Gong. Love From The Planet Gong. CD 2 Angel’s Egg

Gong. Love From The Planet Gong: The Virgin Years 1973-1975

BoxSet Especial 50 Aniversario

12 Cds + 1 DVD. Sonido Surround. Remasterizado

lanzado el 27 de septiembre de 2019

CD 1  Flying Teapot

CD 2  Angel’s Egg

CD 3  You

CD 4  Shamal

CD 5  BBC Radio 1 Sessions And Edinburgh Live

CD 6  Paris Bataclan Live, 20th May 1973, Pt.1

CD 7  Paris Bataclan Live, 20th May 1973, Pt.2

CD 8  Roanne – Club Arc En Ciel Live, 17th Aug 1973, Pt.1

CD 9  Roanne – Club Arc En Ciel Live, 17th Aug 1973, Pt.2

CD 10  London – Hyde Park Live, 28th June 1974

CD 11  London – The Marquee Club Live, 9th & 10th Sept 1975, Pt.1

CD 12  London – The Marquee Club Live, 9th & 10th Sept 1975, Pt.2

13 (DVD)  You Quad Surround Sound

Reseña

Gong / Love From The Planet Gong: The Virgin Years 1973-1975 / 13-disc box

https://superdeluxeedition.com/news/gong-love-from-planet-gong-the-virgin-years-1973-1975-13-disc-box/

de Paul Sinclair, News 27 Aug 2019

   Cocinada por Steve Hillage y lanzada con la participación total de los miembros originales, los legendarios surrealistas psicodélicos Gong son el tema de una nueva caja en el lanzamiento de Love From Planet Gong: The Virgin Years 1973-75.

   Este paquete de 13 discos incluye los primeros cuatro álbumes de estudio en Virgin de la banda, con bonus tracks; conciertos completos con múltiples pistas inéditas, las sesiones completas de John Peel de 1973 y 1974; mezclas de Quad Pye y Westlake inéditas de You, de 1974 reformateadas a sonido envolvente 5.1, con los diseños artísticos de los discos que incluyen obras y trabajos raros del difunto Daevid Allen,  nunca antes vistos.

   El audio está remasterizado por el ingeniero original, Simon Heyworth, y las grabaciones en vivo están mezcladas por el bajista de Gong, Mike Howlett. El set viene con un libreto ilustrado de 64 páginas, que incluye las letras de las canciones y el famoso e informativo 'Libro Azul' de Angel's Egg con un nuevo compañero, el 'Libro Verde' de Flying Teapot.

Paul Sinclair

https://superdeluxeedition.com/news/gong-love-from-planet-gong-the-virgin-years-1973-1975-13-disc-box/

SuperDeluxeEdition.com ayuda a los fans de todo el mundo a descubrir música física y discutir lanzamientos. Para mantener el sitio libre, SDE participa en varios programas de afiliados

.

Gong. Love From The Planet Gong. CD 2  Angel’s Egg

1973 (Radio Gnome Invisible Part 2)

18 Temas ¬ Tiempo Total 01:01:39

@ 701 ¬ 355,54 MB

   Grabado en Francia durante la Luna Llena de Agosto de 1973, en Manor Mobile, 24 Track Studios Manor Mobile. Gong  Pavillon du Hay.

Producción de Gong, bajo dirección de Giorgio Gomelsky.

Intérpretes

Bajo - T. Being Esq

Batería, Marimba, Vibráfono - Pierre de Strasbourg

Ingeniero - Simon Hayloft

Flauta, saxofón tenor, saxofón soprano, coros - Bloomdido Bad De Grasse

Glockenspiel - Mirielle De Strasbourg

Guitarra - SubCapitán Hillage

Guitarra, Voz - Dingo Virgin

Sintetizador, Voz - Hi T. Moonweed

Voz Susurrante espacial - Shakti Yoni

Listado de Temas:

01 - Other Side Of The Sky ¬ 07:38 min.

Composición de  Allen, Blake

02 - Sold To The Highest Buddha ¬ 04:27 min.

Composición de Allen, Howlitt

03 - Castle In The Clouds ¬ 01:09 min.

Composición de Hillage

04 - Prostitute Poem ¬ 04:57 min.

Composición de  Smyth, Hillage

05 - Givin' My Luv To You ¬ 00:44 min.

Composición de Daevid Allen

06 - Selene ¬ 03:42 min.

Composición de Daevid Allen

07 - Flute Salad ¬ 02:13 min.

Composición de Malherbe

08 - Oily Way ¬ 03:37 min.

Composición de Allen, Malherbe

09 - Outer Temple ¬ 01:09 min.

Composición de Hillage, Blake

10 - Inner Temple ¬ 02:34 min.

Composición de Allen, Malherbe

11 - Percolations ¬ 00:46 min.

Composición de Moerlin

12 - Love Is How Y Make It ¬ 03:26 min.

Composición de Allen, Moerlin

13 - I Never Glid Before ¬ 05:39 min.

Composición de Hillage

14 - Eat That Phone Book Coda ¬ 03:08 min.

Composición de Malherbe

Bonus Tracks

15 - Other Side Of The Sky (Single Version) ¬ 04:41 min.

Composición de  Allen, Blake

16 - Ooby Scooby Doomsday Or The D Day DJ's Got The D.D.T. Blues ¬ 05:08 min.

Composición de Daevid Allen

17 - Love Is How Y Make It (1973 Vocal Mix) ¬ 03:30 min.

Composición de Allen, Moerlin

18 - Eat That Phone Book Coda (Early Version) ¬ 03:11 min.

Composición de Malherbe

18 Temas. Tiempo Total 01:01:39

flac ¬ 701 ¬ 355,54 MB

¡Disfrútalo!

Notas

   En los créditos del álbum se utilizan seudónimos y nombres de instrumentos absurdos seleccionados por Daevid Allen. Los nombres reales se utilizan en los créditos del compositor y se muestran entre paréntesis.

   Bloomdido Bad De Grasse (Didier Malherbe) - saxo ten / sop, floot, voz bifocal

   Shakti Yoni (Gilli Smyth) - susurro espacial, cacareo de lomo

 T. Being Esq (Mike Howlett, escrito Howlitt en los créditos del compositor) - bajo profundo

Sub. Capitán Hillage (Steve Hillage) - guitarra lasciva

Hi T. Moonweed (el favorito) (Tim Blake) - Cynthia "talla A", Voz de Dama

   

Pierre de Strasbourg (Pierre Moerlen, deletreado Moerlin en los créditos del compositor) – batería de pan y mantequilla, vibráfono, marimba.

    Mirielle de Strasbourg (Mireille Bauer) - lira

Dingo Virgin (Daevid Allen) - voz local, croon de aluminio, guitarra glissando

AllMusic Review

by David Ross Smith

   La pieza que acompaña a The Flying Teapot, Angel's Egg no es tu álbum de rock progresivo habitual. Muy peculiar, con muchas composiciones, en su mayoría breves, el álbum es un poco menos espacial que Teapot, con solo unas pocas letras inspiradas en psicodélias y muy técnico.

   Angel's Egg se abre con un corte de verdadero rock espacial (uno de los pocos del álbum) lleno de los habituales susurros espaciales de Gilli Smyth y las voces de Daevid Allen, luego conduce al ingeniosamente titulado "Sold to the Highest Buddha", con Steve Hillage y Didier Malherbe como personajes destacados. El instrumental "Castle in the Clouds" muestra a un Hillage entrando en lo suyo, con un sonido idéntico a su trabajo en solitario. "Givin 'My Love to You" suena como una canción de bar, sin música y con un grupo de chicos aparentemente borrachos tratando de cantar. Otro instrumental, "Flute Salad", da paso a "Oily Way", un escaparate de la flauta jazzística de Malherbe.

