31 julio 2010

Cream

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Géneros Blues rock, hard rock, psicodélia, blues británico

Origen Londres, Inglaterra 

Período de actividad 1966 – 1968 (Reuniones: 1993, 2005) 

Discográficas Polydor Records, Atco Records

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Miembros

* ClaptonEric Clapton (30 de marzo de 1945, Ripley, Surrey), había sido miembro de los Yardbirds y los Bluesbreakers de John Mayall.


* Jack BruceJack Bruce (14 de mayo de 1943, Glasgow, Escocia), había estado con Manfred Mann y Graham Bond.


* bakerGinger Baker (19 de mayo de 1939, Lewishan, Londres) también había figurado en ese último grupo.


Historia

Clapton tenía una considerable fama en el Reino Unido al comienzo de la segundda mitad de los 60's. Su paso por Yardbirs y John Mayall & The Bluesbreakers habían cimentado la fama hasta el punto de aparecer pintadas en el metro de Londres con la leyenda "Clapton es Dios".

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Ginger Baker era un batería con influencias del jazz bien curtido en la Graham Bond Organisation, donde había coincidido con Jack Bruce (y se llevaron muy mal) una breve temporada. Éste había tocado también con la banda de Manfred Man.

Clapton quería hacer una nueva banda y coincidió con Baker, que estaba un tanto harto de la Organisation. Fue idea de Eric el contar con Jack Bruce y Baker aceptó, a pesar de tener una comprobada incompatibilidad con él.

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Aparcaron sus diferencias y crearon un grupo que, por ser los integrantes la "the cream of the crop" (La Nata de la Cosecha, a manera coloquial: La Flor y Nata) del rock inglés, pasó a llamarse Cream.
Eran tres jóvenes y grandes músicos, con un muy grande ego cada uno, que vendrían a revolucionar el panorama musical inglés.

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Con influencias de blues en la guitarra de Clapton, potentes voz y bajo de Bruce y la omnipresente batería jazzy de Baker, comenzaron a mover los gustos pop de la época y derivarlos hacia un rock más potente, precursor del sonido más heavie de grupos que pegarían en los siguientes años.

Sacaron cuatro discos, cuarenta canciones, y se hincharon a hacer conciertos. En tres años quemaron todas las posibles etapas, en parte por la intensa lucha de egos y en parte por la propia dinámica de la evolución musical que ellos mismos generaron.

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Se dice que Clapton, ante una mala crítica de la revista RollingStone (Jon Landau, llamaba a Clapton "maestro del cliché del blues") decidió dar por finiquitada la banda. Unido a las peleas entre Baker y Bruce que no habían cesado desde el inicio del grupo y el cansancio de las muchas actuaciones llevaron a la ruptura en mayo de 1968, durante una gira por los EE.UU. Dos meses después se habían dejado convencer para dar una gira de despedida por los Estados Unidos y dos conciertos en Londres, los días 25 y 26 de Noviembre.
También se dejaron convencer para hacer su último disco, Goodbye.








Discografía Original:
1 - Fresh Cream

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El álbum debut de Cream, Fresh Cream, fue grabado y publicado en 1966, y alcanzó el #6 en las listas inglesas y el #39 en las americanas. El Lp tenía mayormente versiones de blues. "I Feel Free" fue un éxito como single en Gran Bretaña y no salió en el Lp, mientras que en EE.UU. no salió como single, sólo aparecía en el Lp (en la edición USA suprimieron la excelente versión de Spoonful que cerraba la cara A en la edición GB)
Cabe destacar el tema "Toad", que fue uno de los primeros ejemplos de solo de batería en la historia del rock


2 - Disraeli Gears

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Después de sus primeros conciertos en EE.UU. en marzo de 1967 en el RKO Theater de Nueva York, vuelven y graban el segundo LP, Disraeli Gears, en Atlantic Studis de Nueva York entre el 11 y el 15 de mayo de 1967. Publicado en noviembre de 1967, alcanzó el Top 5 de las listas a ambos lados del Atlántico. Estaba producido por Felix Pappalardi (que más tarde fundaría el cuarteto Mountain, inspirado en Cream) y constituía un intento por definir su estilo más allá del rock-blues que practicaban. Contiene una gran mayoría de temas propios, entre ellas las excelentes "Strange Brew", "Swlabr", "Tales of Brave Ulysses" y la archiconocida "Sunshine of Your Love".


