Ciego de nacimiento, comienza a tocar el piano desde su más tierna infancia, influido por una familia de gran vocación musical. Se inicia en el mundo del jazz atraído por la música de Art Tatum, otro gran pianista ciego, y Earl Hines.
Su trayectoria profesional comienza en mayo de 1954, como pianista de la orquesta del bolerista venezolano Lorenzo González. En el Hot Club de Barcelona, donde toca con frecuencia con el saxofonista Don Byas, conoce a Lionel Hampton, quien lo incorpora a una grabación suya en 1956. En 1958 actúa por primera vez fuera de España, en Cannes, acompañado por Art Taylor y Doug Watkins. En los años 1960, toca con frecuencia en Berlín, junto a Albert Mangelsdorff, Chet Baker, Sahib Sihab, o Herb Geller, así como en Copenhague, junto a Dexter Gordon, Archie Shepp, Kenny Dorham y Roland Kirk, entre otros. En 1967, graba con Richard Davis y Elvin Jones, en Estados Unidos, para Impulse! (aunque dichas grabaciones no llegan a editarse en álbum) y, ya de vuelta a Europa, publica varios discos como acompañante y como líder.
Tete Montoliu y Bobby Hutcherson en 1984
Ref: De Brianmcmillen - Trabajo propio, CC BY-SA 3.0,
Vuelve a Estados Unidos en dos ocasiones (1979 y 1980) y trabaja en colaboración con Bobby Hutcherson, Ben Webster, Lucky Thompson, Anthony Braxton y George Coleman, con quienes también realiza diversas grabaciones. También toca con músicos como Chick Corea, Paquito D'Rivera, Stan Getz o Stéphane Grappelli. A nivel nacional, realiza un gran número de sesiones junto a Núria Feliu, o con su inseparable trío: el contrabajista Horacio Fumero y el baterista Peer Wyboris.
En 1996, recibe un homenaje a escala nacional en el Teatro Monumental de Madrid con motivo de sus 50 años en el mundo del jazz, con Tom Harrell y Gary Bartz, entre otros.
Tete Montoliu fallece el 24 de agosto de 1997 en Barcelona a las 11h40 en el Hospital Clínico de Barcelona, a los 64 años, víctima de un cáncer de pulmón. Tras su muerte, se crea la Bienal Premios Tete Montoliu de Jazz.
Nacimiento 28 de marzo de 1933 en Barcelona, España
Fallecimiento 24 de agosto de 1997, en Barcelona, España
Ocupación Músico y Pianista de jazz.
Género hard bop, bop.
Aquí va néixer Tete Montoliu, c. Muntaner
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under the code number 2705-1 (prefixed with territorial id: 08019/2705-1)
Estilo
Montoliu desarrolló su forma de tocar partiendo de la influencia de Bud Powell y, en menor medida, de Lennie Tristano, aunque logró un estilo personal, percusivo, repleto de swing y muy bluesy, que lo convirtieron en la figura más internacional del jazz español, y en un acompañante reclamado por las figuras americanas de paso por Europa. Su papel en la escena española es similar al que jugaría Martial Solal en la francesa.
Tete Montoliu - 1971 - Recordando a Line
Créditos
Bass – Erich Peter Drums – Joe Nay Piano – Tete Montoliu
Notas
Grabado en Noviembre de 1971, lanzado en 1972 Impreso en la trasera de la portada: "Edición autorizada por Tete Montoliu"
Listado de Temas:
01 - I Should Care (Piensa En Mí) - 02:32 min.
Sammy Cahn / Axel Stordahl / Paul Weston
02 - Sweet Georgie Fame - 06:14 min.
Blossom Dearie
03 - We'll Be Together Again (Estaremos Juntos De Nuevo) - 04:42 min.
Carl Fischer / Frankie Laine
04 - I Can't Get Started (No Consigo Empezar) - 05:40 min.
Vernon Duke / Ira Gershwin
05 - Lover Man (No Hay Amor) - 03:13 min.
Jimmy Davis / Roger "Ram" Ramirez / Jimmy Sherman
06 - I Fall In Love Too Easily (Qué Fácil Fue Mi Amor Por Ti) - 02:20 min.
Sammy Cahn / Jule Styne
07 - Blues For Line - 05:28 min.
Tete Montoliu
08 - When I Fall In Love (Nadie Como Tú) - 02:49 min.
Edward Heyman / Victor Young
09 - Body And Soul (Cuerpo Y Alma) - 09:03 min.
Frank Eyton / Johnny Green / Edward Heyman / Robert Sour
10 - My Funny Valentine (Mi Graciosa Valentina) - 02:24 min.
Lorenz Hart / Richard Rodgers
10 Temas - Tiempo Total: 00:44:25
flac @ 638 - 216,54 MB
Rippeado Por: Napi#17
Vicenç Montoliu i Massana, más conocido como Tete Montoliu
(Barcelona, 28 de marzo de 1933 - ibídem, 24 de agosto de 1997)
fue un pianista y compositor español de jazz, el primero que trascendió las fronteras
y alcanzó nivel internacional. Su estilo está muy influenciado por artistas
como Duke Ellington, John Coltrane, y Thelonious Monk.
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Fuentes y enlaces externos:
(1) Tete Montoliu en el Recuerdo: Tete en la Historia del
Club de Música y Jazz San Juan Evangelista de Madrid
María Isabel Quiñones Gutiérrez conocida artísticamente como Martirio (Huelva; 21 de marzo de 1954)
En los años 70 forma parte del grupo Jarcha. En 1984 Martirio forma parte del grupo Veneno, liderado por Kiko Veneno y los integrantes de Pata Negra: Raimundo y Rafael Amador.