   "Inner Temple", pista instrumental de rock espacial, se mueve con un toque de jazz proporcionado por el saxo de Malherbe. Las últimas tres pistas son lo más destacado del Angel's Egg. "I Never Glid Before", fantástica melodía de rock progresivo, repleta del abrasador solo de Hillage, letras y voces de primo Allen, y la percusión precisa del nuevo miembro de la banda, Pierre Moerlen. Esta composición ecléctica viaja a través de varios movimientos y cambios de tiempo, y se presenta como una pieza que progresa perpetuamente. La imaginativa y jazzística "Eat That Phone Book Coda" cierra el álbum.

Sello: Virgin – V2007

Formato: Vinilo, LP, Album, Stereo, Gatefold

País: UK Publicado: Dec 7, 1973

Género: Rock Estilo: Space Rock, Psychedelic Rock, Prog Rock

   Angels Egg (Radio Gnome Invisible Part 2) es el cuarto álbum de estudio de la banda de rock progresivo Gong, lanzado por Virgin Records en diciembre de 1973.

   Fue grabado usando el estudio Manor Mobile en la casa comunal de Gong, Pavillon du Hay, Voisines, Francia, y mezclado en The Manor, Oxfordshire, Inglaterra. El álbum fue producido por "Gong bajo la dirección de Giorgio Gomelsky".

   Constituye el segundo volumen de la trilogía de álbumes Radio Gnome Invisible de Gong, después de Flying Teapot y anterior a You. La trilogía forma una parte central de la mitología Gong. El álbum original no tenía un apóstrofe en el título.

   La edición en vinilo original venía con un folleto que contenía una extensa explicación de la mitología, que incluía letras, un glosario de términos y perfiles de los personajes, de la historia y de los miembros de la banda. También contaba con cubierta desplegable (omitida en ediciones posteriores), una funda interior en tinta azul a juego con la portada plegable y el folleto; además tenía la etiqueta original de Virgin en blanco y negro, la que se suspendió después de 1973, fue uno de los últimos álbumes en usar la etiqueta original. Algunas copias tenían una pegatina sobre la parte superior del desnudo femenino en la luna en la portada.

   La versión en Cd lanzada por Virgin Records y luego reeditada en Charly Records contiene una pista adicional: "Ooby-Scooby Doomsday o The D-day DJs Got the DDT Blues", que termina con un coro de voces masculinas glissando (cuestionablemente considerado por algunos como una parodia de "Echoes" de Pink Floyd) comenzando con "Ahhhh" y terminando con "Chooo", imitando un estornudo. La pista se lanzó originalmente en el álbum Live Etc., pero se excluyó del lanzamiento del Cd (que reeditó ese álbum doble como un solo disco) y se incluyó en este álbum.

El  Huevo del Ángel

https://1fichier.com/?g844ioqeh9dyaj3aep9h

Read More

Lone Star. Es Largo el Camino, 1973. Síguenos, 1976

Lone Star ¬ Es Largo El Camino. 1972

Comentario 

Grabado en Estudios Gema

Arreglos y dirección, Jorge Doncos

Diseño, Miguel Angel Ruiz

Fotografía, Martin J. Louis

Productor. A. Mas Aguado

Intérpretes:

Bajo, coros, Sebastián Sospedra

Batería, Percusión, Coros, Luis Masdeu

Solo  de Guitarra y Vibráfono, Juan Miró

Voz, Piano, Pedro Gené

Composiciones de

Miró, Masdeu, Gené, Sospedra

Listado

01 - Nathalie - 04:33 min.

02 - If At Night I Call Your Name - 03:53 min.

03 - Hallelujah - 03:34 min.

04 - Pájaro De Fuego - 07:59 min.

05 - Maybe Tomorrow - 04:01 min.

06 - Máquina Infernal - 03:14 min.

07 - ¿Por Qué? - 04:10 min.

08 - I Got Nobody - 09:01 min.

8 Temas. Tiempo Total 00:40:25

flac ¬ 895 ¬ 239,64 MB

RipPor ¬ Napi#02

Sello: Unic – 5506-VS, EKIPO – 5506-VS

Formato: Vinilo, LP, Album, Gatefold 

País: Spain Publicado: 1973

Género: Rock

|¡ Disfrútalo!|

Lone Star ¬ Síguenos, 1976

Intérpretes:

Bajo y Coros – Sebastián Sospedra

Batería, Percusión y Coros – Luis Masdeu

Guitara Solista y Vibráfono – Juan Miró

Voz solista y Piano – Pedro Gené

Listado

01 - El Rock De La Cárcel - 04:08 min.

Composición de Leiber, Stoller

02 - Ol´ Man River - 09:11 min.

Composición de Hammerstein, Kern

03 - L´amor S´en Va - 06:07 min.

Composición de Pedro Gené

04 - La Oveja Negra - 05:13 min.

Composición de Sospedra, Masdeu, Miró, Gené

05 - Mi Nueva Gente - 04:18 min.

Composición de Sospedra, Masdeu, Miró, Gené

06 - Alas En El Cuerpo - 05:35 min.

Composición de Sospedra, Masdeu, Miró, Gené

6 Temas. Tiempo Total 00:34:32

flac ¬ 817 ¬ 208,14 MB

RipPor ¬ Napi#02

Reseñas

Sello: Diplo DRL 6000-Phonic, S.A.-Iberofon, S.A.

Formato: Vinilo, LP, Album, Gatefold

Editado en España en 1976

Género: Rock. Estilo: Prog Rock, Hard Rock

Lone Star Ahora

Pedró Gené, 1975

   Tener una idea, componer una música, crea algo. Es el principio.

  Y hay veces en que todo se convierte en un trabajo, técnica y musicalmente perfecto pero sin alma, sin sentimiento, sin calor humano.

   Por eso he llegado a la conclusión de que en un grupo es necesario que todos crean en lo que están haciendo y aporten todo lo que puedan y sientan. Uno debe dejar el interés personal a un lado y trabajar pensando en el resultado final de la obra.

   Creo que estamos en camino de conseguirlo.

   Por otra parte, Lone Star ahora, está en los umbrales de "un viejo sueño": lograr un sonido compacto, un bloque de sonido con fuerza y garra no exento de sensualidad. Música directa y sencilla. Pienso que lo que importa no es lo que un hombre sabe de música, ni lo que pueda hacer con un instrumento, si no lo que es capaz de expresar a través de él.

   Alex, Luis, Ricardo y Pedro son ya un sólido bloque que dominan más el volumen del sonido y que llega a la gente de una forma más precisa y coherente.

   Conclusiones, sueños, sonidos y música en definitiva, que habrá que ir siguiendo día a día.

   Sólo estamos empezando . . . 

Pedró Gené, 1975

Encuentros. Lone Star

Pedro Gené desvela los entresijos de unos clasicos reeditados

https://www.ruta66.es/2018/03/encuentros/lone-star/

Entrevista a Pedro Gené por Sergio Martos. 21 marzo, 2018

(1 de 2)

   Más que una excusa era una celebración. Los discos de Lone Star, en su etapa independiente, vuelven a estar en circulación. Sí, ediciones lujosas en vinilo de 180 gramos con reproducciones de las carpetas originales.

