Max Suñé, Carlos Benavent, Salvador Niebla
Trío, 1980 [VinyloRippeao]
Grabado y mezclado en los estudios Eurosonic de Madrid, los días 13, 14, 26, 27 y 28 de Diciembre de 1980
Joaquín Max Suñé, guitarra eléctrica y acústica Carlos Benavent, bajo eléctrico Salvador Niebla, batería
Arreglos Joaquín Suñé
Ingeniero de grabación: Mike Cooper
Ayudante de grabación: Alberto Pinto
Producción: Alain Milhaud
Max Suñé, Carlos Benavent, Salvador Niebla-1981-Trio [Vinilo320] traser lp
En 1980 salía al mercadodiscográfico español este Lp inusual en estos lares. Un fantástico Trio formado por Joaquín Max Suñé, Carles Benavent y Salvador Niebla con repertorio que incluía a John Coltrane, Eddie Harris o Klaus Doldinger, además de temas propios. Sin embargo, bien aceptado por la crítica no fue (le adjudicaron el sanbenito de ser un disco jazzy dedicado al gran público) pero acrecentó la fama de los tres protagonistas, quienes, aunque para esas alturas ya no tenían nada que demostrar (Suñé había pasado por Vértice, Tapiman, Iceberg o Pegasus; Benavent estuvo Crack, Máquina y Música Urbana; y Salvador Niebla en Orquesta Mirasol, Atila y Borne) dejaban bien claro el rumbo que iban a tomar en sus carreras.
Max Suñé, Carlos Benavent, Salvador Niebla
-1980-
Trío
Listado de Temas:
Cara A
01 - Freedom Jazz Dance - Eddie Harris - 07:19 min.
02 - Petit Present - Joan Sanmartí - 01:56 min.
03 - L'Arc De San Martí - J Mª Bardagi - 07:57 min.
04 - Funkit-Flus - José Mas - 05:03 min.
Cara B
05 - Central Park West - John Coltrane - 02:51 min.
06 - El Vol De La Gravina - Joaquín Suñé - 03:14 min.
07 - Schirokko - Kalus Doddinger - 11:04 min.
08 - Naima - John Coltrane - 02:00 min.
09 - Conclusió - Joaquín Suñé - 01:43 min.
9 Temas - Tiempo Total: 00:43:07 Gracias a BabElAin por su colaboración para localizar el ripeo
Ciego de nacimiento, comienza a tocar el piano desde su más tierna infancia, influido por una familia de gran vocación musical. Se inicia en el mundo del jazz atraído por la música de Art Tatum, otro gran pianista ciego, y Earl Hines.
Su trayectoria profesional comienza en mayo de 1954, como pianista de la orquesta del bolerista venezolano Lorenzo González. En el Hot Club de Barcelona, donde toca con frecuencia con el saxofonista Don Byas, conoce a Lionel Hampton, quien lo incorpora a una grabación suya en 1956. En 1958 actúa por primera vez fuera de España, en Cannes, acompañado por Art Taylor y Doug Watkins. En los años 1960, toca con frecuencia en Berlín, junto a Albert Mangelsdorff, Chet Baker, Sahib Sihab, o Herb Geller, así como en Copenhague, junto a Dexter Gordon, Archie Shepp, Kenny Dorham y Roland Kirk, entre otros. En 1967, graba con Richard Davis y Elvin Jones, en Estados Unidos, para Impulse! (aunque dichas grabaciones no llegan a editarse en álbum) y, ya de vuelta a Europa, publica varios discos como acompañante y como líder.
Tete Montoliu y Bobby Hutcherson en 1984
Ref: De Brianmcmillen - Trabajo propio, CC BY-SA 3.0,
Vuelve a Estados Unidos en dos ocasiones (1979 y 1980) y trabaja en colaboración con Bobby Hutcherson, Ben Webster, Lucky Thompson, Anthony Braxton y George Coleman, con quienes también realiza diversas grabaciones. También toca con músicos como Chick Corea, Paquito D'Rivera, Stan Getz o Stéphane Grappelli. A nivel nacional, realiza un gran número de sesiones junto a Núria Feliu, o con su inseparable trío: el contrabajista Horacio Fumero y el baterista Peer Wyboris.
En 1996, recibe un homenaje a escala nacional en el Teatro Monumental de Madrid con motivo de sus 50 años en el mundo del jazz, con Tom Harrell y Gary Bartz, entre otros.
Tete Montoliu fallece el 24 de agosto de 1997 en Barcelona a las 11h40 en el Hospital Clínico de Barcelona, a los 64 años, víctima de un cáncer de pulmón. Tras su muerte, se crea la Bienal Premios Tete Montoliu de Jazz.
Nacimiento 28 de marzo de 1933 en Barcelona, España
Fallecimiento 24 de agosto de 1997, en Barcelona, España
Ocupación Músico y Pianista de jazz.
Género hard bop, bop.
Aquí va néixer Tete Montoliu, c. Muntaner
This is a photo of public art indexed in the cataloge Art Públic of Barcelona (Spain)
under the code number 2705-1 (prefixed with territorial id: 08019/2705-1)
Estilo
Montoliu desarrolló su forma de tocar partiendo de la influencia de Bud Powell y, en menor medida, de Lennie Tristano, aunque logró un estilo personal, percusivo, repleto de swing y muy bluesy, que lo convirtieron en la figura más internacional del jazz español, y en un acompañante reclamado por las figuras americanas de paso por Europa. Su papel en la escena española es similar al que jugaría Martial Solal en la francesa.