En 1986 inicia su andadura en solitario con el nombre artístico de Martirio.
Su música es un puente entre culturas y fusiona copla andaluza, flamenco, bolero, jazz, tango, rock, guaracha...
Envío de Timm
Es todo un honor y por partida doble, este regalo. Lo es por el regalo de la presencia, en sí misma, de Timm y por el disco que es, toda una delicia de cuasi-boleros-jazz de una mujer que me encanta en el sentido más literal del término, y que escucho una y otra vez:
Martirio-2006-Primavera en Nueva York
[@320]
Créditos:
Martirio - Voz
Claudio Roditi - Fliscornio
Dafnis Prieto - Batería
Edgardo Miranda - Guitarra
George Mraz - Bajo
Houston Person - Saxo Tenor
Kenny Drew, Jr. - Piano
Paquito D'Rivera - Clarinete
Track List:
01. Ese Sentimiento Que Se Llama Amor (Mendez) 5:21
02. No Puedo Callar (Fernandez) 5:29
03. Primera Iluvia (Touzet) 5:10
04. ¿Que Me Importa? (Porta) 5:45
05. No Pidas Imposibles (Dominguez) 4:03
06. Si Te Contara (Reina) 4:19
07. Tengo (Valdes) 4:58
08. Son Cosas Que Pasan (O'Farrill) 5:25
09. Y Entonces (Rexach) 5:45
10. Alma Libre (Tarraza) 4:54
11. Mi Ayer (Rojas) 5:39
12. Me Faltabas Tu (Mendez) 4:34
La verdad es que tengo preparados ya, en alojador, tres discos de Martirio. A falta de decidirme por el momento de postearlos, porque me dio la furia en un momento determinado y tengo varias cosas amontonadas y esperando por mis arranques.
Es Maribel una de las responsables de que me haya reconciliado con las canciones que oían mis padres, con la copla, estilo que me ha “rechinado” en los primeros 40 años de mi vida. Y no sigo más, dejo paso a las notas que adjunta Timm:
En este disco adapta estos boleros cubanos de los 40 y 50 que lleva a su terreno, con sencillez, despojados de cualquier elemento que los aleje de su esencia, los originales fueron el germen de baladas norteamericanas posteriores en el tiempo, un disco de boleros con elegantes aires de jazz, pero boleros rescatados del olvido, no se trata del recurso fácil a los archiconocidos éxitos del género, la labor de Martirio consiste en bucear en las fuentes para devolver a la vida maravillosos temas olvidados o poco conocidos que hablan de amor en sus diferentes etapas, con sentimiento y sensibilidad en su recreación. Estilísticamente esta grabación se inclina más por el jazz que el bolero o el tango, debido al piano de Kenny Drew, Jr, al bajo de George Mraz, al baterista Dafnis Prieto, a Edgardo Miranda guitarrista, al clarinetista Paquito D'Rivera o al saxo tenor Houston Person y al solo de Fliscorno de Claudio Roditi.
La mayor parte de las composiciones son baladas, salvo el esperanzador mid-tempo vals "Alma Libre", un cierto espíritu de vals en "Mi Ayer. "Es difícil elegir cual de ellas es de mayor calidad entre cualquiera de las hermosas canciones incluidas en el disco, cada pieza se convierte en unica, un trabajo de conjunto, que una tras otra nos cuentan la historia completa. Hay un destello de Bossa en "No puedo callar", un lento y dulce blues en "Primera Lluvia", el dueto entre la agridulce voz y el bajo en " Si te contara ", y la victoria final "Me Faltabas Tu," el único dueto voz-piano.
¡¡¡Que aproveche!!!
*** ***
Y, en plan Bonus, el dsiquito:
Martirio Y Chano Dominguez - 2004 - Acoplados
Créditos
Lead Vocals – Martirio
Arranged By, Producer – Chano Domínguez
Directed By – Adrian Leaper
Executive Producer – Fernando Rosado, José Luis Ramos
Performer – Big Bang Orchestra RTVE, Chano Domínguez Trio, Orquesta Sinfónica de RTVE
La unión natural de música y poesía ha dado como resultado una de las manifestaciones expresivas más auténticas del sentimiento humano. Desde los tiempos más remotos, la canción, además de servir como idóneo vehículo de comunicación entre los hombres, ha sido uno de sus testimonios más vivos. Escondidas entre la historia y difuminadas por la arqueología sonora de nuestra memoria, las canciones permanecen grabadas en los bordes de las ánforas, en los mosaicos fragmentados, en las espadas herrumbrosas y en los mitos del corazón. No hay papiro o tablilla donde no aparezca el canto de los hombres. Cada pueblo ha cultivado la canción como un género íntimo que encierra la representación sentimental de sus vivencias. Pasiones, guerras, amoríos, celos, ilusiones, pérdidas, despedidas y encuentros configuran una forma de vivir y de estar en la tierra, de pensar y comportarse con más fidelidad que cualquier manual antropológico. En los pueblos de Europa, la canción ha ido adaptándose formal y estilísticamente a la manera de ser de sus protagonistas. Podríamos trazar un mapa más o menos exacto del continente a partir de los madrigales, lieder, romanzas, arias o baladas que se han cantado por los senderos de su territorio. La canción popular ha sido el germen de toda su música -como ocurría en Granados y Falla-, y en estado puro, sus letras y melodías aún siguen siendo una de las señas más claras de su condición. En España, la canción ha gozado siempre de un lugar privilegiado en la tribuna de sus manifestaciones artísticas. Grandes poetas y compositores han cultivado el género con delicadeza y gran respeto a la tradición popular, desde San Juan de la Cruz hasta Rafael Alberti, o desde Alfonso X hasta Joaquín Turina. Pero, sobre todo, la canción sigue cociéndose en el pueblo, en la voz anónima, en el movimiento cotidiano de las lavanderas, pescadores, soldados o campesinos. La canción española ha ido sufriendo una serie de