31 octubre 2010

Alma Del Sur: Music of South America, - 1992 – V. V. A. A., Narada Collection Series

    Portada-

Continuando con el repaso por las Nuevas Música Instrumentales, el otro pilar básico en estos sonidos new age fue el sello Narada.
Tras los acontecimientos de 1492 nada sería igual para el mundo occidental. Con todas las injusticias de la colonización y usurpaciones varias para bien y para mal, el avistamiento del Nuevo Continente abrió una página fundamental en la historia del Viejo Mundo.
Celebrando el Quinto Centenario del evento, Narada publicaba un bello álbum de música con raíces, tamizada por la técnica del fin del milenio en la mayoría de los temas:

Alma Del Sur, Music of South America
- 1992 -
V. V.  A. A.
Narada Collection Series

Como esto va a ser largo, te propongo escuchar algunos temas

http://www.divshare.com/playlist/790045-8f1

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En el Cd se pueden escuchar temas de los siguientes artistas:

Bernardo Rubaja:
BernardoRubajaNacido el 22 de diciembre de 1949 en La Plata - Provincia de Buenos Aires, Argentina. Comenzó con el piano a la edad de 7 años, en su adolescencia se ejercita con el bajo eléctrico,  formando un grupo beat que con el tiempo se convirtió en Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, donde participó en las primeras etapas de la banda. Paralelamente estudia música clásica con Enrique Gerardi e ingresa en la escuela de Bellas Artes (La Plata) en composición y dirección orquestal. También experimenta en el campo de la música electroacústica, con el maestro Jorge Rapp. Viaja a París y estudia en el IRCAM, (instituto de investigación musical) con Guy Rebel., en donde desarrollan nuevas texturas sonoras de vanguardia. Viaja a Estados Unidos y estudia , piano y composición en Holywood , California, graduándose en el Deep Gr ove School of Music. En la universidad de Los Angeles estudia “film Scoring”, relacionándose con el conocido compositor Mark Isham, quién produce su primer álbum para Windham Hill Records.


Junior Homrich. La información está en el folleto del disco

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Rumillajta: 

rumiyajta_bandGrupo musical boliviano que se formó en 1980, fueron uno de los progenitores más  importantes de la música andina. El nombre significa "ciudad de piedra" en quechua. Fueron los protagonistas de un documental de la BBC donde se difundió sus conciertos en festivales en tres continentes. Sus temas se refieren a la música popular dedicada a la naturaleza, así como temas más políticos como el uso ancestral de la hoja de coca, la explotación extranjera y los derechos indígenas.





Nando Lauria: 

NandoLauriaNace en en Recife, capital del estado
de Pernanbuco (Brasil) Tras recibir educación en el conservatorio
de Recife se gradúa en la prestigiosa Boston’s Berklee College of Music. Colaboró con el grupo de jazz fusión Special EFX y recibió la invitación del Pat Metheny Group para participar en una serie de conciertos en el NightStage Club de Cambridge, lo que fue el comienzo de una relación musical esporádica fruto de la cual se comenzó a forjarse una relación musical entre Nando y Metheny que al final fructificó en la inclusión de Lauria como miembro permanente del PMG, aportando al grupo ese espíritu brasileño y latino del que tanto gusta a Pat, como hicieron en su día músicos como Pedro Aznar o Naná Vasconcellos. En el PMG canta, toca la guitarra, fliscornio y variadas percusiones.



Gurrufio:

gurrufioGurrufío Chamber Ensemble es el nombre con el que, en 1984, Cristóbal Soto, Luis Julio Toro y Asdrúbal “Cheo” Hurtado bautizan un naciente proyecto musical, al que pronto se integra Jesús González en el contrabajo, aunque permanece poco tiempo en el grupo. Breve es también el lapso que tardará en consolidarse, entre una creciente audiencia, la denominación que hoy se ha convertido en sello de calidad e innovación: Ensamble Gurrufío; agrupación que abre paso a un nuevo estilo instrumental venezolano, que permite tener como elemento fundamental lo espontáneo, lo inesperado, ese que da cabida a la improvisación y al virtuosismo de cada uno de sus integrantes, aquel que propone ejecuciones únicas e irrepetibles. En 1989, se vincula a este virtuoso trío el contrabajista David Peña, quien se incorpora plenamente en 1991, año que marca un momento fundamental para el grupo al iniciar su proyección internacional con tres exitosas giras que los llevaron a diversas ciudades de Japón, Brasil y Estados Unidos. Presencia emblemática en la agrupación, además de cohesión y suerte, la entrada de Peña aportó la armonía, el conocimiento de las más arraigadas tradiciones populares urbanas y el manejo de las expresiones musicales de origen afro-venezolano. gurrufiojuguetePosteriores presentaciones en Colombia, Chile, las Antillas Holandesas, México, Alemania, España, Francia y el Reino Unido, entre otros países, han convertido al Ensamble Gurrufío en una referencia mundial de altísimo nivel de la música tradicional venezolana, a cuya riqueza ha aportado elementos contemporáneos que han hecho de Gurrufío una versátil propuesta popular académica.
  El gurrufío es, en Venezuela, el nombre de un juguete normalmente compuesto por dos chapas de botella aplanadas y ensartadas en dos orificios por una cuerda atada a sí misma. Se sostiene con ambas manos, cada una sosteniendo una parte de la cuerda (normalmente opuestas). El dispositivo se activa usando las chapas como peso para enrollar la cuerda, y luego halando por ambos extremos. Las intensas vueltas que dan las chapas tras halar normalmente hacen que la cuerda se vuelva a enroscar (aunque en sentido contrario); si la acción es ejecutada correctamente, cada vez pueden volverse a halar los extremos de la cuerda de inmediato y obtener las vueltas (y el enrosque sucesivo, alternando el sentido).