3 - Wheels of Fire

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En 1968 comercializan un doble Lp con un disco de estudio y otro en directo, y mostraba cómo la banda se iba desplazando del blues hacia un rock semi-progresivo, con arreglos instrumentales más complejos. Destacan temas como "White Room" "Born Under A Bad Sign" , "Politician" y los tremendos directos "Spoonful" y "Crossroads" con el célebre sólo de Clapton. El solo de batería de Ginger Baker en "Toad" es reconocido como uno de los mejores solos en directo de la historia del rock.

Este disco llegó a venderse cada Lp por separado. El directo se tituló "Live at the Fillmore" a pesar de que sólo "Toad" fue grabada en The Fillmore. Los demás provienen de actuaciones en el Winterland Ballroom de San Francisco.

Cita Textual:
"Es un error común que Cream tocó en el Fillmore West. Y nunca lo hicieron. Ese lugar era originalmente el Carousel Ballroom y fue rebautizada como el Fillmore West en junio / julio de 1968 y Cream no tocó en San Francisco, en ese momento, ni en ese lugar a partir de entonces. En febrero y marzo 1968 Cream hizo una larga gira de conciertos en el Winterland, y en el viejo Fillmore Auditorium. Fue este lugar Fillmore (que todavía existe) en donde Cream tocaron y no más tarde Fillmore West (que ya no sobrevive). Live at the Fillmore significa exactamente eso (refiriéndose a "Toad")."

Hacia la mitad de 1968, el grupo no aguanta la presión y deciden separarse. Baker declaró "Realmente fue una maravillosa experiencia musical, pero se acabó convirtiendo en algo estúpido". Además, Clapton había sucumbido a los encantos del grupo The Band, y su primer álbum, Music From Big Pink, que supuso un soplo de aire fresco en comparación con la furia y la psicodélia ofrecidas por Cream.

4 - The Best Of Cream




Disco que recopila éxitos de la banda de entre los años 1966-68, aunque aparecería justo en la desbandada del grupo. Era el disco donde se presentaba por primera vez en América la grabación en estudio del tema Spoonful (aparecido en la versión inglesa del primero de sus Lp's, Fresh Cream)


5 - Goodbye

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A la postre, Cream se dejaron convencer para hacer un último disco, Goodbye, grabado a finales de 1968 y publicado a inicios de 1969. El plan era publicar un álbum doble, pero sólo tenían tres nuevos temas de estudio, cada uno escrito por un miembro del grupo. En mi opinión, ante las presiones de disco nuevo (que hasta quizá tuvieran firmado previamente) cedieron, pero no se aguantaban ya como para hacer diez o doce canciones más, así que agregaron otras tres grabaciones en directo (procedentes de un concierto en el Forum de Los Angeles, el 19 de octubre) y cerraron el contrato pactado.
Como perla destacada, la canción "Badge", escrita por Clapton y George Harrison, quien también colaboraba en el disco tocando la guitarra rítmica, aunque con el sobrenombre de "L'Angelo Misterioso" por compromisos contractuales.


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La despedida


Cita Textual:
"La gira de despedida de Cream consistió de 22 shows en 19 lugares de Estados Unidos entre el 4 de octubre y el 4 de noviembre de 1968, y dos conciertos de despedida en el Royal Albert Hall de Londres el 25 y 26 de noviembre de 1968. El último concierto de la gira estadounidense tuvo lugar en el Rhode Island Auditorium.
Los dos conciertos en el Royal Albert Hall fueron filmados para un documental de la BBC y lanzado en vídeo bajo el nombre de "Farewell Concert". Ambas actuaciones agotaron las entradas y atrajeron más atención que cualquier otro concierto de Cream, pero la actuación no se considera especialmente buena. El mismo Baker dijo sobre los conciertos: "No fue un buen show... Cream era mejor que eso... Sabíamos que se había terminado. Sabíamos que simplemente estábamos acabando con ello, pasando el mal trago." Las apariciones en directo de Cream ya estaban decayendo. En una entrevista para Cream: Classic Artists, Ginger Baker coincidió en que la banda empeoraba a cada minuto.
Los teloneros de Cream fueron Taste (con un joven Rory Gallagher) y la recién formada Yes, que recibió buenas críticas."