transformaciones a lo largo de los tiempos en perfecta adaptación al sentimiento de la sociedad. La variedad de sus pueblos ha enriquecido el género hasta tal punto, que no se puede hablar de una solución común. Sin embargo, de toda esta gama destaca la copla como forma a la que han venido a confluir una serie de expresiones líricas y cancioneras. Los orígenes de la copla habría que buscarlos en los diversos tipos de estrofas que, con diferentes esquemas rítmicos, se cantaban en el siglo XIV, aunque cuanto entendemos hoy por tal término corresponda a un perfecto encaje de voz personal y música de autor, donde se expone radicalmente el mundo de los sentimientos enfrentados, la discusión con la propia vida y las contradicciones de nuestra existencia. Por otra parte, es imposible concebir la copla sin la presencia del cante flamenco. Aunque se trata de géneros distintos, el uno sin el otro tendría difícil explicación, pues si la copla adapta requiebros, cadenci as y fraseos del cante jondo, así como el aliento visceral de sus letras, bien es verdad que el propio flamenco ha venido nutriéndose de diferentes recursos que, tanto las antiguas tonadillas, como las posteriores coplas andaluza, le han ido aportando en un proceso de osmosis más o menos igualitaria. Como el bolero, el tango, el vallenato o la ranchera, la copla es expresión que ha traspasado las lindes regionales y nacionales para convertirse en espacio abierto de todos. Si a lo largo de casi todo el siglo XX la copla ha sido carta identificadora de un sustrato geográfico y sentimental determinado, hoy ramifica sus raíces, bebe de otros manantiales, presta sus elementos pasionales y se ofrece al mundo porque, al fin y al cabo, la música es única. En este disco tenemos ocasión de viajar al corazón de la copla y contemplarla en un paisaje contemporáneo. Liberada de sus tradicionales estructuras -a veces demasiado estrechas-, se nos presenta aquí diáfana y desmaquillada, en consonancia con una de las expresiones sonoras más punzantes y atractivas de nuestra modernidad, como es la música de jazz.Hace ya algunos años, bajo el título de Coplas de madrugá, Martirio y Chano Domínguez iniciaron un proyecto común que hoy se plantea otra nueva andadura. Sin renunciar ni un ápice a su sentido originario, la copla, en la voz de Martirio, adquiría un aire nuevo, una manera de decir diferente y, lo que es más importante, una veracidad incuestionable. Por otra parte, el piano y la creación musical de Chano Domínguez parecían surgir de la propia esencia de la copla. Hoy, en este registro, la apuesta es más arriesgada y el resultado más redondo. De aquella experiencia quedó el poso de una desconocida y atractiva musicalidad que ahora expone y desarrolla todo un abanico de posibilidades creativas. El lenguaje jazzístico del trío formado por Chano Domínguez, George Mraz y Guillermo McGill nace aquí de cada una de las coplas, no como pretexto aleatorio, sino como motivo elaborado desde sus respectivas melodías. Como ocurre en el flamenco, la música de jazz se hermana con cuanto roza, ya sea por simpatía, ductilidad de sus formas o vinculación sensorial. Y lo hace con naturalidad y elegancia, recuperando un eco perdido de algo que ha existido siempre y, paradójicamente, ha permanecido oculto. Pero no es una tarea fácil, ya que no se trata ni de parodiar, ni de adornar con unas determinadas estructuras rítmicas y armónicas el dibujo de la melodía invitada, sino de indagar en su centro y comprender la fuerza que le hace latir. Quizá ésta sea la única forma posible -o al menos, la más honrada- de fusión. En este caso, se trata de un jazz evocado desde el sur, desde el compás del habla andaluza que, aunque responde, en definitiva, a los patrones ortodoxos de la tradición, es consustancial a las raíces de la copla y el arte flamenco, tanto por conocimiento como por procedencia natural de sus dos principales protagonistas. Al presente trabajo discográfico -Acoplados- se incorporan dos elementos nuevos que enriquecen y, a su vez, precisan el espíritu de la copla. Por un lado, tal como ha venido existiendo en su convención ortodoxa, el apoyo abarcador de una orquesta sinfónica; y por otro, el vibrante estímulo rítmico y tímbrico de la big-band. La combinación de estos cuatro vectores -voz, trío, orquesta y banda-, que mantienen por separado una poderosa autonomía expresiva, plantea una serie de dificultades técnicas que felizmente han sido superadas aquí, gracias a una generosa colaboración por parte de todos y a una inteligente visión de conjunto. Tanto la voz melismática de Martirio, a medio camino entre el tronco de la tradición coplera y el legado de las grandes cantantes de jazz, como el talante tranquilo, casi mediterráneo, de las concepciones musicales de Chano Domínguez, se casan perfectamente bajo el techo sonoro de la orquesta, reforzado por el cromatismo de los instrumentos de viento y percusión que integran la banda. En este caso, todo responde a un trabajo colectivo minuciosamente cuidado, con medios artísticos y técnicos de primera calidad, desde la Orquesta Sinfónica de la Radio Televisión Española, dirigida por su titular Adrian Leaper, hasta los arreglos de Chano, Roque Baños, Carles Cases o Lluis Vidal, sin olvidar la profesionalidad y finura del equipo de técnicos de sonido y asesores de Radio Nacional de España que ha sabido resolver con soltura la complejidad de esta grabación. En