Carlos Guedes, de quien tampoco encontré información. Al folleto me remito:

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Ancient Future:



AncientFRuture Es una agrupación popular en el mundillo del “World Music”. Formada en 1978 por Matthew Montfort, se caracteriza por la fusión de músicas tradicionales con elementos de la música actual (jazz, rock o reggae). Acuñó el término de "world fusion music" para describir  el uso de ritmos africanos y orientales, sudamericanos o indios, las ricas armonías europeas y pacíficas melodías de otras tradiciones musicales dentro de un marco contemporáneo. Mathew Montfort, guitarrista, quedó tan fascinado por la música clásica de la India del Norte, durante sus años de universidad, que se vio impulsado a viajar a Java, Bali, China y otros lugares de Asia para estudiar las tradiciones musicales transmitidas de generación en generación. Con los años, Ancient Future ha expandido su visión musical a través de colaboraciones con maestros de diversas tradiciones y ha crecido hasta convertirse en un gran conjunto de cámara de 28 artistas de todo el mundo con más de una docena de similares grupos dentro de él, permitiendo a Ancient Future realizar su misión fundamental de creación de fusión de música mundial.




Roberto Perera: 

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Nacido en 1952 en Montevideo, Uruguay, el romance de Roberto Perera con el arpa paraguaya comenzó en 1964 cuando el aspirante a músico de 12 años de edad, se matriculó en el Conservatorio de Música Moderna de su ciudad natal. Su multicultural origen sin duda jugó un papel en la decisión de abrazar el arpa de 36 cuerdas de Paraguay y transformar el instrumento nativo de América Latina para incorporar las influencias del Latin, Pop, Jazz, música brasileña o afro-cubana. La transformación de esta humilde arpa hecha a mano, de origen popular, en una de las voces más demandadas de la música instrumental contemporánea ha sido poco menos que mágico.
En 1973, después de completar diez años de estudios de arpa en Montevideo, Perera se trasladó a Nueva York con la esperanza de seguir una carrera musical de primera categoría. Al principio, su experiencia no fue el sueño americano que había imaginado, ya que sus actuaciones se limitaban a tocar  melodías populares, principalmente, en clubes y restaurantes. Perera consiguió ir pagando sus deudas en Nueva York durante un par de años antes de ser reclutado por un cazador de talentos para entretener a un exclusivo club privado en Florida. Allí finalmente se le permitió realizar sus propias composiciones y desarrollar su estilo distintivo, con influencias musicales de Weather Report o Antonio Carlos Jobim. Comienza a utilizar el arpa como un instrumento de percusión, al igual que un piano, en lugar de un instrumento de cuerda . . .
~~ Ed Hogan, All Music Guide ~~
http://www.artistdirect.com/artist/bio/roberto-perera/478357

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Listado de Temas:

01 - The Hill Of Seven Colors - Bernardo Rubaja - 04:09 min. - Alma Del Sur, Windham Hill
02 - New Amazon - Junior Homrich - 04:20 min. - Alma Del Sur, Windham Hill
03 - Mujeres Y Ninos - Rumillajta - 03:48 min. - Alma Del Sur, Windham Hill
04 - Que Xote - Nando Lauria - 05:59 min. - Alma Del Sur, Windham Hill
05 - Orange Trees In Bloom - Bernardo Rubaja - 04:11 min. - Alma Del Sur, Windham Hill
06 - Las Marianas - Gurrufio - 03:42 min. - Alma Del Sur, Windham Hill
07 - Pantanal - Junior Homrich - 03:46 min. - Alma Del Sur, Windham Hill
08 - Cactus De Paraguaná - Carlos Guedes - 04:15 min. - Alma Del Sur, Windham Hill
09 - Por Ai - Nando Lauria - 07:48 min. - Alma Del Sur, Windham Hill
10 - Celebration In The Village - Bernardo Rubaja - 03:25 min. - Alma Del Sur, Windham Hill
11 - El Gatillo Y El Armadillo - Ancient Future - 03:44 min. - Alma Del Sur, Windham Hill
12 - Lands Of Fire - Roberto Perera - 04:38 min. - Alma Del Sur, Windham Hill
13 - Song Of The Americas - Bernardo Rubaja - 04:07 min. - Alma Del Sur, Windham Hill

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13 Temas - Tiempo Total: 00:57:52 - 350,31 MB

flac @ 837 + folleto

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Buscad . . . . . . . . SURTRADICIONALDELTERCERMILENIO

El Otoño, la luz


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Las luces del otoño tornan verdes en rojos, y aires tibios en fríos

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Evitamos que nos moleste todo aquello que no podemos cambiar
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Nos cuidamos de la luminosidad variable para ahuyentar el abatimiento

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Temiendo comprobar que lo perdurable no es nuestra percepción

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Sin permiso de Bab, apurando los límites del CopyLeft, he agregado imágenes a unos compases suyos

Luz

By Napi#10

28 octubre 2010

Maria del Mar Bonet - Alenar 1977 (Vinilo)