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Fuentes consultadas:
De Wikipedia, la enciclopedia libre
http://es.wikipedia.org/wiki/Cream
http://www.cream2005.com/photogallery/photo_37.lasso
http://www.ginger-baker.com/
http://www.jackbruce.com
http://www.ericclapton.com/

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Buscad . . . . . . . . LAFLORYNATA (1, 2, 3, 4, 5)

30 julio 2010

Elmore James - 1967 - Original Folk Blues


Elmore James
Elmore James
Nombre real: Elmore Brooks
Nacimiento: 27 de Enero, 1918
Origen: Holmes County, Mississippi, U.S.A.
Deceso: 24 de Mayo, 1963 (45 años)
Cantante, guitarrista, compositor, líder de banda; se le considera el padre de la bottleneck guitar o slide guitar.

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Elmore James es el paradigma de carrera extraordinaria con ausencia de éxito y de  ventas apreciables, pero con gran influencia sobre los bluesmen de los años sesenta en adelante. Si Robert Johnson fue el maestro del "bottleneck" con la guitarra acústica, Elmore lo es en la guitarra eléctrica, y uno de los más imitados. Su carrera se basó fundamentalmente en la técnica de Johnson, amplificando el sonido de las raíces del Delta y modernizando el blues del Mississippi, repitiendo el riff de "Dust My Broom" una y otra vez. A pesar de haber nacido, crecer y vivir una larga temporada en el sur, James es considerado un bluesman de Chicago, la ciudad en la que desarrolló y grabó su estilo tan peculiar y su inconfundible sonido. Su manera de tocar apasionada, agresiva y excitante por la forma de generar tensión en los desarrollos armónicos, y su voz con gruñidos salvajes a la manera sureña, le otorgaron una personalidad musical muy acusada que extendería su influencia por varias décadas
También conocido como Elmo o Joe Willie, era hijo ilegítimo de Leola Brooks; tomó el apellido de su padrastro, Joe Willie James y creció en varias granjas de los alrededores de Holmes County. A los doce años de edad comenzó a tocar guitarras muy rudimentarias y en 1932 (con catorce años) ya participaba en todo tipo de acontecimientos festivos bajo los nombres de "Cleanhead" o "Joe Willie James". En 1934 tuvo su primera guitarra auténtica y tres años mas tarde en Belzonia, conoció a Robert Johnson y a Sonny Boy Williamson ll, a quien acompañó con regularidad.

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A fines de 1951 grabó en Jackson (para el sello Trumpet) sus primeras canciones con Sonny Boy a la armónica y Odie Johnson  al bajo como acompañantes: "Dust my Broom" (uno de los temas que Robert Johnson había registrado en 1936) y "(I Belive) My Time Ain't Eong". El disco cosechó un gran éxito y llegó al número 9 de las listas de Billboard, a pesar de conservar el viejo sabor del blues rural. Con estas credenciales, los hermanos Bihari le ofrecieron un contrato y se trasladó a Chicago para grabar en el sello Meteor. Junto con J. T. Brown (saxo tenor), Johnny Jones (piano) y Odie Payne (batería) grabó "I Belive" (continuación de "Dust My Broom"), "Baby What's "Can't Stop Loving" en 1954; "Wild About You" y "Dust My Blues" en 1956 e "Its Hurts Me Too" (original de Tampa Red) en 1957.
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The Broomdusters sería la banda que acompañaría a James hasta 1960 con la colaboración esporádica de Homesick James. Hasta fines de la década alternó actuaciones y grabaciones de temas que se convertirían en un modelo para sus imitadores.
El escaso éxito de sus singles editados entre 1959 y 1962 hacen que su presencia en escena sea intermitente hasta que el disc-jockey Big Bill Hill, en cuyos programas de radio había participado ocasionalmente, le convenció de que volviera a Chicago para grabar. James aceptó, pero esas sesiones nunca llegarían a celebrarse, porque en la madrugada del 24 de mayo de 1963 sufrió un ataque cardíaco y murió en casa de su primo y amigo Homesick James, con quien entonces tocaba en el club Copacabana de Chicago.
Su influencia se extiende sobre músicos tanto de blues como de R’nR, tales como B.B. King, Johnny Winter,  Eric Clapton, Hound Dog Taylor, Earl Hooker,  Jimmy Hendrix, John Mayall, Jeremy Spencer (Fleetwood Mac), Duanne Allman, Ry Cooder, Lowel George, Mike Wilhem, Freddie King, Paul Butterfield, Stevie Ray Vaughan o George Thorogood, que es un auténtico seguidor del estilo de James, como lo demuestran las innumerables versiones que ha realizado del su repertorio.