esta rigurosa selección de coplas nos encontramos con títulos y melodías que han ilustrado gran parte de nuestra educación sentimental. Prestar oído a sus fraseos viene a ser como viajar un poco al centro de nuestros recuerdos, de aquello que vivimos en la infancia o que nos contaron nuestros padres y abuelos. Pero la música tiene poder suficiente, como para transformar las imágenes desvaídas por la nostalgia en permanente impulso creador, ayudada, claro está, por el talento de sus nuevos intérpretes. Son títulos que han cantado los artistas más señeros de la copla andaluza, escritos por los más ilustres compositores y letristas del género, que nos traen ecos de Miguel de Molina, Concha Piquer, Luisa Ortega o Marifé de Triana, por citar a unos pocos. Músicos y poetas como Manuel López Quiroga, Antonio Quintero, Juan Quintero, Rafael de León, Salvador Valverde, Pedro Llabrés, Manuel Gordillo, García Padilla, Antonio Kola, Carlos Castellanos, Antonio Sarmiento, Ramón Perelló y Juan Mostazo son los autores de las coplas contenidas en este disco, que evocan un fragmento de la educación sentimental de nuestro país, hoy recreado desde otra mirada diferente.
Herbert Jansch (nacido el 3 de noviembre 1943), conocido como Bert Jansch, es un músico de folk escocés y miembro fundador de la banda de Pentangle. Nació en Glasgow y, en la década de 1960, fue fuertemente influenciado por el guitarrista Davey Graham y cantantes de folk como Anne Briggs.
Es también un afamado guitarrista acústico y se le considera un gran innovador, y muy prolífico tanto por su labor de cantante como de compositor.
Tiene a su nombre al menos 25 discos, ha girado extensamente a partir de la década de 1960, y sigue en activo en el siglo XXI. Su obra ha influido en artistas como Johnny Marr, Bernard Butler, Jimmy Page, Ian Anderson, Nick Drake, Donovan, Neil Young, y, más recientemente, Don Deere, y es ganador de un premio "Lifetime Achievement Award" en 2001 por la BBC Folk Awards.
Bert Jansch Conundrum - 1981 - Thirteen Down
Delicia acústica de Bert Jansch publicada en Julio de 1980 a nombre de "The Bert Jansch Conundrum", "Thirteen Down" se compone de trece temas de ambiente íntimo, como de reunión en taberna escocesa en torno a unas pintas, mientrasunos amiguetes van desgranando canciones entre cigarro y pinta, pinta y cigarro.
"Una Linea Di Dolcezza", primer tema de la cara A, anuncia claras guitarras y una suave percusión que no desaparecerán a lo largo del Lp. Un disco muy estimado para mí, recuerdo de unos tiempos y unas formas de hacer que ya no se usan. Destacaría la voz de tradición blanca de Jacqui McShee en "If I Had a Lover", la fina labor del bajo de Nigel Portman o el atinado sentido de Bert al adaptar "Sweet Mother Earth" de una canción sueca. (según la web del propio artista no siempre se reconoció en los créditos que no era composición de Jansch -ver: http://www.bertjansch.com/disco.html#thirteen)
Créditos:
* Bert Jansch - guitarras, voces
* Martin Jenkins - mandocello, violín, flauta, voces
* Nigel Portman Smith - bajo, piano Fender Rhodes, acordeón
* Luce Langridge - batería, percusión
* Jacqui McShee - voz solista en el tama 5 de la cara -A- (If I Had a Lover)
Lista de temas:
Cara -A-
1. "Una Linea Di Dolcezza" (Jansch, Jenkins) - 3:40
2. "Let Me Sing" (Jansch, Jenkins) - 3:06
3. "Down River" (Jansch, Jenkins) - 3:17
4. "Nightfall" (Jenkins) - 2:56
5. "If I Had a Lover" (Jansch, traditional) - 2:15
6. "Time And Love" (Jansch, traditional) - 3:10
7. "In My Mind" (Jansch, traditional) - 2:22
Cara -B- 1. "Sovay" (traditional) - 2:55
2. "Where Did My Life Go" (Jansch) - 2:56
3. "Single Rose" (Jansch) - 2:50
4. "Ask Your Daddy" (Jansch) - 2:57
5. "Sweet Mother Earth" (unknown) - 3:48
6. "Bridge" (Jansch, Jenkins) - 2:34
- escrito originalmente por Holly Gwinn Graham- (26 noviembre de 1940 - 15 diciembre de 2008)
[. . .] He began to give fewer public performances, butspent his time learning languages (he spoke excellent French and studied Arabic, Turkish, Greek and Gaelic) and playing the Arabic Oud and Indian Sarod, which he played on his 1979 album "Dance for Two People". But he was never far from his guitar and gave some extraordinary private performances. On one occasion in the early 1980s, he came round to my house and started playing in the garden - he was concentrating so hard on what he was doing that he failed to notice that a neighbouring house had caught fire. [. . .] Despite our eventual separation at the end of 1973, we stayed married for 24 years. [. . .] I suffered great remorse after leaving Davey, but it became impossible to ‘go home’. We stayed in touch through the long decades. He would call me with a song or a poem, sometimes not even saying hello before launching into a hornpipe or a Greek Taqsim or an Indian raga. We wrote, we phoned, we shared news and jokes, of which Davey was very fond. I got him into the the Vancouver Folk Festival in 1990 (Gary Crystal jumped at the chance, saying he had thought Davey was dead). He was featured along with an English contigent including Martin Carthy, Norma Waterson, Bert Jansch and Jackie McShee of Pentangle, and John Renborne. I was on the bill, too, doing the kids’ stage, and Davey talked the organizers into booking me at the Edmonton Folk Festival later that summer. We tried, but it was not the reunion we might have hoped for. It was the last time I ever saw him in person. [. . .]