Tete Montoliu - 1971 - Recordando a Line
Créditos
Bass – Erich Peter Drums – Joe Nay Piano – Tete Montoliu
Notas
Grabado en Noviembre de 1971, lanzado en 1972 Impreso en la trasera de la portada: "Edición autorizada por Tete Montoliu"
Listado de Temas:
01 - I Should Care (Piensa En Mí) - 02:32 min.
Sammy Cahn / Axel Stordahl / Paul Weston
02 - Sweet Georgie Fame - 06:14 min.
Blossom Dearie
03 - We'll Be Together Again (Estaremos Juntos De Nuevo) - 04:42 min.
Carl Fischer / Frankie Laine
04 - I Can't Get Started (No Consigo Empezar) - 05:40 min.
Vernon Duke / Ira Gershwin
05 - Lover Man (No Hay Amor) - 03:13 min.
Jimmy Davis / Roger "Ram" Ramirez / Jimmy Sherman
06 - I Fall In Love Too Easily (Qué Fácil Fue Mi Amor Por Ti) - 02:20 min.
Sammy Cahn / Jule Styne
07 - Blues For Line - 05:28 min.
Tete Montoliu
08 - When I Fall In Love (Nadie Como Tú) - 02:49 min.
Edward Heyman / Victor Young
09 - Body And Soul (Cuerpo Y Alma) - 09:03 min.
Frank Eyton / Johnny Green / Edward Heyman / Robert Sour
10 - My Funny Valentine (Mi Graciosa Valentina) - 02:24 min.
Lorenz Hart / Richard Rodgers
10 Temas - Tiempo Total: 00:44:25
flac @ 638 - 216,54 MB
Rippeado Por: Napi#17
Vicenç Montoliu i Massana, más conocido como Tete Montoliu
(Barcelona, 28 de marzo de 1933 - ibídem, 24 de agosto de 1997)
fue un pianista y compositor español de jazz, el primero que trascendió las fronteras
y alcanzó nivel internacional. Su estilo está muy influenciado por artistas
como Duke Ellington, John Coltrane, y Thelonious Monk.
TM71RAL1902.1PocodMusica.rar
https://1fichier.com/?kcion0wov4otc022gfbj
Fuentes y enlaces externos:
(1) Tete Montoliu en el Recuerdo: Tete en la Historia del
Club de Música y Jazz San Juan Evangelista de Madrid
María Isabel Quiñones Gutiérrez conocida artísticamente como Martirio (Huelva; 21 de marzo de 1954)
En los años 70 forma parte del grupo Jarcha. En 1984 Martirio forma parte del grupo Veneno, liderado por Kiko Veneno y los integrantes de Pata Negra: Raimundo y Rafael Amador.
En 1986 inicia su andadura en solitario con el nombre artístico de Martirio.
Su música es un puente entre culturas y fusiona copla andaluza, flamenco, bolero, jazz, tango, rock, guaracha...
Envío de Timm
Es todo un honor y por partida doble, este regalo. Lo es por el regalo de la presencia, en sí misma, de Timm y por el disco que es, toda una delicia de cuasi-boleros-jazz de una mujer que me encanta en el sentido más literal del término, y que escucho una y otra vez:
Martirio-2006-Primavera en Nueva York
[@320]
Créditos:
Martirio - Voz
Claudio Roditi - Fliscornio
Dafnis Prieto - Batería
Edgardo Miranda - Guitarra
George Mraz - Bajo
Houston Person - Saxo Tenor
Kenny Drew, Jr. - Piano
Paquito D'Rivera - Clarinete
Track List:
01. Ese Sentimiento Que Se Llama Amor (Mendez) 5:21
02. No Puedo Callar (Fernandez) 5:29
03. Primera Iluvia (Touzet) 5:10
04. ¿Que Me Importa? (Porta) 5:45
05. No Pidas Imposibles (Dominguez) 4:03
06. Si Te Contara (Reina) 4:19
07. Tengo (Valdes) 4:58
08. Son Cosas Que Pasan (O'Farrill) 5:25
09. Y Entonces (Rexach) 5:45
10. Alma Libre (Tarraza) 4:54
11. Mi Ayer (Rojas) 5:39
12. Me Faltabas Tu (Mendez) 4:34
La verdad es que tengo preparados ya, en alojador, tres discos de Martirio. A falta de decidirme por el momento de postearlos, porque me dio la furia en un momento determinado y tengo varias cosas amontonadas y esperando por mis arranques.
Es Maribel una de las responsables de que me haya reconciliado con las canciones que oían mis padres, con la copla, estilo que me ha “rechinado” en los primeros 40 años de mi vida. Y no sigo más, dejo paso a las notas que adjunta Timm:
En este disco adapta estos boleros cubanos de los 40 y 50 que lleva a su terreno, con sencillez, despojados de cualquier elemento que los aleje de su esencia, los originales fueron el germen de baladas norteamericanas posteriores en el tiempo, un disco de boleros con elegantes aires de jazz, pero boleros rescatados del olvido, no se trata del recurso fácil a los archiconocidos éxitos del género, la labor de Martirio consiste en bucear en las fuentes para devolver a la vida maravillosos temas olvidados o poco conocidos que hablan de amor en sus diferentes etapas, con sentimiento y sensibilidad en su recreación. Estilísticamente esta grabación se inclina más por el jazz que el bolero o el tango, debido al piano de Kenny Drew, Jr, al bajo de George Mraz, al baterista Dafnis Prieto, a Edgardo Miranda guitarrista, al clarinetista Paquito D'Rivera o al saxo tenor Houston Person y al solo de Fliscorno de Claudio Roditi.