Maria del Mar Bonet - Alenar 1977 (Vinilo)
Estudió cerámica en la escuela de artes y oficios pero acabó dedicándose a la canción. Llegó a Barcelona en 1967, donde empezó a cantar con Els Setze Jutges y formó parte del movimiento de la Nova Cançó.
Desde entonces ha editado discos de música folk en catalán. Además ha realizado diversos conciertos en diferentes puntos de Europa, el Norte de África, Estados Unidos, Japón e Iberoamérica, además de participar en el campo de investigación de nuevas formas artísticas.
Entre sus primeros éxitos se encuentran las grabaciones de Què volen aquesta gent?, su canción más contestataria y su versión de L'àguila negra, original de la francesa Barbara, que junto a No voldria res més ara consigue ser Disco de Oro a nivel estatal en 1971.
En 1974 versiona algunos poemas de Bartomeu Rosselló-Pòrcel en un disco en el que colabora el músico Hilario Camacho, además de Joan Miró en la creación de la portada.
En 1993 dedica un álbum a la obra de Mikis Theodorakis con letras adaptadas al catalán.
En 2007 es galardonada con la Medalla de Honor del Parlamento de Cataluña en reconocimiento a su labor durante la etapa de Els Setze Jutges y edita su disco Terra secreta, que ya había presentado en directo desde 2006 y en el que hace un homenaje a algunos compañeros de la cançó; en el mismo año presenta el espectáculo Els treballs i els dies junto al cantaor flamenco Miguel Poveda.
Ha colaborado con multitud de artistas de diferentes estilos, tanto en actuaciones en directo como en grabaciones discográficas, entre ellos Lluís Llach, Ovidi Montllor, Milton Nascimento, Nacho Duato, Manolo García, Martirio, Georges Moustaki, Amancio Prada, Dulce Pontes, Maria Farantouri, Milva, Quilapayún (facción Francia) o Haris Alexiou, entre otros.
(De la wiki)



Listado de Temas:

 01 - Les Illes - 04:45 min.
 02 - Petita Estança - 01:41 min.
 03 - Eivissa - 02:36 min.
 04 - Aquest Temps De Calabruix - 01:24 min.
 05 - Es Fa Llarg Esperar - 04:45 min.
 06 - Nosaltres Les Dones - 02:16 min.
 07 - Que Volen Aquesta Gent - 01:58 min.
 08 - Orat Caçador - 01:36 min.
 09 - Vares Venir Fins On Jo Dormia - 02:21 min.
 10 - Alenar - 04:56 min.

10 Temas - Tiempo Total: 00:28:18 - 65,69 MB
mp3 @ 320
Ripeado X knos5 (Vinilo)


Buscad:     lavozqueacariciaelviento

The Impressionists, A Windham Hill Sampler - 1992 (Nuevas Músicas)

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Sobre el término New Age, nos dice la Sta. Madre Wikipedia:
El término nueva era o new age —utilizado durante la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI— se refiere a la Era de Acuario y nace de la creencia astrológica de que el Sol pasa un período (era) por cada uno de los signos del zodíaco. No hay un acuerdo acerca de la duración de cada era, aunque según algunos astrólogos, el cambio sería alrededor del siglo XXVII y para otros ocurrió exactamente el 4 de febrero de 1962. En este caso el sol saldría de Piscis para entrar en Acuario. Para las personas que creen que la astrología tiene una base real y la llegada de cada una de estas eras está marcado por cambios sociopolíticos importantes.


Y del género musical:
La música New Age (en español literal Nueva Era) es un género musical vagamente definido que generalmente es melódicamente suave, a menudo instrumental o con voces etéreas y suele incorporar grabaciones tomadas de la naturaleza.
Es una música meditativa, generalmente de tempo lento, muchas veces relacionada con las creencias de la Nueva Era, que invita al oyente a sumergirse en sentimientos de armonía, paz interior, amor a la vida, a Gaia o para redescubrirse uno mismo como parte integrante del universo.
Historia
La música New Age en sus orígenes estuvo fuertemente relacionada con el movimiento de creencias Nueva Era por lo que su contenido ha sido constantemente asociado con cuestiones místicas claramente presentes en el movimiento. Empezó a ser popular en la década de 1960 en la subcultura hippie. Actualmente se relaciona más con la relajación y mucha gente la escucha sin importar sus creencias, a pesar de que las compañías discográficas a menudo diseñan sus carátulas con fuertes enfoques místicos.
Se dice que la música new age llegó a ser popular debido a que se cree que expresa un estilo de vida espiritual, no sectario y de expansión de conciencia, lo que permitió a millones de personas en todo el mundo estudiar y practicar una nueva espiritualidad sin las limitaciones de las religiones organizadas.
Los compositores a menudo utilizan instrumentos tradicionales (o versiones sintetizadas de ellos) con poca relación al contexto musical de su origen. Para muchos críticos y etnomusicólogos esto es lo peor de este género musical: su insípida homogenización de instrumentos y material musical apropiados de sus culturas originales. Algunos también opinan que la mitad de las canciones son demasiado melancólicas para usarlas sin equilibrio en una terapia, y que por eso habría que saber utilizarlas, utilizando el ejemplo del ying y el yang y el Feng Shui.
Influencias y temáticas
De 1968 a 1973 músicos alemanes como Holger Czukay (un anterior estudiante de Karlheinz Stockhausen), Popol Vuh y Tangerine Dream sacaron varios trabajos con sonidos experimentales y texturas construidas con instrumentos acústicos, eléctricos y electrónicos. Su música, referida como "cósmica" puede ser considerada como música Ambient o música New Age dependiendo del punto de vista.
Posteriormente Brian Eno definió el estilo y los patrones de la música Ambient en una forma en que fácilmente podía fusionarse y co-desarrollarse con los estilos de muchos músicos como Robert Fripp, Jon Hassell, Laraaji, Harold Budd, Cluster, Jah Wobble desde los finales de la década de 1970 hasta hoy.
Controversia y rechazo
Definir ciertos grupos o álbumes como música New Age puede resultar controvertido entre sus aficionados debido a que los límites de este género musical no están bien definidos.
También, debido a que algunos artistas expresan su filiación en creencias New Age, muchos otros declaran específicamente no formar parte de dicho movimiento y rechazan que se catalogue su trabajo como música New Age.