[. . .] Empezó a dar menos espectáculos públicos, pero pasaba el tiempo aprendiendo idiomas (hablaba francés excelente y estudió árabe, turco, griego y gaélico) y tocando el Oud árabe y el Sarod indio, que interpretó en su álbum de 1979 "Danza para dos personas ". Pero nunca estuvo lejos de su guitarra y dio algunas actuaciones privadas extraordinarias. En una ocasión, a principios de 1980, vino a mi casa y empezó a tocar en el jardín, estaba tan concentrado en lo que hacía que no se dio cuenta de que una casa vecina se había incendiado. [. . .]
A pesar de nuestra eventual separación a finales de 1973, estuvimos casados durante 24 años. [. . .] Sufrí un gran remordimiento después de salir de la relación con Davey, pero fue imposible "volver a crear hogar". Nos mantuvimos en contacto durante largas décadas. Él me llamaba con una canción o un poema, a veces ni siquiera me saludaba antes de lanzarse a tocar una gaita, un Taqsim griego o una raga india. Nos escribíamos, nos llamábamos, compartíamos noticias y chistes, de los que Davey era un gran aficionado. Yo lo metí en el Festival Folk de Vancouver en 1990 (Gary Crystal aprovechó la oportunidad y dijo que había creído que Davey estaba muerto). Fue presentado junto con un contigente inglés que incluía a músicos como Martin Carthy, Norma Waterson, Bert Jansch con Jackie McShee de Pentangle, y John Renbourn. Yo estaba en el proyecto también, haciendo el stage para la peña, y Davey habló a los organizadores para reservarme plaza en el Festival de Folk Edmonton de ese mismo verano. Lo intentamos, pero no fue la reunión que podríamos haber esperado. Fue la última vez que lo vi en persona. [. . .]
Holly Gwinn, Olympia, Washington, 23 de Diciembre de 2008
(http://www.hollygwinngraham.com/pages/davey.php)
Enlace al artículo en The London Telegraph:
http://www.telegraph.co.uk/news/obituaries/3834429/Davy-Graham.html
Davy Graham plays "Capricho Arabe" @ Downstairs at The King's Head 10th February 2006 BabElAin nos envió, hace ya unos meses, un par discos de este extraordinario guitarrista con la propuesta de prestar atención a su talento. Se trata de los Lp's "Folk, Blues and Beyond" (con 5 temas extra) de 1964 y "Midnight Man" de 1966 (ambos enzoquetados en el volumen 01) a los que yo he añadido el "Folk Roots, New Routes", de 1965, con Shirley Collins, álbum considerado como el antecedente del renacimiento del folk británico (enzoquetado en el volumen 02). Personalmente, conocí a Davy Graham a raíz de la versión de "Anji" que publicó Paul Simon en el disco "Sounds of Silence" (de Simon & Garfunkel, en realidad). En los años de la transición me ocupé de informarme sobre él y accedí a su discografía con los inolvidables Lp's que, del ya triunfante folk británico, publicabaen España el sello "Guimbarda". En aquellos momentos yo "estudiaba" guitarra y más de una vez intenté abordar el "Anji", aunque siempre con resultados más que dudosos. La sugerencia del amigo Bab me ha brindado la oportunidad de darle un repaso a la carrera de este inclasificable guitarrista, fallecido en 2008 y con un periplo vital totalmente impresionante, desconocido para mí, ya que le perdí la pista años atrás. Reproduzco abajo el comentario que de él hace la Wikipedia inglesa, traducido y más o menos ampliado (o reducido y destrozado, según se mire, jejeje). Espero que disfrutéis de este pedazo de músico que se ocupó de vivir como le dio la real gana. * * * * * * * * *
(quien dijo en un intercambio de e-mails):
"you can use it for free as long as credits are given"
Davy Graham fue guitarrista inglés y una de las figuras más influyentes del renacimiento del folk británico de los 60's. Inspiró a muchos guitarristas famosos de la técnica "fingerstyle" como John Renbourn, Martin Carthy, John Martyn, Paul Simon y Jimmy Page, quien basó su solo de "Summer White" en los temas de Graham "She moved thru' the Bizarre/Blue Raga" y "Mustapha". Davey Graham es conocido por su tema acústico instrumental "Anji" y por ser pionero en la puesta a punto de la afinación "DADGAD" (primera, cuarta y sexta cuerdas en RE, segunda y quinta en LA y tercera en SOL) más tarde adoptado ampliamente por los guitarristas acústicos. No estaba en la naturaleza de Graham el perseguir fama y fortuna: durante muchos año se retiró a una relativa oscuridad con respecto a los ambientes musicales y del show business, y se involucró en trabajos de caridad y enseñanza. También tuvo períodos prolongados de uso de drogas, antes de comenzar a viajar otra vez en los años anteriores a su muerte. Sin embargo, su ingenua curiosidad (casiinfantil y obsesiva) y el entusiasmo por la música, nunca le abandonaron, y con mucho gusto se prestaba a dar un concierto privado y gratuito a cualquier conocido casual. Biografía Primeros años Graham nació en Hinckley, Leicestershire, Inglaterra, de madre guayanesa y padre escocés. Aunque nunca tuvo clases de teoría de la música, aprendió a tocar piano y armónica cuando era niño y se pasó a la guitarra clásica a la edad