La mayor parte de las composiciones son baladas, salvo el esperanzador mid-tempo vals "Alma Libre", un cierto espíritu de vals en "Mi Ayer. "Es difícil elegir cual de ellas es de mayor calidad entre cualquiera de las hermosas canciones incluidas en el disco, cada pieza se convierte en unica, un trabajo de conjunto, que una tras otra nos cuentan la historia completa. Hay un destello de Bossa en "No puedo callar", un lento y dulce blues en "Primera Lluvia", el dueto entre la agridulce voz y el bajo en " Si te contara ", y la victoria final "Me Faltabas Tu," el único dueto voz-piano.
¡¡¡Que aproveche!!!
*** ***
Y, en plan Bonus, el dsiquito:
Martirio Y Chano Dominguez - 2004 - Acoplados
Créditos
Lead Vocals – Martirio
Arranged By, Producer – Chano Domínguez
Directed By – Adrian Leaper
Executive Producer – Fernando Rosado, José Luis Ramos
Performer – Big Bang Orchestra RTVE, Chano Domínguez Trio, Orquesta Sinfónica de RTVE
La unión natural de música y poesía ha dado como resultado una de las manifestaciones expresivas más auténticas del sentimiento humano. Desde los tiempos más remotos, la canción, además de servir como idóneo vehículo de comunicación entre los hombres, ha sido uno de sus testimonios más vivos. Escondidas entre la historia y difuminadas por la arqueología sonora de nuestra memoria, las canciones permanecen grabadas en los bordes de las ánforas, en los mosaicos fragmentados, en las espadas herrumbrosas y en los mitos del corazón. No hay papiro o tablilla donde no aparezca el canto de los hombres. Cada pueblo ha cultivado la canción como un género íntimo que encierra la representación sentimental de sus vivencias. Pasiones, guerras, amoríos, celos, ilusiones, pérdidas, despedidas y encuentros configuran una forma de vivir y de estar en la tierra, de pensar y comportarse con más fidelidad que cualquier manual antropológico. En los pueblos de Europa, la canción ha ido adaptándose formal y estilísticamente a la manera de ser de sus protagonistas. Podríamos trazar un mapa más o menos exacto del continente a partir de los madrigales, lieder, romanzas, arias o baladas que se han cantado por los senderos de su territorio. La canción popular ha sido el germen de toda su música -como ocurría en Granados y Falla-, y en estado puro, sus letras y melodías aún siguen siendo una de las señas más claras de su condición. En España, la canción ha gozado siempre de un lugar privilegiado en la tribuna de sus manifestaciones artísticas. Grandes poetas y compositores han cultivado el género con delicadeza y gran respeto a la tradición popular, desde San Juan de la Cruz hasta Rafael Alberti, o desde Alfonso X hasta Joaquín Turina. Pero, sobre todo, la canción sigue cociéndose en el pueblo, en la voz anónima, en el movimiento cotidiano de las lavanderas, pescadores, soldados o campesinos. La canción española ha ido sufriendo una serie de transformaciones a lo largo de los tiempos en perfecta adaptación al sentimiento de la sociedad. La variedad de sus pueblos ha enriquecido el género hasta tal punto, que no se puede hablar de una solución común. Sin embargo, de toda esta gama destaca la copla como forma a la que han venido a confluir una serie de expresiones líricas y cancioneras. Los orígenes de la copla habría que buscarlos en los diversos tipos de estrofas que, con diferentes esquemas rítmicos, se cantaban en el siglo XIV, aunque cuanto entendemos hoy por tal término corresponda a un perfecto encaje de voz personal y música de autor, donde se expone radicalmente el mundo de los sentimientos enfrentados, la discusión con la propia vida y las contradicciones de nuestra existencia. Por otra parte, es imposible concebir la copla sin la presencia del cante flamenco. Aunque se trata de géneros distintos, el uno sin el otro tendría difícil explicación, pues si la copla adapta requiebros, cadenci as y fraseos del cante jondo, así como el aliento visceral de sus letras, bien es verdad que el propio flamenco ha venido nutriéndose de diferentes recursos que, tanto las antiguas tonadillas, como las posteriores coplas andaluza, le han ido aportando en un proceso de osmosis más o menos igualitaria. Como el bolero, el tango, el vallenato o la ranchera, la copla es expresión que ha traspasado las lindes regionales y nacionales para convertirse en espacio abierto de todos. Si a lo largo de casi todo el siglo XX la copla ha sido carta identificadora de un sustrato geográfico y sentimental determinado, hoy ramifica sus raíces, bebe de otros manantiales, presta sus elementos pasionales y se ofrece al mundo porque, al fin y al cabo, la música es única. En este disco tenemos ocasión de viajar al corazón de la copla y contemplarla en un paisaje contemporáneo. Liberada de sus tradicionales estructuras -a veces demasiado estrechas-, se nos presenta aquí diáfana y desmaquillada, en consonancia con una de las expresiones sonoras más punzantes y atractivas de nuestra modernidad, como es la música de jazz.Hace ya algunos años, bajo el título de Coplas de madrugá, Martirio y Chano Domínguez iniciaron un proyecto común que hoy se plantea otra nueva andadura. Sin renunciar ni un ápice a su sentido originario, la copla, en la voz de Martirio, adquiría un aire nuevo, una manera de decir diferente y, lo que es más importante, una veracidad incuestionable. Por otra parte, el piano y la creación musical de Chano Domínguez parecían surgir de la propia esencia de la copla. Hoy, en este registro, la apuesta es más arriesgada y