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Sin embargo, a pesar de lo que dice la Sta. Madre, hubo muchísima música de este género que no se encuadraba con terapias o credos y, en la práctica, la música new age vivió su mejor momento durante los últimos quince años del siglo XX, cuando sellos como Narada y Windham Hill eran identificados por el sonido de los temas, mayormente instrumentales, que sus artistas ofrecían, a pesar de la patente heterogeneidad.
Se convirtió en algo habitual escuchar que alguien decía gustarle la “Narada Music”
Cuando un servidor se hartó de rock, el amigo Ramón Trecet abría la veda de estas “Nuevas Músicas”, dándonos a conocer a grupos como Himekami, Nightnoise, Oregón, y “solistas” como Will Ackerman, Craig Chaquico, Suzanne Ciani, Ry Lynch, Rubaja Y Hernández o Paul Winter Consort. Y me rendí ante lo que años antes ya comenzaba a interesarme, la música instrumental, sin estructura de canción, sin la tensión tema-estribillo-tema.
Sigue sonándome mejor llamarlo música instrumental que new age. Hubo cosas que me gustaron mucho; otras menos y algunas, nada de nada; pero fue excitante escuchar otros lenguajes musicales ejecutados con sonidos de instrumentos ancestrales algunas veces (e incluso sintetizados para sonar como ellos, como David Antony Clark en Before Africa)
Y todas estas historias son las que me propongo revisar, si el tiempo acompaña, con el permiso de la autoridad competente y la ayuda de Jazzy: los Cd's de estas “Nuevas Músicas” que conservo en mis estantes de la época en que me resultaba excitante comprar discos y
Por empezar por algún lado, hoy va un recopilatorio de Windham Hill, este otoñal The Impressionists, un puñado de delicias que son temas de autoría de Ravel, Debussy, Fauré y Erik Satie, interpretadas por la plantilla habitual del sello, que en un próximo post presentaremos algo más detenidamente.

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No os diré que siempre, ni en cualquier momento, me apetezca escuchar este disco, pero sí que lo oí miles de veces y que aún hay momentos en que recurro al sonido nítido de Nightnoise en la Siciliana o a Paul McCandless y Alex DeGrassi recreando la 3ª Gymnopédie . . . ¡sobre todo en otoño!

tracklist
01 - Fauré: Pavane - Steve Erquiaga
02 - Fauré: Sicilienne - Nightnoise
03 - Ravel:1st Movement from 'Sonatine', Modéré - Philip Aaberg
04 - Satie: 1st Gymnopédie - Tim Story - 03:56
05 - Debussy: Snowflakes Are Dancing from 'Children's Corner Suite: No.4' - John Beasley - 02:36
06 - Fauré: Au Bord de l'Eau - Henry Butler - 02:34
07 - Satie: 3rd Gymnopédie - Alex De Grassi with Paul McCandless - 02:25
08 - Ravel: Menuet from 'Le Tombeau de Couperin' - Paul McCandless with Bill Banovetz;Mike Marshall;Richard Schönherz  - 04:33
09 - Debussy: Doctor Gradus ad Parnassum from 'Childrens's Corner Suite: No.1' - Liz Story - 03:20
10 - Debussy: Reverie - Turtle Island String Quartet: David Balakrishnan;Jeremy Cohen;Darol Anger;Mark Summer - 04:35
11 - Fauré: Libera Me from 'Requiem' - Schönherz & Scott - 03:32
12 - Ravel: Pavane Pour une Infante Défunte - Modern Mandolin Quartet: Mike Marshall;Dana Rath;Paul Binkley;John Imholz - 05:35

12 Temas - Tiempo Total: 00:46:50 min. - 197,56 MB

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Buscad . . . . . . . . . . . DENUEVOELOTOÑO

23 octubre 2010

Strunz & Farah “Américas” (1992)


Jorge Strunz y Ardeshir Farah: ¡Seguro que ya habréis adivinado quien es el costaricense y quien el iraní! Como si son de Alcorcón, el caso es que son dos guitarristas como la copa, no ya de un pino, sino de un pinar. Fusión de ritmos latinos y flamenco que pone la carne de pollo y los vellos como escarpias.
Para valorar el nivel, baste decir que el mismísimo Paco de Lucía recomendó a Strunz para una sustitución de Al Di Meola en “The Guitar Trío”.

El idilio (musical) de estos dos buenos mozos comenzó en los EEUU, donde se conocieron en 1979. Tras el lanzamiento de su primer disco montaron su propia productora “Selva Records” , y desde entonces no han parado de grabar espléndidos discos, amén de colaborar con músicos como Rubén Blades o L. Subramaniam. También han trabajado con Sting en la banda sonora de “The Living Sea” .

En esta delicia de disco “Américas” , de 1992, este gran dúo guitarrero está arropado por 7 músicos de rompe y rasga, con lo cual apaga y vámonos.
Las guitarras deslumbrantes y asombrosas de Strunz & Farah superan con este trabajo incluso a su anterior y galardonado álbum de 1990 “Primal Magic”.
“Américas” es una sucesión de complejas melodías de ardiente intensidad y pasión, a cual mejor. Magníficos aires flamencos mezclados con aromas del trópico americano que evocan románticas y cálidas aguas a luz de la luna, islas remotas o selvas tropicales. Estos dos excelentes músicos saben exprimir como nadie la esencia de sus raíces culturales, combinando el sonido de América Latina con lo mejor de la herencia de la música de Oriente Medio.
Ya estáis tardando en disfrutarlo.