Fuentes consultadas:
http://www.lacasadelblues.com.ar/musicos_int/elmore_james.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Elmore_James


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Elmore James
-1967-
Original Folk Blues

~~ No hay información sobre los participantes en la grabación ~~
Ingeniero de sonido - Bill Lazerus
Producción - Kent Staff
Editado en United Records & Tapes US 7743
Manufacturado por Cadet Records Inc. Los Angeles, Ca.



tracklist

01 - Dust My Blues - 03:13 min.
02 - Sho Nuff I Do - 02:47 min.
03 - Wild About You Baby - 03:20 min.
04 - Sunny Land - 03:18 min.
05 - Mean And Evil - 02:16 min.
06 - No Love In My Heart - 02:26 min.
07 - Standing At The Crossroads - 02:53 min.
08 - Happy Home - 02:54 min.
09 - Dark And Dreary - 02:48 min.
10 - Goodbye Baby - 03:01 min.
11 - Blues Before Sunrise - 02:48 min.
12 - I Was A Fool - 02:53 min. 


ApeVinyloRippeao
PorNapi#10 
12 Temas - Tiempo Total: 34:37 - 187,14 MB 

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29 julio 2010

Jethro Tull - 1972 - Thick as a Brick

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Thick as a Brick (literalmente "denso como un ladrillo", vieja expresión inglesa equivalente a la actual "full of shit") es un álbum de estudio de la banda de rock Jethro Tull, que fue grabado en diciembre de 1971 en Londres, y lanzado el 3 de marzo de 1972. Alcanzó el número 1 en las listas de EE UU y el 5 en las de Inglaterra. 

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Cuenta la leyenda que, ante la respuesta de la prensa especializada sobre el Lp Aqualung (se le atribuyó ser el primer "disco conceptual" de los Tull, al estilo de los grupos prog de la escena inglesa) Ian Anderson comentaba en una entrevista: "Si los críticos quieren un álbum conceptual, le daremos un álbum conceptual..." Añadiendo: "El álbum fue una parodia de los álbumes de Yes y Emerson, Lake & Palmer."
Nunca me planteé si la intención de Anderson fuera reírse de la crítica, del público, de ambos, de sí mismo o de niguno, simplemente me gustó y sigue gustándome esta oda a la estupidez de la crítica.

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Y la caricatura funcionó a las mil maravillas: desde la historia de que la letra procede del poema compuesto por un niño al que descabalgan del primer premio de un concurso literario (Gerald Bostock, alias Little Milton*)
 * Ver: http://www.theage.com.au/articles/2002/07/27/1027497432530.html

hasta la estructura del disco, dos largas canciones que realmente son una, obligadamente dividida por la consabidao "vuelta de cara"; pasando por la abundante y variada instrumentación utilizada(con mucho más de teclados y sintetizador que nunca antes)


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desde el concepto gráfico simulando un provinciano periódico, al musical (los temas surgen una y otra vez, sobreponiéndose como capas . . . Todo ello, todo, es un perfecto ejemplo de música progresiva; a su pesar o cachondeo, colaboraron a levantar el paradigma de "obra conceptual" para mi disfrute y el de millones de personas. 