 Pedro Gené Vayamos por partes; de momento ha aparecido ¡¡Síguenos!! (originalmente publicado en 1975) el rompedor directo Adelante Rock En Vivo (original del 73) y un par de golosinas muy curiosas: un directo de la banda reformada en 1998 y otro directo, en estudio, del 74, con la fabulosa alineación de Pere Gené, Sebastià Sospedra, Joan Miró y Tapi. ¿Qué obras serán revisadas en el futuro cercano? «Poc a poc», como suele decir Jordi Gené, hijo de Pere y encargado de facturar estas bonitas reediciones. Con su padre nos reunimos para celebrarlo. Y de paso hicimos un repaso a la banda de su vida y la tuya también, querido lector.

   Quisiera empezar hablando de estos preciosos vinilos que aparecen ahora: por fin se hace justicia a la mejor etapa de la banda. No era lógico que solo se pudiese acceder a esos discos pagando una fortuna. Debe haber ahí un público joven deseando llegar a este material sin tener que hipotecar su vida.

Pedro Gené  Pues un montón de cosas fueron las que llevaron a que Jordi, mi hijo, me hiciera la pregunta: «¿Y si hacemos algo con esto?». Le dije que hiciese lo que quisiera con ello. Parece que hay un nuevo interés por el vinilo, así que remasterizamos los discos y los mandamos a Checoslovaquia, a la misma fábrica donde hicimos lo del directo del Teatro Infanta Beatriz (aparecido en 2010, que recoge un concierto de la banda en Madrid en 1968). «A saber dónde te metes», le dije.

Sin entrar en el nuevo material, ¿no quedaste contento con lo del directo de Madrid?

Pedro Gené Yo tenía esa cinta en un cajón, nos la habían pasado los de Radio nacional. Yo no lo hubiese editado, pero él pensaba que era algo histórico. No existía mesa de mezclas ni nada parecido, así que el que lo grabó lo debió pillar del bafle o de lo que hubiese ese día para la megafonía.

Hummm… tiene un sonido muy bueno para ser de un bafle.

Pedro Gené Quizás al ser radio nacional ellos tenían una conexión diferente, porque ojo, ahí estaba Radio 3 y eso es un capítulo aparte. Siempre que andábamos por Madrid grabábamos algo con ellos. Aprovechábamos que el grupo llevaba dos semanas rodando por la península para ir y plasmar cuando estábamos a tope. Volviendo a los nuevos vinilos, Jordi es quien se hace cargo de esto: va a ferias, vende por correo, a través de las redes sociales… Mientras saque para cubrir gastos ya me reconforta.

¿Qué hace Pere en un día normal?

Pedro Gené  Me mantengo en mi retiro. Lone Star fue casi más popular en España que en Catalunya, hasta el punto en el que aquí nos llamaban el grupo de rock estatal. Así que nadie me para por la calle. (Risas)

 ¿No echas en falta la música, la dinámica de una banda?

Pedro Gené  Mira, toda mi vida la he centrado en la música; pasé de todo lo demás. Cosa que está mal hecha. Supongo que debí cuidar un poco el negocio, prepararme para cosas en torno a ello, pero la música era lo único y lo más importante. A veces nos daban premios y yo no me presentaba, porque no lo creía relevante. Lo único que me importaba era poder escribir una nueva canción o mejorar mis aptitudes.

El hecho de no recoger un galardón, hoy día podría verse como un acto de prepotencia. Sin embargo, Frank Zappa compartiría tu postura. Un músico no tiene tiempo de estupideces.

Pedro Gené  Visto desde la distancia quizás fui un poco drástico, pero es que para mí no existía ninguna otra cosa. Te pondré un ejemplo: si quedábamos para un ensayo y alguien me decía «No puedo, porque tengo que acompañar a mi mujer al médico», lo primero que respondía era «Pero de qué me está hablando, ¿vas a faltar a un ensayo porque tienes que ir al médico con tu esposa? Esto es sagrado, no hay excusas». Viví todos esos años con esa intensidad. Por la noche dormía pronto y me levantaba temprano, sobre las seis de la mañana, para sentarme al piano y continuar con algo que había empezado a escribir el día anterior. Esa fue mi vida durante treinta o treinta y cinco años.

Quiero centrarme en las reediciones nuevas, que cubrirán la etapa 72-82, que es la trayectoria de Lone Star cuando abandona EMI. En mi opinión, la más interesante, transgresora, gloriosa (en los artístico) y la que os hizo ser la mejor banda de vuestro momento. Pero hay un tema, el último single antes de partir del mundo de las multinacionales, que da el pistoletazo a estos vigorosos y renovados Lone Star: «Gente joven». ¿Qué hicieron mal los de EMI para no convertir esa canción en un éxito? Era fresca, arriesgada, pero también pegadiza; un nugget de arriba a abajo.

Pues ese es el final de EMI, curiosamente. La relación con ellos era muy buena al principio, pero se fue deteriorando con los años, hasta el punto de que se va muriendo por sí misma. Ves que apenas hay ya promoción, no hay empuje por su parte. Luego ocurren otras cosas, anecdóticas, pero que te van jodiendo. Llegamos al portaaviones JFK, para hacer uno de nuestros conciertos más famosos e icónicos y los carteles estaban equivocados (se refiere a que pertenecían a otra banda de EMI, nda). Ese tipo de cosas. Coincidió también que había un cierto movimiento político, quizás relacionado con el socialismo, en el que las multinacionales parecían perder empuje.

Eso nos llevó a pensar que desde la independencia podíamos crecer y hacer cosas diferentes. Empezaban a aparecer muchos sellos independientes y nos daban esa confianza. Sabía que el empuje no sería el mismo, pero había la sensación de que el modelo de negocio estaba cambiando y los sellos independientes iban a dominar la escena. Había más margen y libertad. Y quizás con ese cambio…. Pero las multinacionales se hicieron más potentes que nunca y las independientes se quedaron sin margen de reacción, perdieron toda capacidad. (Risas) «Gente joven» era un tema con muchas posibilidades y si ellos hubiesen promocionado ese single… Pero fue al final de nuestra relación. Luego, sin querer culparme, he tenido un defecto toda mi vida, como te comentaba antes, y ese defecto ha sido centrarme demasiado en la música. Sé que era bueno en lo mío, pero tenía que haber estado más atento al resto de cosas. Ya sabes, si EMI falla, busca otra solución… Mi época más tranquila en Lone Star fue cuando entró Diresa, porque estaba dirigida por un tipo que era un gánster. «¿Queréis esto? Pues nada, mañana lo tienes». «¡Al hipódromo! ¿Queréis caballos? Aquí los tenéis». Y piensas, «bien, este tipo se hará cargo de todo lo que a mí me fastidia y yo me dedicaré a mi música».

Otro problema fue que a nosotros desde aquí nos costaba una barbaridad entrar en televisión española. Había una competencia desleal, con Los Brincos, Los Bravos… Todos los que estaban allí. Desde aquí era complicado y costaba trabajo acceder a un programa televisivo. Un día el jefe de televisión me dijo: «Pedro, la televisión es tuya. Ahora es tu momento». Total, que me pasé cuatro meses en Madrid haciendo programas a punta pala, todo por un trofeo que me habían otorgado (Copa Europea de la Canción Knokke, antecesor de Eurovisión -1969, nda). Fue uno de los escasos momentos en los que me aparté de lo que es meramente musical. Esto me lleva a mi disco en solitario (Boomerang, 2014, nda). El disco es de puta madre, aunque no está bien que sea yo el que lo diga. Pero se te cierran todas las puertas. Hasta TV3 me dijo que ya me habían hecho un favor anunciándolo cuando hicimos lo del crowdfunding. Decían con esto que ya no volvían a mencionarme.

