"Esta sesión de Lee Morgan, perdida durante mucho tiempo, no fue lanzada por primera vez hasta 1984, cuando Michael Cuscuna la descubrió en las bóvedas de Blue Note, y aún tardó en ser reeditado en CD.
Recorded by Rudy Van Gelder at the Van Gelder Studio,
Englewood Cliffs, New Jersey, on November 29, 1966
Original session produced by Alfred Lion
Produced for release by Michael Cuscuna
Digital transfers: Ron McMaster
Formación:
Lee Morgan - trompeta
Hank Mobley - saxo tenor
Cedar Walton - piano
Paul Chambers - contrabajo
Gene Taylor – batería
Listado de Temas:
01 - A Pilgrim's Funny Farm - 13:33 min.
Cal Massey
02 - The Rajah - 09:09 min.
Lee Morgan
03 - Is That So - 05:16 min.
Duke Pearson
04 - Davisamba - 06:43 min.
Walter Davis, Jr.
05 - What Now My Love - 05:20 min.
Gilbert Bécaud
06 - Once In A Lifetime - 05:47 min.
Leslie Bricusse, Anthony Newley
The Rajah ¬ Editado en 1966
6 Temas. Tiempo Total: 00:46:03
flac @ 830 - 259,46 MB
Rip & Posted By Bezz
| Date: 06 Sep 2012 12:54:39 |
10/10/2012 04:33:00 p. m. Hard Bop, Jazz, Lee Morgan
Lee Morgan está considerado como uno de los trompetistas más creativos de la segunda mitad del S-XX . Nacido en Filadelfia, Pensilvania, EE. UU., el 10 de julio de 1938 y fallecido en Nueva York, el 19 de febrero de 1972. Este trompetista estadounidense, con reconocida influencia musical de Clifford Brown, está acreditado como representante del Hard Bop por antonomasia.
Su biografía nos refiere que Morgan comienza a tocar la trompeta con 14 años, se une a la banda de Dizzy Gillespie a la edad de 18 y después de tan solo 4 años de experiencia como músico, comienza en 1965 una más que prolífica carrera como líder. En 1957 graba con John Coltrane el célebre "Blue Train". En 1958 entra en la formación de los Jazz Messengers de Art Blakey, a los que abandona en los primeros 60's. Con Blue Note grabó 25 discos, entre ellos el Lp "The Sidewinder", "uno de los discos más vendidos de la Blue Note y la historia del jazz", según la Sta. Madre Wikipedia.
Durante los sesenta, además del torrente de sus propios discos, Lee colabora en Lp's muy afamados de otros artistas, como "A Caddy For Daddy" de Hank Mobley o "Night Dreamer" con Wayne Shorter.
El final de Lee Morgan fue harto trágico: cuando contaba con 33 años, mientras actuaba en un club de Manhattan, su mujer, cegada por los celos a causa de las infidelidades, le dispara y acaba con su vida. Así refieren el incidente:
"Lee Morgan fue asesinado en la madrugada del 19 de febrero de 1972, en el "Slugs´", un club de jazz en el East Village de Nueva York donde su banda estaba actuando. Después de un altercado entre las sesiones, la esposa legal de Morgan, Helen More, le disparó en el pecho estando Lee en el escenario, causándole la muerte en unos instantes. Tenía 33 años de edad. De acuerdo con un testigo, la señora Morgan (13 años mayor que él) salió del club justo antes de la última sesión. Cuando volvió la banda ya estaba en el escenario. Lee estaba yendo hacia allí, aunque se detuvo a hablar con algunas personas. Comenzaba a acercarse al escenario cuando ella entró y le llamó por su nombre. Lee se giró y ella le disparó en el corazón. Luego volvió el arma contra Ernie Holman, el portero del club, quien la sujetó por la muñeca y le quitó el arma, mientras Helen comenzó a gritar "Baby ¿qué he hecho?" y corrió hacia él. Fue detenida y, posteriormente, juzgada, condenada y puesta en libertad condicional en 1978.
Poco después, Helen Morgan regresó a su estado natal, Carolina del Norte. Al parecer nunca habló públicamente sobre el incidente, hasta la entrevista que concedió un mes antes de fallecer, lo cual sucedió en Wilmington, Carolina del Norte, en marzo de 1996, a causa de una afección cardíaca".
http://en.wikipedia.org/wiki/Lee_Morgan
Los clásicos álbumes Blue Note, que abarcan de mediados de 1950 a finales de 1960, se registraron directamente en cinta analógica de dos pistas. No se utilizó multi-pistas en la grabación y en consecuencia no se requirió mezcla. Por lo tanto, este CD se realizó transfiriendo el master de analógico a digital en un solo paso.
Review by Scott Yanow
~ ~ ~ AllMusic
"Esta sesión de Lee Morgan, perdida durante mucho tiempo, no fue lanzada por primera vez hasta 1984, cuando Michael Cuscuna la descubrió en las bóvedas de Blue Note, y aún tardó en ser reeditado en CD. Los temas originales de Cal Massey, Duke Pearson ("Is That So") y Walter Davis, además de un par de sorprendentes melodías pop ("What Not My Love" y "Once in My Lifetime") así como el corte de Morgan que da título, están muy bien interpretados por el quinteto, que incluye, además de al trompetista y líder, a Hank Mobley al saxo tenor, al pianista Cedar Walton, al bajista Paul Chambers y al baterista Billy Higgins. Gran parte de la música es reminiscencias de los Jazz Messengers y puede haber sido esa la razón por la que se perdió en la confusión de Morgan tan pronto como este se puso a investigar las tonadas con estructura modal. A pesar de su abandono, esta es una muy sutil y hermosa sesión de Lee Morgan que los fans del hard-bop querán tener".