el resultado más redondo. De aquella experiencia quedó el poso de una desconocida y atractiva musicalidad que ahora expone y desarrolla todo un abanico de posibilidades creativas. El lenguaje jazzístico del trío formado por Chano Domínguez, George Mraz y Guillermo McGill nace aquí de cada una de las coplas, no como pretexto aleatorio, sino como motivo elaborado desde sus respectivas melodías. Como ocurre en el flamenco, la música de jazz se hermana con cuanto roza, ya sea por simpatía, ductilidad de sus formas o vinculación sensorial. Y lo hace con naturalidad y elegancia, recuperando un eco perdido de algo que ha existido siempre y, paradójicamente, ha permanecido oculto. Pero no es una tarea fácil, ya que no se trata ni de parodiar, ni de adornar con unas determinadas estructuras rítmicas y armónicas el dibujo de la melodía invitada, sino de indagar en su centro y comprender la fuerza que le hace latir. Quizá ésta sea la única forma posible -o al menos, la más honrada- de fusión. En este caso, se trata de un jazz evocado desde el sur, desde el compás del habla andaluza que, aunque responde, en definitiva, a los patrones ortodoxos de la tradición, es consustancial a las raíces de la copla y el arte flamenco, tanto por conocimiento como por procedencia natural de sus dos principales protagonistas. Al presente trabajo discográfico -Acoplados- se incorporan dos elementos nuevos que enriquecen y, a su vez, precisan el espíritu de la copla. Por un lado, tal como ha venido existiendo en su convención ortodoxa, el apoyo abarcador de una orquesta sinfónica; y por otro, el vibrante estímulo rítmico y tímbrico de la big-band. La combinación de estos cuatro vectores -voz, trío, orquesta y banda-, que mantienen por separado una poderosa autonomía expresiva, plantea una serie de dificultades técnicas que felizmente han sido superadas aquí, gracias a una generosa colaboración por parte de todos y a una inteligente visión de conjunto. Tanto la voz melismática de Martirio, a medio camino entre el tronco de la tradición coplera y el legado de las grandes cantantes de jazz, como el talante tranquilo, casi mediterráneo, de las concepciones musicales de Chano Domínguez, se casan perfectamente bajo el techo sonoro de la orquesta, reforzado por el cromatismo de los instrumentos de viento y percusión que integran la banda. En este caso, todo responde a un trabajo colectivo minuciosamente cuidado, con medios artísticos y técnicos de primera calidad, desde la Orquesta Sinfónica de la Radio Televisión Española, dirigida por su titular Adrian Leaper, hasta los arreglos de Chano, Roque Baños, Carles Cases o Lluis Vidal, sin olvidar la profesionalidad y finura del equipo de técnicos de sonido y asesores de Radio Nacional de España que ha sabido resolver con soltura la complejidad de esta grabación. En esta rigurosa selección de coplas nos encontramos con títulos y melodías que han ilustrado gran parte de nuestra educación sentimental. Prestar oído a sus fraseos viene a ser como viajar un poco al centro de nuestros recuerdos, de aquello que vivimos en la infancia o que nos contaron nuestros padres y abuelos. Pero la música tiene poder suficiente, como para transformar las imágenes desvaídas por la nostalgia en permanente impulso creador, ayudada, claro está, por el talento de sus nuevos intérpretes. Son títulos que han cantado los artistas más señeros de la copla andaluza, escritos por los más ilustres compositores y letristas del género, que nos traen ecos de Miguel de Molina, Concha Piquer, Luisa Ortega o Marifé de Triana, por citar a unos pocos. Músicos y poetas como Manuel López Quiroga, Antonio Quintero, Juan Quintero, Rafael de León, Salvador Valverde, Pedro Llabrés, Manuel Gordillo, García Padilla, Antonio Kola, Carlos Castellanos, Antonio Sarmiento, Ramón Perelló y Juan Mostazo son los autores de las coplas contenidas en este disco, que evocan un fragmento de la educación sentimental de nuestro país, hoy recreado desde otra mirada diferente.
nace en Madrid el 29 de de Febrero de 1952. A los 14 años comienza sus estudios de solfeo y violoncello en el Real Conservatorio de Música de Madrid. Influenciado por la música pop británica y americana, conjuga sus estudios de bachillerato con grupos en directo cantando y tocando el bajo.
A los 19 años es músico de grabación. Allí conoce a Rodrigo y deciden hacer un grupo, "Solera", con el sello Hispavox, publican un solo LP, y un año después se reafirman como “Canovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán”. En esa época también participa en la grabación del musical “Godspell”, representado en el Teatro Marquina, y como actor en el musical “The Rocky Horror Show”, en el Teatro Martín.
Piano, Electric Piano [Fender Rhodes Piano] – Tomás S. Miguel (tracks: A1, A2, B3)
Sitar – Gualberto (Smash) tracks: B2)
Coros – Sherpa, Pepe Robles
Portada – Santiago Monforte
Engineer – J. A. Alvarez Alija ("El Boli")
Produccón – José María Guzmán
Técnico – Angel Gil, Maurizio Gaudenzi
Letra y música de todos los temas: –José María Guzmán
Listado de Temas:
01 - El pais de la luz - 05:33 min.
02 - Mi joven amigo - 06:45 min.
03 - Dejando el hogar - 04:51 min.
04 - Julia - 02:14 min.
05 - Volver a empezar - 03:56 min.
06 - 26 años - 03:16 min.
07 - Celia - 11:42 min.
7 Temas - Tiempo Total: 00:38:17
flac @ 954 - 254,27 MB
RipPor: Unodel53
http://www.dtodo1poco.com/pieldtoro/
Notas
Yamaha C-8 cedido por la Casa Hazen-Yamaha, Organo Hammond cedido por Tomás Bohórquez.