No esperéis que haga una disertación sobre la canción, ni tengo esa facilidad, ni ganas me quedan de intentarlo y menos con un disco que tantas personas tienen en alta estima. Sólo os diré que yo estaba en la “pomada” de la adolescencia cuando salió el álbum y me gustó mucho, fue uno de esos discos de cabecera durante muchísimo tiempo; nos lo íbamos pasando los amigos de la pandilla con cualquier excusa, con tal de tenerlo en casa cuando aún vivíamos con en la casa familiar.


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Listado de Temas:

01 - Thick as a Brick (Part 1) - 22:47 min.
02 - Thick as a Brick (Part 2) - 21:10 min.


2 Temas - Tiempo Total: 43:57 - 286,05 MB

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El Cielo Y El Dedo
Ape @ 907
VinyloRippeaoPor
Napi#10
Para Janukis ”Melón”
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28 julio 2010

Jethro Tull - 1969 - Stand Up

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Segundo álbum de Jethro Tull. Un disco que todo dios tiene y que he estado revisando últimamente.
La primera vez que lo escuché yo tenía trece años. Lo trajo mi hermano cuando regresó de su estancia en Londres, junto a un puñado de tremendos Lp’s, y fue uno de los que más me impactó.

Los tipos tenían unas pintas de la hostia y hacían una música rústica, casi emparentada con oriente y el ambiente medieval, pero con mucha caña, nada parecido a lo que había escuchado hasta entonces en aquel valle estrecho amurallado por montes verdes.
Ya la primera canción comenzaba con un aire de misterio que me pareció sorprendente; el sonido de armónica, flauta y guitarras distorsionadas de Jeffrey Goes suenan a puro hyppismo-hindú del Londres de los 60’s: y luego Bouree, el tema que años después tocaría tantas veces como ejercicio de guitarra ¡buf, qué recuerdos!

Back To the Family, Look In To The Sun, la formidable intro de flauta de Nada es Fácil, de nuevo el hinduísmo del Hombre Gordo, Solíamos Saber, Razones para Esperar y For A Thousad Mothers: todas y cada una de ellas son perlas con las que Jetro Tull engarzaron esta pieza de orfebrería fina al que llamarían Stand Up.


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Fue grabado y lanzado en 1969 poco después de que el guitarrista Mick Abrahams abandonara la banda por la negativa de Ian Anderson sobre que Jethro Tull siguiera con la línea blues-rock .
Mick fue reemplazado por Martin Barre y Anderson se hizo con el control de la banda por primera vez y se permitió el lujo de experimentar utilizando elementos del folk celta y de música clásica para moldear lo que terminaría siendo el sonido característico de la Tull.
Se arriesgaron a dejar el camino que les había resultado tan rentable en término de actuaciones y éxito popular desde su brillante aparición con el disco This Was (típico Lp grabado con un presupuesto de cuatro chavos y creatividad a raudales) tomaron, decía, la ruta más insegura, y ganaron la apuesta conservando el sonido de flauta imitado de Roland Kirk,una técnica llamada “percusión de boca” que Ian convertiría en el propio “sello de fábrica” de Jethro Tull.


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Listado de Temas: 

01 - A New Day Yesterday - 04:04 min.
02 - Jeffrey Goes To Leicester Square - 02:07 min.
03 - Bouree - 03:40 min.
04 - Back To The Family - 03:43 min.
05 - Look Into The Sun - 04:14 min.
06 - Nothing Is Easy - 04:19 min.
07 - Fat Man - 02:46 min.
08 - We Used To Know - 03:53 min.
09 - Reasons For Waiting - 04:00 min.

10 - For A Thousand Mothers - 04:09 min.