Géneros Blues rock, hard rock, psicodélia, blues británico
Origen Londres, Inglaterra
Período de actividad 1966 – 1968 (Reuniones: 1993, 2005)
Miembros
* Eric Clapton
(30 de marzo de 1945, Ripley, Surrey), había sido miembro de los Yardbirds, y los Bluesbreakers de John Mayall.
* Jack Bruce
(14 de mayo de 1943, Glasgow, Escocia), había estado con Manfred Mann y Graham Bond.
* Ginger Baker
(19 de mayo de 1939, Lewishan, Londres) también había tocado en Graham Bond.
Historia
Clapton tenía una considerable fama en el Reino Unido al comienzo de la segundda mitad de los 60's. Su paso por Yardbirs y John Mayall & The Bluesbreakers habían cimentado esa notoriedad, hasta el punto de aparecer pintadas en el metro de Londres con la leyenda "Clapton es Dios".
Ginger Baker era un batería con influencias del jazz bien curtido en la Graham Bond Organisation, donde había coincidido con Jack Bruce (y se llevaron muy mal) una breve temporada. Éste había tocado también con la banda de Manfred Man.
Clapton quería hacer una nueva banda y coincidió con Baker, que estaba un tanto harto de la Organisation. Fue idea de Eric el contar con Jack Bruce y Baker aceptó, a pesar de tener una comprobada incompatibilidad con él.
Aparcaron sus diferencias y crearon un grupo que, por ser los integrantes la "the Cream of the Crop" ( 1 ) (La Nata de la Cosecha o, en español coloquial, La Flor y Nata) del rock inglés, pasó a llamarse Cream. Eran tres jóvenes y grandes músicos, con un muy grande ego cada uno, y venían a revolucionar el panorama musical inglés.
Con influencias de blues en la guitarra de Clapton, potentes voz y bajo de Bruce y la omnipresente batería jazzy de Baker, comenzaron a mover los gustos pop de la época y derivarlos hacia un rock más potente, precursor del sonido más heavie de grupos que pegarían en los siguientes años.
Sacaron cuatro discos, cuarenta canciones, y se hincharon a hacer conciertos. En tres años quemaron todas las posibles etapas, en parte por la intensa lucha de egos y en parte por la propia dinámica de la evolución musical que ellos mismos generaron.
Se dice que Clapton, ante una mala crítica de la revista RollingStone (Jon Landau, llamaba a Clapton "maestro del cliché del blues") decidió dar por finiquitada la banda. Unido a las peleas entre Baker y Bruce, que no habían cesado desde el inicio del grupo, y al cansancio de tantas actuaciones, propiciaron la ruptura en mayo de 1968, en plena gira por los EE. UU. La desbandada fue auténtica muestra de petardos y cohetes en cuanto a las relaciones personales del trío, aunque tan solo dos meses después se habían dejado convencer para dar una gira de despedida por los Estados Unidos y dos conciertos en Londres, los días 25 y 26 de Noviembre. Tampoco opusieron gran resistencia para producir su último disco, Goodbye, a pesar de que apenas tenían tres nuevos temas preparados . . .
Discografía Original:
1 - Fresh Cream
El álbum debut de Cream, Fresh Cream, fue grabado y publicado en 1966, y alcanzó el #6 en las listas inglesas y el #39 en las americanas. El Lp tenía mayormente versiones de blues. "I Feel Free" fue un éxito como single en Gran Bretaña y no salió en el Lp, mientras que en EE.UU. no salió como single, sólo aparecía en el Lp (en la edición USA suprimieron la excelente versión de Spoonful que cerraba la cara A en la edición GB) Cabe destacar el tema "Toad", que fue uno de los primeros ejemplos de solo de batería en la historia del rock
2 - Disraeli Gears
Después de sus primeros conciertos en EE.UU. en marzo de 1967 en el RKO Theater de Nueva York, vuelven y graban el segundo LP, Disraeli Gears, en Atlantic Studis de Nueva York entre el 11 y el 15 de mayo de 1967. Publicado en noviembre de 1967, alcanzó el Top 5 de las listas a ambos lados del Atlántico. Estaba producido por Felix Pappalardi (que más tarde fundaría el cuarteto Mountain, inspirado en Cream) y constituía un intento por definir su estilo más allá del rock-blues que practicaban. Contiene una gran mayoría de temas propios, entre ellas las excelentes "Strange Brew", "Swlabr", "Tales of Brave Ulysses" y la archiconocida "Sunshine of Your Love".
3 - Wheels of Fire
En 1968 comercializan un doble Lp con un disco de estudio y otro en directo, y mostraba cómo la banda se iba desplazando del blues hacia un rock semi-progresivo, con arreglos instrumentales más complejos. Destacan temas como "White Room", "Born Under A Bad Sign", "Politician" y los tremendos directos "Spoonful" y "Crossroads" con el célebre sólo de Clapton. El solo de batería de Ginger Baker en "Toad" es reconocido como uno de los mejores solos en directo de la historia del rock.
Este disco llegó a venderse cada Lp por separado. El directo se tituló "Live at the Fillmore" a pesar de que sólo "Toad" fue grabada en The Fillmore. Los demás provienen de actuaciones en el Winterland Ballroom de San Francisco.
Cita Textual:
"Es un error común que Cream tocó en el Fillmore West. Y nunca lo hicieron. Ese lugar era originalmente el Carousel Ballroom y fue rebautizada como el Fillmore West en junio / julio de 1968 y Cream no tocó en San Francisco, en ese momento, ni en ese lugar a partir de entonces. En febrero y marzo 1968 Cream hizo una larga gira de conciertos en el Winterland, y en el viejo Fillmore Auditorium. Fue este lugar Fillmore (que todavía existe) en donde Cream tocaron y no más tarde Fillmore West (que ya no sobrevive). Live at the Fillmore significa exactamente eso (refiriéndose a "Toad")."