 Temas:
1. Caracol
2. El Jaguar
3. Candela
4. Alas del Sur (Wings of the South)
5. Américas
6. Luna Suave (Soft Moon)
7. Balada (For Heideh)
8. Gypsy Earrings
9. Rayo
10. Selva

Personal:


• Juanito "Long John" Oliva: Percusión afrocubana y cajón
• Paul Tchounga: Batería
• Guillermo Guzmán: Bajo eléctrico
• Luis Pérez Ixoneztli: Vientos pre-colombinos & Percusión, Voz
• Luis Conte: Percusión (Tambora y Timbales)
• Charlie Bisharat: Violín y Sintetizador
• Antonio de Jerez: Palmas
• Luis Manuela: Guira
Jazzy_Un kilo de saludos

Buscad..................COSTARICA-IRAN

22 octubre 2010

Desde Santurce A Bilbao Blues Band - 1973 - Vidas Ejemplares

Abriendo el cajón de los imágenes teñidas por el color del tiempo, unas de las primeras letras inteligentes que recuerdo (aunque en canciones que no eran precisamente rock) son las de los proyectos de Moncho Alpuente. Como el que hicieron junto a los Tábano, Castañuelo 70, o el posterior con H. Camacho o J. Krahe, entre otra mucha gente, que os traigo hoy.

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Vidas Ejemplares

En el país del golpe militar, surgen varias formaciones musicales de canción satírica que jugarían un papel destacado dentro del movimiento artístico de oposición en la transición y últimos años del franquismo. Uno de ellos fue Las Madres del Cordero, con Moncho Alpuente, Arturo Bodelón, Antonio Gómez, Hilario Camacho, Luis Cristóbal (Cocodi) Javier Estrella, Gabriel Jaraba, Jerónimo Martínez, Antonio Piera, y Elisa Serna.
Posteriormente Moncho Alpuente integró  "Desde Santurce a Bilbao Blues Band"




y como tenemos una excelente información de Julián Molero en
http://lafonoteca.net/grupos/desde-santurce-a-bilbao-blues-band
pues no me resisto a copiar y pegar:


Biografía de
Desde Santurce a Bilbao Blues Band
por
Julián Molero 



A principios de los 70 la canción protesta estaba en cada esquina. Unos musicaban a poetas exiliados, otros componían proclamas cantadas y una tercera vía protestaba con armas tan españolas como infalibles: la sátira y el cachondeo. Descendientes de Quevedo y amamantados en las generosas ubres de La Codorniz, en 1970 surge un grupo más o menos folk llamado Las Madres del Cordero y liderado por un jovencito de tendencias ácratas llamado Moncho Alpuente. Se alían con la compañía de teatro Tábano y ponen en pie el espectáculo Castañuela 70, que pone en solfa la casposa y reprimida vida española de la época a partir de la crítica a personajes genéricos perfectamente reconocibles. Aquellas Madres del Cordero graban un single aclamado por la progresía y olvidado por periodistas y eventuales consumidores de discos.

~~ Inciso para escuchar un par de temas ~~

La sociedad descrita en Danza De Los Orangutanes, (uno de los temas del Lp Vidas Ejemplares) es motivo de cachondeo sin concesiones, y a lo largo de los siguientes treinta y tantos años volvería a sorprenderme el ingenio de la gente que se reunió en torno a este proyecto.

 
http://www.divshare.com/playlist/780644-b4a 


Danza De Los Orangutanes
~~ R. Alpuente J. Krahe ~~

Antropoides con corbata
y otros con el pecho lleno
de cacharros de hojalata
Antropoides, humanoides
con tendencias ezquizoides
Grandes monos con cartera
gorilas con cartuchera
¡Pobre Darwin! Pobre Darwin
¡Pobre Darwin si viviera!
¡Qué no vive!
Tecnócratas platirrinos
grandes monos, asesinos
chimpancés consumidores
y mandriles entre flores
Ahora es un mono jibón
quién preside la reunión
Y promete ¿Qué promete?
¡Aumentar los cacahuetes!
¡Maniiiil!
Veinte monos con diarrea
reunidos en asamblea
discutiendo con desgana
el déficit de banana
Monos que dirigen cines
o fabrican calcetines
Chimpancés aficionados
al estudio de mercados
Orangutanes cantantes
de ritmos elucubrantes
Y monas de exportación
que van al eurovisión
Cuadrumanos que a su vez
hacen todo con los pies
mientras que el mono desnudo
sufre la ley del embudo
La humanidad oprimida
por mil simios homicidas
y Tarzán que no hace nada
por evitar sus monadas
nada, nada, nada, nada

~~  ~~
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~~  ~~

En 1972, Moncho Alpuente continúa aquel proyecto, cambiando algunos de sus primeros compañeros de fatigas y mutando el nombre por el de Desde Santurce a Bilbao Blues Band. Junto a Moncho, aquella inefable banda que ni era de Bilbao ni, por supuesto se dedicaba al blues, estaba formada por Jordi Pi, Javier Estrella y Álvaro Ibernia.  Graban en 1972 un single para el sello Explosion con “El ídolo”, una mordaz visión de los cantantes del momento con ese inolvidable estribillo: “Y cuando llega el verano, vuelvo a la rumba otra vez”. El disco lo ponen algunos disc-jockeys en sus programas de radio y no hace ni las diez de monte en cuanto a ventas, aunque la fama de Desde Santurce a Bilbao Blues Band va en aumento y actúan asiduamente en universidades, colegios mayores y alguna fiesta patronal.