10 Temas - Tiempo Total: 00:36:55 - 240,42 MB 

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Ape @ 957VinyloRippeao
Por Napi#10

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El Cielo Y El Dedo
con cariño
Para SergiElBicis

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27 julio 2010

Javier Paxariño - 1994 - Temurá

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http://www.divshare.com/playlist/749399-169


Antes de entrar con el palmarés de Javier, me voy a permitir un ejercicio de añoranza. Era 1994 y acababa de comprarme el primer lector de compactos. Y lo siguiente fue comprarme el Temurá, porque después de su Lp "Espacio Interior" me había gustado mucho y el sonido de Temurá estaba mucho más depurado, me estaba cautivando en las escuchas de Radio 3 (¡cuántas audiciones increíbles en esa emisora!)
Las canciones suenan a puro medievo, se adivina el influjo árabe y judío en cada una de ellas. Hay un trabajo de percusión, a cargo de Glen Vélez, que es una gozada y la música es para ensoñar. A veces dejo vía libre a la imaginación con este disco y me transporto a villas y aldeas en los momentos en que una vida humana tenía menos valor que la de según qué animal . . .


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Javier Paxariño es granadino y cursó estudios de música en Málaga, en el Conservatorio Superior de Música, bajo la tutoría del maestro Perfecto Artola. Comienza tocando Jazz y Rock en los años 70 y funda a final de esta década el grupo "Onice Jazz Quartet" muy afamados en el área local, pero que no llegan a grabar. Comienza también a experimentar con flautas étnicas.


En 1.980, y ya en Madrid, toca en el emblemático "Whisky & Jazz Club" y ocasionalmente en "La Cova del Drac" de Barcelona, mientras sigue su formación musical asistiendo a Seminarios de Música, como el que dirige Thad Jones en Banyoles ( Girona ). Participa en el 20 Festival de Jazz de Las Palmas en 1.982. Ejerce como profesor en el Taller de Músicos de Madrid y toca "free lance" en diversas agrupaciones. 

Colabora en grabaciones de diversos músicos (Kevin Ayers, Joan Bibiloni, Gerardo Nuñez, Miguel Rios, Joaquin Sabina, L. Eduardo Aute, Víctor Manuel y Ana Belén, Pablo Guerrero, Luis Pastor, etc.). Y forma JAVIER PAXARIÑO GROUP en el que interpreta solamente composiciones propias; en  1.988 graba, conjavierpaxario éxito de crítica, su primer disco "Espacio Interior", y lo presenta en el Festival de Jazz de Madrid junto al grupo Oregon. Este disco se publica también en Mexico con una buena repercusión,
En 1.992 graba "Pangea", y también un novedoso trabajo con Tomás San Miguel & Txalaparta, sobre música del País Vasco. 
Participa en la formación del grupo multirracial Radio Tarifa y en la primera grabación ("Rumba Argelina") con los que toca por Europa hasta finales de 1994. En ese mismo año graba su tercer trabajo "Temurá", en el que interviene el percusionista Glen Vélez. El disco es distribuido en Europa, U.S.A. y Japón, abriendo buenas expectativas. El grupo es seleccionado como representante de Las Nuevas Músicas de España en el " Pop Kom " de Alemania. 

En 1.996 graba su nuevo trabajo discográfico, titulado "Perihelión". En 1.997 comienza una gira de conciertos en la red de Teatros y  Festivales y  participa como artista invitado en la grabación realizada en directo del Cd del grupo La Musgaña "10º Aniversario", cuya producción es realizada por John Cunninghan y cuenta, entre otros invitados, a músicos como Luis Delgado, Kepa Junquera, Amancio Prada, Manuel Luna y percusionistas del grupo Radio Tarifa. 


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Paralelamente a esto colabora en los nuevos proyectos discográficos de L.E. Aute, Jorge Drexler, Luis Pastor, Tomás San Miguel y también forma parte del proyecto "Tribus Hispanas" de Eliseo Parra junto a J.A. Arteche. Este último es premiado como mejor disco del año por La Villa de Madrid y es considerado por la crítica especializada un trabajo fundamental en el nuevo folklore por su original interpretación de la música tradicional.