Hacia mitad de 1968, el grupo no aguanta la presión y deciden separarse. Baker declaró "Realmente fue una maravillosa experiencia musical, pero se acabó convirtiendo en algo estúpido". Además, Clapton había sucumbido a los encantos del grupo The Band, y su primer álbum, Music From Big Pink, que supuso un soplo de aire fresco en comparación con la furia y la psicodélia ofrecidas por Cream.
4 - The Best Of Cream
Disco que recopila éxitos de la banda de entre los años 1966-68, en vida activa del grupo, aunque aparecería justo en plena desbandada. Fue el álbum donde se presentaba en Américapor primera vezla grabación en estudio del tema Spoonful (la aparecida en laversión inglesa del primero de sus Lp's, Fresh Cream). Lo incluyo entre su discografía original porque salió al mercado cuando aún eran "oficialmente" una banda yporconstituir algo parecido a la carta de presentación en españa de Cream, en unos tiempos en que las novedades discográficas, cuando llegaban, eraa base de retraso.
5 - Goodbye
A la postre, Cream se dejaron convencer para hacer un último disco, Goodbye, grabado a finales de 1968 y publicado a inicios de 1969. El plan era publicar un álbum doble, pero sólo tenían tres nuevos temas de estudio, cada uno escrito por un miembro del grupo. En mi opinión, ante las presiones de disco nuevo (que hasta quizá tuvieran firmado previamente) cedieron, pero no se aguantaban ya como para hacer diez o doce canciones más, así que agregaron otras tres grabaciones en directo (procedentes de un concierto en el Forum de Los Angeles, el 19 de octubre) y cerraron el contrato pactado. Como perla destacada, la canción "Badge", escrita por Clapton y George Harrison, quien también colaboraba en el disco tocando la guitarra rítmica, aunque con el sobrenombre de "L'Angelo Misterioso" por compromisos contractuales.
La despedida
Cita Textual:
"La gira de despedida de Cream consistió de 22 shows en 19 lugares de Estados Unidos entre el 4 de octubre y el 4 de noviembre de 1968, y dos conciertos de despedida en el Royal Albert Hall de Londres el 25 y 26 de noviembre de 1968. El último concierto de la gira estadounidense tuvo lugar en el Rhode Island Auditorium. Los dos conciertos en el Royal Albert Hall fueron filmados para un documental de la BBC y lanzado en vídeo bajo el nombre de "Farewell Concert". Ambas actuaciones agotaron las entradas y atrajeron más atención que cualquier otro concierto de Cream, pero la actuación no se considera especialmente buena. El mismo Baker dijo sobre los conciertos: "No fue un buen show... Cream era mejor que eso... Sabíamos que se había terminado. Sabíamos que simplemente estábamos acabando con ello, pasando el mal trago." Las apariciones en directo de Cream ya estaban decayendo. En una entrevista para Cream: Classic Artists, Ginger Baker coincidió en que la banda empeoraba a cada minuto. Los teloneros de Cream fueron Taste (con un joven Rory Gallagher) y la recién formada Yes, que recibió buenas críticas."
Fuentes consultadas: De Wikipedia, la enciclopedia libre http://es.wikipedia.org/wiki/Cream http://www.cream2005.com/photogallery/photo_37.lasso http://www.ginger-baker.com/
http://www.jackbruce.com
http://www.ericclapton.com/
( 1 ) "The Cream of the Crop" (La Nata de la Cosecha, o, de manera coloquial en españa, La Flor y Nata)
https://www.linguee.es/ingles-espanol/traduccion/cream+of+the+crop.html the cream of the crop (the best of a group of similar things or people)
https://www.urbandictionary.com/define.php?term=Cream%20of%20the%20Crop TOP DEFINITION Cream of the Crop The best of the best. Being the cream of the crop (3) is being the best of something. It ranges from sports, to school, to being awesome. If someone says: "You're the cream of the crop!", then you're better, smarter, sexier, more athletic, and cooler than everyone else.
When you're adding an Urban Dictionary definition to lecture others about their misspelled words, you're going to find that you will have a greater chance at becoming recognized within the cream of the crop of visitors, on the website's most highly regarded definitions, if you also actually spell your words correctly . (3) Crop - legendary member whos name is brilliant for getting out of tight spots
Grappelli nació en Hôpital Lariboisière en París, Francia, y se bautizó con el nombre de Stéfano. Su padre era Ernesto Grappelli, italiano nacido en Alatri, Lazio, y su madre francesa, Anna Emilie Hanoque, de St-Omer. Su padre era un erudito que enseñaba italiano, vendía traducciones y escribía artículos para revistas locales. Su madre murió cuando él tenía cinco años, dejando a su padre cuidando de él. Aunque vivía en Francia cuando comenzó la Primera Guerra Mundial, su padre aún era ciudadano italiano y fue reclutado para luchar por Italia en 1914.
Habiendo escrito sobre la bailarina estadounidense Isadora Duncan, que vivía en París, Ernesto Grappelli le pidió que cuidara de su hijo. Se matriculó en la escuela de danza de Duncan a los seis años y aprendió a amar la música impresionista francesa. Con la invasión en la guerra, Duncan, como ciudadana estadounidense, huyó del país y entregó su castillo para ser utilizado como hospital militar. Entonces, Ernesto Grappelli confió a su hijo a un orfanato católico. Stephane dijo de este tiempo:
Lo miro como un recuerdo abominable . . . Se suponía que el lugar estaba bajo el ojo del gobierno, pero el gobierno miró a otra parte. Dormíamos en el suelo, y había días qu los pasábamos sin comer. Hubo muchas veces en las que tuve que luchar por una migaja de pan.