Volviendo a Lone Star y los primeros años independientes. ¿No crees que la entrada y salida de músicos condicionaron la credibilidad de la banda?

Pedro Gené  De cara al fan puede ser, de cara a la música no. Los cambios que he hecho siempre han sido para mejorar. Si nos vamos hacia atrás nos plantamos en Rafael de la Vega; era un bajista profesional de puta madre, muy buen músico, pero el feeling del rock no lo tenía. En cambio Sebas (Sospedra) era todo lo contrario, porque llevaba el rock en la sangre. Es de aquellos músicos que tienen un brío especial… Mira, cuando escuchas un tema de swing… El swing es muy difícil de definir, no es solo un género. Y en eso el bajo es definitivo. Sebas hacía bailar las notas, te llevaba con su instrumento.

                      

Era impresionante. Escuchas una canción como «Soldado de plomo» y te viene a la cabeza el John Entwistle de Quadrophenia…

Pedro Gené   Cuando tocamos en el Palau de la Música, y no sé en qué momento se le ocurrió, agarró su bafle, se lo puso en el hombro y lo estampó. Era un tío genial. En mi opinión el mejor bajista que nunca tuvo Lone Star. En cuanto a los cambios, y volviendo atrás, volvemos a lo mismo pero con los baterías: salió Enrique López y entró Luis Masdeu. Enrique era muy bueno en el jazz pero muy cuadrado en el rock, lo contrario que Masdeu. ¿Y Tapi? ¡Fue el mejor baterista que tuvo Lone Star! Era autodidacta, nadie le enseñó a tocar. ¡Nunca antes había tocado Jazz! Pero volvamos al swing. Tapi tocando rock tenía swing. Un día le dije esto mismo que te estoy contando y alucinó: «No sé de qué me hablas». Otra vez le comenté que «ya sabrás que el grupo a veces se desdobla y hacemos algo de Jazz y tendrás que tocarlo». «Pero si nunca he tocado Jazz», me dijo nervioso. «Tranquilo, que tú lo harás bien». Y el Mallofre, que era un crítico de Jazz de La Vanguardia, dijo que era uno de los mejores baterías de jazz que había visto en su vida. ¡Imagínate! Son cosas de músico, pero nunca iba cuadrado con el bajo, siempre tiraba hacia atrás. Te daba una trempera…

El swing, algo tan necesario como el mismo oxigeno para que la música funcione de forma natural. Es algo que no puedes explicar con palabras.

Pedro Gené  Exactamente, no hay palabras que lo puedan definir. Una persona que no esté en el mundo de la música dirá «me gusta», pero si le preguntas el porqué no sabrá contestarte. Pero encuentra una diferencia. La pregunta general a qué es el Swing… Sí, lo de las orquestas, Glenn Miller… ¡No! El swing es otra cosa. Hasta un cantante de boleros puede tener swing.

Hablemos ahora de Largo Es El Camino (1972) el primer disco de la etapa independiente. Es un disco muy diverso, tanto que a ciertas personas puede llegar a confundirle. Pero en mi opinión encaja todo como un guante: desde la pomposidad de «Nathalie» al mambo rock de «Máquina Infernal» o los ritmos selváticos de «Pájaro de fuego».

Pedro Gené  Nosotros teníamos esa dualidad… Entre nosotros, tocábamos jazz, pero creo que no nos podíamos equiparar a las grandes formaciones del género. Una cosa es tocar aquí y allá: el piano, el vibráfono… El rock era otra cosa. Ahí sí que no era tanta la diferencia. Pero en el jazz, uf, ahí debo ser sincero. Así que de algún modo intenté fusionar las dos líneas de manera que lo del jazz fuera desapareciendo, aún estando en sentimiento y espíritu. Estábamos vendiendo algo difícil y complicado. Imagínate yendo a una compañía discográfica con un tema de quince minutos. «Pero esto qué es, ¿os habéis vuelto locos?» M idea era fusionar todo ello y tener esa identidad. Por eso hay esos cambios estilísticos.

Luego está lo del idioma: seguíais fusionando el castellano con el inglés, cosa que confundiría aún más a la audiencia y a la industria.

Pedro Gené  El tema del idioma fue algo sui generis, muy mío. He sentido cada idioma para cada canción. «Lyla», por ejemplo, quería cantarla en hebreo. Pero me obligaron a cantarla en castellano porque la veían con posibilidad de éxito. Para mí era algo anecdótico, una canción en hebreo perdida en un álbum. ¿Qué pasó? Pues que la discográfica ponía las pelas y como apostaban por una canción, algo que era su idea, lo apoyaban. Es un juego en el que yo debía haber entrado. Este es el ejemplo: insistieron en que cambiara la letra al castellano para poder venderla, y una vez la tuvieron a su gusto la apoyaron. Fue el single más vendido de Lone Star cuando no representaba en absoluto la música que hacíamos. Pero la convirtieron en una de las ‘canciones de verano’. La pasta estaba siempre ahí, pero no la gastaban cuando la idea era tuya.

Siguiendo con Es Largo El Camino, se nota que como compositor has asimilado muchas influencias, algunas de ellas desconocidas para la mayoría de aquí entonces.

Pedro Gené   Eso se traduce en pasarme noches en vela escuchando Radio Luxemburgo, o mi hermana, que al ser azafata de Iberia me traía muchos discos de Estados Unidos. Yo estaba más al corriente, seguramente, que la mayoría de gente que escuchaba música o tocaba un instrumento. Porque aparte de estos dos hechos, descubrí que EMI tenía un almacén en El Prat. Un día aparecí por allí para una sesión de fotos y vi unas estanterías de discos enormes que no se editaba aquí. ¿Y sabes lo que hacían con estos discos? Los quemaban. Y era porque no les cabían en el almacén.

Eran discos de importación. Total, hice amistad con el encargado del almacén y le dije: «Por favor, antes de quemarlos avísame». «Claro hombre, como si te los quieres llevar todos». Discos de Peggy Lee, Bobby Darin… Discos que no se editaban aquí. Total, que me hice con una discografía amplia y variada. Pues bueno, si a eso le añades que la música que se hacía entonces en España estaba en otra línea… Lo que predominaba era un tipo de música muy comercial, tipo Formula V… Y claro, la gente nos escuchaba y se preguntaban si vivíamos aquí o fuera. Soy consciente de ello, tal y como lo fui cuando publicamos un disco como Adelante, porque la gente lo adoptó, viendo que era algo distinto. La banda estaba en la línea del rock que funcionaba en el mundo, que no era precisamente el de aquí.

Texto: Sergio Martos

Es Largo El Camino. Síguenos

 https://1fichier.com/?h2flyhsq7lrvp2ldwpjr

Read More

ReupByRequest - Carmel - 1987 - Everybody's Got a Little...Soul

Carmel

Everybody's Got a Little . . . Soul
- 1987 - 

Reup a petición, nº 2 - Napi#10,

Entrada publicada originalmente el martes, 16 de Octubre de 2012

   La segunda mitad de los 80’s me pilló en plena emigración a tierras norteñas, y allá perdí mi equipo de música. Algún hijo de su madre entró en mi casa y sólo se llevó mi cadena estéreo, de modo que me tiré casi diez años sin oír mis Lp’s. Pero seguí comprando alguno (a mayor gloria de las sociedades de gestión que tanto se empeñan ahora en joribiar al personal) como el que hoy os comento, de una chiquita rubia que cantaba como si fuera negra, Carmel, en cuyo título se aseguraba que (traducción libérrima) “Todo quisque tiene alma, por pequeña que sea” y es un párrafo del tema que abre el disco ("A Hey Hey") de una forma muy dinámica, rebosante de alegría, donde dice la letra: "Negro o blanco, moreno o amarillo, tienes 'soul' y eres mi colega".