En 1998 graba junto al pianista Chano Dominguez y Hozán Yamamoto (maestro de la flauta Shakuhachi) Otoño, un Cd donde se mezcla flamenco, música tradicional japonesa y  nuevas músicas, que se edita también en Japón. (Hozan Yamamoto con Chano Domínguez: Otoño. Créditos:  1998 Nuba. Personal: Chano Domínguez: piano. Hozan Yamamoto: Sakuhachi. Javier Paxariño: Ti-Tze, bajo, saxo, clarinete y Bansouri. Chano Dominguez: piano. Guillermo McGuill: cajón y batería. Javier Colina: contrabajo. Tino Di Geraldo: bodhran, bendir, cajón, tablas, jaleos, palmas, shaker y palo de lluvia.) 

En septiembre de 2002 sale al mercado su disco “Ouroboros” e ignoro cuánto más ha grabado es estos últimos años, pero es un personaje que me gustó desde el primero de sus discos, que una amiga tenía a la venta en su tienda de discos, en Coruña, pensando que se trataba de un gaiteiro gallego; a mí me dio en el punto justo, porque por aquellas fechas acababa de escuchar algún tema en Diálogos 3, del compare Ramón Trecet.

Fundador de Radio Tarifa, se considera que practica el género  WordlMusic (también se le situó en lo de "New Age") y además de la colaboración con los músicos arriba citados también ha participado en bandas sonoras de películas como Vacas, La Ardilla Roja, Una casa en las Afueras y Los amantes del Círculo Polar.
Su característica es la mezcla de las tres culturas de la Península Ibérica, la musulmana, la judía y la cristiana, con aromas mediterráneos en sugerentes melodías.





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01 - Conductus Mundi - 07:12 min.
02 - Cortesanos - 05:10 min.
03 - Preludio Y Danza - 05:48 min.
04 - Canto Del Viento - 05:40 min.
05 - Suspiro Del Moro - 02:52 min.
06 - Rueda De Juglar - 06:28 min.
07 - Tierra Baja - 06:19 min.
08 - Reyes Y Reinas - 06:45 min.
09 - Temurá - 07:45 min.
10 - Mater Aurea - 03:52 min. 


10 Temas - Tiempo Total: 00:57:51 - 329,56 MB 

CdRipBy ape @ 797
By Napi#09 



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24 julio 2010

Charlie Parker - 1988 - Bird [Dir.Clint Eastwood]

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El pájaro murió de risa, publicación del ilustrador Hermenegildo Sábat, hace homenaje al legendario jazzista Charlie Parker. Aquí hay una pequeña muestra:
"Una secuencia de la película Bird, respetuosa obra de Clint Eastwood, no aprovechó el guión natural, que se generó una noche en el apartamento de Dizzy Gillespie. Tres de la madrugada. Insistentes sonidos del timbre. Gillespie entreabre la puerta. Parker ruega entrar, necesita que su amigo escriba un tema que tiene en mente. La mujer de Gillespie grita que le reviente la puerta en la cara. Gillespie hace caso a Lorraine. Parker no se inmuta y toca "Now's the Time" en el corredor. Gillespie, del otro lado de la puerta, lo escribe en el pentagrama".
    Ilustración:  Hermenegildo Sábat
    (http://www.elmalpensante.com/index.php?doc=display_contenido&id=403)

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    Una película que me gustó mucho y una banda sonora que, con mucho mimo nos ofrece nuestro amigo Frede es mi propuesta del día para volver a disfrutar de la película


    Bird (DvdRip-1988) Dir.Clint Eastwood DvdRipHD


    TÍTULO ORIGINAL Bird
    AÑO
    1988
    DURACIÓN
    140 min.
    PAÍS
     
    DIRECTOR Clint Eastwood
    GUIÓN Joel Oliansky
    MÚSICA Charlie Parker
    FOTOGRAFÍA Jack N. Green
    REPARTO Forest Whitaker, Diane Venora, Michael Zelniker, Samuel E. Wright, Keith David, James Handy
    PRODUCTORA Warner Bros
    PREMIOS 1988: Oscar: Mejor sonido
    GÉNERO Musical. Drama | Biográfico. Música. Jazz
    SINOPSIS La fama del saxofonista de jazz Charlie ’Bird’ Parker crece rápidamente a partir de su llegada a Nueva York en 1940. Pero Parker comienza a abusar del alcohol y las drogas, y su vida se convierte en un infierno. (FILMAFFINITY)