Grappelli comparó los comienzos de su vida con una novela de Dickens y dijo que una vez trató de comer moscas para aliviar su hambre. Permaneció en el orfanato hasta que su padre regresó de la guerra en 1918 y los instaló en un apartamento en Barbès. Después de haber estado enfermo por sus experiencias con el ejército italiano, su padre lo llevó a la alcaldía, sacó a dos testigos de la calle e hizo que su hijo se nacionalizara como francés el 28 de julio de 1919. Su primer nombre, "Stéfano", fue 'franco-adaptado' como Stéphane. Comenzó a tocar el violín a los 12 años con un violín de tres cuartos de talla que su padre compró después de empeñar un traje. Aunque tomó clases de violín, prefirió aprender por su cuenta.
Mis primeras lecciones fueron en las calles, viendo cómo tocaban otros violinistas. . . El primer violinista que vi tocar fue en la estación de metro de Barbès, resguardado bajo las vías del metro. Cuando le pregunté cómo se debía tocar, estalló de risa. Me fui con mi violín bajo el brazo, completamente humillado.
https://en.wikipedia.org/wiki/Stéphane_Grappelli
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Stuff Smith, S. Admussen, S. Grapelly, J. L. Ponty - 1966 - Violin Summit
Grabado en vivo en Basel, Switzerland,
"Jazz im Fauteuil"
el día 30 de Septiembre de 1966
Créditos
Bajo – Niels-Henning Örsted Pedersen
Batería – Axel Riehl Piano – Kenny Drew
Design – Gigi Berendt
Engineer – Hans-Georg Brunner-Schwer
Liner Notes – Urs Ramseyer
Liner Notes, Producer – Joachim E. Berendt
Notas
Errores de ortografía en la parte posterior de la cubierta
"Grappell" por"Grappelli" y "Alex Riehl" por "Alex Riel".
Grabado en Basilea, Suiza, el 30 de septiembre de 1966.
Créditos
Bass – Niels-Henning Örsted Pedersen
Drums – Axel Riehl
Liner Notes – Chris Albertson
Piano – Kenny Drew
Producer – Joachim E. Berendt
Violin – Jean-Luc Ponty, Stuff Smith, Stéphane Grappelli, Svend Asmussen
Las pistas 1, 3, 4, 6 y 7 de la sesión del 27 al 29 de diciembre de 1973, que cuentan con los dos violinistas, se han publicado bajo muchos nombres y portadas, y uno de ellos aparece primero. Las tres pistas restantes (2, 5 y 8) con Grappelli con una banda diferente se grabaron del 11 al 12 de noviembre de 1972 para un set de 2 LP llamado Satin Doll, grabado para Musidisc y licenciado a Vanguard en los EE. UU.
Ambos violinistas están catalogados como violín barítono, aunque, personalmente, aún estoy buscando cómo acreditar ese dato. Hay varios errores u omisiones en los créditos de la canción, pero he hecho correcciones. George Gershwin está acreditado como co-compositor de la pista 5 y, por supuesto, no lo es. - Notas publicadas en DiscoGs
Créditos
Bajo
Guy Pedersen (tracks: 2, 5, 8),
Tony Bonfils (tracks: 1, 3, 4, 6, 7)
Batería
André Ceccarelli (tracks: 1, 3, 4, 6, 7),
Kenny Clarke (tracks: 2, 5, 8)
Guitarra eléctrica
Jimmy Gourley (tracks: 2, 5, 8),
Philip Catherine (tracks: 1, 3, 4, 6, 7)
Piano eléctrico y acústico
Maurice Vander (tracks: 1, 3, 4, 6, 7)
Órgano
Eddy Louiss (tracks: 2, 5, 8)
Piano
Marc Hemmler (tracks: 2, 5, 8)
Violines
Jean-Luc Ponty (tracks: 1, 3, 4, 6, 7)
Stéphane Grappelli
Listado de Temas:
01 - Bowing bowing - 06:35 min.
Written By J. L. Ponty
02 - The girl from Ipanema - 05:14 min.
Written By A. C. Jobim
03 - Golden green - 04:45 min.
Written By J. L. Ponty
04 - Memorial jam for Stuff Smith - 06:57 min.
Written By J. L. Ponty
05 - The lady is a tramp - 04:49 min.
Written By Rodgers & Hart
06 - Violin summit no. 2 - 09:58 min.
Written By J. L. Ponty
07 - Valerie - 07:05 min.
Written By J. L. Ponty
08 - Satin doll - 06:53 min.
Written By – Duke Ellington
Written By [Uncredited] – Billy Strayhorn, Johnny Mercer
8 Temas - Tiempo Total: 00:52:16
mp3 @ 320 - 120,11 MB
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Stephane Grappelli - 1979 - Young Django
Notas
Grabado entre el 19 al 21 de Enero de 1979
en Tonstudio Zuckerfabrik,
Stuttgart, West Germany.
Créditos
Bajo – Niels-Henning Ørsted Pedersen
Guitarra – Larry Coryell, Philip Catherine
Violín – Stephane Grappelli
Fotografía y diseño de portada – Frieder Grindler
Productor – Joachim Ernst Berendt
Listado de Temas:
01 - Djangology - Composed By Django Reinhardt, Stephane Grappelli - 03:27 min.
02 - Sweet Chorus - Composed By Django Reinhardt, Stephane Grappelli - 04:13 min.
03 - Minor Swing - Composed By Django Reinhardt, Stephane Grappelli - 03:31 min.
04 - Are You in the Mood - Composed By Django Reinhardt, Stephane Grappelli - 03:30 min.
05 - Gallerie St. Hubert - Composed By Philip Catherine - 04:12 min.
06 - Tears - Composed By Django Reinhardt, Stephane Grappelli - 06:22 min.
07 - Swing Guitars - Composed By Django Reinhardt, Stephane Grappelli - 04:02 min.
08 - Oriental Shuffle - Composed By Django Reinhardt, Stephane Grappelli - 03:45 min.
09 - Blues for Django and Stephane - Composed By Larry Coryell - 05:02 min.