Gracias a Luis Cobo por captar mi ideal y hacer todos los arreglos de cuerda y viento con un gusto especial.
Reviews:
Mi opinión... por: Unodel53
Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, fueron llamados los "C, S, N & Y" españoles, y a Jose Mª Guzmán, el Paul McCartney español, algunos de ellos procedian de grupos de éxito en este Pais ( Pekenikes, Iberos ), aún asi, no fueron valorados como buenos músicos que eran, solo con
el paso de los años han sido reconocidos como legendarios, y modelo para otros grupos.
Jose Mª Guzmán, en particular es, quizás, el más reconocido, por su inenterrumpida actividad. Este disco se puede considerar de culto en la Historia Musical Española. Jose Mª, cuenta con
colaboraciones (en el manejo de varios instrumentos) de varios de sus ex-compañeros, muy buenos músicos en aquellos años.
Una anécdota...la mujer de Guzmán, Carmen, dio a luz su primer hijo, en los dias que se graba este disco, Abel, a él le dedicó este Lp, y Abel es hoy, el Director Creativo y Imagen de su Estudio de Grabación, Sannoz Records.
Quiero dar las Gracias a mi amigo de toda la vida, Santiago, el propietario de este vinilo, y que gustosamente, me ha dejado ripear.
Ripeado de vinilo en Free Lossles Audio Codec (Flac) + fotos vinilo
Por: Unodel53
http://www.dtodo1poco.com/pieldtoro/
https://www.1PocodMusica
http://lasgalletasdemaria.blogspot.com/
Recién salido del servicio militar en Melilla, se integra durante un año con el grupo Módulos, y en 1978, Guzmán, hace su primer disco en solitario con C.B.S, “El País de la Luz”, que él mismo produce, y es el que comparto con vosotros.
En 1981 apuesta por hacer un grupo eminentemente pop, Cadillac, con la compañía Polygram, del que nacen 4 discos coincidiendo con la “movida madrileña”, en la que no estaban involucrados directamente. En ésta misma discográfica Guzmán reúne de nuevo a sus antiguos compañeros de C.R.A.G. para grabar en éste sello dos discos más, en 1985 y 1986. En este año, Cadillac son elegidos para representar,con el tema de Guzmán, “Valentino”, a España en el Festival de Eurovisión organizado en Bergen (Noruega), obteniendo un meritorio décimo puesto. El disco "Valentino" fue publicado por C.B.S. En general, desde 1974, Guzmán alterna sus actuaciones con las grabaciones de discos de diversos artistas españoles y publicidad de radio y tv. Y asi, hasta el dia de hoy.
Su propia compañia discográfica
Cadillac Music es una apuesta que hace José Mª Guzmán para reunir a todos los mejores en un solo sello discográfico, una plataforma donde poder mostrar todo el trabajo musical de una sola vez.
Harto de las compañías convencionales que no hacen nada por los músicos y creativos dónde sólo impera el "tanto vendes, tanto vales", Guzmán opta por recopilar, no sólo sus canciones, sino a los artistas que tienen una calidad especial que no entran en el sistema comercial de nuestro país. En ésta compañía se pretende, a través de la web, dar salida a todo el trabajo de grandes compositores y artistas que no reciben ninguna ayuda en España.
A través de Cadillac Music, con su tienda On Line (próximamaente operativa), cuenta con un sistema abierto para que en cualquier parte del mundo se pueda escuchar y comprar su música, promocionar y obtener conciertos de una manera limpia, sin ningún intermediario. "Somos pequeños, pero honestos y concienciados de la involución que sufre el negocio musical en todo el mundo". El DIY (Do It Yourself o Hazlo tú mismo) es la filosofía elegida. Los beneficios son todos para el artista, sin ningún intermediario.
Su estudio de grabación...
Las compañías discográficas convencionales siempre tienen que contratar productores para la realización de los discos, éstos, a su vez, subcontratan estudios de grabación, músicos, arreglistas, fotos, hoteles, viajes, comidas… por lo que, en definitiva, es siempre un gasto astronómico en el que el artista tiene que compensar en ventas todo lo que la compañía ha invertido en él.
Hoy en día se cuecen nuevas formas de trabajo, sin tanto intermediario, sin tanta parafernalia, donde el artista ya no está sujeto a vender para cubrir o hacer ganar a la compañía discográfica. Sannoz Records es un estudio de grabación que atiende a ésta demanda, sólo para unos pocos, para gente especial que quiere hacer las cosas bien y… sonar bien. Javier Sancerni, amante de las cosas bien hechas, definió claramente lo que quería: "El lado humano, la comodidad, el resultado eficaz, sin prisas, tomando pausas para un café, sentarse a conversar sin el agobio de las horas de estudio que corren como la tarifa de un taxi. Se está haciendo música y eso no es una carrera contrarreloj…" Sannoz Records apuesta por lo bueno, venda o no, tanto por la calidad musical como humana… sobre todo, no hay prisas.
Alberto Pinto (ex-Eurosonic) se encarga de dirigir la parte técnica junto a Oscar Guzmán. José Mª Guzmán está en todo lo referente a arreglos, producción y dirección musical. Abel Guzmán - Czeslaw.com.es en todo lo que concierne a diseño, web y a la imagen del artista.