de 12 años. En su adolescencia estuvo fuertemente influenciado por el guitarrista folk Steve Benbow, quien había viajado mucho con el ejército y su estilo de guitarra estaba empapado de música marroquí. "Anji" / "Angi" A los 19 años, Graham escribió la que probablemente sea su composición más famosa, un instrumental para guitarra acústica titulado "Angi" (a veces escrito "Anji"). Su biógrafo Colin Harper acredita a Graham como el único en inventar el concepto de la guitarra folk instrumental (si bien reconoce que John Fahey estaba haciendo una invención similar, simultáneamente, en los EE.UU.). "Angi", llamada así por su novia de entonces, apareció en su EP de debut "3.4 DC" en abril de 1962. La melodía se hizo famosa a través de toda una generación de aspirantes a guitarristas, cambiando su ortografía a medida que se tocaba. Antes de que el álbum fue lanzado, Bert Jansch la había aprendido de una cinta que le proporcionóJill Doyle, media hermana de Graham, que estaba dando clases de guitarra a Jansch en esos momentos. Jansch lo incluyó en su álbum de debut de 1965, titulándola "Angie". La ortografía "Anji" se convirtió en la más ampliamente utilizada después de que apareció de esta manera en el Lp de Simon & Garfunkel "Sonidos del silencio", del año 1966. También fue como "Anji" que Chicken Shack la grabó para su álbum de 1969 "100 Ton Chicken". "Anji" pronto se convirtió en un rito de pasaje para muchos guitarristas "fingerstyle", incluyendo a otro talentoso músico británico, Ralph McTell, quien dijo de ella: "... aquí había un tema que combinaba una figura rítmica peculiar y una melodía de belleza sencilla, con atractivas notas de blues y una línea de bajo descendente totalmente hipnótica. Lo difícil era que teía dos tiempos por cada nota de bajo, en lugar de uno, que es lo que la mayoría de nosotros era capaz de tocar. Me cautivó, y en las semanas siguientes no toqué otra cosa. Finalmente pude manejar una versión aceptable ¡mis compañeros estaban impresionados! Prácticamente, se convirtió en mi sintonía". Algunos otros músicos de renombre que han versioneado Anji son John Renbourn,Gordon Giltrap,Clive Carroll e incluso el grupo punk-anarko Chumbawamba que utilizó la pieza de guitarra como base para su canción anti-bélica "Escalera de Jacob (No en mi nombre)". Fama folk Durante la década de los 60's, Graham lanzó una serie de álbumes de música de todo el mundo y en todo tipo de géneros. "Folk, Blues and Beyond", de 1964 y la colaboración del año siguiente con la cantante folk Shirley Collins, "Folk Roots, New Routes", se citan con frecuencia entre sus discos más influyentes. Graham también llamó la atención de los guitarristas a causa de su aparición en un programa de 1959, de la serie televisiva de la BBC TV arts series Monitor, producido por Ken Russell y titulado "Hound Dogs and Bach Addicts: The Guitar Craze", en la que interpretó una versión acústica instrumental de "Cry Me A River". La espontáneidad de Graham le hizo poco fiable e impredecible, lo que contribuyó muy poco a avanzar en su fama o hacerse querer por los organizadores de conciertos y los elementos más comerciales del mundo de la música; a finales de los 60's tenía comprometida una gira por Australia, pero cuando su avión se detuvo durante una hora en Bombay, cambió de planes y pasó los siguientes seis meses deambulando por la India. Su gira continua por el mundo, escuchando y registrando los diferentes estilos de música para guitarra que encontraba, ha dado lugar a que muchos músicos le atribuyan el mérito de ser el fundador de la "world music". Sin embargo, y muy a pesar de que Graham registró una gran variedad de géneros ateniéndose mucho al canon establecido y le encantaba tocar el oud (especie de "laud" de origen persa, con fuerte presencia en la música tradicional del mediterráneo árabe) no era nada purista, absorbía todas las influencias para adoptar su propia concepción de las posibilidades de la guitarra, que él veía cada vez mayores. Preguntado, por ejemplo, por su introducción de progresión de acordes en "maqam" (sistema de modos melódicos usado en la música árabe tradicional) su amable réplica fue en el sentido de que, si le daba la gana y sonaba bien, ¿por qué no habría de hacerlo?
Jubilación Graham se casó con la cantante estadounidense Holly Gwinn a finales de los 1960 y grabó con ella el álbum "Boundary Godingtonen" en 1970, poco antes de que su matrimonio se rompiera en 1973, "aunque permanecimos casados 24 años" diría Holly al fallecer Davy; pero él mantuvo una larga serie de relaciones con "devotas novias" con las incluso llegaba a mantener estrecha amistad, como comentan en la nota de su obituario:
Davey's personal life was often as complex as his music. He was married once, from the late 60s to early 70s, to the American singer Holly Gwinn, with whom he recorded Godington Boundary (1970). But he was always accompanied by a series of devoted girlfriends, some of whom remained close friends long after the relationship had ended.