Discogs
Stephane Grappelli – Young Django
Sello:
MPS Records – 5C 064-62826
Formato: Vinyl, LP, Album - País: Germany
Fecha: 1979 - Género: Jazz
Compañías, etc.
Recorded At – Tonstudio Zuckerfabrik
AMG
AllMusic Review by Scott Yanow
Este CD presenta al veterano violinista Stephane Grappelli, junto con el bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen y los guitarristas Philip Catherine y Larry Coryell, para un memorable tributo a Django Reinhardt. Grappelli ha grabado muchos álbumes conmemorativos de Reinhardt a lo largo de los años, pero este es verdaderamente especial porque tanto Coryell como Catherine logran mostrar, no sin esfuerzo, la inesperada influencia que Reinhardt ha tenido en sus estilos. Los guitarristas contribuyen con una canción cada uno y también disfrutan tocando siete composiciones coescritas por Django y Grappelli. - AllMusic - Scott Yanow
1966-S. Smith, S. Admussen, S. Grapelly, JL. Ponty - Violin Summit [Flac]
- escrito originalmente por Holly Gwinn Graham- (26 noviembre de 1940 - 15 diciembre de 2008)
[. . .] He began to give fewer public performances, butspent his time learning languages (he spoke excellent French and studied Arabic, Turkish, Greek and Gaelic) and playing the Arabic Oud and Indian Sarod, which he played on his 1979 album "Dance for Two People". But he was never far from his guitar and gave some extraordinary private performances. On one occasion in the early 1980s, he came round to my house and started playing in the garden - he was concentrating so hard on what he was doing that he failed to notice that a neighbouring house had caught fire. [. . .] Despite our eventual separation at the end of 1973, we stayed married for 24 years. [. . .] I suffered great remorse after leaving Davey, but it became impossible to ‘go home’. We stayed in touch through the long decades. He would call me with a song or a poem, sometimes not even saying hello before launching into a hornpipe or a Greek Taqsim or an Indian raga. We wrote, we phoned, we shared news and jokes, of which Davey was very fond. I got him into the the Vancouver Folk Festival in 1990 (Gary Crystal jumped at the chance, saying he had thought Davey was dead). He was featured along with an English contigent including Martin Carthy, Norma Waterson, Bert Jansch and Jackie McShee of Pentangle, and John Renborne. I was on the bill, too, doing the kids’ stage, and Davey talked the organizers into booking me at the Edmonton Folk Festival later that summer. We tried, but it was not the reunion we might have hoped for. It was the last time I ever saw him in person. [. . .]
[. . .] Empezó a dar menos espectáculos públicos, pero pasaba el tiempo aprendiendo idiomas (hablaba francés excelente y estudió árabe, turco, griego y gaélico) y tocando el Oud árabe y el Sarod indio, que interpretó en su álbum de 1979 "Danza para dos personas ". Pero nunca estuvo lejos de su guitarra y dio algunas actuaciones privadas extraordinarias. En una ocasión, a principios de 1980, vino a mi casa y empezó a tocar en el jardín, estaba tan concentrado en lo que hacía que no se dio cuenta de que una casa vecina se había incendiado. [. . .]
A pesar de nuestra eventual separación a finales de 1973, estuvimos casados durante 24 años. [. . .] Sufrí un gran remordimiento después de salir de la relación con Davey, pero fue imposible "volver a crear hogar". Nos mantuvimos en contacto durante largas décadas. Él me llamaba con una canción o un poema, a veces ni siquiera me saludaba antes de lanzarse a tocar una gaita, un Taqsim griego o una raga india. Nos escribíamos, nos llamábamos, compartíamos noticias y chistes, de los que Davey era un gran aficionado. Yo lo metí en el Festival Folk de Vancouver en 1990 (Gary Crystal aprovechó la oportunidad y dijo que había creído que Davey estaba muerto). Fue presentado junto con un contigente inglés que incluía a músicos como Martin Carthy, Norma Waterson, Bert Jansch con Jackie McShee de Pentangle, y John Renbourn. Yo estaba en el proyecto también, haciendo el stage para la peña, y Davey habló a los organizadores para reservarme plaza en el Festival de Folk Edmonton de ese mismo verano. Lo intentamos, pero no fue la reunión que podríamos haber esperado. Fue la última vez que lo vi en persona. [. . .]