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Después saldrá a la venta su obra más conseguida: el LP “Vidas Ejemplares” (Explosión, 1973), una colección de canciones, varias de ellas procedentes de aquella Castañuela 70, que suponen un revulsivo en la adormecida música de la época, donde el grupo cuenta con ayudantes de lujo como Massiel, Vainica Doble, Hilario Camacho o Luis Eduardo Aute. Este disco va a venderse poco para desgracia de sus autores e intérpretes, pero va a poner en marcha un nuevo estilo que, a falta de nombre mejor, podríamos definir como pop cachondo en el que pronto surgirán nuevos practicantes como Ramsés, Isaías y Pantaleón, La Trinca o Desmadre 75. Las características del estilo serán las letras satíricas y humorísticas aderezadas con músicas en las que vale casi todo: rock, charlestón, folk, tango, formas de música clásica y lo que se terciara.
Del citado LP se pone en circulación un single con “El hombre del 600” como número fuerte que se venderá bastante bien e incluso será un medianamente serio aspirante a la canción del verano en aquel 1973.
Poco más dio de sí este grupo. Se disolvería hacia 1975 ante los diferentes proyectos vitales de sus componentes, que, en aquellos momentos, poco tenían que ver con la música. Moncho Alpuente, volvería algún tiempo más tarde a la palestra pop como Moncho Alpuente y Los Kwai.
Julián Molero en

http://lafonoteca.net/grupos/desde-santurce-a-bilbao-blues-band

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Comentario de contraportada: 

Desde Santurce A Bilbao Blues Band, singular asociación "cachondo vocal", tiene el gusto de invitar a su responsable público a la audición, irremediablemente placentera, de algunas de sus más insensatas elucubraciones de rancia estirpe celtibérica.
Para que tal maravilla musical pudiera ser realizada, ofrecieron su gentil colaboración las siguientes señoritas:
Vainica Doble (duas duaaas, laralalíes y yeas yeas varios) con la inapreciable aportación de Rosa León y Carmen y Macu, de Aguaviva.
Estrella invitada: Massiel (privilegiada y aterciopelada voz solista en "Soy La Mujer")
Alea Jacta Est. (traducción aproximada: "Que sea lo que Dios quiera")
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Vidas Ejemplares
Desde Santurce A Bilbao Blues Band 

Kazoo sintetizado por Moncho Alpuente.
Arreglador y coordinador del genereal barullo: Carlos Montero.
Ilustrísimo señor productor: Alan Milhaud.
Diseño, dibujitos, orlas, cimborios y mantelerías: Tomás Burgos.
Admirables fotografías, primorosamente coloreadas: Jorge Rueda.
Tulipas y plafones: Hilario Camacho.

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Listado de Temas: 

Cara A
01 - Different - 01:00 min.
02 - El Ídolo - 03:43 min.
03 - Los Fantasmas - 02:23 min.
04 - Danza De Los Orangutanes - 02:38 min.
05 - Todo Está - 03:23 min.
06 - Las Cosas Van Cambiando - 02:36 min.
07 - Soy La Mujer - 03:06 min.
Cara B
08 - El Hombre Del Seiscientos - 03:48 min.
09 - No Sea Ud. Original - 02:03 min.
10 - Indefensos Vampiros - 02:48 min.
11 - Superman - 03:09 min.
12 - A Beneficio De Los Huérfanos - 03:46 min.
13 - Different (Cierre) - 00:43 min.

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13 Temas - Tiempo Total: 00:35:09 - 222,72 MB 


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Buscad……………….CACHONDEOSINCONCESIONES

15 octubre 2010

Pierre Moerlen's Gong - 1980 - Live

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Pierre Moerlen's Gong

(Canterbury Scene)

http://www.divshare.com/playlist/781871-142

Pierre Moerlen’s Gong fue un conjunto de jazz fusión muy diferente de la primera encarnación de Gong (banda psychedelic space-rock liderada por Daevid Allen). Destaca por el prominente uso de instrumentos de percusión con mazo (como marimba, xilófono o vibráfono) en un contexto de jazz-rock, haciendo un sonido muy particular e inusual que podría haber sido clasificado como más cálido y más melódico que la mayoría de los típicos grupos de fusión, y es comparable a la fusión que muchas bandas en la escena de Canterbury estaban produciendo en aquellos momentos.

En medio de una oleada de cambios en la formación de Gong a mediados de la década de 1970 (incluida la salida de los miembros fundadores Daevid Allen y Gilli Smyth) el batería del grupo, Pierre Moerlen,  se hizo cargo de la banda cuando les quedaban por grabar dos discos para cumplir su contrato con Virgin. Moerlen creó una nueva formación de Gong con su hermano Benoit en la percusión, el bajista nacido en Estados Unidos Hansford Rowe,  y un elenco rotativo de guitarristas en las sesiones de grabación  (en particular Allan Holdsworth, Mike Oldfield, el ex rolling Mick Taylor y Bon Lozaga).

Lanzaron dos álbumes bajo el nombre de Gong, “Gazeuse!” (Llamado Expresso en América del Norte) en 1977 y a continuación “Expresso II” en 1978. Tras la finalización del contrato con Virgin, Moerlen cambió el nombre del grupo a  Pierre Moerlen's Gong, probablemente para distanciarse de su anterior formación y por los muy diferentes conceptos musicales.