A finales de la década de 1960, con la publicación del álbum "Hat" (descrito por The Times como "fascinante, pero sin lugar a dudas excéntrico") estaba experimentando con cocaína, LSD y opiáceos. Dejó de trabajar y entró en un período de oscuridad y relativa pobreza: en este sentido, a menudo se le compara con otros músicos como Syd Barrett y Peter Green. Más tarde se describió a sí mismo como habiendo sido "víctima de un exceso de autocomplacencia". Durante este período fue profesor de guitarra acústica y también realizó obras de caridad, sobre todo para varias organizaciones benéficas de salud mental. Durante varios años estuvo en el consejo ejecutivo de Mind (organización de tipo caritativo, orientado a la ayuda a personas con problemas mentales) y estaba involucrado desde tiempo atrás con el místico Osho. Redescubrimiento y muerte Él fue el tema del documental de la BBC Radio de 2005 "Whatever Happened to Davy Graham?" Y en 2006 apareció en el documental de la BBC Four, "Folk Britannia". Muchas personas que se encontraron con Davy a lo largo de los años, intentaron animarle a volver al escenario para tocar en directo. Muchos afirmaron haberlo descubierto, aunque eso no era tan difícil si uno estaba familiarizado con la ciudad de Camden, donde Davy era muy conocido. El último de esta larga lista de solicitantes fue Mark Pavey, que organizó algunos encuentros con colegas guitarristas y viejos amigos, como Bert Jansch, Duck Baker y Martin Carthy. Estos conciertos fueron explédidamente eclécticos, con Graham tocando una mezcla de blues acústico, canciones rumanas de baile, canciones de gaita irlandesa, canciones procedentes de Sudáfrica y piezas de Bach, "después de anunciar, 'A bit of Bach, I think' y ser recibido con tantos vítores como cuando se lanzó a un blues",dice la cita del obituario. Su último álbum, "Broken Biscuits", constaba de temas originales y nuevos arreglos de canciones tradicionales de todo el mundo. Graham fue diagnosticado de cáncer de pulmón en 2008 y murió el 15 de diciembre de ese mismo año. Le sobreviven sus dos hijas, Mercy y Kim.
Su influencia en la música Aunque nunca alcanzó un gran éxito comercial (y de hecho tal vez nunca lo buscó) la música de Graham recibió retroalimentación muy positiva de la crítica, además de demostrar ser muy influyente. Él ha inspirado a artistas populares del renacimiento del folk inglés, colegas como Bert Jansch, John Renbourn, Martin Carthy, Ralph McTell, Wizz Jones, John Martyn, Nick Drake y Paul Simon; también bandas Folk Rock, como Fairport Convention y Pentangle, mostraban su influjo y en la banda británica de la década de los 80's, The Smiths, Johnny Marr, su guitarrista, ha citado a Davey Graham como su gran influencia. Aunque a Graham se le conoce comúnmente como músico folk, la diversidad de su música va en muchas direcciones diferentes y, aunque muestra fuerte ascendencia de géneros como el blues y jazz, la influencia músical del Medio Oriente es evidente en toda su obra. Martin Carthy describió a Graham como "un extraordinario, dedicado intérprete; que todo el mundo ha seguido y ha tenido muy controlado. Yo no podía creer que alguien pudiera tocar así", mientras que Bert Jansch afirmó: "valiente y controvertido, Davy nunca siguió las reglas. Era un hombre difícil para mantener una conversación, pero sabía cómo tocar la guitarra". Ray Davies sostuvo que el guitarrista fue "el más grande intérprete de blues que he visto, aparte de Big Bill Broonzy". George Chkiantz afirma: "Lo que me impresionó de Davy Graham . . . tocaba el diapasón de la guitarra de alguna manera como si fuera un teclado. Había una especie de libertad. Y tú no eras consciente de los tipos de acordes que estaba usando ¡en absoluto! . . . sus dedos parecían correr con total libertad por el diapasón ". Afinación DADGAD Uno de los legados perdurables de Graham es la "DADGAD" (Open Dsus4) afinación de guitarra que él presentó a los guitarristas británicos en 1964 (se trata de afinar la primera, cuarta y sexta cuerdas en RE, segunda y quinta cuerdas en LA y la tercera en SOL). Aunque no está del todo claro si Graham fue el primero en usarlo, generalmente se le acredita como el autor de la afinación. Mientras viajaba por Marruecos ideó la puesta a punto con el fin de estar en mejores condiciones para tocar la música tradicional para oud que estaba escuchando, "traducida" a la guitarra. Graham luego pasó a experimentar tocando piezas folclóricas tradicionales en sintonía DADGAD, a menudo incorporando escalas y melodías hindús y de oriente medio, un buen ejemplo es su arreglo del aire tradicional (que se cree pueda ser irlandés) "She Moved Through The Fair", donde la tonada permite al guitarrista libertad para improvisar en los agudos mientras mantiene una armonía subyacente sólida y el ritmo en el bajo, a pesar de que restringe el número de acordes que pueden ser fácilmente tocados en la guitarra. Si bien las "no estándar" o "no clásicas" afinaciones eran practicadas ampliamente por los guitarristas antes (afinaciones "Open E" y "Open G" eran de uso común en los intérpretes de blues y de guitarra-slide) el DADGAD introdujo un nuevo "estándar" de afinación que es ampliamente utilizada por muchos guitarristas, aunque favorece especialmente en los géneros de folk y world-music. Algunos guitarristas que se puede escuchar haciendo uso efectivo de la afinación DADGAD son: Tony McManus, John Renbourn, Phil Keaggy, Alex de Grassi, Richard Thompson, Bert Jansch, Martin Simpson, Karine Polwart, Stephen Stills, Rory Gallagher y Jimmy Page. El guitarrista francés Pierre Bensusan ha estado tocando exclusivamente con afinación DADGAD desde 1978. Discografía
3/4 AD (EP) (1962) From a London Hootenanny (EP)(1963) The Guitar Player (1963) Folk, Blues and Beyond (1964) Midnight Man (1966) Large as Life and Twice as Natural (1968) Hat (1969) Holly Kaleidoscope (1970) Godington Boundary (1970) (with Holly Gwinn) All That Moody (1976) The Complete Guitarist (1978) Dance for Two People (1979) Folk Blues and All Points in Between (1985) Playing in Traffic (1991) The Guitar Player ... Plus (1996) After Hours (1997) Broken Biscuits (2007)
The Best Of Davy Graham (A Scholar & A Gentleman) (2009)
Colaboraciones
"Folk Roots, New Routes" (de 1965) con Shirley Collins
*** ***
Folk, Blues and Beyond (1964)
Davy Graham, Guitarra
Listado de Temas:
01 - Leavin' Blues - 02:53 min.