Holly Gwinn, Olympia, Washington, 23 de Diciembre de 2008
(http://www.hollygwinngraham.com/pages/davey.php)
Enlace al artículo en The London Telegraph:
http://www.telegraph.co.uk/news/obituaries/3834429/Davy-Graham.html
Davy Graham plays "Capricho Arabe" @ Downstairs at The King's Head 10th February 2006 BabElAin nos envió, hace ya unos meses, un par discos de este extraordinario guitarrista con la propuesta de prestar atención a su talento. Se trata de los Lp's "Folk, Blues and Beyond" (con 5 temas extra) de 1964 y "Midnight Man" de 1966 (ambos enzoquetados en el volumen 01) a los que yo he añadido el "Folk Roots, New Routes", de 1965, con Shirley Collins, álbum considerado como el antecedente del renacimiento del folk británico (enzoquetado en el volumen 02). Personalmente, conocí a Davy Graham a raíz de la versión de "Anji" que publicó Paul Simon en el disco "Sounds of Silence" (de Simon & Garfunkel, en realidad). En los años de la transición me ocupé de informarme sobre él y accedí a su discografía con los inolvidables Lp's que, del ya triunfante folk británico, publicabaen España el sello "Guimbarda". En aquellos momentos yo "estudiaba" guitarra y más de una vez intenté abordar el "Anji", aunque siempre con resultados más que dudosos. La sugerencia del amigo Bab me ha brindado la oportunidad de darle un repaso a la carrera de este inclasificable guitarrista, fallecido en 2008 y con un periplo vital totalmente impresionante, desconocido para mí, ya que le perdí la pista años atrás. Reproduzco abajo el comentario que de él hace la Wikipedia inglesa, traducido y más o menos ampliado (o reducido y destrozado, según se mire, jejeje). Espero que disfrutéis de este pedazo de músico que se ocupó de vivir como le dio la real gana. * * * * * * * * *
(quien dijo en un intercambio de e-mails):
"you can use it for free as long as credits are given"
Davy Graham fue guitarrista inglés y una de las figuras más influyentes del renacimiento del folk británico de los 60's. Inspiró a muchos guitarristas famosos de la técnica "fingerstyle" como John Renbourn, Martin Carthy, John Martyn, Paul Simon y Jimmy Page, quien basó su solo de "Summer White" en los temas de Graham "She moved thru' the Bizarre/Blue Raga" y "Mustapha". Davey Graham es conocido por su tema acústico instrumental "Anji" y por ser pionero en la puesta a punto de la afinación "DADGAD" (primera, cuarta y sexta cuerdas en RE, segunda y quinta en LA y tercera en SOL) más tarde adoptado ampliamente por los guitarristas acústicos. No estaba en la naturaleza de Graham el perseguir fama y fortuna: durante muchos año se retiró a una relativa oscuridad con respecto a los ambientes musicales y del show business, y se involucró en trabajos de caridad y enseñanza. También tuvo períodos prolongados de uso de drogas, antes de comenzar a viajar otra vez en los años anteriores a su muerte. Sin embargo, su ingenua curiosidad (casiinfantil y obsesiva) y el entusiasmo por la música, nunca le abandonaron, y con mucho gusto se prestaba a dar un concierto privado y gratuito a cualquier conocido casual. Biografía Primeros años Graham nació en Hinckley, Leicestershire, Inglaterra, de madre guayanesa y padre escocés. Aunque nunca tuvo clases de teoría de la música, aprendió a tocar piano y armónica cuando era niño y se pasó a la guitarra clásica a la edad de 12 años. En su adolescencia estuvo fuertemente influenciado por el guitarrista folk Steve Benbow, quien había viajado mucho con el ejército y su estilo de guitarra estaba empapado de música marroquí. "Anji" / "Angi" A los 19 años, Graham escribió la que probablemente sea su composición más famosa, un instrumental para guitarra acústica titulado "Angi" (a veces escrito "Anji"). Su biógrafo Colin Harper acredita a Graham como el único en inventar el concepto de la guitarra folk instrumental (si bien reconoce que John Fahey estaba haciendo una invención similar, simultáneamente, en los EE.UU.). "Angi", llamada así por su novia de entonces, apareció en su EP de debut "3.4 DC" en abril de 1962. La melodía se hizo famosa a través de toda una generación de aspirantes a guitarristas, cambiando su ortografía a medida que se tocaba. Antes de que el álbum fue lanzado, Bert Jansch la había aprendido de una cinta que le proporcionóJill Doyle, media hermana de Graham, que estaba dando clases de guitarra a Jansch en esos momentos. Jansch lo incluyó en su álbum de debut de 1965, titulándola "Angie". La ortografía "Anji" se convirtió en la más ampliamente utilizada después de que apareció de esta manera en el Lp de Simon & Garfunkel "Sonidos del silencio", del año 1966. También fue como "Anji" que Chicken Shack la grabó para su álbum de 1969 "100 Ton Chicken". "Anji" pronto se convirtió en un rito de pasaje para muchos guitarristas "fingerstyle", incluyendo a otro talentoso músico británico, Ralph McTell, quien dijo de ella: "... aquí había un tema que combinaba una figura rítmica peculiar y una melodía de belleza sencilla, con atractivas notas de blues y una línea de bajo descendente totalmente hipnótica. Lo difícil era que teía dos tiempos por cada nota de bajo, en lugar de uno, que es lo que la mayoría de nosotros era capaz de tocar. Me cautivó, y en las semanas siguientes no toqué otra cosa. Finalmente pude manejar una versión aceptable ¡mis compañeros estaban impresionados! Prácticamente, se convirtió en mi sintonía". Algunos otros músicos de renombre que han versioneado Anji son John Renbourn,Gordon Giltrap,Clive Carroll e incluso el grupo punk-anarko Chumbawamba que utilizó la pieza de guitarra como base para su canción anti-bélica "Escalera de Jacob (No en mi nombre)". Fama folk Durante la década de los 60's, Graham lanzó una serie de álbumes de música de todo el mundo y en todo tipo de géneros. "Folk, Blues and Beyond", de 1964 y la colaboración del año siguiente con la cantante folk Shirley Collins, "Folk Roots, New Routes", se citan con frecuencia entre sus discos más influyentes. Graham también llamó la atención de los guitarristas a causa de su aparición en un programa de 1959, de la serie televisiva de la BBC TV arts series Monitor, producido por Ken Russell y titulado "Hound Dogs and Bach Addicts: The Guitar Craze", en la que interpretó una versión acústica instrumental de "Cry Me A River". La espontáneidad de Graham le hizo poco fiable e impredecible, lo que contribuyó muy poco a avanzar en su fama o hacerse querer por los organizadores de conciertos y los elementos más comerciales del mundo de la música; a finales de los 60's tenía comprometida una gira por Australia, pero cuando su avión se detuvo durante una hora en Bombay, cambió de planes y pasó los siguientes seis meses deambulando por la India. Su gira continua por el mundo, escuchando y registrando los diferentes estilos de música para guitarra que encontraba, ha dado lugar a que muchos músicos le atribuyan el mérito de ser el fundador de la "world music". Sin embargo, y muy a pesar de que Graham registró una gran variedad de géneros ateniéndose mucho al canon establecido y le encantaba tocar el oud (especie de "laud" de origen persa, con fuerte presencia en la música tradicional del mediterráneo árabe) no era nada purista, absorbía todas las influencias para adoptar su propia concepción de las posibilidades de la guitarra, que él veía cada vez mayores. Preguntado, por ejemplo, por su introducción de progresión de acordes en "maqam" (sistema de modos melódicos usado en la música árabe tradicional) su amable réplica fue en el sentido de que, si le daba la gana y sonaba bien, ¿por qué no habría de hacerlo?