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A principios de 1979, el grupo lanzó “Downwind”, que resultó ser más rock/pop que lo anterior  y contó con las voces de Moerlen y un cameo de Steve Winwood. Más tarde, en 1979 lanzaron otro álbum, “Time is the Key”, que introdujo a la banda aún más en el terreno del pop/rock. El álbum en vivo "Pierre Moerlen's Gong Live" fue lanzado en 1980, seguido ese mismo año por otro álbum de estudio “Leave It Open”. En este punto, la formación Pierre Moerlen's Gong redujo su actividad en gran medida, y no registrarían otro disco hasta el año 1986, “Breakthrough”, inspirado por la Iglesia de la Cienciología, con los miembros de la banda sueca Tribute. El grupo se disolvió silenciosamente poco después.

Lozaga, Rowe, y Benoit Moerlen pasaron a formar Gongzilla en la década de 1990, lanzando cuatro álbumes que fueron en gran medida una ampliación de la fusión de percusión que el grupo original presentaba, con una mezcla de temas nuevos y antiguo material en vivo que se remonta al período “Gazeuse/Expresso II”. Moerlen se unió a ellos para su gira europea de 2002.

Pierre Moerlen murió inesperadamente el 3 de mayo de 2005 de causas naturales, mientras preparaba los ensayos para la nueva formación de Pierre Moerlen’s Gong que ya tenían en marcha.

Discografía:
  • 1976: Gazeuse! (Expresso in North America)
  • 1978: Expresso II
  • 1979: Downwind
  • 1979: Time is the Key
  • 1980: Pierre Moerlen's Gong Live
  • 1981: Leave It Open
  • 1986: Breakthrough
  • 1988: Second Wind
  • 1998: Full Circle Live '88
  • 2004: Pentanine


Line-up:

- Benoit Moerlen / percussion
- Bon Lozaga / guitar
- Didier Malherbe / saxophones, flute
- Francois Causse / congas, drums, percussion
- Hansford Rowe / bass
- Mike Oldfield / guitar
- Pierre Moerlen / drums, percussion

Listado de Temas:
Cara A 

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01 - Downwind - 07:13 min. 
02 - Mandrake - 07:36 min.
03 - Golden Dilemma - 07:58 min.



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Cara B
04 - Soli - 04:53 min.
05 - Drum Solo - 04:37 min.
06 - Esnuria - 05:13 min.
07 - Crosscurrents - 04:45 min.



Ape @ 905Vinylo Rippeao

7 Temas - Tiempo Total: 00:42:15 - 270,99 MB 


Nota:
La interpretación del tema “Downwind” donde aparece Mike Oldfield fue grabada en Paris en 1979


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14 octubre 2010

Pedro Iturralde - 1967 - Jazz flamenco Vols. 1y 2


Este disco de los sesenta, pone de manifiesto la clase de músicos que tenemos en España, como este excepcional saxofonista de Navarra, maestro donde los haya.
Mirando la portada de un disco de estas características, el que no conozca de que va esta fusión, se puede preguntar cual es el estilo que predomina más; si tira más a flamenco o a jazz. Primero hay que escucharlo y saborearlo hasta las entrañas, después, puedes llegar a cualquier conclusión, pero lo que esta claro; es que no te quedas imparcial.
¡Mira qué comienzo de un tema!....”Soleares” empieza con el rasgado de la guitarra española que se marca con tanto arte Paco de Algeciras, en armonía con la protuberancia sonora metálica del saxo del maestro Iturralde, o en el comienzo de “Bulerías” contrabajeando ¡Que virguería!  Uno es incapaz de describirlo con palabras; eso no está escrito en ningún sitio. 


El flamenco y el jazz, no solo son compatibles; sino que parecen estar hechos el uno para el otro. Es una maravilla, mezclar dos estilos que tienen en común muchas virtudes junta a folklores de distinta nacionalidad, además de ser un lujo contemplarlo.
He tenido la oportunidad de verle en directo en varias ocasiones y siempre me ha causado una excelente impresión. Ha sido y es un enorme placer para mí el escucharle.

Temas:

 01 - Las Morillas De Jaen - 08:37 min.
 02 - Cafe De Chinitas - 09:58 min.
 03 - Zorongo Gitano - 12:17 min.
 04 - Soleares - 03:56 min.
 05 - Bulerias - 07:04 min.
 06 - Adios Granada - 07:45 min.
 07 - Anda Jaleo! - 08:43 min.
 08 - Homenaje A Granados - 09:39 min.

8 Temas - Tiempo Total: 01:07:59
- mp3@320 - 156,53 MB
    


Personal:

Pedro Iturralde; saxos tenor y soprano
Eric Peter; contrabajo
Paul Grassl; piano
Peer Wyboris; bateria
Paco de Antequera; guitarra
Paco de Algeciras; guitarra
Y la colaboración de Nuccio Intrisano; trombón de pistones

Jazzy_un kilo de saludos




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08 octubre 2010

Semanario – Día . . . (¡¡¡He perdido la cuenta!!!)

Una vez perdida la cuenta, retomo la “realidad” socio-tonteril.


Repaso de prensa, no tiene desperdicio:



José María Barreda: "O cambiamos de rumbo o vamos a una catástrofe electoral"

http://www.20minutos.es/noticia/837290/8/barreda/catastrofe/electoral/




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El desmarque de Barreda está influido por la presión de los alcaldes y el temor a que pase lo que en autonómicas de 1995

http://www.europapress.es/castilla-lamancha/noticia-desmarque-barreda-influido-presion-alcaldes-temor-pase-autonomicas-1995-20101008185628.html

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39-ChiEn

 

Cuando los propios errores son mejores argumentos que las habilidades del oponente: salvo pretensión de naufragio, aprender a nadar con lastre en los pies sólo produce ahogamiento.