Dotado con el último sistema DigiDesign Pro-Tools y todo un combinado de plugins internos de primeras marcas, con un hardware a válvulas, más caliente, Focusrite, Avalon, Millenia, ...y microfonía diferente para todo tipo de instrumentos y voces. Dos salas y una cabina en continua evolución técnica donde hay sitio para albergar tanto a un coro como a una orquesta de 40 músicos.
graban juntos por primera vez en 1999, este directo que os presentamos, El Concierto de Sevilla, para dar rienda suelta a lo que llevaban fraguando durante un par de décadas de coincidir en proyectos de unos y otros.
Con un repertorio que va desde el estardar Donna Lee hasta el tema de Benavent De Perdidos al Río, pasando por una curiosísima versión del éxito Beatle, Michelle, y sin dejar de lado el basado en D. Manuel de Falla, Manuel, además de los varios de Jorge Pardo (San Juan, Postcolombiana, Jeta, etc) muestran de qué son capaces estos tres instrumentistas cuando les une la imaginativa sensibilidad.
Recién comenzaba La Transición española, el mercado discográfico se inundó de artistas de "la periferia". Los círculos musicales de fuera de las grandes capitales superaban en calidad a los de éstas, y no solo por cuestión matemática: la gente joven tenía mucho para contar. En este contexto, el sello Gong de Movieplay ofrecía un sugerente catálogo: Los Jaivas, Azabache, Triana, Victor Jara, Violeta Parra, Manuel Gerena, Vainica Doble, Carlos Puebla Y Los Tradicionales, Adolfo Celdrán, Elisa Serna, Isabel Y Angel Parra, Inti-Illimani, Pau Riba, Nueva Trova Cubana, Azahar, Quilapayún, Luis Pastor, Alfredo Zitarrosa, Granada, Illapu, Carlos Cano, Olga Manzano Y Manuel Picón, José Antonio Labordeta, Pablo Guerrero, Rafael Heredia, Lole Y Manuel. Tilburi, Pablo Milanes, Albatros, Benito Moreno . . .
La primera ocasión que tuve de ver este disco, la portada de Máximo Moreno me gustó lo suficiente como para comprarlo antes de saber lo que Daniel Vega me quería contar sobre La Noche que Precede a la Batalla. Suelo comenzar a leerlos libros por el índice y a escuchar los Lp's por la segunda cara, de modo que la auténtica sorpresa surgió al comenzar la escucha de la primera nota de la cara "B". Un sonido acúsitco, tan cuasi folkie como jazzy, armonías melodiosas: melodías que penetran lisa y llanamente por los tímpanos y le hacen a uno disfrutar de lo que, en tres días de grabación, fueron capaces de montar un grupo de músicos que irían jugando importantes papeles en el devenir de la música española . . . ¡exceptuando al propio Vega!
No volví a saber del Daniel Vega, nunca escuché ninguna otra grabación de él, para mí fue un artista de un solo disco durante décadas. Incluso cuando intenté buscarle por la red de redes . . . ¡nada, ni una sola nota o reseña! Hasta el presente, que he logrado recopilar una serie de articulitos sobre el disco e incluso una entrevista realizada a Daniel por Chus NEIRA (creo que debió de ser en torno a 2005) y conservo sin tener muy claro el origen de lo citado (por lo cual pido disculpas a los aludidos y quedo a su disposición para posibles puntualizaciones).
- - Napi para El Cielo y El Dedo
Las metamorfosis de Daniel Vega
Entrevista por Chus NEIRA, Avilés
El sello Dro reedita el disco de folk progresivo «La noche que precede a la batalla» que grabó en 1976 para Gong el músico, escritor y periodista asturiano. Casi han pasado treinta años desde que Daniel Vega era un estudiante de Periodismo libertario que fichaba por el sello Gong para hacer equipo junto a Triana, Aute o Lole y Manuel. El músico asturiano colgó la guitarra, se perdió de corresponsal de guerra y empresario por Latinoamérica, regresó a su país como poeta y de pronto se encontró con el pasado. La discográfica Dro le abrió el armario de la memoria al anunciarle, hace dos meses, que su disco de 1976 «La noche que precede a la batalla» se iba a reeditar junto a las otras grandes piezas del progresivo español grabadas en Gong. Daniel recuerda ahora aquellas canciones convertidas en preciadas piezas de coleccionista y vistas con la distancia como germen de su visión poética actual.
Portada Lp, porMáximo Moreno
Daniel Vega espera al periodista en su casa de Llaranes. Han pasado ya casi dos meses desde que hablaron por teléfono y se disparó la memoria encerrada en un armario. Antes, el punto de fuga se fecha en el día en que el ejecutivo del sello Dro llamó al periódico. «Vamos a reeditar el catálogo Gong que tenía Movie Play, cosas de Triana, ese tipo de material, y uno de los discos "La noche que precede a la batalla", de un asturiano, Daniel Vega, estábamos intentando localizarle».
Casi todo el mundo de Asturias relacionado con la música recordaba a Daniel Vega. Sus conciertos. Aquel vinilo de folk progresivo por el que ahora pagan cientos de euros los coleccionistas de Internet. Pero el rastro era difícil de seguir. Y no porque Daniel Vega, nacido en Oviedo y criado en El Entrego -«allí fue donde aprendí el nombre de las cosas»- se hubiera escondido. Había sufrido una larga metamorfosis que ahora lo situaba en Asturias, le sumaba un apellido nuevo, Daniel Astur Vega, y le convertía en poeta. Escuchando en el comedor de su casa el disco remasterizado que Dro está a punto de editar uno puede pensar que la metamorfosis no ha sido tanta. De hecho, él mismo confiesa que cuando se puso en contacto con la discográfica y volvió a escuchar lo que grabó en tres días en el año 1976 entendió que todo aquello que hoy día sigue proyectando en nuevos versos estaba ya comprendido en aquellas canciones. Más bien en la cara B, la acústica, que se abría con un «Tierra minera». Suenan ahora las guitarras de Vega y de Luis Mendo - el guitarra de Aute - como si no hubieran pasado los 25 años que lleva sin escuchar esta música y derivan rápidas en un bajo galopante, onda progresiva, del «Esperando al sol».