   El segundo es un tema que habla del juego al que tanto nos gusta jugar a todos "La vida es un maravilloso juego, al que una y otra vez jugamos [. . . ] y que se llama amor".

   La canción Every Little Bit es una versión que ellos se montan del instrumental "Cantalope Island" de Herbie Hancock, que no tiene desperdicio. Y así hasta nueve canciones, más el reprise del primero, para cerrar el círculo con mucha alma.

   Vikingo, no se si te gustará, pero ¿imaginas tener una compañera que cante de esta manera? Yo me moriría del gusto ¡seguro1 Así que, te paso una de mis novias preferidas de los últimos 25 años: ¡Va por tí, a ver si te enamora! Carmel.

Info

   Carmel (Carmel McCourt, nacida el 24 de noviembre de 1958 en Wrawby, Lincolnshire, Inglaterra) es una cantante femenina británica, su homónima banda se forma con el bajista Jim Parris, y el primo de éste, el batería Gerry Darby en la Manchester de los primeros 80's.

   Su estilo es de difícil categorización, si no fuera por la poderosa voz solista que les sitúa en algo parecido al soul (realmente es una mezcla de géneros entre baladas soul, gospel, blues, jazz y ritmos africanos, aprovechando las facultades vocales de la McCourt) y siempre han tenido mayor valoración en el continente que en el Reino Unido. En Francia son venerados, incluso los franceses bautizaron a McCourt como la nueva Edith Piaf, y en Italia ganaron el galardón de mejor voz de jazz en el Festival de Messina. Sin embargo, en su nativa Gran Bretaña, aunque disfrutaban de un estatus de culto con un núcleo duro de seguidores, a veces les resultaba difícil encontrar su lugar. "Evitamos las etiquetas, nunca nos identificamos con una única categoría. Queríamos libertad", dice Carmel.

   "Fue una libertad que nos contuvo comercialmente", dice Jim "Estábamos delante de nuestro tiempo en algunos aspectos. Ahora se da por sentado que los músicos y DJ's pueden utilizar todo tipo de influencias. Esto parecía un problema en Inglaterra entonces. Era más fácil hacerlo en Francia".

   Durante gran parte de la década de los noventa los miembros del grupo vivieron entre Barcelona, París y Manchester y era difícil para ellos el trabajar juntos, por lo que siguieron otros proyectos musicales. Jim creó la banda" Nzi Dada" con sede en París con el artista multimedia Xumo Nounjio, y  Carmel trabajó en varios proyectos como cantante, escritora y profesora.

   El inicio del milenio les llevó a todos a su propio terreno, Manchester, pero Gerry decidió que ya no quería seguir. En 2002, Jim y Carmel realizaron una gira tocando el material antiguo con una banda de nueve integrantes que fue grabado para el lanzamiento de DVD de Secret Films. Más tarde trabajó en el material para un nuevo álbum con el legendario batería Brice Wassy.


Dice Carmel: "Es un medio curioso lo del escenario, siempre por desarrollar . . . me encanta. Es la comunicación directa con la gente ¡tan inmediata, tan poderosa!. Sin embargo, lleva su tiempo el poderlo hacer bien. Sin duda, eres un mejor intérprete a los 40 que a los 22".

Carmel
- 1987 -
Everybody's Got a Little . . .  Soul
“Tó quisque tiene alma, por pequeña que sea”

Créditos:

Bajo Acústico y Contrabajo Eléctrico- Jim Paris

Congas - Johnny Folarin (temas 2, 3, 5 a 9)

Batería - Gerry Darby

Ingeniero de sonido - Nick Froome

Teclados - Ugo Delmirani (temas 1 a 6, 8 a 11)

Mezclas - Dominick Maita (temas 1, 3 a 11)

Productor - Mike Thorne

Saxo Alto - Paul Baylis (temas 2, 3, 7)

Saxo Tenor - Paul Baylis (temas 8 a 10) , Paul Coussee (temas 2, 3, 5)

Trombón - Fayyaz Virji (temas 2, 3, 5)

Trompeta - Kevin Robinson (4) (temas 2, 3, 5)

Coros - Beverley Skeete (temas 1 a 3, 6, 9 a 11) , Janice Hoyte (temas 1 a 3, 6, 9 a 11)

Voz solista - Carmel McCourt

Listado de Temas

01 - A Hey Hey (Everybody's Got A Little...Soul) - 02:55 min.

Bajo Acústico- Jim Paris

Batería - Gerry Darby

Teclados - Ugo Delmirani

Congasy Bongos - Johnny Folarin

Cantantes - Carmel, Beverley Skeete, Janice Hoyte

"sección de viento de zona residencial":

Saxo Tenor - Arno Hecht

SaxoAlto - Crispin Cioe

Trompeta - Hollywood Paul

Trombón - Bob Funk

Solo de Saxo Tenor invitado - Paul Baylis

02 - It's All In The Game - 03:53 min.

Bajo Acústico - Jim Paris

Batería - Gerry Darby

Teclados  - Ugo Delmirani

Cantantes - Carmel, Beverley Skeete, Janice Hoyte

Ingeniero de sonido - Carl Beatty

03 - Every Little Bit - 04:00 min..

Bajo Acústico - Jim Paris

Batería - Gerry Darby

Teclados - Ugo Delmirani

Congas - Johnny Folarin

Saxo Alto - Paul Baylis

Trombón - Fayyaz Virji

Trompeta - Kevin Robinson

Cantantes - Carmel, Beverley Skeete, Janice Hoyte

Arreglos de sección de viento - Ugo Delmirani

Mezclas de - Julian Mendelsohn

04 - Nothing Good - 05:02 min..

Bajo Acústico - Jim Paris

Batería - Gerry Darby

Teclados y Piano - Ugo Delmirani

  Fliscorno - Harry Becket

05 - Azure - 04:12 min..

Bajo Acústico - Jim Paris

Batería - Gerry Darby

Teclados- Ugo Delmirani

Congas yCascabeles - Johnny Folarin

Clarinete Alto - Paul Baylis

Saxo Tenor y Flauta - Paul Coussee

Trombón - Fayyaz Virji

Trompeta - Kevin Robinson

Arreglos de sección de viento - Ugo Delmirani

06 - Sweet And Lovely - 04:38 min..

Bajo Acústico - Jim Paris

Batería - Gerry Darby

Teclados - Ugo Delmirani

Congas - Johnny Folarin

Cantantes - Carmel, Beverley Skeete, Janice Hoyte

Saxo Alto - Paul Baylis

Saxo Tenor - Paul Coussee

Trombón - Fayyaz Virji

07 - Jazz Robin - 02:39 min..

Bajo Acústico - Jim Paris

Batería - Gerry Darby

Flauta - Paul Coussee

Congas - Johnny Folarin

Programación de- Ugo Delmirani

08 - Lay Down - 03:25 min..

Bajo Acústico - Jim Paris

Batería - Gerry Darby

Teclados  - Ugo Delmirani

Congas - Johnny Folarin

Cantantes  - Beverley Skeete, Janice Hoyte

Flauta Alto - Paul Coussee

09 - I Do And Do - 08:38 min.

Teclados - Ugo Delmirani

Saxo Tenor - Paul Baylis

Congas - Johnny Folarin

10 - A Hey Hey (Reprise) - 01:39 min.

Bajo Acústico - Jim Paris

Batería - Gerry Darby.