02 - Cocaine - 02:25 min.
03 - Sally Free And Easy - 03:50 min.
04 - Black Is The Colour Of My Trye Love's Hair - 02:22 min.
05 - Rock Me Baby - 02:47 min.
06 - Seven Gypsies - 02:39 min.
07 - Ballad Of The Sad Young Men - 03:10 min.
08 - Play-out piece: Moanin' - 02:29 min.
09 - Skillet (Good 'n Greasy) - 02:26 min.
10 - Ain't Nobody's Business What I Do - 02:19 min.
11 - Guitar solo Maajan (A Taste Of Tangier) - 02:41 min.
12 - I Can't Keep From Crying Sometimes - 03:35 min.
13 - Don't Think Twice It's All Right - 02:53 min.
14 - My Babe - 02:45 min.
15 - Goin' Down Slow - 02:29 min.
16 - Play-out piece: Better Git In Your Soul - 02:32 min.
+
2002 reissue bonus tracks:
17 - She Moved Through The Fair - 03:14 min.
18 - Mustapha - 03:07 min.
19 - Angi - 02:27 min.
20 - Davy's Train Blues - 03:01 min.
21 - 3 4 A.D. - 04:40 min.
21 Temas - Tiempo Total: 01:00:44 - 138,98 MB - mp3@320
***
Midnight Man (1966)
Davey Graham – voces, guitarra
Tony Reeves - bajo
Barry Morgan - batería
Listado de Temas:
01 - No Preacher Blues - 02:17 min.
02 - The Fakir - 04:13 min.
03 - I'm Looking Thru' You - 02:05 min.
04 - Hummingbird - 02:40 min.
05 - Watermelon Man - 03:00 min.
06 - Stormy Monday - 03:40 min.
07 - Money Honey - 02:27 min.
08 - Walkin' The Dog - 02:40 min.
09 - Fire In My Soul - 01:54 min.
10 - Lost Lover Blues - 02:06 min.
11 - Neighbour, Neighbour - 02:36 min.
12 - Jubilation - 01:48 min.
13 - Rags And Old Iron - 03:23 min.
14 - Jelly Roll Baker - 02:45 min.
14 Temas - Tiempo Total: 00:37:34 - 89,96 MB - mp3@320
***
"Folk Roots, New Routes" (1965) con Shirley Collins
Banjo [5 cuerdas] – Shirley Collins(tema 3) Guitarra – Davy Graham (temas: 1, 2, 4 a 13, 15, 16) Voces – Shirley Collins (temas: 1 a 3, 5 a 7, 9 a 14, 16)
Listado de Temas:
01 - Nottamun Town - 03:44 min.
02 - Proud Maisrie - 04:06 min.
03 - The Cherry Tree Carol - 03:22 min.
04 - Blue Monk - 03:08 min.
05 - Hares on the Mountain - 03:01 min.
06 - Reynardine - 02:32 min.
07 - Pretty Saro - 04:20 min.
08 - Rif Mountain - 02:28 min.
09 - Jane Jane - 02:44 min.
10 - Love Is Pleasing - 02:35 min.
11 - Bollweevil Holler - 03:02 min.
12 - Hori Horo - 02:16 min.
13 - Bad Girl - 02:45 min.
14 - Lord Greggory - 03:39 min.
15 - Grooveyard - 03:05 min.
16 - Dearest Dear - 03:04 min.
16 Temas - Tiempo Total: 00:49:51
236,25 MB - Lossless Ape
*** ***
Reseña, por Richie Unterberger, Allmusic.com:
"Un extraordinario y clásico disco, originalmente publicado por Decca en 1964. Una grabación histórica que reúne las inquietantes voces de Shirley Collins y el innovador estilo de guitarra de Davy Graham. "Folk Roots, New Routes" era más que un simple disco cuando salió por primera vez: abrió muchas mentes y la puerta para Fairport Convention y Pentangle. Una joya"
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