«Entra como un teletipo», dice ahora Daniel, «fue mi primera crónica de prensa, una canción». Porque la primera metamorfosis de Daniel Vega fue la del periodismo. La Complutense, Madrid, montar una banda, correrse la voz y el Daniel Vega cantautor que aparece en las cajas de ahorros de Asturias, Obra Social y Cultural, cinco conciertos a la semana Oviedo, Gijón, Avilés, Sama y Mieres. También los colegios mayores de la capital. Hasta que le llamaron los de Movie Play para la serie Gong. Ya habían grabado Lole y Manuel, en aquel momento estaba en estudio Pablo Guerrero, después le tocaba al asturiano y luego venía Triana. «Como grabar un disco en tres noches era una locura, pedí permiso a Pablo Guerrero y me quedé allí en los estudios viendo cómo se manejaba todo aquello para no perder tiempo cuando me tocara a mí».
Y no lo perdió, si uno sigue escuchando la cara acústica y llega a «Cantábrico», «Cantabria» en la edición de vinilo pero no en referencia a Santander. En aquella época preautonómica el término utilizado por Vega sólo nombraba el mar, su mar, todo un territorio mítico.
Piensa ahora que es increíble que compusiera aquello con 20 años, porque sigue siendo una joya. Una pequeña pieza acústica en la que dos guitarras se van trenzando para llegar a la resaca y de ahí al paroxismo de la tormenta, un paisaje asturiano pintado con una base de blues y de folk. Impagable. De ahí se pasa a temas como «Ciudad luminosa» o su «Madre Asturias», con introducción a lo Weather Report, de bajo trazador de arpegios y percusión santera.
Merece un aparte este último tema porque los que compren la reedición en CD de «La noche que precede a la batalla» y hayan tenido el vinilo encontrarán una pequeña diferencia. Cuando Daniel grabó este tema, siete horas metido en la cabina, alguien pulsó el interruptor y se fue la luz. Daniel dijo «apagaste la luz, por eso me despisté». Esa frase encabezaba la canción en el vinilo, ocurrencia de un productor al que le pareció fresca genialidad, «poesía de la calle», lo que sólo fue un comentario y, a la postre, hizo que unos cuantos devolvieran el disco pensando que era un fallo de la grabación. Veintinueve años después, Daniel Vega ha conseguido eliminarlo en la nueva vida de «La noche que precede a la batalla».
Y casi se puede decir que el título era profético porque poco después de publicar su primer trabajo, Daniel Vega salió de la carrera rumbo a Nicaragua. Corresponsal de guerra en 1979 y más en 1980, esta vez en El Salvador. A partir de ahí, una corresponsalía en México y cuando se dio cuenta llevaba diez años viviendo en Latinoamérica y sin tocar la guitarra. Una larga y fructífera trayectoria empresarial le trajo de vuelta a España, entregado ya a la poesía, su gran pasión, su gran empeño, su razón de ser ahora. Y con lo que no contaba era, como sucedió uno de estos días, con abrir ese armario y sacar la acústica de cuerdas verdimohosas, limpiar con betún y volver a emocionarse.
La cara A del disco también le sigue poniendo la piel de gallina. Primero, esa obertura épica de recitado en las almenas que da título al LP. Luego el «Jinete», con el dúo de guitarras a lo «Wishbone Ash», la canción del «Exiliado» o «Hacia la eternidad». Parada en esta última y mención a la censura. Porque Daniel Vega, de aquella, militaba en la CNT. «Era libertario, ahora soy utópico civil, pero ¿sabes lo que es ver a dos mil tíos de pie con esta canción?». El problema fue cuando el himno de la CNT estuvo a punto de truncar la grabación. La censura le prohibió varias canciones y en ésta, a pesar de que corría ya el setenta y seis, tuvo que cambiar «barricada» por «muralla». A pesar de las censuras, del tiempo transcurrido y de las siete llaves de la memoria con las que Vega encerró este disco, ahora vuelve en la inminente reedición de Dro que, además, hará una tirada especial de mil vinilos en Japón. Quién lo diría.
- Chus NEIRA, Avilés
Daniel Vega - 1975 - La Noche que Precede a la Batalla
Músicos:
Daniel Vega: Voz, Guitarra Acustica, Textos Y Musica
Luis Mendo: Guitarra Acustica Y Electrica
Miguel Sanz "Judas": Piano Electrico
Manuel Aguilar: Bajo Electrico
Pedro Perez: Saxo Soprano, Flauta
Rafael Perez: Bateria, Percusiones Y Efectos
Juan Carlos Medrano: Guitarra Española
Créditos
Grabado en los estudios Sonoland de Madrid, en 1975
Portada – Máximo Moreno
Productor – Gonzalo Garciapelayo
CD, Álbum, Reedición, Remasterizado, Digipack País: Japón Fecha: 25 Abril de 2005
Listado de Temas:
Cara "A" La Noche que Precede a la Batalla:
01 - A1 La Noche que Precede a la Batalla - 02:00 min.
02 - A2 Jinete - 01:52 min.
03 - A3 Alma Gemela - 03:51 min.
04 - A4 Hacia la Eternidad - 02:59 min.
05 - A5 Compañeros - 02:44 min.
06 - B1 Tierra Minera - 01:02 min.