Bongos - Johnny Folarin

Saxo Alto - Crispin Cioe

Saxo Tenor- Arno Hecht

Trombón - Bob Funk

Trompeta - Hollywood Paul

10 Temas. Tiempo Total: 00:41:01

flac @ 1101 - 295,45 MB

FlacVinyloRipPor Napi#10

Fuentes consultadas:

http://www.neoglobal.net/carmel/news.html
http://en.wikipedia.org/wiki/Carmel_%28singer%29

RubiaYNegra

https://1fichier.com/?qnl6k2l0xqdzyl3lm2tn

Read More

Tony Joe. Eyes. Dangerous.

Tony Joe White: Tony Joe. Eyes. Dangerous. 1970, 1976, 1983

Tony Joe (1970)

Grabado en Monument Recording Studio, Lyn-Lou Studios y RCA Victor Studios, Nashville

Ingeniero, Al Pachucki (pistas: A1, A2, A5, B1, B2, B5)

Técnicos, Roy Shockley (pistas: A1, A2, A5, B1, B2, B5) Larry Rogers (pistas: A3, A4, B4), Mort Thomasson (pistas: B3)

Ingenieros de sonido en mezcla y sobregrabaciones, Mort Thomasson, Tommy Strong

Productores, Billy Swan, Tony Joe White

Fotografía, Stephen Paley

Intérpretes

Tony Joe White - guitarra, armónica, Whomper Stomper & Box

bajo - Norbert Putnam (pistas: A1, A2, B1 a B3, B5), Tommy McClure (pistas: A4)

batería - Jerry Carrigan (pistas: A1, B1 a B3, B5), Sammy Creason (pistas: A4, A5)

órgano - David Briggs (pistas: A1, B1, B2, B5), Mike Utley (pistas: A4, A5)

Viento y Cuerda The Nashville Horns & Strings

Arreglos de Viento y Cuerda - Bergen White

Composiciones de Tony Joe White

excepto donde se indica

Listado: 

 01 - Stud-Spider - 05:38 min.

 02 - High Sheriff Of Calhoun Parrish - 03:49 min.

 03 - Widow Wimberly - 03:38 min.

 04 - Groupy Girl - 03:01 min.

 05 - Conjure Woman - 03:55 min.

 06 - Save Your Sugar For Me - 02:18 min.

 07 - Hard To Handle - 02:51 min.

Composición de Otis Redding, Alvertis Isbell, Allen Jones

 08 - What Does It Take (To Win Your Love For Me) - 03:38 min.

Composición de Vernon Bullock, Johnny Bristol, Harvey Fuqua

 09 - My Friend - 03:07 min.

Composición de Donnie Fritts, Spooner Oldham

 10 - Stockholm Blues - 03:25 min.

 11 - Boom Boom - 07:50 min.

Composición de John Lee Hooker

 12 - I Protest - 03:06 min.

 13 - Man Can Only Stand Just So Much Pain - 02:30 min.

13 Temas - Tiempo Total: 00:48:46

flac @ 884  - 315.28 MB 

 

Tony Joe White. Eyes + Dangerous [1976, 1983 Two In One, 2003 Edit]

“Eyes” (1976)

 01        Soulful Eyes        03:45 min.

 02        You Taught Me How To Love        04:12 min.

 03        You Are Loved By Me        03:37 min.

 04        Rainy Day Love        03:24 min.

 05        We'll Live On Love        03:27 min.

 06        Making Love Is Good For You        03:15 min.

 07        Texas Woman        02:58 min.

 08        Hold On To Your Hiney        03:37 min.

 09        Swamp Boogie        03:17 min.

 10        That Loving Feeling        04:07 min.

“Dangerous” (1983)

 11      Dangerous         03:35 min.

S. Cobb

 12        Naughty Lady        03:06 min.

 L. White, T. J. White

 13           Our Day Will Come        03:22 min.

Mort Garson, Bob Hilliard

 14         If You're Gonna Love Somebody        03:51 min.

 15        Swamp Rat        03:51 min.

 16        Do You Have A Garter Belt        02:33 min.

 17        Down By The Border        03:05 min.

 18         Lady In My Life        03:18 min.

 19        We Belong Together         03:39 min.

 20    You Just Get Better All The Time        03:39 min.

J. Christopher, T. J. White

Temas extra 

 21        Living In The River City        02:39 min.

 22        Excerpt From A 1997  Sydney Interview        05:21 min.

 conducted by Glenn A. Baker and edited by Tristan Baker.

22 Temas - Tiempo Total: 01:17:38

flac @ 918  - 443.63 MB

Créditos de Tony Joe (1970)

Grabado en Monument Recording Studio, Lyn-Lou Studios y RCA Victor Studios, Nashville

Ingeniero, Al Pachucki (pistas: A1, A2, A5, B1, B2, B5)

Técnicos, Roy Shockley (pistas: A1, A2, A5, B1, B2, B5) Larry Rogers (pistas: A3, A4, B4), Mort Thomasson (pistas: B3)

Ingenieros de sonido en mezcla y sobregrabaciones, Mort Thomasson, Tommy Strong

Productores, Billy Swan, Tony Joe White

Fotografía, Stephen Paley

Intérpretes

Tony Joe White - guitarra, armónica, Whomper Stomper & Box

bajo - Norbert Putnam (pistas: A1, A2, B1 a B3, B5), Tommy McClure (pistas: A4)

batería - Jerry Carrigan (pistas: A1, B1 a B3, B5), Sammy Creason (pistas: A4, A5)

órgano - David Briggs (pistas: A1, B1, B2, B5), Mike Utley (pistas: A4, A5)

Viento y Cuerda The Nashville Horns & Strings

Arreglos de Viento y Cuerda - Bergen White

Créditos de "Eyes" (1976)

Sello: 20th Century Records - T-523 USA 1976

Formato: Vinilo, LP, Álbum

Ingeniero Ron Tapone

Mezclas de Hon Gapone, Pat Glasser, Tom Trefethen.

  Master en Allen Zentz Mastering

Guitarras y Armónica Tony Joe White

Bajo, Billy Wayne Herbert

Órgano y Piano, Don Chandler

Batería, James Govan, Willie Hall en #12

Vibráfono, Rene Coopman

Saxo, Plas Johnson

Coros: Venetta Fields, Julia Tillman Waters,

Maxine Willard Waters

Un agradecimiento especial a Sharon.

Gracias a Russ & Pat por ayudarme a hacerlo bien.

Créditos de "Dangerous" (1983)

Sello: Columbia FC 38817, Sherrill Inc. FC 38817 US 1983

Formato: Vinyl, LP, Album

Género: Rock Estilo: Country Rock

Grabado en Cotton Row Recording Studio, Memphis, Tennessee

por Niko Lyras, Ron 'Snake' Reynolds

Diseño, Ward Archer Jr., Payton Brown, Eddy Hudson.