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Citas de I Ching, tomadas de forma aleatoria:


Quien sube tan alto que pierde contacto con la realidad y con los hombres, corre peligro. También corre peligro quien tiene más ambiciones que fuerzas para conseguirlas. 

* * *   * * *
Quien se acostumbra al mal, quien lo tolera junto a él, lo introduce dentro de su propia naturaleza  perdiendo así el camino recto.
* * *   * * *
Estamos en medio del peligro y no podemos aspirar a hacer grandes cosas, por lo tanto debemos conformarnos con los pequeños logros, pues de momento no es posible conseguir nada más.
* * *   * * *

Y para "acierto" del oponente, el de este elemento de la oposición:
Al poravoz del PP de Leganés le parece una medida ética el  "desposeer a los padres comunistas de la tutelea de sus hijos" por "pertenecer a la secta más criminal de la historia" lo que les "provocará en el futuro serios problemas de adaptación social"
Y, digo yo, estos "huérfanitos" desadaptados y por reinsertar ¿pasarían a depender de Auxilio Social, Frente de Juventudes o Ley de Vagos y Maleantes? ¿Se adaptarán, en el futuro, a lo que este señor considera adecuado, o serán siempre estigmatizados como "fruto del mal"? ¿Estamos en el siglo XXI o retrocedemos en el tiempo?
¡¡¡Pues los demonios nos pillen confesados, como sea ésta la oposición que llegue al gobierno!!!




* * *   * * *

Chicho Sánchez Ferlosio, Don José Antonio Julio Onésimo Sánchez Ferlosio, lo tenía muy claro.





07 octubre 2010

Paco Ibañez En El Olympia 1969 (Vinilo)




En diciembre de 1969, realiza su recordada aparición en el Olympia parisiense. Un doble álbum recoge esta velada. En el Olympia canta por primera vez una canción de Georges Brassens traducida al castellano.
En 1970, conoce a Pablo Neruda en París, que oye por primera vez sus poemas cantados. "Tú tienes que cantar mis poemas, tu voz está hecha para cantar mi poesía..." le dice el poeta.
Un año después, el gobierno español incluye a Paco Ibáñez en su larga lista de censurados, se le prohíbe cualquier actuación en el territorio español. Las dificultades para seguir viviendo en Barcelona le aconsejan regresar a París, desde donde viaja por todo el mundo, especialmente por los países de América Latina.
(wikipedia)

Como curiosidad, en los vinilos de la canción número diez pasa a la doce, supongo que la sacaron por falta de espacio y no incluyen la 21 “Un español habla de su tierra-Luis Cernuda”, del segundo cd.
Se incluye la versión cd para un mayor acercamiento a este buen concierto.




Buscad: pakoenelolympia

06 octubre 2010

The Downtown Alligators-2008-Hey mama, we got some blues for you

Portada



Envío de Picatierra


Por lo que he oído en este disco que nos presenta el amigo Picatierra, tenemos aquí a uno de los mejores grupos de blues del país de la piel de toro (sin que por  tópico sea menos cierto).
Autoeditaron este disco en 2008, presentando temas de autores clásicos del género, como Jimmy Reed, Johnny Winter o Ray Charles, y reconozco que  salen muy dignamente del desafío. El tema del “Sir Douglas Quintet” (y posterior “Texas Tornado”) Doug Sham, por ejemplo, gana en viveza comparada con el original.
Encuentro en esta banda una potente base rítmica, una intensísima armónica y la mejor voz de blues que he escuchado en España desde hace tiempo. Yo que tú no me perdía este disco, precisamente ahora que, seguro, preparan una nueva entrega de Powerful-Pump-Blues

 The Downtown Alligators
Info:
http://www.myspace.com/downtownalligators
 
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son un grupo de blues y rhythm and blues que da prioridad a las canciones y al sonido de banda sobre todas las cosas. Su repertorio se basa en los temas que escribieron los grandes de la música negra, tratándolos con respeto e intentando conservar el espíritu clásico con el que fueron escritos, dándoles a la vez un toque personal. Carlos García a la voz y la guitarra rítmica, Luis Resina a la guitarra, Jorge Lera a la armónica, Roberto Cuervo a la batería y David Salvador al bajo se encargan de ello.



DowtownAlligators_00002 
Tienen un disco autoeditado y han sido invitados por Ñaco Goñi para participar en su disco "Blues con los colegas vol.II", de próxima aparición. Diversión y baile asegurado.

Más información: http://www.myspace.com/downtownalligators#ixzz11bXaZW9q

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The Downtown Alligators
- 2008 -
Hey mama, we got some blues for you


Libreto 1


Listado de Temas: 


01 - Cut You Loose - 04:42 min.
02 - Kiddeo - 03:58 min.
03 - Midnight Train - 05:16 min.
04 - Close Together - 04:25 min.
05 - Tired Of Trying - 04:02 min.
06 - Full Time Lover - 06:56 min.
07 - Hot Little Mama - 03:49 min.
08 - I'm shaking - 03:47 min.
09 - She's About A Mover - 04:28 min.
10 - Lonely Aveneu - 04:53 min. 


mp3 @ 320

10 Temas - Tiempo Total: 00:46:16 - 109,02 MB 

Envío de Picatierra

Galleta

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Envío de Picatierra







Buscad: Powerful-Pump-Blues