07 - B2 Esperando al Sol - 02:37 min.
Cara "B" Cantábrico:
08 - B3 Cantábirco - 02:17 min.
09 - B4 Madre Asturias - 03:10 min.
10 - B5 Ciudad Luminosa - 01:28 min.
11 - B6 El Sol Cruza Todas las Fronteras - 01:27 min.
11 Temas - Tiempo Total: 00:25:27
149.50 MB - ape @ 658
VinyloRipeaoPor Napi#09
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De este disco se ha escrito en
LA LISTA DE CORREO HISPANO-PARLANTE SOBRE ROCK PROGRESIVO Y SINFÓNICO
www.dlsi.ua.es/~inesta
La obra es muy corta (no llega a media hora) y se divide en dos partes:
a) LA NOCHE QUE PRECEDE A LA BATALLA:
las letras hablan del enfrentamiento de un guerrero medieval ante su destino, sin miedo a la muerte y en defensa de su territorio (podría ser un referente a la Batalla de Covadonga de 722, por la que se inicia la Reconquista?). Incluye los cinco primeros temas y se inicia con una poderosa recitación, para pasar seguidamente a un pasaje instrumental con aires "jazzies" psicodélicos y después a un dramático canto libertario. "Hacia la eternidad" tiene un interesante pasaje intrincado al principio entre el piano eléctrico, el bajo, la batería y finalmente el saxo (me recuerda mucho a ciertas partes del "Tutankhamon" de Iceberg, de 1975). El final de esta parte, presenta unas disonantes armonizaciones sobre un tema de alto contenido expresivo "Compañeros que me oís, pido que cuando yo muera no me enterréis: amarradme a mi bandera".
b) CANTÁBRICO:
aquí el contexto cambia, pasando a relatar la dura vida del minero (otro de los emblemas de Asturias, que "tiene el cuerpo negro y verde" (¿relación con la Revuelta de 1934?). Incluye el resto de temas: su comienzo es más acústico y nos prepara la acción que llegara con "esperando al sol", una de los mejores partes, desde su principio oscuro con la guitarra acústica, hasta los pasajes acelerados de batería y bajo, reflejan la tensión de las letras: "Había anochecido y cerca de las diez se derrumbó la galería tres". Tema con muchos cambios de tempo y una labor destacable de Rafael Pérez, que sabe sacar muy buen timbre a la batería, dando aquí un predominante lugar a los sonidos metálicos (mientras que en la anterior predominaban mas los timbres graves, como simulación del galope del caballo del guerrero) "Cantábrico" es un tema instrumental interpretado velozmente y de forma muy expresiva por el propio Daniel, que nos transporta a un aire más tranquilo y de carácter melódico con frases guitarrísticas mas sinfónicas. "Ciudad luminosa" es otro pasaje instrumental, más lento que el anterior aunque similar, y con presencia de guitarra española, que nos conduce a la conclusión en un tono un tanto melancólico.
Este es un trabajo muy interesante y poco conocido, tanto del panorama asturiano como de la música progresiva española en general, aunque hay que analizarlo en su contexto: es una obra pretenciosa dentro de un estilo de folk reivindicativo con cuidados arreglos y pasajes instrumentales, que se ve imbuida por la atmósfera musical de la estética progresiva de los años 70s. Por cierto, la portada es preciosa... obra de Máximo Moreno
(quien también diseñaría la del "Hijos del Agobio" de Triana, en 1977). Un saludo a todos los cajeros y cajeras, en especial a aquel que me señaló la existencia de este disco en un ejemplar de la revista Mellotron, años ha (y que siento no poder recordar su nombre, creo posible que sea Roberto "Fripp" Villanueva?? Gracias, en cualquier caso!! Ahora ya está disponible en CD!!!).
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Artista asturiano, que editó un álbum en el coleccionable sello Movieplay,
dedicado mayormente al prog. El trabajo comienza a destacar por el gran diseño doble de la portada. La música contenida en el álbum, es progresiva, suave y con influencias folkies. En las sesiones de grabación del álbum participó Pedro Ontiveros (más tarde en Guadalquivir).
Sangre Española
sangrespanola.wordpress.com/2014/04/19
Una de las grandes sorpresas que ofrece la escena progresiva española. Daniel Vega (no debe confundirse con el otro Vega que lanzó un conocido álbum de Rock Andaluz) es un excelente músico de Asturias, en el norte de España. Este es su único disco y es un extraordinario álbum de folk progresivo con Daniel escribiendo y cantando todas las pistas excepto dos instrumentales. Sonido completamente remasterizado, portada original y en edición de solo 500 copias.
Daniel Vega es un músico asturiano de voz clara y melódica que desprende, acompañado de su guitarra acústica, un aire nostálgico de cantautor de los anos 70's, en cierto modo heredero, sobre todo, de gente como Víctor Manuel o Joan Manuel Serrat. Con esta obra, firmada en 1975, grabada bajo la batuta del prestigioso productor Gonzalo García-Pelayo y editada por primera vez en CD remasterizado, este año 2005 en los digipack de la serie Gong de Clásicos Progresivos Españoles de los 70s, el regusto reivindicativo se mezcla con un cuidado arreglo instrumental en su banda de apoyo (con Luis Mendo,uno de los lideres del grupo madrileño Suburbano, o Rafael Pérez, que militó en la agrupación Nuestro Pequeño Mundo) que extiende las sonoridades al jazz, funk y rock progresivo. La obra sería un punto de partida para músicos asturianos como Nuberu, sobre todo muy patentes en su segundo disco homónimo (1980) y el "Cancios d'un pais" (1981).
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