Jubilación Graham se casó con la cantante estadounidense Holly Gwinn a finales de los 1960 y grabó con ella el álbum "Boundary Godingtonen" en 1970, poco antes de que su matrimonio se rompiera en 1973, "aunque permanecimos casados 24 años" diría Holly al fallecer Davy; pero él mantuvo una larga serie de relaciones con "devotas novias" con las incluso llegaba a mantener estrecha amistad, como comentan en la nota de su obituario:
Davey's personal life was often as complex as his music. He was married once, from the late 60s to early 70s, to the American singer Holly Gwinn, with whom he recorded Godington Boundary (1970). But he was always accompanied by a series of devoted girlfriends, some of whom remained close friends long after the relationship had ended.
A finales de la década de 1960, con la publicación del álbum "Hat" (descrito por The Times como "fascinante, pero sin lugar a dudas excéntrico") estaba experimentando con cocaína, LSD y opiáceos. Dejó de trabajar y entró en un período de oscuridad y relativa pobreza: en este sentido, a menudo se le compara con otros músicos como Syd Barrett y Peter Green. Más tarde se describió a sí mismo como habiendo sido "víctima de un exceso de autocomplacencia". Durante este período fue profesor de guitarra acústica y también realizó obras de caridad, sobre todo para varias organizaciones benéficas de salud mental. Durante varios años estuvo en el consejo ejecutivo de Mind (organización de tipo caritativo, orientado a la ayuda a personas con problemas mentales) y estaba involucrado desde tiempo atrás con el místico Osho. Redescubrimiento y muerte Él fue el tema del documental de la BBC Radio de 2005 "Whatever Happened to Davy Graham?" Y en 2006 apareció en el documental de la BBC Four, "Folk Britannia". Muchas personas que se encontraron con Davy a lo largo de los años, intentaron animarle a volver al escenario para tocar en directo. Muchos afirmaron haberlo descubierto, aunque eso no era tan difícil si uno estaba familiarizado con la ciudad de Camden, donde Davy era muy conocido. El último de esta larga lista de solicitantes fue Mark Pavey, que organizó algunos encuentros con colegas guitarristas y viejos amigos, como Bert Jansch, Duck Baker y Martin Carthy. Estos conciertos fueron explédidamente eclécticos, con Graham tocando una mezcla de blues acústico, canciones rumanas de baile, canciones de gaita irlandesa, canciones procedentes de Sudáfrica y piezas de Bach, "después de anunciar, 'A bit of Bach, I think' y ser recibido con tantos vítores como cuando se lanzó a un blues",dice la cita del obituario. Su último álbum, "Broken Biscuits", constaba de temas originales y nuevos arreglos de canciones tradicionales de todo el mundo. Graham fue diagnosticado de cáncer de pulmón en 2008 y murió el 15 de diciembre de ese mismo año. Le sobreviven sus dos hijas, Mercy y Kim.
Su influencia en la música Aunque nunca alcanzó un gran éxito comercial (y de hecho tal vez nunca lo buscó) la música de Graham recibió retroalimentación muy positiva de la crítica, además de demostrar ser muy influyente. Él ha inspirado a artistas populares del renacimiento del folk inglés, colegas como Bert Jansch, John Renbourn, Martin Carthy, Ralph McTell, Wizz Jones, John Martyn, Nick Drake y Paul Simon; también bandas Folk Rock, como Fairport Convention y Pentangle, mostraban su influjo y en la banda británica de la década de los 80's, The Smiths, Johnny Marr, su guitarrista, ha citado a Davey Graham como su gran influencia. Aunque a Graham se le conoce comúnmente como músico folk, la diversidad de su música va en muchas direcciones diferentes y, aunque muestra fuerte ascendencia de géneros como el blues y jazz, la influencia músical del Medio Oriente es evidente en toda su obra. Martin Carthy describió a Graham como "un extraordinario, dedicado intérprete; que todo el mundo ha seguido y ha tenido muy controlado. Yo no podía creer que alguien pudiera tocar así", mientras que Bert Jansch afirmó: "valiente y controvertido, Davy nunca siguió las reglas. Era un hombre difícil para mantener una conversación, pero sabía cómo tocar la guitarra". Ray Davies sostuvo que el guitarrista fue "el más grande intérprete de blues que he visto, aparte de Big Bill Broonzy". George Chkiantz afirma: "Lo que me impresionó de Davy Graham . . . tocaba el diapasón de la guitarra de alguna manera como si fuera un teclado. Había una especie de libertad. Y tú no eras consciente de los tipos de acordes que estaba usando ¡en absoluto! . . . sus dedos parecían correr con total libertad por el diapasón ". Afinación DADGAD Uno de los legados perdurables de Graham es la "DADGAD" (Open Dsus4) afinación de guitarra que él presentó a los guitarristas británicos en 1964 (se trata de afinar la primera, cuarta y sexta cuerdas en RE, segunda y quinta cuerdas en LA y la tercera en SOL). Aunque no está del todo claro si Graham fue el primero en usarlo, generalmente se le acredita como el autor de la afinación. Mientras