Casi tan exótico como sus instrumentos, Williamson, interesado en espectáculos multimedia, contrató a dos bailarinas conocidas como Mimi & Lesandra (incorrectamente consideradas Mimi & Mouse) para participar en los conciertos de la banda. En la promoción de las canciones de la ISB interpretaron "Chinese White" en el Late Night Line-up, de la BBC y fue coronada por una breve aparición en el Festival Folk de Newport. Siguiendo el breve calendario de giras de la banda, su productor discográfico, Joe Boyd, que ya había trabajado con el grupo en su álbum debut, regresó para someterse a los desarrollos para el segundo álbum del grupo, ahora dúo.

   Después de más períodos de ensayo (las grabaciones de las demos resultantes se publicaron más tarde como The Chelsea Sessions 1967) la ISB terminó el álbum completo en Sound Techniques, Chelsea, Londres, a principios de 1967. Las grabaciones se realizaron en cuatro pistas en una primera instancia, con el dúo regrabando y haciendo un seguimiento múltiple de la amplia variedad de instrumentos que incluían sitar, gimbri, bongos, mandolina, oud . . . Gran parte de los temas instrumentales se basaron en influencias del género psicodélico, junto con  interpretaciones de piezas de los países que Williamson visitó en sus viajes. Las composiciones de Williamson y Heron eran de naturaleza excéntrica y se relacionaban con temas de mitología, vida y religión.

   Para las grabaciones, se incluyeron músicos de sesión, como Nazir Jairazbhoy al sitar, Danny Thompson, de Pentangle, al contrabajo y piano, el activista contracultural John "Hoppy" Hopkins. La futura miembro de ISB, McKechnie, hizo sus primeras contribuciones a la banda como vocalista y percusionista en este disco

   Aunque varios otros grupos musicales, incluidos The Beatles y The Rolling Stones, ya habían comenzado a incorporar el sitar en sus composiciones, la ISB presentaba a Jairazbhoy, un músico al que se le enseñó de forma tradicional con el instrumento en lugar de ser un instrumentista occidental aficionándose al sitar. Williamson se inspiró en su tiempo en Marruecos, influenciado por las estructuras de canciones y técnicas vocales. Las composiciones del álbum reflexionaron sobre estos desarrollos, con la adaptación de Williamson del oud árabe a la guitarra y los arabescos vocales como puntos estilísticos importantes en el sonido general del álbum.

   El disco se lanzó en julio de 1967 bajo etiqueta de Elektra. Resultó en ser más exitoso que el debut de ISB, alcanzó el puesto 25 en el UK Albums Chart y el número uno en el UK Folk Chart, en parte debido a la promoción de DJ John Peel. Su portada, diseñada por los artistas holandeses Simon Postuma y Marijke Koger, The Fool, presentaba un crisol multicolor que yuxtaponía luz y oscuridad. 

Label: Elektra - K 42001

Format: Vinyl, LP, Album, Reissue 

Country: UK Released: 1976

Genre: Rock Style: Psychedelic, Folk Rock

Rip by Son-Of-Albion

The Incredible String Band - The 5000 Spirits or the Layers of the Onion

Lyrics

https://genius.com/The-incredible-string-band-the-hedgehogs-song-lyrics

Released July 1967 Produced by Joe Boy

LasCincoMilCapasDeLaCebolla

parte 1

https://1fichier.com/?urldxwlzuyzod5ifgmvb

parte 2

https://1fichier.com/?qtqxgmk1bqryimrmzh75

parte 3

https://1fichier.com/?54hw5w4s833gw41hnnf0

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