Remix en Eleven-Eleven Sound, Nashville, Tennessee

Master, Glenn Meadows en Masterfonics, Nashville, Tennessee

Ingenieros de sonido, "Fast Eddy" Hudson, Ward Archer, Jr., Niko Lyras, Payton Brown, Ron "Snake" Reynolds

Arreglos de Sección de cuerda, Shane Keister

Dirección artística, Virginia Team

Fotografía de Beverly Parker

Productor, Ron "Snake" Reynolds

Coproductor Tony Joe White (pistas: #A2, #B4)

Coros, Mark Gray, The Cherry Sisters

Bajo, Steve Cobb

Batería, Jeff Hale "The Loose"

Teclados, Alan Steinberger, Marvell Thomas, Shane Keister

Voz solista, armónica y guitarra, Tony Joe White

Percusión, Jeff Hale, "Snake", Terry McMillan

Saxo, Sam Levine

Sección de Cuerda, The Nashville String Machine

Un agradecimiento especial a Leann, Michelle, Jody y Jim Bob

Reseñas

Tony Joe White,  Tony Joe

User Reviews, July 5, 2020

 By Dapperdan Pomade

     Al igual que con tantos artistas de este período, la rutina de sacar un álbum cada seis meses resultó demasiado para un compositor del talento de White. Con su instrumento vocal limitado, un buen material es un requisito y no hay suficiente aquí para elevar el proyecto por encima de la mediocridad. Es interesante escucharlo abordar What Does It Take de Jr. Walker. Este disco es solo para nosotros, los fans de TJW. No se preocupen, nuestro héroe se recuperará.

Tony Joe White,

“Eyes” (1976) “Dangerous” (1983) Two In One, 2003 Edit

Sello Monument ‎– SLP18142, Monument ‎– SLP 18142 US  1970

Formato: Vinyl, LP, Album, Pitman pressing

Género: Rock, Blues, Folk, World, & Country

Temas #1 a  #10, producido, por Tony Joe White

#11 y #21 producidos por "Snake" Ron Reynolds

(excepto 1#2 y #19 coproducidos con Tony Joe White)

Master por Warren Barnett en el Raven Lab.

Ilustraciones de Greg Klein y Alan Duffy

Concpto de Peter Shillito.

Preparado para su lanzamiento por Glenn A. Baker y Kevin Mueller

Fotografías de los archivos y álbumes originales de Glenn A. Baker.

Gracias a Tony Joe White, Sarah Reardon, Donna Fitzhenry, Kevin Mueller y lan McFarlane.

Grabado de febrero a abril de 1970, en los estudios Monument Recording Studio.

Lyn-Lou Studios. RCA Victor Studios, Nashville

Género Country, pop, soul de ojos azules, swamp rock

Productor Billy Swan

 Publicado en 1970

AllMusic Review

 by Stephen Thomas Erlewine

   Tres años después de dejar Warner Bros, Tony Joe White regresó con Eyes, lanzado en 20th Century. Su sello discográfico no fue lo único que cambió,  también abandonando el idiosincrásico blues country-rock con el que se hizo un  nombre. Y White se volvió casi smooth disco, creando un álbum de seducción nocturna, más cercano a Boz Scaggs que a su propio y reconocible sonido, pero eso no fue necesariamente algo malo, ya que su voz se adapta a ese ritmo elegante y bueno, es atractivo en la superficie.

   Este es un álbum hecho para "momentos romance", seis de los diez temas tienen algún sinónimo o figuración de "amor" en el título y si eso no era lo suficientemente claro, esta la foto de portada, con Tony Joe con una camisa de cuello ancho y abierta, charlando con una encantadora mujer rubia. Si eso enfatiza un poco su punto y no presenta mucha sutileza, al menos sí ofrece un elegante sonido de seducción que es completamente de finales de los 70 y suena más atado a su tiempo que lo que suele hacer la música de White. Quizás esa sea la razón por la que a muchos fans de White no les gusta este álbum, es un asunto tan tranquilo que cuando regresa a lo del pantano, como en "Texas Woman", es desarmador, aunque resulte agradable por lo que es.

parte 1

https://1fichier.com/?dq1e0d3oe4yoyylt10m1

parte 2

https://1fichier.com/?vp3ym27w1oi3jhea3q0h

parte 3

https://1fichier.com/?zme9t4q2sgt2xceuhhdb

Read More

Paul Simon. Hearts And Bones. 1983

Paul Simon. Hearts And Bones. 1983

Grabado en – Warner Bros Recording Studios. Regent Sound Studios, New York City. Power Station. Mediasound. Atlantic Studios y Sigma Sound Studios, New York

Mezclado en Regent Sound Studios, New York City

Master en Sterling Sound y Sheffield Lab Matrix.

   Todas los temas escritos por Paul Simon,

excepto la coda de un minuto en

"The Late Great Johnny Ace" escrita por Philip Glass.

Listado:

A1 Allergies 4:37

Guitarra acústica - Paul Simon

Arreglos de Viento - Dave Matthews

Contrabajo - Anthony Jackson

Batería: Steve Ferrone, Steve Gadd

Guitarra eléctrica - Dean Parks

Piano eléctrico Fender Rhodes - Greg Phillinganes

Solo de Guitarra - Al Di Meola

Percusión - Airto Moreira

Sintetizador - Rob Mounsey, Rob Sabino

A2 Hearts And Bones 5:37

Guitarra acústica - Paul Simon

Contrabajo - Anthony Jackson

Batería - Steve Gadd

Piano eléctrico Fender Rhodes - Richard Tee

Guitarra Hi-string - Dean Parks

Percusión - Airto Moreira

Vibráfono, Marimba - Michael Mainieri

A3 When Numbers Get Serious 3:25

Contrabajo - Anthony Jackson

Batería - Steve Ferrone

Guitarra eléctrica - Eric Gale

Teclados - Richard Tee

Percusión - Airto Moreira

Sintetizador Synclavier - Tom Coppola

A4 Think Too Much (b) 2:44

Guitarra acústica - Paul Simon

Bajo - Marcus Miller

Contrabajo - Anthony Jackson

Batería - Steve Gadd

Guitarra eléctrica - Dean Parks

Marimba - Michael Mainieri

Percusión - Airto Moreira

Piano - Richard Tee

Sintetizador Synclavier - Tom Coppola

A5 Song About The Moon 4:07

Guitarra acústica - Paul Simon

Contrabajo - Anthony Jackson

Batería - Steve Gadd

Guitarra eléctrica - Dean Parks

Piano eléctrico Fender Rhodes - Greg Phillinganes

Sintetizador Synclavier - Tom Coppola

Vocoder - Rob Mounsey

B1 Think Too Much (a) 3:05

Bajo - Bernard Edwards

Batería - Steve Ferrone

Guitarra eléctrica - Nile Rodgers

Sintetizador Synclavier - Tom Coppola

B2 Train In The Distance 5:11

Saxo alto - Mark Rivera

Bajo - Marcus Miller

Contrabajo - Anthony Jackson

Violonchelo - Jess Levy

Batería - Jeff Porcaro

Guitarra eléctrica - Dean Parks

Piano eléctrico Fender Rhodes - Richard Tee

Cuerno francés - Peter Gordon

Percusión - Airto Moreira

Vibráfono - Michael Mainieri

B3 René And Georgette Magritte With Their Dog After The War 3:44

Coros arreglados e interpretados por The Harptones

Contrabajo - Anthony Jackson

Guitarra eléctrica - Paul Simon

Piano eléctrico Fender Rhodes, sintetizador - Richard Tee

Orquestado por - George Delerue

Piano - Rob Sabino

Sintetizador Synclavier - Wells Christie

B4 Cars Are Cars 3:15

Arreglos sección Viento, Dave Matthews

Contrabajo - Anthony Jackson

Guitarra eléctrica [Linn Drum Machine] programada por - Nile Rodgers

Programador [Linn Drum Machine] - Paul Simon

Sintetizador - Rob Sabino

B5 The Late Great Johnny Ace 4:45

Composición de Philip Glass Paul Simon

Coda], Compuesto y Orquestada por - Philip Glass

Guitarra acústica - Paul Simon

Clarinete bajo - George Marge

Violonchelo - Frederick Zlotkin

Dirección, Sintetizador - Michael Riesman

Batería - Steve Gadd

Guitarra eléctrica - Dean Parks, Sid McGinnis

Piano eléctrico Fender Rhodes - Greg Phillinganes

Flauta - Carol Wincenc

Sintetizador - Michael Boddicker

Viola - Jill Jaffe

Violín - Marin Alsop

Temas extra

 11 - Shelter Of Your Arms (obra no publicada en curso)  - 03:12 min.