    CRÍTICAS
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    "Intensa, trágica y profundamente jazzística (...) La mejor película que se ha hecho nunca sobre el jazz" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
    ----------------------------------------
    "Maravilloso guión y una de las más elevadas interpretaciones del cine moderno, la de Forest Whitaker, tal vez el actor más desaprovechado de America" (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)
    ----------------------------------------
     http://www.filmaffinity.com/es/film678361.html



    Charlie Parker - 1988 - Bird [B. S. O. Warner]

    Se cuenta en el folleto que, tanto la película como el logrado evento musical de la banda sonora, deben su existencia a la dedicación de un aficionado al jazz de toda de la vida, Clint Eastwood. De adolescente, él tocaba ragtime y blues al piano en los clubes de Oakland, y en 1947 escuchó por primera vez a Charlie en un concierto del Jazz at the Philharmonic. La revelación fue tan flipante que Clint aún recuerda el nombre de cada músico que tocó con Charlie esa noche.

    Charlie And Dizzy

    Cuando, cuatro décadas después, la corta biografía de Yardbird se lleva a la gran pantalla de mano de Eastwood como director/productor y Lennie Niehaus como supervisor musical del film, ambos están de acuerdo en que ningún saxofonista de la escena Jazz de 1988 sería capaz de recrear el estilo personal de Parker; sólo el propio Bird podría hacer correctamente los solos de Bird. Él fue una de las pocas personas que cambiaron el rumbo del jazz en un espacio muy corto de tiempo; tocar saxofón nunca fue lo mismo después de la aparición de Parker en escena, e incluso reconocidos músicos como Coleman Hawkins cambiaron su estilo de tocar para integrar lo que Yardbird iba haciendo.

    charlie-parker


    Pero Parker murió un par de años antes de generalizarse las grabaciones estéreo, y los registros en monoaural no tenían muy buena sonoridad, de modo que usando sofisticadas técnicas para aislar los solos de Charlie, provenientes de diversas y curiosas fuentes, lograron rescatar el sonido limpio y reconstruir temas con el ambiente y el saxo del Maestro y el muy digno acompañamiento de artistas que nunca tocaron junto a él en vida. En estas sesiones con arreglos y arquitectura musical de Niehaus, logran recuperar para el estéreo de final de siglo XX, al mejor y más genuino Charlie Parker.

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    Charlie_Parker_jtaylor

    Listado de Temas:

    01 - Lester Leaps in - 04:49 min.
    02 - I Can't Believe that You're .. - 04:25 min.
    03 - Laura - 03:40 min.
    04 - All of Me - 03:37 min.
    05 - This Time the Dream's On Me - 03:44 min.
    06 - Ko Ko - 04:19 min.
    07 - Cool Blues - 02:17 min.
    08 - April in Paris - 03:17 min.
    09 - Now's the Time - 03:20 min.
    10 - Ornithology - 04:54 min.
    11 - Parker's Mood - 03:08 min.

    11 Temas - Tiempo Total: 00:41:30 - 226,86 MB 

    Músicos:
    Charlie Parker – Saxo Alto
    Monty Alexander – Piano 1,2,4,5,
    Barry Harris – Piano 3,8,11
    Walter Davis JR – Piano 6,7,9,10
    Ray Brown – Bajo 1,2,4,5,
    Chuck Berghofer – Bajo 3,8,11
    Ron Carter – Bajo 6,7,9,10
    John Guerin – Batería
    Charles McPherson – Saxo Alto 9,10
    John Faddis – Trompeta 6,10
    Red Rodney – Trompeta 9

    Lennie Niehaus ~~ Arreglos y Dirección Musical 
    Productor ejecutivo ~~ Clint Eastwood



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    Otro Regalo de Fredericio
    ApeVinyloRippeao @ 855
    Por Napi#10


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