viajaba por Marruecos ideó la puesta a punto con el fin de estar en mejores condiciones para tocar la música tradicional para oud que estaba escuchando, "traducida" a la guitarra. Graham luego pasó a experimentar tocando piezas folclóricas tradicionales en sintonía DADGAD, a menudo incorporando escalas y melodías hindús y de oriente medio, un buen ejemplo es su arreglo del aire tradicional (que se cree pueda ser irlandés) "She Moved Through The Fair", donde la tonada permite al guitarrista libertad para improvisar en los agudos mientras mantiene una armonía subyacente sólida y el ritmo en el bajo, a pesar de que restringe el número de acordes que pueden ser fácilmente tocados en la guitarra. Si bien las "no estándar" o "no clásicas" afinaciones eran practicadas ampliamente por los guitarristas antes (afinaciones "Open E" y "Open G" eran de uso común en los intérpretes de blues y de guitarra-slide) el DADGAD introdujo un nuevo "estándar" de afinación que es ampliamente utilizada por muchos guitarristas, aunque favorece especialmente en los géneros de folk y world-music. Algunos guitarristas que se puede escuchar haciendo uso efectivo de la afinación DADGAD son: Tony McManus, John Renbourn, Phil Keaggy, Alex de Grassi, Richard Thompson, Bert Jansch, Martin Simpson, Karine Polwart, Stephen Stills, Rory Gallagher y Jimmy Page. El guitarrista francés Pierre Bensusan ha estado tocando exclusivamente con afinación DADGAD desde 1978. Discografía
3/4 AD (EP) (1962) From a London Hootenanny (EP)(1963) The Guitar Player (1963) Folk, Blues and Beyond (1964) Midnight Man (1966) Large as Life and Twice as Natural (1968) Hat (1969) Holly Kaleidoscope (1970) Godington Boundary (1970) (with Holly Gwinn) All That Moody (1976) The Complete Guitarist (1978) Dance for Two People (1979) Folk Blues and All Points in Between (1985) Playing in Traffic (1991) The Guitar Player ... Plus (1996) After Hours (1997) Broken Biscuits (2007)
The Best Of Davy Graham (A Scholar & A Gentleman) (2009)
Colaboraciones
"Folk Roots, New Routes" (de 1965) con Shirley Collins
*** ***
Folk, Blues and Beyond (1964)
Davy Graham, Guitarra
Listado de Temas:
01 - Leavin' Blues - 02:53 min.
02 - Cocaine - 02:25 min.
03 - Sally Free And Easy - 03:50 min.
04 - Black Is The Colour Of My Trye Love's Hair - 02:22 min.
05 - Rock Me Baby - 02:47 min.
06 - Seven Gypsies - 02:39 min.
07 - Ballad Of The Sad Young Men - 03:10 min.
08 - Play-out piece: Moanin' - 02:29 min.
09 - Skillet (Good 'n Greasy) - 02:26 min.
10 - Ain't Nobody's Business What I Do - 02:19 min.
11 - Guitar solo Maajan (A Taste Of Tangier) - 02:41 min.
12 - I Can't Keep From Crying Sometimes - 03:35 min.
13 - Don't Think Twice It's All Right - 02:53 min.
14 - My Babe - 02:45 min.
15 - Goin' Down Slow - 02:29 min.
16 - Play-out piece: Better Git In Your Soul - 02:32 min.
+
2002 reissue bonus tracks:
17 - She Moved Through The Fair - 03:14 min.
18 - Mustapha - 03:07 min.
19 - Angi - 02:27 min.
20 - Davy's Train Blues - 03:01 min.
21 - 3 4 A.D. - 04:40 min.
21 Temas - Tiempo Total: 01:00:44 - 138,98 MB - mp3@320
***
Midnight Man (1966)
Davey Graham – voces, guitarra
Tony Reeves - bajo
Barry Morgan - batería
Listado de Temas:
01 - No Preacher Blues - 02:17 min.
02 - The Fakir - 04:13 min.
03 - I'm Looking Thru' You - 02:05 min.
04 - Hummingbird - 02:40 min.
05 - Watermelon Man - 03:00 min.
06 - Stormy Monday - 03:40 min.
07 - Money Honey - 02:27 min.
08 - Walkin' The Dog - 02:40 min.
09 - Fire In My Soul - 01:54 min.
10 - Lost Lover Blues - 02:06 min.
11 - Neighbour, Neighbour - 02:36 min.
12 - Jubilation - 01:48 min.
13 - Rags And Old Iron - 03:23 min.
14 - Jelly Roll Baker - 02:45 min.
14 Temas - Tiempo Total: 00:37:34 - 89,96 MB - mp3@320
***
"Folk Roots, New Routes" (1965) con Shirley Collins
Banjo [5 cuerdas] – Shirley Collins(tema 3) Guitarra – Davy Graham (temas: 1, 2, 4 a 13, 15, 16) Voces – Shirley Collins (temas: 1 a 3, 5 a 7, 9 a 14, 16)
Listado de Temas:
01 - Nottamun Town - 03:44 min.
02 - Proud Maisrie - 04:06 min.
03 - The Cherry Tree Carol - 03:22 min.
04 - Blue Monk - 03:08 min.
05 - Hares on the Mountain - 03:01 min.
06 - Reynardine - 02:32 min.
07 - Pretty Saro - 04:20 min.
08 - Rif Mountain - 02:28 min.
09 - Jane Jane - 02:44 min.
10 - Love Is Pleasing - 02:35 min.
11 - Bollweevil Holler - 03:02 min.
12 - Hori Horo - 02:16 min.
13 - Bad Girl - 02:45 min.
14 - Lord Greggory - 03:39 min.
15 - Grooveyard - 03:05 min.
16 - Dearest Dear - 03:04 min.
16 Temas - Tiempo Total: 00:49:51
236,25 MB - Lossless Ape
*** ***
Reseña, por Richie Unterberger, Allmusic.com:
"Un extraordinario y clásico disco, originalmente publicado por Decca en 1964. Una grabación histórica que reúne las inquietantes voces de Shirley Collins y el innovador estilo de guitarra de Davy Graham. "Folk Roots, New Routes" era más que un simple disco cuando salió por primera vez: abrió muchas mentes y la puerta para Fairport Convention y Pentangle. Una joya"
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