 12 - Train In The Distance (demo acústico original) - 03:14 min.

 13 - Rene And Georgette Magritte With Their Dog After The War (demo acústico original) - 03:47 min.

 14 - The Late Great Johnny Ace (demo acústico original) - 03:22 min.

14 Temas - Tiempo Total: 00:54:26

flac @ 867 - 284,38 MB Rippeado Por:

Designol

| Date: 28 Jun 2012 13:55:00 | 

El Cielo Y El Dedo

http://elcieloyeldedo.blogspot.com.es/

Reseñas:

Paul Simon – Hearts And Bones

Sello: Warner Bros. Records – 9 23942-1, Warner Bros. Records – 1-23942  Publicado: US 1983

Formato: Vinilo, LP, Album, Allied Pressing

Género: Rock Estilo: Pop Rock

Dirección artística: Jeffrey Kent Ayeroff, Paula Greif

Coproductor - Lenny Waronker (pistas: a1, a5, b5)

Diseño - Jeri McManus

Ingeniero adicional: Gene Paul, Jason Corsaro, James Dougherty, Lee Herschberg, Mark Linett

Ingeniero [digital] - Tom Bates

Ingeniero segundo: Andy Hoffman, Dan Nash, Dave Greenberg, Eric Korte, Jim Santis, Ken Deane, Stuart Gitlin, Terry Rosiello

Ingeniero en Soundworks Digital Audio Facilities Wayne Yurgelun

Master por - Greg Calbi

Asistente de producción: Julie Hooker, Kimberly Boyle

Fotografía de Portada - E.K.T.V.

Fotografía del interior - Arthur Elgort

Productor: Paul Simon, Russ Titelman

Productor, ingeniero, mezclado por: Roy Halee

Synclavier Programado por - David Nichtern

Composiciones, Voz solista y Coros - Paul Simon

"SLM △" indica que el acetato se procesó, y las partes metálicas utilizadas para fabricar el disco se hicieron en Sheffield Lab Matrix.

El vinilo puede ser transparente traslúcido de color marrón oscuro [como en el lanzamiento promocional 3034413 de Quiex II].

Hearts and Bones, publicado en 1983

es el sexto álbum de estudio en solitario de

Paul Simon, fue grabado entre 1981 y 1983 en los estudios:

 Warner Bros Recording Studios, North Hollywood, CA. - Atlantic Studios,  N. Y. C. - The Power Station, N. Y. C. - Sigma Sound Studios,  N. Y. C. - Regent Sound Studios, N. Y. C. -  Media Sound Studios,  N. Y. C.

   Originalmente, el álbum estaba destinado a llamarse Think Too Much, pero Mo Ostin, presidente de Warner Bros Records en ese momento, persuadió a Simon para que lo cambiara por Hearts and Bones. El álbum fue escrito y grabado después de The Concert in Central Park de Simon & Garfunkel en 1981, y tras la gira mundial de 1982-1983. Varias canciones destinadas a Think Too Much fueron presentadas durante la gira, e incluso Art Garfunkel trabajó en algunas de las canciones con Simon en el estudio, con la intención de que el producto final fuera un álbum de estudio de Simon & Garfunkel, completamente nuevo. Garfunkel dejó el proyecto y Simon borró todas sus voces y lo convirtió el material de un álbum en solitario.

   En general, el álbum fue un fracaso comercial. En una reseña retrospectiva, William Ruhlmann en Allmusic, denominó a Hearts and Bones como la "colección de canciones más personal de Simon, una de las más ambiciosas y una de las mejores". Elogió el manejo lírico del tema del romance y la mezcla de la música de las raíces del doowop y rock and roll con la estilística contemporánea. Robert Christgau se refirió más tarde al álbum como "un callejón sin salida finamente labrado".

Intérpretes:

Paul Simon - guitarra acústica y eléctrica, programación, voz solista

Rob Mounsey - sintetizador, vocoder

The Harptones - coros

Bernard Edwards - bajo

Nile Rodgers: guitarra eléctrica en "Think Too Much (a)" y "Cars are Cars", programación

Al Di Meola - solo de guitarra eléctrica en "Allergies"

Eric Gale - guitarra eléctrica en "When Numbers Get Serious"

Sid McGinnis - guitarra eléctrica en "The Late Great Johnny Ace"

Airto Moreira - percusión

Marin Alsop - violín en "El difunto gran Johnny Ace"

Michael Boddicker - sintetizador en "The Late Great Johnny Ace"

Wells Christy, Tom Coppola - sintetizador

Steve Ferrone - batería en "When Numbers Get Serious" y "Think Too Much (a)", batería adicional en "Allergies"

Steve Gadd: batería

Anthony Jackson - bajo

Jill Jaffe - viola en "The Late Great Johnny Ace"

Jesse Levy - violonchelo en "Train in the Distance"

Mike Mainieri - marimba, vibráfono

George Marge - clarinete bajo en "The Late Great Johnny Ace"

Marcus Miller - bajo en "Train in the Distance" y "Think Too Much (b)"

Jeff Porcaro - batería en "Train in the Distance"

Dean Parks - guitarra eléctrica y acústica

Greg Phillinganes - piano, Fender Rhodes en "Allergies", "Song About the Moon" y "The Late Great Johnny Ace"

Michael Riesman - sintetizador, director en "The Late Great Johnny Ace"

Mark Rivera - saxofón alto en "Train in the Distance"

Robert Sabino - sintetizador, piano

Richard Tee - sintetizador, piano, Fender Rhodes

Carol Wincenc - flauta en "The Late Great Johnny Ace"

Frederick Zlotkin - violonchelo en "The Late Great Johnny Ace"

Peter Gordon - Fiscorno en "Train in the Distance"

La sección de viento no acreditada en "Alergies" y "Cars Are Cars" son Mark Rivera al saxo, Jon Faddis y Alan Rubin en trompeta

Dave Matthews - arreglos de trompeta

AllMusic Review

by William Ruhlmann

   Hearts and Bones fue un desastre comercial, el nuevo álbum de estudio más bajo de la carrera de Paul Simon. Aunque también es su colección más personal de canciones, una de las más ambiciosas y una de las mejores. Conserva una visión personal, en gran parte dedicada a los desafíos de la vida de mediana edad, entre ellos un compromiso renovado con el amor; la canción "Hearts and Bones" fue un testimonio notable de un nuevo romance, mientras que "Train in the Distance" reflexionó sobre la discordia romántica.

   Por otra parte, "The Late Great Johnny Ace" fue su meditación sobre el asesinato de John Lennon y cómo se relacionaba con la mitología de la música pop. Musicalmente, Simon avanzó y retrocedió simultáneamente, despegando del estilo de fusión de jazz de sus dos últimos álbumes hacia sus viejos amores por el doowop y el rock & roll, al tiempo que incorporó sonidos actuales con nuevos colaboradores, como el productor de música dance Nile Rodgers y el compositor minimalista Philip Glass. El resultado fue la colección más impresionante de Simon en una década, a la vez que el álbum más subestimado de su catálogo. 

Hearts And Bones

https://1fichier.com/?arya6llpppitw632dqes

Read More